Reportage von der Modenantiquaria 2025: unsere Auswahl der interessantesten Werke (mit Preisen)

DieModenantiquaria ist eine der wichtigsten Veranstaltungen in der italienischen und internationalen Antiquitätenszene, und die Ausgabe 2025, die vom 8. bis 16. Februar stattfindet, wird die Erwartungen der Liebhaber und Experten des Sektors nicht enttäuschen. Die Messe, die jedes Jahr auf der Modena Fiere stattfindet, hat auch in diesem Jahr Kunstwerke und Sammlerstücke von großem Wert präsentiert. Für Kunst- und Antiquitätenliebhaber ist die Modenantiquaria eine wichtige Gelegenheit, Objekte zu bewundern und zu erwerben, die die Geschichte unserer Kultur erzählen, von Gemälden über Skulpturen bis hin zu zeitgenössischen Möbeln und Designobjekten. Aber es ist nicht nur die ästhetische Schönheit, die die Aufmerksamkeit auf sich zieht: Die Messe ist auch ein privilegiertes Schaufenster, um zu entdecken, wie vielfältig und faszinierend der Antiquitätenmarkt sein kann, der jedes Jahr Werke von unbekannten Meistern, aber auch echte Raritäten bietet, die Gefahr laufen, dem historischen Gedächtnis zu entgehen, wenn sie nicht sorgfältig aufbewahrt werden.

In dieser Ausgabe haben wir einige der interessantesten Werke ausgewählt, mit besonderem Augenmerk auf diejenigen, die von der Seele und der Geschichte der Emilia erzählen. Die Kunst der Emilia, die im Mittelpunkt der Modenantiquaria steht, ist in der Tat ein Universum, das reich an künstlerischen Traditionen und Einflüssen ist, die von der Renaissance bis zum Barock, aber auch von modernen Techniken bis zur zeitgenössischen Kunst reichen. Jedes Werk, das auf der Messe präsentiert wird, hat seine eigene Geschichte und Faszination. Die Auswahl von Finestre sull’Arte soll nicht nur die historische Bedeutung der Werke hervorheben, sondern auch die Vielfalt und den Reichtum der Werke. Hier ist also unsere Auswahl, wie immer mit den Preisen der Werke.

1. Giovanni Antonio Bazzi, Madonna mit Kind und Heiligen, bekannt als Pala Tacoli (um 1490; Tempera auf Leinwand, 224 x 138 cm). Forderung: 800.000 Euro. Präsentiert von: Antiquitätengalerie Cantore

Das wahrscheinlich teuerste Werk der Messe, das von der Cantore Galleria Antiquaria präsentiert wird, ist eines der bedeutendsten Werke der Emilia des 15. Jahrhunderts, das sich noch in Privatbesitz befindet: der Tacoli-Altar (oder Grossi-Altar) von Giovanni Antonio Bazzi (nachweislich von 1487 bis 1518 in Bologna, Parma und Reggio Emilia tätig), einem emilianischen Maler, der denselben Namen trägt wie der berühmteste piemontesische Renaissance-Maler mit dem Spitznamen “il Sodoma”. Das Gemälde stammt aus dem zerstörten Oratorium der Empfängnis der Heiligen Jungfrau in Reggio Emilia: Es ist als “Grossi-Altar” bekannt, weil es einst der gleichnamigen Familie gehörte, die es 1960 erwarb, aber es ist korrekter, es als “Tacoli-Altar” zu bezeichnen, da man annimmt, dass der Auftraggeber der Adlige Ludovico Tacoli aus Reggio Emilia war, der das Patronat über die ebenfalls zerstörte Kirche San Giacomo in der Nähe des Oratoriums der Empfängnis innehatte. Das Werk ist eines der seltenen Zeugnisse dieses schwer fassbaren Malers, der deutliche Anleihen bei der Ferrareser Malerei von Ercole de’ Roberti und Francesco del Cossa aufweist. Das Werk wurde 2014 von dem Wissenschaftler Antonio Buitoni definitiv Bazzi zugeschrieben, der das Altarbild von Tacoli mit zwei Fresken in San Giovanni Evangelista in Parma verglich, die die Signatur des Künstlers tragen.

