Wie viel kosten die Werke auf der Artissima 2023? Unsere Auswahl von 15 Werken, mit Preisen

Die 30. Ausgabe der Artissima steht in den Startlöchern: Vom 2. bis 5. November wird die Messe für zeitgenössische Kunst in Turin Tausende von Besuchern in die Stadt locken. Das diesjährige Thema lautet " Relations of Care" (Beziehungen der Fürsorge), ein Konzept, das der brasilianische Anthropologe Renzo Taddei, Professor für Anthropologie an der Universidade Federal de São Paulo in Brasilien, in einem kürzlich erschienenen Essay entwickelt hat, der sich mit der Formulierung einer Hypothese zur Überwindung der Krisen unserer Zeit befasst und sich dabei vom indigenen Denken im Amazonasgebiet inspirieren lässt. Vier Sektionen der Messe(Main Section, New Entries, Monologue/Dialogue und Art Spaces & Editions), drei kuratierte Sektionen(Drawings, Present Future und Back to the Future), 181 Galerien, Hunderte von Werken.

Das ultimative Ziel jeder Kunstmesse ist natürlich der Verkauf, indem Galeristen und Sammler zusammengebracht werden. Die Artissima ist eine der wenigen Messen, die einen Online-Katalog haben, in dem man die Preise der Werke sehen kann, wenn auch nicht alle (bei den meisten Werken ist der Preis “auf Anfrage”). Wir sind durch die Galerien gegangen und haben einige interessante Werke ausgewählt, von denen viele einen Preis auf Anfrage haben, und wir schlagen daher eine Auswahl für jede Preisklasse vor, indem wir Werke von Galerien zusammenstellen, die uns erlaubt haben, Anfragen zu veröffentlichen (es gibt tatsächlich Künstler und Galerien, die es nicht mögen, dass die Preise ihrer Werke veröffentlicht). Hier ist also unsere Auswahl von fünfzehn Werken, jedes mit seinem Preis (oder seiner Preisspanne).

1. Camille Benarab-Lopez, Signes (2023). Präsentiert von der Galerie Chloe Salgado. Forderung: 900 Euro

Die 1989 in Paris geborene Camille Benarab-Lopez ist eine der... preiswertesten Künstlerinnen der Messe. Die Bildhauerin schafft Werke, in denen sich Figurativismus und Abstraktion vermischen, und formt Stücke, die direkt ihrer Fantasie entspringen. “Camille Benarab-Lopez”, schrieb die Kritikerin Margaux Bonopera, “produziert keine Bilder, sondern benutzt die von anderen, mehr aus Faszination als aus Bequemlichkeit. So sammelt sie verschiedene Dokumente, deren unterschiedliche Quellen ihren Werken einen zweideutigen Status verleihen. Ob Skulpturen oder Gemälde, seine Werke versuchen, funktionale und kohärente Einheiten zu schaffen, die wie die Erinnerung durch Fragmente, Neuinterpretation und Umschreibung funktionieren”. Signes ist eine neue Serie von kleinen Werken, die der Künstler zum ersten Mal auf der Artissima präsentiert.

2. Shamilla Aasha, Unauslöschliche Zeichen 2 (2023). Präsentiert von First Floor Gallery. Forderung: 1.500 Euro

Shamilla Aasha, 1977 in Simbabwe geboren, erforscht ihren multikulturellen Hintergrund als Shona- und Indianerfrau, die in der Region Matabeleland in Simbabwe lebt, indem sie Werke entwickelt, die sich mit der Verschmelzung traditioneller Kulturen und Praktiken befassen und damit, wie sich diese auf die Identität, die Spiritualität und den sozialen Status von ihr und anderen Frauen in ihrer Gemeinschaft auswirken. Aashas Werke umfassen Weberei und Tapisserie und interagieren mit der Idee und Geschichte der Malerei. Sie entstehen als weiche Skulpturen, Wandteppiche aus gefundenen Objekten und abstrakte Stickereien. Sie beschreibt sie als heilige Objekte, eine passende Metapher für ihre Erzählungen. Diese Metapher wird durch die Verwendung von Papiermustern, Textilien und Stickereien noch erweitert. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit fördert Shamilla Aasha die Kreativität durch ihren Asha Children’s Trust, eine Organisation, die sich für die Schaffung sicherer Räume für kreative Jugendliche einsetzt, in denen sie außerhalb des formalen Bildungssektors wachsen und gedeihen können.

