Wie man die Biennale in Venedig besucht und glücklich ist

Um den amüsanten Titel eines Buches über zeitgenössische Kunst aus den frühen 2000er Jahren zu paraphrasieren, lautet der eigentliche Ratschlag, den man dem Publikum geben kann, das sich auf das Abenteuer der Biennale von Venedig einlässt, dass es sich ihr unvoreingenommen und frei von jeglichen Vorurteilen nähern sollte.

Die Biennale von Venedig ist keine normale Ausstellung (im Übrigen gibt es in der Geschichte der Ausstellungen keine angeblichen Parameter der Normalität mehr), sondern eine Erfahrung, eine Reise. Wie jede gute Reise wird sie im Voraus vorbereitet, und vor allem endet sie nicht in der Zeit ihres Aufenthalts, sondern entfaltet ihre Wirkung im Laufe der Zeit weiter.

Das Publikum, das sich entschließt, die Erfahrung der Biennale zu machen , muss sich mit den notwendigen Werkzeugen ausstatten, wie Neugier, Zeit, Ausdauer, oft Geduld, aber vor allem Freiheit des Blicks und kritisches Gewissen - jeder auf seine Weise. Obwohl sie von den meisten Konservativen als Luna Park der Kultur und manchmal als Supermarkt für die Elite betrachtet wird, ist die Biennale von Venedig mit ihrer charakteristischen Unterscheidung zwischen der zentralen Ausstellung in der majestätischen industriellen Archäologie der Arsenale und im ehemaligen italienischen Pavillon im Zentrum der Giardini und den nationalen Beteiligungen, die sich auf die antike Architektur der Giardini, Symbol einer rückständigen politischen Geographie zu Beginn des 20.Jahrhunderts, der Corderie und der Tese, die sich noch im Arsenale befinden, und vor allem in der herrlichen Kulisse der Stadt Venedig, ist ein Ereignis, das in jeder Hinsicht ein Spiegel der Zeit ist.

Es gibt unzählige Beispiele für kraftvolle Momentaufnahmen der Geschichte: vom unvergesslichen Balkan Barock von Marina Abramovi?, Leone d’Oro im Jahr 1997, einem synästhetischen Reinigungsritus, bei dem die Königin der Performance auf einem schaurigen Berg von 1.500 blutigen Rinderknochen sitzend mit unmissverständlicher Klarheit die ethnischen Säuberungen während des Krieges auf dem Balkan anprangerte, bis zu What Else Could We Talk About? der makabren Performance-Installation von Teresa Margolles für den mexikanischen Pavillon im Jahr 2009, und dem mutigen Akt der Anprangerung des ägyptischen Pavillons im Jahr 2011 mit der eindringlichen visuellen Darstellung des Arabischen Frühlings und der Unruhen auf dem Thirir-Platz, bei denen der Künstler, der junge Videoreporter Ahmed Basiouny, ums Leben kam, auf fünf Bildschirmen.

Auch die 59. Ausgabe der Biennale von Venedig hat dieses Ziel nicht verfehlt. Nach dem erzwungenen Stillstand eines Jahres, der durch die Pandemie Covid 19 verursacht wurde, fällt ihre begehrte Eröffnung mitten in einen grausamen internationalen Konflikt im Herzen Europas, der die Ideale der Freiheit der Kunst selbst ebenso untergräbt wie das etablierte, wenn auch philosophisch überholte Format, das Beste der bildenden Kunst jeder teilnehmenden Nation zu präsentieren. Die Abwesenheit Russlands, das sich wenige Tage nach dem Einmarsch in die Ukraine zurückzog, die plötzliche Einrichtung des so genannten “ukrainischen Platzes” durch die Biennale-Organisatoren im Bereich der Giardini.auf dem Totems aus Sandsäcken stehen, um die traurige Kriegspraxis des Versuchs, Denkmäler zu erhalten, zu simulieren, und vor allem die signifikante Präsenz des ukrainischen Pavillons und seines Teams, dessen Ankunft in der Lagune in den zwei Monaten vor der Eröffnung eine traurige epische Anmutung hatte, können für sich genommen das Symbol für die eigentliche Bedeutung der Biennale Venedig sein: ein Thermometer der Gesellschaft.

Die Ernennung einer weiblichen Kuratorin, zum ersten Mal eine Italienerin, obwohl sie in New York ansässig ist (Emanzipation mit einem halben Seufzer), war ein politisches Zeichen, das sich in der Ausstellung The Milk of Dreams deutlich widerspiegelt. Cecilia Alemanni brach mutig mit der Macho-Tradition des Kunstsystems, indem sie 191 Künstlerinnen unter den insgesamt 213 Teilnehmern einlud. Na endlich! Die Weiblichkeit der Ausstellung ist selbst für den uninformierten Besucher unverkennbar, ebenso wie die Aufmerksamkeit für ferne Welten und soziale Kategorien am Rande. Bewundernswert ist der Versuch, die Werke in Abschnitte und Mikrogeschichten von der Magie bis zum Surrealismus, vom Körper bis zur Maschine zu systematisieren, um sich in einer multimedialen und multirassischen Produktion zu orientieren. Eine solche Fülle von Werken (1433, zweifellos auch aufgrund der größeren Zeit, die für die Vorbereitung des unumgänglichen Kunstereignisses zur Verfügung stand) kann den Besucher jedoch nur verwirren, dem wie einem guten Reisenden eine unverzichtbare Karte und vielleicht ein Taschenführer empfohlen wird.

Schließlich die Preisverleihung! In diesem Jahr fällt auch dem Laien die monolithische Einheitlichkeit der Preise auf, die vor allem an Frauen vergeben wurden... auch das ist ein Schlüssel zum Verständnis der Entwicklung der Kunst, so hoffen wir. Aber ohne das Werk von Simone Leigh zu schmälern, die als beste Künstlerin ausgezeichnet wurde, mit ihrer doppelten Präsenz am Eingang der Arsenali-Ausstellung und als Vertreterin des Pavillons der Vereinigten Staaten, der zu diesem Anlass in eine Hütte verwandelt wurde, oder von Sonia Boyce, die den Goldenen Löwen für die beste nationale Beteiligung mit ihrer fesselnden Installation Feeling Her Way für Großbritannien gewann, könnte es sich die Kunst leisten, etwas weniger politisch korrekt zu sein.

Dieser Beitrag wurde ursprünglich in Ausgabe 14 unseres Printmagazins Finestre Sull’Arte Magazineveröffentlicht . Klicken Sie hier, um es zu abonnieren.

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