So lebt die spanische Gegenwartskunst: das Beste von Apertura Madrid 2023

56 Galerien in ganz Madrid, Ausstellungen von nationalen und internationalen Künstlern, vier Tage lang Vorbesichtigungen, Eröffnungen, Führungen und vieles mehr: Die vierzehnte Ausgabe von Apertura Madrid Gallery Weekend, dem Wochenende der zeitgenössischen Kunst in den Galerien der spanischen Hauptstadt, ist vielleicht die bestbesuchte aller Zeiten. Mit dem Ziel, die zeitgenössische Kunst einem möglichst breiten Publikum näher zu bringen, bietet Apertura ein Programm mit kostenlosen Aktivitäten wie die gemeinsame Öffnung aller Galerien, ein Veranstaltungsprogramm und geführte Besichtigungen der Ausstellungen. Darüber hinaus bieten die Galerien vier Tage lang einen einzigartigen Rundgang durch die Ausstellungen in verschiedenen Stadtvierteln wie Chamberí, Salesas, Lavapiés, Letras und Salamanca an, natürlich zusätzlich zu den Ausstellungen im Stadtzentrum.

Eine Gelegenheit also, die zeitgenössische Kunst einem breiten Publikum näher zu bringen. Die madrilenischen Galerien sind während der viertägigen Veranstaltung zu verlängerten Öffnungszeiten geöffnet: Donnerstag von 12.00 bis 22.00 Uhr, Freitag und Samstag von 11.00 bis 20.00 Uhr und Sonntag von 11.00 bis 20.00 Uhr. Abgerundet wird die Madrider Veranstaltung durch ein Programm von Aktivitäten, die für die Öffentlichkeit kostenlos zugänglich sind und Führungen sowie Besuche im öffentlichen Raum umfassen, um die Kunstwerke auf den Straßen, Plätzen und in den Gebäuden Madrids zu entdecken. Wir haben einen Rundgang durch die Madrider Galerien unternommen: Es zeigt sich eine besonders lebendige und junge Szene, die sich einer internationalen Dimension öffnet.

Eröffnung

Eröffnung

Der Rundgang kann bei Maisterravalbuena und der Einzelausstellung Campos poéticos der Schweizer Künstlerin Silvia Bächli (Baden, 1967) beginnen. Zwanzig Gouache-Arbeiten auf Papier in verschiedenen Formaten und aus verschiedenen Epochen, darunter auch neuere Werke, die zum ersten Mal ausgestellt werden. Die von der Künstlerin selbst konzipierte Ausstellungsgestaltung nimmt Anleihen bei der Installation als künstlerischer Gattung und ist ein zentraler Bestandteil des Werks, mit dem sie die Bedeutung der physischen Erfahrung des Betrachters hervorhebt. Bächli realisiert subtile und nicht invasive zweidimensionale Eingriffe, die die Voraussetzungen für die Begegnung mit dem Kunstwerk als Umgebung schaffen: In der Beziehung zwischen Zeichnung und Architektur zeigen sich auch visuelle Lücken, die jedoch mit Informationen aufgeladen sind, z.B. die Erinnerung an die Bewegung des Körpers des Künstlers beim Malen, die in der unsichtbaren Kontinuität der harmonischen Proportionen und des Rhythmus der Pinselstriche präsent ist. Bächlis Werk ist Wiederholung, Darstellung und Präsenz des Körpers, wobei der Künstler Linie und Fläche als poetische Synthese von Ausdrucksgrundlagen verwendet und die Dimensionen des Papiers die organischen Grenzen der körperlichen Gesten während des kreativen Prozesses vermitteln, vom performativen Akt bis zur Gestaltung und Inszenierung der Ausstellung. Der Deutsche Jürgen Klauke (Kliding, 1943) stellt bei Helga de Alvear mit Kreuz & Queer aus: Das Werk des Kölner Künstlers stellt die Frage nach der Geschlechterdifferenz auf eine oft sogar radikale Art und Weise, und zwar mit Zeichnungen, in denen alles miteinander verwoben und verstrickt ist, basierend auf einer Ästhetik von Schwarz und Weiß, von Raum und Leere, Formen, die in Figurationen eingeschrieben sind, die sie überlagern, trennen und gleichzeitig verbinden und eine “transformative” Funktion zu haben scheinen: was außen weiß aussieht, ist innen schwarz und umgekehrt. Sie spielen also die paradoxe Rolle des Enthüllens und Verbergens. In ihrer Gesamtheit betrachtet, offenbaren die Zeichnungen ein komplexes Zusammenspiel von positiven und negativen Polaritäten, von konkreter oder fragmentierter Körperlichkeit, von erotisch aufgeladenen Motiven und entindividualisierten Komponenten, von innen und außen.