3. Giulia Poppi, Schillernde Kompenetration (2023). Präsentiert von Fuocherello. Forderung: 4.000 Euro

Der Titel des Werks wurde von Giacomo Balla für die Skulptur der 1992 geborenen Modeneser Künstlerin Giulia Poppi übernommen. Sie wird von Fuocherello präsentiert, einer Galerie, die ihr Debüt auf der Artissima in der Sektion New Entries gibt und neue Werke von Andrea di Lorenzo und eben Giulia Poppi vorstellt. Die Arbeiten von Giulia Poppi zielen darauf ab, auf die Wahrnehmung des umgebenden Raums einzuwirken, indem sie mit skulpturalen Formen arbeiten, die oft über die physischen Grenzen des Objekts selbst hinausgehen. Auf der Artissima präsentiert Poppi eine Serie von Skulpturen, WEICHWEISSWEICH, die in Carrara entstanden sind und unter dem gewaltigen Druck von Wasser und Marmorquanten in ihrem Verwendungszyklus im Steinbruch geformt wurden, wo die Künstlerin sie abbaut. Im Gegensatz zu ihrer gewaltsamen Natur und als Zeugen tiefgreifender Veränderungen und Landschaftsnarben wirken sie trotz ihres Materials aus Eisen leicht, weich und in vertrauten Formen. Abgesehen davon, dass es sich um einen ausdrücklichen Verweis auf die Automobilindustrie handelt, die im Kontext der Stadt Turin und der industriellen Realität, die die Wiege der Galerie ist, so relevant ist, soll ihre Färbung den gesamten Prozess verwirren, indem sie die Farbe... von Käfern klaut.

4. Coady, Bauhaus 1 (2023). Präsentiert von Sandwich. Forderung: 4.850 Euro

Coady ist ein in Melbourne, Australien, lebender und arbeitender Künstler, der sozio-psychologische Themen erforscht und unsere Selbstwahrnehmung sowie die Unsicherheit unserer modernen mentalen Struktur hinterfragt. Im Mittelpunkt von Coadys Arbeit steht die Erforschung von Stimmungen und den Schwankungen zwischen manischen und konzentrierten Geisteszuständen. Seine Arbeiten hinterfragen Themen wie unsere Abhängigkeit von Drogen und die Komplexität unseres Selbstverständnisses in Echtzeit. Die technisch komplexen und detaillierten “Pillenskulpturen” von Coady spiegeln einen kontrollierten und ruhigen Geisteszustand wider und sprechen zu uns über die Grenze zwischen Kontrolle und Kontrollverlust, Realität und Fiktion, Wohlbefinden und Krankheit. Sie sind Werke von großer technischer Präzision und zielen darauf ab, unmittelbar auf das hinzuweisen, was zuvor vielleicht übersehen wurde, denn trotz der alltäglichen Präsenz von Pillen in unserem Leben, um alle Arten von Schmerzen schnell zu stoppen, könnte uns die subtile Eleganz ihres Designs ungewollt entgangen sein, bis all die Funktionalität vergrößert und einer gewissen Parodie unterzogen wurde.

5. Andrea Sala, National Park Blanket (2023). Vorgestellt von Federica Schiavo. Forderung: 6.000 Euro

Die Zeichnung ist seit jeher ein grundlegender Bestandteil der künstlerischen Praxis von Andrea Sala. Sie wird als Hauptwerkzeug verstanden, um die Formen zu erforschen, aus denen sich die Realität zusammensetzt, aber auch um die Möglichkeiten der Abstraktion und des Verständnisses jener Elemente zu erkunden, die von Natur aus nicht für die Bildhauerei geeignet sind. National Park Blanket ist die jüngste Zeichnungsserie von Sala: Der Künstler geht von der Untersuchung von Decken aus, die zur Geschichte von Völkern unterschiedlicher Herkunft gehören. “Ich war fasziniert”, sagt der Künstler, "von der sozialen Rolle, die man den Decken noch immer zuschreiben kann, und ich begann, sie mir als ein Display vorzustellen, das in der Lage ist, Handlungen, Gedanken und Objekte zu katalysieren, die zum alltäglichen Leben gehören, und das zu einer Landschaft wird, die als dynamisches System verstanden wird, das in der Zeit gewirkt hat und in der Gegenwart wirkt und alle seine Spuren trägt.