2. Ludovico Carracci, Susanna und die alten Männer (Öl auf Kupfer, 34 x 24 cm). Forderung: 160.000 Euro. Präsentiert von: Die zwei Türme

Es handelt sich um eine verkleinerte Replik des großen Gemäldes von Ludovico Carracci (Bologna, 1555 - 1619), das sich heute in der Sammlung der BPER Banca befindet. Letzteres wurde von Carlo Volpe Carracci zugeschrieben: Dem Gelehrten zufolge handelt es sich um das Gemälde, das Carlo Cesare Malvasia in seiner Felsina pittrice 1678 “in Venedig im Hause Vidman” gesehen haben will. Das Gemälde, das die biblische Geschichte der Susanna darstellt, war von Anfang an für die private Andacht bestimmt und zeichnet sich durch eine starke Dramatik und Sinnlichkeit aus. Die Szene, die die Heimtücke der beiden alten Männer gegenüber Susanna im Garten darstellt, ist mit einem Realismus ausgeführt, der die Sinnlichkeit des Körpers der jungen Frau, die das Objekt der Begierde der beiden alten Männer ist, hervorhebt, aber auch mit ihrer Scham und ihrem Schmerz kontrastiert. Susannas Position mit ihrer entblößten Nacktheit und ihrer abwehrenden Geste unterstreicht den Konflikt zwischen dem Begehren der beiden alten Männer und dem Widerstand des Mädchens. Die moralisierende Absicht zeigt sich jedoch in der Wahl, den gewalttätigen Aspekt der Szene zu betonen, um die Lektion der Tugend, die Susannas Geschichte vermittelt, hervorzuheben, eine Botschaft, die auch durch die Anwesenheit des weinenden Engels verstärkt wird. Darüber hinaus zeigt der Verweis auf Michelangelos Pose der Susanna, die der Eva in der Sixtinischen Kapelle ähnelt, eine klare stilistische Anleihe bei Michelangelo.

3. Carlo Bononi, Der Genius der Künste (1621-1622; Öl auf Leinwand, 120,5 x 101 cm). Forderung: 150.000 Euro. Präsentiert von: Goldfinch Fine Arts

Eines der wichtigsten Werke aus dem Schaffen von Carlo Bononi (Ferrara, 1569 - 1632) ist Das Genie der Künste, das auch das Titelbild der großen Ausstellung über den Ferrareser Künstler zierte, die 2018 im Palazzo dei Diamanti stattfand. ist die Darstellung eines geflügelten jungen Mannes mit lorbeergekröntem Haupt, der einen weiteren Lorbeerkranz auf eine Reihe von Gegenständen legt, nämlich ein Saiteninstrument (wahrscheinlich eine Bratsche), ein Buch, den Kopf einer Büste, eine Palette, eine Laute, eine Posaune, ein Notenbuch, einen Winkel und einen Zirkel. Alles Elemente, die es erlauben, die Figur als Genius der Künste zu identifizieren, der die mechanischen und freien Künste schützt und verherrlicht. Das Werk, das bereits in den 1960er Jahren von Hermann Voss Bononi zugeschrieben wurde, zeigt deutliche karawaggeske Einflüsse und kann daher in die Zeit nach Bononis vermutetem Aufenthalt in Rom datiert werden. “Ein Meisterwerk”, so Giovanni Sassu, “das es an Sinnlichkeit mit den anderen bekannten Ableitungen von Caravaggios Vorbild aufnehmen kann”, nämlich dem Amor vincit omnia in der Gemäldegalerie in Berlin.

4. Michelangelo Anselmi, Madonna mit Kind, Heilige Katharina und Heilige Klara (um 1530; Öl auf Leinwand, 39,8 x 35,7 cm). Forderung: 150.000 Euro. Präsentiert von: Galerie Carlo Orsi

Michelangelo Anselmi (Parma, 1492 - Lucca, 1554) war einer der raffiniertesten und bedeutendsten Künstler des frühen 16. Jahrhunderts in Parma. Jahrhunderts. Sein Werk zeichnet sich durch eine Verschmelzung der Stile aus, die zunächst von Correggio und der römischen Malerei beeinflusst und später durch den Kontakt mit Parmigianino bereichert wurde. In die Zeit nach den frühen 1920er Jahren, in der Anselmis Bildsprache komplexer wurde, fällt das von Carlo Orsi in die Modenantiquaria gebrachte Tafelbild, das den Übergang zu einer reiferen und anspruchsvolleren Phase seiner Kunst bezeugt, insbesondere nach Parmigianinos Rückkehr in die Emilia nach der Plünderung Roms. Das fragliche Gemälde ist seit Mitte des 19. Jahrhunderts dokumentiert, als es in der Sammlung von Sir Francis Baring, dem ersten Baron von Northbrook, einem Mitglied der berühmten englischen Bankiersdynastie, auftauchte. In dieser Phase zeichnet sich Anselmis Malerei durch eine Anmut und stilistische Raffinesse aus, die ihn neben Correggio und Parmigianino zu den führenden Vertretern der emilianischen Renaissance zählen lassen. Seine Kunst spiegelt die Eleganz und Finesse der höchsten künstlerischen Strömungen jener Zeit wider, ohne dabei die enge Verbindung zur lokalen Tradition und ihrer Entwicklung zu verlieren.