Von Juan Silió kommt die einheimische Künstlerin Belén Rodríguez (Valladolid, 1981) mit I danced myself out of the womb: Werke, die aus dem Kontakt der Künstlerin mit der Natur entstehen. Viele ihrer Werke bestehen aus Stoffen, die mit natürlichen Waldelementen gefärbt sind: Eiche, Eukalyptus, Kastanie, Birke, Walnuss, Lorbeer... Durch die Tagebücher der einzelnen Farbversuche, die auf halbem Weg zwischen einem Herbarium und einem Textilmusterbuch liegen, und durch Werke, in denen die Stoffe zart den Rahmen weben, schafft Rodríguez ein Porträt des Waldes und nimmt gleichzeitig das Erbe der Malerei und der Bildhauerei als Kunst auf, indem er es auf das überträgt, was er als aktuelle Bedürfnisse ansieht und von einem Leben erzählt, das wild und frei bleiben muss. Mehr spanische Kunst in der Galería Silvestre , wo wir Los cuerpos inesperados von Vicente Blanco (La Coruña, 1974) besuchen, eine Ausstellung, in der der Künstler sein neues Werk vorstellt, in dem er weiterhin Fragen im Zusammenhang mit den Veränderungen des Territoriums, der Landschaft und der Natur der ländlichen Welt, in der er lebt, untersucht. In seinem Werk werden diese Fragen auch durch eine Perspektive auf die Konstruktion der männlichen Identität aufgeworfen, die über eine Vision der Beherrschung hinausgeht und diese neu untersucht, um andere Imaginationen zu schaffen, mit denen man einem Widerstand gegen seine Umwelt begegnen kann. Seine Zeichnungen zeigen eine vernetzte Sinneswelt, in der der Bleistiftstrich wie eine Haut die Wesen und Bindungen, aber auch die Gewalt, die ihn bewohnt, aufnimmt.

ächli, Campos poéticos (Gedichte)

Die Ausstellung Mecanismos del humor von Pere Llobera (Barcelona 1970) in der F2 Galería ist einzigartig: eine Ausstellung, die eine “komische Befreiung” ist, wie der Künstler sie definiert, etwas, “das jenen unpassenden Witzen in den letzten Reihen von Beerdigungen ähnelt, mit denen wir die Realität in unangenehmen Momenten unterstützen”. Laut Llobera ist ein Tag ohne Humor ein vergeudeter Tag, wie Buñuel zu sagen pflegte: Die Ausstellung erforscht daher die Gründe für den Humor, versucht zu verstehen, warum er so wichtig ist, nicht nur für den Künstler (“als mein Sohn zum ersten Mal lachte, konnte ich aufatmen”, sagt er), sondern auch für uns alle. Von Spanien geht es weiter nach Südamerika zu der chilenisch-peruanischen Künstlerin (gebürtige Portugiesin) Ivana de Vivanco (Lissabon, 1989), die in der Galerie Ryder ihre Einzelausstellung La yegua de Santiago präsentiert: Die Ausstellung geht von der Annahme aus, dass historische Erzählungen immer vom Epos einer kriegerischen und aristokratischen Klasse (Helden, die Schlachten zu Pferd gewinnen, Könige, die gegen andere Könige kämpfen usw.) genährt wurden. Nach und nach hat sich dieses Epos der Gewalt und des Missbrauchs in unserer Geschichte der Vergangenheit festgesetzt und uns zu der Annahme verleitet, dass diese Art der “Geschichtsschreibung” die einzig mögliche sei. Mit La Yegua de Santiago lädt uns Ivana de Vivanco ein, darüber nachzudenken, dass.... wir uns vielleicht geirrt haben. Und das tut sie mit Gemälden, die an den lateinamerikanischen Barock erinnern und theatralische Szenen mit geheimnisvollen Atmosphären voller Metaphern und soziopolitischer Bezüge vermischen.