6. Marius Steiger, Stillleben (Spielzeug, Früchte, Blüten, Herzen, Schmetterling und Kugeln) (2023). Präsentiert von Blue Velvet Projects. Forderung: 12.000 Euro

Der 1999 geborene Schweizer Künstler Marius Steiger ist einer der interessantesten jungen Künstler, die auf der Artissima präsentiert werden. Er studiert derzeit Malerei am Royal College of Art und beschäftigt sich in seinem Werk mit Fragen der Identität, der Authentizität, der Künstlichkeit, des Konsumverhaltens und der Beziehung des Menschen zur modernen Technologie. Er schafft Werke, die reale Erzählungen mit Fiktion in einer strengen und doch romantischen Bildsprache verbinden und das Streben nach Perfektion ironisch in Frage stellen. Die Gesamtästhetik seiner besonderen still lives... deconstructed, die in gewisser Weise an die Werke des Amerikaners Wayne Thiebaud erinnert, vermittelt die digitale Welt, indem sie durch die Beleuchtung der Motive und die Körperlichkeit der Oberfläche auf den Bildschirm verweist. Die Preise variieren stark: Das hier gezeigte zwei Meter große Stillleben ist das anspruchsvollste Werk, während die kleineren Formate (30 x 25) für 1.800 Euro mit nach Hause genommen werden können.

7. Simone Forti, Nachrichtenanimation (2012). Präsentiert von Raffaella Cortese. Forderung: 13.000 Euro

Der 1935 in Florenz geborene Forti ist einer der großen Protagonisten der zeitgenössischen Performance der letzten fünfzig Jahre. Als Künstlerin, Choreografin, Tänzerin und Autorin hat sich Forti der Suche nach einem kinästhetischen Bewusstsein gewidmet, wobei sie sich stets auf Experimente und Improvisationen einließ. Indem sie die Beziehung zwischen Objekt und Körper durch Tierstudien, “Nachrichtenanimation” und Landschaftsporträts untersucht, hat sie das Konzept von Performance und Tanz neu konfiguriert. Raffaella Cortese zeigt mehrere “Nachrichtenanimationen” von Simone Forti, die seine Sichtweise auf die Nachrichten und die sozio-politischen Themen der Welt im Allgemeinen darstellen und zum Vorwand für die Erforschung der Sprache und ihrer Überschneidungen mit Tanz, Bildern und Musik werden.

8. Alessandro Piangiamore, Yesterday Ikebana 080320191 (2019). Präsentiert von Magazzino. Forderung: 16.000 €.

YesterdayIkebana von Alessandro Piangiamore ist eine 2018 begonnene Serie von Skulpturen, die durch das Gießen von Beton über eine Komposition frischer Blumen entstehen, die auf städtischen Märkten und auf der Straße weggeworfen werden. Das stets unvorhersehbare Endergebnis soll den Kontrast zwischen der flüchtigen Zerbrechlichkeit der Blumen und der Härte des Betons hervorheben und das Ephemere zu einer Art geätztem Stillleben kristallisieren. Der skulpturale Charakter des Werks wird dann durch eine bildliche Darstellung neu interpretiert, indem die “Ieri Ikebana” vertikal an einer Wand aufgehängt werden.