5. Giovanni Baglione, Die Dreifaltigkeit krönt die Jungfrau im Beisein von Engeln, Heiligen und Figuren aus der Vorhölle (Öl auf Leinwand, 95 x 135 cm). Aufruf: 120.000 Euro. Präsentiert von: Giusti Antichità

Auf der Modenantiquaria präsentiert die Galerie Giusti Antichità in Formigine ein interessantes, unveröffentlichtes Werk von Giovanni Baglione. Bei dem Gemälde handelt es sich um ein Ölmodell, das ein Apsidenfresko vorwegnimmt und wahrscheinlich für eine bedeutende Kirche bestimmt war. Die symmetrische und feierliche Szene zeigt die Jungfrau, die von Christus gekrönt wird, wobei der Ewige Vater den Akt segnet. Das Werk ist von verschiedenen Figuren bevölkert: Adam und Eva im Vordergrund, Noah, der die Arche aufbaut, seine Frau Naaman, kurzum, verschiedene Figuren aus dem Alten und Neuen Testament, wobei die Jungfrau als Vermittlerin zwischen den beiden Welten auftritt. Nach Ansicht des Gelehrten Massimo Pulini, der sich mit dem Gemälde beschäftigt hat, “wird diese Anordnung der Präsenzen nützlich sein, um die ursprüngliche Bestimmung dieses Modells zu finden, von dem ich glaube, dass es von Giovanni Baglione, einem bedeutenden römischen Künstler, dem Rivalen Caravaggios (zumindest in dem berühmten Prozess, den er 1603 gegen Merisi anstrengte) und dem Biographen vieler Künstler, die wie er zu Beginn des 17. Seiner Meinung nach ”sind wir mit einem großzügigen Erguss von Ideen konfrontiert, der es uns erlaubt, die Bedeutung des Auftrags zu verstehen, und das Werk enthält, bewundernswerterweise, zwanzig Gemälde auf einer Leinwand, zweifellos das Ergebnis vieler Zeichnungen und individueller Studien, die es dem Autor erlaubten, die Aufgabe mit großer Eleganz und Professionalität anzugehen. In der Liste der Werke, die zusammen mit dem Gebäude, in dem sie untergebracht waren, verschwanden oder zerstört wurden, wird dieses Thema nicht erwähnt, aber wir wissen, dass Baglione Altarbilder mit einem ähnlichen Thema oder mit einer Geschichte mit der Unbefleckten Empfängnis als Protagonist schuf". Das Werk kann in die späten 1720er Jahre datiert werden und steht in Zusammenhang mit anderen ähnlichen Werken des Künstlers, wie den Gemälden in den Kapitolinischen Museen, im Palazzo Sorbello in Perugia und in Gravedona. Die auf der Leinwand sichtbare Inventarnummer deutet auf eine Herkunft aus einer angesehenen römischen Sammlung hin, vielleicht aus der Sammlung Barberini oder Colonna. Die Zuschreibung wird von dem Baglione-Forscher Michele Nicolaci bestätigt.

6. Giuseppe Molteni, Porträt einer Adeligen (1835-1840; Öl auf Leinwand, 234 x 172 cm). Forderung: 100-150.000 Euro. Eingereicht von: Fallavena

Dieses Porträt, das von Gelehrten wie Fernando Mazzocca und Fabio Massaccesi als das Werk von Giuseppe Molteni (einem der größten Porträtmaler des 19. Jahrhunderts) anerkannt wird, zeigt eine elegante Frau in ihrem Wohnzimmer. Das Licht, das durch ein Fenster dringt, das teilweise von einem schweren Vorhang mit schillernden Goldreflexen verdeckt wird, beleuchtet sie mit einem theatralischen Effekt, fast so, als befände sie sich auf einer Bühne. Die Dame sitzt bequem auf einem mit Goldbrokat bezogenen Sofa, das mit grünen Quasten verziert ist, während sie mit der linken Hand, die von einem Handschuh bedeckt ist, ihr Kinn abstreicht und ihren Ellbogen ganz natürlich auf einen kleinen ovalen Holztisch stützt. Auf diesem Tisch, dessen Platte aus Marmor besteht und dessen Fuß im Empire-Stil mit weiblichen Karyatiden, Girlanden und Löwenköpfen aus Messing verziert ist, stehen auch eine Lampe und eine Blumenvase, unter der zarte blaue Glockenblumen hervorstechen. Ein luxuriöses Pelzmanteau ist achtlos darauf abgelegt worden. Mit geneigtem Gesicht und lächelndem Gesichtsausdruck wendet die Frau ihren Blick direkt auf den Betrachter und scheint sich in der intimen Eleganz ihrer bürgerlichen Residenz vollkommen wohl zu fühlen, raffiniert, aber unaufdringlich. Das von Fallavena präsentierte Werk hat einen monumentalen Charakter, was Molteni jedoch nicht daran hindert, sich mit der sorgfältigen Wiedergabe von Materialien und Gegenständen - von Möbeln über Textilien bis hin zu Blumen - zu befassen, was ein Beispiel für die in jahrelangen akademischen Studien erworbenen technischen Fähigkeiten ist. Ein besonderes Detail ist der Turban, den die Protagonistin trägt, ein exotisches Accessoire, das Molteni in vielen seiner Werke verwendet, wie zum Beispiel im Porträt der Eugenia Attendolo Bolognini Vimercati Sanseverino (Sant’Angelo Lodigiano, Schloss Attendolo Bolognini), der biblischen Rebecca (Mailand, Museum Poldi Pezzoli) und der noch suggestiveren Sklavin im Harem (Privatsammlung). Die Datierung des Gemäldes kann um die 1830er Jahre angesetzt werden, was laut Fabio Massaccesi durch Vergleiche mit Werken wie dem Halbporträt von Maria Luigia (Privatsammlung) und dem Porträt von Rosina Poldi Pezzoli (Mailand, Sammlung Trivulzio) belegt wird.