Die Galería Marta Cervera hingegen präsentiert einen Künstler aus der Vergangenheit, den Amerikaner Bob Smith (Robert B. Smith; Springfield, 1944 - Miami, 1990): Mit der Ausstellung Días de oro y plata werden Zeichnungen, Stiche, Objekte und Leinwände ausgestellt, die während des langen Aufenthalts von Bob Smith in Madrid entstanden sind und in denen sich persönliche Erfahrungen und Emotionen seiner Reisen durch Europa und den Nahen Osten herauskristallisieren. Nachdem Smith durch Europa gereist war und ein Jahr in Marokko verbracht hatte, wo er das Handwerk der Holz- und Silbereinlegearbeiten erlernte, beschloss er, sich in Madrid niederzulassen und zu arbeiten. So gelangte sein Werk in die Galeria Vandrés, die in den 1970er Jahren ein wichtiges Zentrum der Avantgarde war. In diesem Jahrzehnt stellte der Künstler regelmäßig in Spanien, Frankreich, Deutschland und Italien aus und war 1973 auf der Pariser Biennale im Musée d’Art Moderne vertreten. Er erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter das Stipendium der Pollock-Krasner-Stiftung, und 2022 fand eine Retrospektive seines Werks in der Martos Gallery in New York statt. Inmaculada Salinas (Guadalcanal, 1967) hingegen ist die Protagonistin in der Galerie 1 Mira Madrid mit der Ausstellung La voz a ti debida, die sich mit Themen befasst, die der Künstlerin am Herzen liegen, angefangen bei der Arbeit. In der Tat möchte Salinas grundlegende Fragen zur Emanzipation der Arbeit und zur Gewalt aufwerfen, indem er Elemente und Bilder aus der Realität sowie Zeichnungen und kalligrafische Übungen verwendet, die, immer wieder wiederholt, eine Erzählung über die Faktoren, die zu dieser Situation und ihren Folgen geführt haben, bilden. Diese Werke, die eine der umfangreichsten und komplexesten Serien seiner gesamten Produktion darstellen, sind Übungen zur Erinnerung und Autobiografie. Sie erzählen von der Handarbeit als Denkweise, vom Widerstand gegen jede Logik der Kapitalproduktion, von den damit verbundenen ökonomischen Bedingungen, von der Dynamik des Studiums außerhalb des Ateliers und von der Zeit, die man mit Arbeit verbringt. Und auch über das Recht auf Faulheit und das Kritzeln als Meisterwerk.

Ivana de Vivanco, Die Jungfrau

Bob Smith,

Bob Smith, Die Tage des

, Die Stimme, die du schuldig bist

Rosa Santos präsentiert die Ausstellung Y septiembre es claro y azul de nuevo der jungen María Tinaut (Valladolid, 1991): Dies ist die zweite Einzelausstellung von María Tinaut in der Galerie Rosa Santos, die erste am Standort Madrid. Bei dieser Gelegenheit stellt die Künstlerin ihre neuen Werke vor, die zwischen Fotografie und Malerei angesiedelt sind. Die Verschiebung und Verwischung der Grundlagen der Darstellung in der fotografischen und malerischen Sprache soll in diesem Werk die Frage nach der Urheberschaft aufwerfen. Santiago Giralda (Madrid, 1980) hingegen ist der Künstler, der im MPA Moisés Pérez de Albéniz mit der Ausstellung Los años luz vertreten ist . Der Künstler malt Landschaften nach Bildern, die er mit seiner Kamera aufnimmt oder im Internet sammelt. Giraldas Kompositionen unterstreichen die Idee der zeitgenössischen Landschaft als kulturelle Konstruktion, bei der die Vielzahl von Bildern, Texten und Referenzen, die sie definieren, wichtiger sind als ihre eigentliche Natur. “Das Projekt”, erklärt der Künstler, “reflektiert die Position, die die Natur im zeitgenössischen Kontext einnimmt, in dem vorgefertigte Räume die natürlichen Bedingungen ersetzen. In der städtischen Umgebung wird das Natürliche unnatürlich. In der Malerei stelle ich Landschaften dar, um Hypothesen darüber aufzustellen, wie dieser Wandel unsere Wahrnehmung der Umwelt und der Gegenstände, die sie durchqueren, beeinflusst hat. Die Malerei ermöglicht es mir, meine Bilder mit der Geschichte zu verbinden. Durch einen intensiven Malprozess betone ich den physischen und zeitlichen Aspekt der Malerei, da die Materie im Laufe der Zeit manuell moduliert wird. Damit möchte ich eine Erfahrung provozieren, bei der der Betrachter einen Moment der Kontemplation abseits des Medienrausches findet”.