9. Marco Cingolani, Maison Nicolas Flamen (2022). Eingereicht von Thomas Brambilla. Antrag: 20.000 Euro

Auf der Artissima präsentiert Thomas Brambilla neue Werke von Marco Cingolani, einem absoluten Protagonisten der italienischen Malerei von den 1990er Jahren bis heute. Für diese neuen Werke beginnt Cingolani mit einem Zitat aus Ovids Metamorphosen, um das Goldene Zeitalter zu beschreiben: “Das Goldene Zeitalter war das erste, damals gab es weder Schmerz noch Traurigkeit [...] Die allerersten Menschen, die von den Göttern geschaffen wurden, lebten in der Zeit von Krónos. Es war das goldene Zeitalter, und die Welt war von einem ewigen Frühling umspült. Die Erde brachte spontan ihre Früchte hervor, ohne dass sie von der Harke berührt oder von den Pflugscharen zerrissen werden musste. Zephiren streichelten die Blumen, die ohne Samen geboren wurden, die Felder waren immer gelb mit Ähren, und Flüsse aus Milch und Nektar flossen über die Erde”. Das Goldene Zeitalter wird als eine Zeit beschrieben, in der es kein Leid und keine Arbeit gab, in der es nie an Nahrung mangelte und in der jeder in Harmonie mit der Natur leben konnte, und es endete erst, als Zeus Kronos entthronte und damit einen langsamen Niedergang der Menschheit auslöste. Ovid griff dieses Thema auf, um für die Herrschaft des Kaisers Augustus zu werben und die Idee einer Rückkehr zum antiken Glanz nach der Zeit der schrecklichen Bürgerkriege am Ende der Republik zu verbreiten. Im Laufe der Jahrhunderte griffen viele Künstler nach dem Vorbild Ovids dieses Thema im allegorischen und symbolischen Sinne auf, und vor allem in der Malerei wurde es auf unterschiedliche Weise neu interpretiert und an die geistigen und sozialen Vorstellungen angepasst. Marco Cingolani wollte mit dieser neuen Serie von Gemälden, die aus goldenen Pigmentabdrücken und Farbspuren bestehen, genau das tun: Er hat die Erzählung von Ovid aufgegriffen und neu interpretiert und präsentiert uns nun einen neuen Anfang. Cingolani hat sich in der Tat von dem anfänglichen Figurativismus entfernt, der ihn in den 1980er und 1990er Jahren so berühmt gemacht hat, obwohl die gleiche Beherrschung der Farbe und die Präsenz der kaum wahrnehmbaren Silhouetten, die immer in seinen Werken auftauchen, deutlich erkennbar bleiben.

10. Itamar Gov, Geliebte Zuflucht aller Fremden (2023). Präsentiert von Zilberman. Forderung: 25.000 Euro

Die Installation des 1989 geborenen israelischen Künstlers Itamar Gov greift die Worte der byzantinischen Historikerin Niketa Choniates auf, die gegen die Verwüstung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer während des Vierten Kreuzzugs im Jahr 1204 wetterte: “O Kaiserstadt, befestigte Stadt, Stadt des großen Königs, Tabernakel des Allerhöchsten, Lob und Gesang ihrer Diener und geliebter Zufluchtsort der Fremden, Königin der Königinnen der Städte, Lied der Lieder und Pracht der Pracht, und des seltensten Anblicks der seltenen Wunder der Welt, wer ist es, der uns von dir weggerissen hat wie liebe Kinder von ihrer anbetenden Mutter? Was soll aus uns werden?” Die Installation montiert die Worte von Choniates auf ein Gerüst, das an die Schilder auf den Dächern alter Hotels erinnert. Das Schild soll jedoch eine unterschwellige Zweideutigkeit bewahren: Seine Platzierung - losgelöst von jeglicher pragmatischen Funktion und in einem geschlossenen Raum platziert, anstatt auf einem hohen Dach zu glänzen - zeugt von einem gewissen Scheitern, einer Verpflichtung, die nicht vollständig eingelöst werden kann, und verweist auf die Kluft zwischen dem Versprechen eines Zufluchtsortes für alle Fremden und der konkreten Realität, die diese Fremden erwartet, weit weg von dem, was einmal ihre Heimat war. Itamar Gov setzt sich mit den komplexen Beziehungen zwischen Geschichte, Ideologie und Ästhetik auseinander und konzentriert sich dabei auf skulpturale und räumliche Installationen sowie auf Grafik- und Videoarbeiten, die mit verschiedenen Formen der persönlichen, kollektiven und institutionellen Erinnerung kommunizieren. Der Ausgangspunkt seiner Projekte, bei denen er mit einer Vielzahl von visuellen und theoretischen Werkzeugen arbeitet, ist eine untersuchende Skepsis gegenüber kulturellen Traditionen, Konventionen und Gesten, die als selbstverständlich angesehen werden. Govs Arbeiten basieren auf laufenden Recherchen und drehen sich um die Schnittstelle von Kunst und Politik, wobei er die Spannung zwischen dem Bekannten und dem Angenommenen hervorhebt und eine klare Grenze zwischen Tatsache und Lüge, Erinnerung und Vorstellung in Frage stellt.

11. Massimo Bartolini, Tau (2022). Präsentiert vom Magazzino. Forderung: 30.000 Euro

In dieser Auswahl von Werken von Artissima konnten wir den Künstler nicht auslassen, der Italien auf der nächsten Biennale von Venedig vertreten wird: Massimo Bartolini. Einer der seltenen “großen Namen”, deren Preise im Artissima-Katalog veröffentlicht werden: ein Verdienst des Magazzino, das als eine der wenigen Galerien (und auch als eine der wenigen, die etablierte Künstler anbieten) auf diese Strategie setzt. Im Magazzino werden mehrere Werke angeboten: eines der jüngsten ist Rugiada, ein Werk aus dem Jahr 2022, das aus Emaille auf Aluminium besteht, aber zu einer Serie gehört, an der Bartolini seit mehreren Jahren arbeitet und die er kürzlich auch in der großen Einzelausstellung Hagoromo im Centro Pecci in Prato gezeigt hat. Rugiada ist eine Serie von Gemälden, bei denen ein Aluminiumblech mit einer irisierenden, schillernden Farbe und anschließend mit einer künstlichen Emulsion, die Tau simuliert, überzogen wird. “Auch wenn sie wie abstrakte Formen erscheinen mögen, gehen diese Monochrome auf eines der Hauptthemen in Bartolinis Werk zurück: die natürliche Landschaft”, erklärt Kurator Luca Cerizza in den Texten von Hagoromo. “Wie der Titel andeutet, können die ’Taue’ tatsächlich als Fenster gelesen werden, auf denen sich Tau niedergelassen hat und von denen aus eine sich verändernde Landschaft zu sehen ist, so wie sich die Farbe der Gemälde mit der Bewegung des Betrachters verändert. Diese Werke inszenieren eine Spannung zwischen der Zweidimensionalität der Malerei und der Dreidimensionalität der Skulptur, zwischen dem Hintergrund (der Landschaft) und dem Vordergrund (dem Tau), zwischen Bewegung und Stillstand”.

12. Marinella Senatore, Lass es leuchten (2023). Präsentiert von Mazzoleni. Forderung: 50.000 Euro

Marinella Senatore gehört zu den bekanntesten Namen der zeitgenössischen italienischen Kunst und ist bei Mazzoleni mit Installationen und einer Reihe von Polyptychen wie diesem Make it shine vertreten. Die Verbindungen zwischen Räumen, die der Begegnung gewidmet sind, wie z. B. Plätze, und die transformative Kraft des sozialen Engagements sind einige der Schlüssel zu Marinella Senatores Arbeit, die ihre kreative Praxis auf die Ästhetik des Widerstands gründet. Ihre leuchtenden und neonfarbenen Werke konzentrieren sich auf die Gemeinschaft und die transformative Kraft der Kunst und der Beteiligung. Es sind Werke, die darauf abzielen, Individuen und Gemeinschaften durch Ermächtigung und die Macht des Lichts zu feiern, wie im Fall ihrer Deckenleuchten. Der Versuch, die Energie des Lichts einzufangen, findet sich auch in seinen Collagen wieder: musikalische Partituren, Fotografien, Skizzen und bewegte Silhouetten werden aus Momenten der School of Narrative Dance extrapoliert, seinem bekanntesten partizipativen Projekt, das 2012 ins Leben gerufen wurde und an dem über ein Jahrzehnt lang 8 Millionen Menschen in 23 Ländern teilgenommen haben.