Mexican Moris (Israel Meza Moreno; Mexiko-Stadt, 1978) stellt bei NF / Nieves Fernández mit La cárcel a cielo abierto, Moris’ dritter Einzelausstellung in der Galerie, aus. Der Künstler nutzt die soziale Basis seiner Arbeit, um auf Probleme wie Migration, Armut, Straflosigkeit und Korruption hinzuweisen. Diese Probleme sind trotz ihrer Schwere so normalisiert worden, dass sie als natürlich erscheinen und die gemeinsame Vorstellung von Freiheit in Frage stellen. In den letzten Jahren hat sich Moris’ Praxis in Richtung Opposition verlagert, was es ihm ermöglicht hat, seine Arbeit in einem neuen Terrain zu verorten, in dem Jahrhunderte der Macht, der Armut und der sich im Wiederaufbau befindenden Gesellschaften schockierend aufeinandertreffen. Die Ausstellung präsentiert eine Sammlung von Bildern aus verschiedenen Genealogien mit dem Ziel, das Multiversum sichtbar zu machen und die Bedeutung der visuellen Sprache zu erweitern. Stattdessen stellt ein Künstlerinnenpaar in der Galerie Lucía Mendoza aus: Barbara Fluxá (Madrid, 1974) und Lucía Loren (Madrid, 1973) sind die Protagonistinnen von Producir mundo entre redes y marañas, einer Ausstellung, in der die beiden Künstlerinnen untersuchen, wie die menschlichen Prozesse, die die “Welt” hervorbringen, absolut von den systemischen Beziehungen abhängig sind, die das Netz des Lebens erhalten. Fluxá und Loren schlagen vor, die Landschaft durch eine relationale Perspektive als das Netz von Organismen, Ökosystemen und geochemischen Kreisläufen zu betrachten, aus denen die Erde besteht. Ihre multidisziplinären Installationen aus Videos, Zeichnungen, Fotografien, Interventionen, Skulpturen und Naturmaterialien zielen darauf ab, dieses Netzwerk von Interdependenzen zu fördern und einzufordern. Ein erweitertes Netzwerk der Kreativität zwischen Menschen und Nichtmenschen, das wir heute mehr denn je im Gleichgewicht halten müssen.

María Tinaut, Ywie neu)

Santiago Giralda, Los años(Das Licht der Jahre)