13. Gilberto Zorio, Erinnerung in Pergament (2021). Präsentiert von Lia Rumma. Forderung: zwischen 120 und 150.000 Euro

Lia Rumma präsentiert, wie immer, einen ihrer führenden Künstler, Gilberto Zorio, einen großen Vertreter der Arte Povera. Gilberto Zorio schafft Kunstwerke, die chemische Prozesse, mechanische Umwandlungen und Energieaustausch in Anspielung auf die Evolution und die menschliche Existenz darstellen. Zorio verwendet ein spezifisches visuelles Vokabular mit hohem Wiedererkennungswert, nämlich das der fünfseitigen Sterne, die in seiner Kunst zu Symbolen für Bewegung, Energie und Transformation werden. Im Einklang mit den Prinzipien der Arte Povera verwendet er in seinen Werken traditionell nicht-künstlerische Materialien wie Metallgerüste, Schaumstoff und Kuhfell. Memory in Pergament, bei dem der inzwischen klassische Stahlstern auf einem unregelmäßigen Pergamenthintergrund befestigt ist, ist eines der jüngsten Werke des unermüdlichen piemontesischen Meisters, der 1944 geboren wurde.

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14. Leandro Erlich, Die Wolke - Pferd (2023). Präsentiert von Galleria Continua. Forderung: 175.000 €.

Ebenfalls auf der diesjährigen Artissima zu sehen ist eine der inzwischen berühmten Clouds von Leandro Erlich, die nach dem Erfolg der Mailänder Ausstellung auf der Messe präsentiert wird. Die Wolkenserie “hat sich im Laufe der Zeit verändert, so wie Wolken sich verändern und wandeln”, sagt Erlich. “Damals arbeitete ich an einem Projekt für ein Gebäude in Japan und musste Schirme entwerfen, die den Wind abhalten würden. Meine ersten Versuche führten zur ersten Cloud, einem Verbund aus mehreren Glasscheiben, die aus dem richtigen Winkel betrachtet wie ein dreidimensionales Bild wirken. Obwohl ich manchmal ein Werk von Anfang an plane und schon während der Arbeit weiß, in welche Richtung ich gehe, war diese Serie eine fortlaufende Erfahrung, bei der sich die Wolke herausbildete. Ich glaube nicht, dass eine Herangehensweise der anderen überlegen ist, der intuitive Prozess des Schaffens gegenüber dem kompletten Plan, aber es gibt etwas an dieser nebulöseren und zufälligen Erfahrung, das ich als Künstler schätze. Wie eine Idee ist auch die Wolke sowohl völlig real als auch illusorisch. Atmosphärische Wolken waren schon immer eine Projektionsfläche für den Menschen, aber gleichzeitig sind sie nicht mehr als ein momentanes Ereignis, das der Schriftsteller Jon Mooallem eine ”Verschwörung des Dampfes“ nennt. Dennoch schauen wir immer wieder in den Himmel, um nach Zeichen und Signalen zu suchen. Wir sehen, was wir uns vorstellen und was wir mit unserer Interpretation verbinden, wie den Rorschach-Test oder die Absichten anderer Menschen oder so viele andere Dinge, die wir uns mit unserem Verstand aneignen”.

15. Lucio Fontana, Spatial Concepts. Präsentiert von Tornabuoni Arte. Forderung: zwischen 800.000 und 2.600.000 Euro

Lassen Sie uns mit einem Namen schließen, der keiner Vorstellung bedarf. Tornabuoni Arte bringt große Kunst des 20. Jahrhunderts auf die Artissima, und es gibt auch drei großartige Werke von Lucio Fontana, die alle zusammen an einer Wand hängen: drei Raumkonzepte, die zur Serie der Schnitte (le Attese) und Löcher gehören. Die Preise gehören natürlich zu den höchsten auf der Messe.

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