Barbara

Ein spanischer Künstler von internationalem Ruf stellt bei Daniel Cuevas aus: José Manuel Ballester (Madrid, 1960) mit Universo Bipolar, das im Anschluss an seine jüngsten Reisen in Länder wie Brasilien, China, Kuba und Russland (allesamt im kommunistischen Orbit) entstanden ist. Er stellte fest, dass diese Orte von einer politischen, sozialen und wirtschaftlichen Situation geprägt sind, die er als “bipolar” bezeichnet. Das heißt, es handelt sich um Länder, die sich in allen ihren institutionellen Bereichen in einem ständigen Streben nach Veränderung und Entwicklung befinden, die sich aber aus unserer Sicht in all ihren Bereichen in einer ständigen “Rückentwicklung” zu befinden scheinen. In dieser Ausstellung präsentiert Ballester seine Vision der Situation dieser Länder, die sich in einem ständigen Auf- und Abbau befinden, anhand der Architektur und Infrastruktur der Städte, die er im Laufe der Jahre besucht hat, wie Havanna, Brasilia oder Moskau. Ein weiterer etablierter Maler, der Kubaner Ariel Cabrera (Camagüey, 1982), stellt im Álvaro Alcázar mit Zonas húmedas aus, einer monografischen Ausstellung, in der der Künstler alle Serien präsentiert, die er im Laufe seiner Karriere gleichzeitig geschaffen hat und in der das Vergnügen als Leitmotiv erscheint. Cabreras Werk enthält unendlich viele Geschichten und Bedeutungen, die der Vorstellungskraft des Künstlers entspringen und immer auf dem Thema der kubanischen Geschichte basieren. Durch eine Neuinterpretation historischer Archive, die einem Filmemacher näher steht als einem Maler, komponiert Cabrera etwas, das wie eine Collage zwischen “Ausschnitten” alter Fotografien und Szenen unbeschwerten Vergnügens wirken könnte. Aus diesem Dualismus ergibt sich sein so genannter “Neohistorismus”: Seine Figuren haben spielerische und fleischliche Begierden, sind weniger militärisch und mehr menschlich und ähneln eher pornografischen Postkarten als den Helden der traditionellen kubanischen Malerei. Cabreras Werk liegt ein tiefes Wissen über die Geschichte seines Heimatlandes sowie seine Vergangenheit als Sammler von Tafeln aus dem 19. Jahrhundert, von Zeitungen und Fotografien aus dieser Zeit sowie von Reisebüchern zugrunde, zu denen noch seine große Leidenschaft für das italienische Kino hinzukommt. All diese Zutaten dienen als formale Ressource für die Entwicklung eines Stils, der auf reichem Chromatismus, Licht- und Farbkontrasten und verschiedenen Ebenen basiert.

Die Galerie We Collect hingegen stellt einen jungen Künstler vor: Romain Blanck (Düsseldorf, 1995) präsentiert mit Faux raccord aktuelle Gemälde, in denen der Künstler vertraute grafische Formen, Linien, Zeichen, Gesichter und Symbole auswählt, die er auf Papierblättern gefunden hat, die er in Geschäften für Kunstzubehör gesammelt hat, oder die er direkt in Anwendungen der sozialen Medien gefunden hat. Überall herrscht ein Gefühl der Dringlichkeit, das durch internetbasierte Elemente und die Wiederholung desselben Bildes und derselben Formen in verschiedenen Gemälden diktiert wird, was die künstliche Spontaneität der Werke noch verstärkt. Im Ausstellungsraum beherbergen zwei grüne Wände eine Reihe von Gemälden, die an die Farbe eines grünen Bildschirms erinnern, in den jedes beliebige Element aus einer anderen Quelle eingefügt werden kann, so wie es auch in den Gemälden geschieht. Man kann in der Malerei von Romain Blanck etwas sehr Vertrautes erkennen, aber auch etwas, das scheitert, wie im Fall des Ausdrucks “falscher Freund”, der davor warnt, dass man ein Wort aufgrund seiner formalen Ähnlichkeit mit unserer Sprache falsch übersetzen könnte. Schließlich wurde der Fotografie mit dem Künstler als Clown von der etablierten finnischen Künstlerin Elina Brotherus (Helsinki, 1972) in der Camara Oscura Raum gegeben: “Nachdem ich mich zwanzig Jahre lang in meinen Fotografien ’benutzt’ hatte, fühlte ich mich, als hätte ich alle Posen gemacht, die ich mit meinem Körper machen konnte”, sagt die Künstlerin. Der Ausweg aus dieser Sackgasse kam durch die Wiederentdeckung von Fluxus. Anlässlich seiner Nominierung für den Prix Elysée im Jahr 2016 begann Brotherus, die Partituren von Fluxus-Veranstaltungen und andere Anleitungen für Künstler als Grundlage für seine Arbeit zu verwenden. Die Serie Meaningless Work, die dieser Ausstellung zugrunde liegt, ist ein noch laufendes Projekt: Die Serie ermöglicht es ihr, neue Entdeckungen zu machen, während sie weiterhin das tut, was sie am besten kann. Brotherus gehört heute zu den bekanntesten finnischen Künstlern: Ihr Werk wechselt zwischen autobiografischen und kunsthistorischen Ansätzen.

José Manuel

Ariel Cabrera,

Romain Blanck,Schnur

us, Künstlerin als Clown

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