7. Künstler aus dem adriatischen Raum, Platte mit kleinen Bögen und Tieren (Ende 13. Jahrhundert; istrischer Stein). Forderung: ca. 100.000 € Präsentiert von: Santa Barbara Art Gallery

Erst kürzlich auf den Markt gekommen und daher noch zu untersuchen ist diese Platte mit Bögen und Tieren aus dem adriatischen Raum, die aus istrischem Stein gefertigt wurde. Die Dekoration dieser Platte (die wahrscheinlich ursprünglich zur Verzierung eines Taufbeckens oder einer Transenna im Inneren eines Gotteshauses angebracht wurde) ist in der Tat mit den Produktionen Dalmatiens, Istriens und der oberen Adria im Allgemeinen im 13. Unter den Palmen stehen sich Paare von Pfauen gegenüber, Tiere, die auf die Auferstehung Christi anspielen und in frühmittelalterlichen Dekorationen häufig vorkommen: Es war nämlich ein alter Glaube, dass das Fleisch des Pfaus unbestechlich sei. Die Darstellung von Paaren, die sich beim Trinken aus einem Kelch, dem Kelch der Unsterblichkeit, gegenüberstehen, ist ein weiteres gemeinsames Element dieser Art von Objekten.

8. Simone Cantarini, Der heilige Johannes der Täufer (Öl auf Leinwand, 70 x 52 cm). Forderung: 95.000 Euro. Präsentiert von: Altomani & Söhne

Der von Altomani & Söhne präsentierte Heilige Johannes der Täufer von Simone Cantarini (Pesaro, 1612 - Verona, 1648) war in der Vergangenheit Gegenstand von Studien von Massimo Pulini, der das Werk auf die Tätigkeit des Malers aus Pesaro zurückführte. Das Gemälde war auch in einer Ausstellung in Rimini im Jahr 2013 zu sehen (das Werk war auch auf dem Katalogumschlag abgebildet). Der junge Täufer war ein häufiges Thema von Simone Cantarini: eine vorbereitende Bleistiftzeichnung des Werks wird auch in der Gallerie dell’Accademia in Venedig aufbewahrt. Das Gemälde wurde früher dem Toskaner Ottavio Vannini zugeschrieben: “Die Klarheit der Oberflächen und die epidermische Textur des Heiligen Johannes des Täufers sind in der Tat geeignet, mit dem gemäßigten Naturalismus des toskanischen Malers verwechselt zu werden”, schrieb Pulini, “aber der darin enthaltene heitere Klassizismus hat eine bolognesische Note und steht in engerem Dialog mit der formalen Strenge der Werke von Michele Desubleo. Wenn man das Werk aus dem Leben heraus hört, erklingt eine der klarsten Stimmen Cantarinis, geschliffen und höflich, fast wie ein Tenor, aber wenn die Beredsamkeit des malerischen Gesichts, das dem grafischen Gesicht überlagert ist, nicht ausreichen würde, dann sollte man in Simones Bildern das eindringliche Echo der Pose des Täufers suchen. In vielen Fällen verwendet der Künstler denselben Arm, dieselbe Hand, die den Daumen am Gelenk des Zeigefingers umklammert”.

9. Bastiano da Sangallo, bekannt als Aristotile, Heilige Familie mit Johannes (Öl auf Leinwand, 70 x 101 cm). Forderung: 34.000 Euro. Präsentiert von: Ars Antiqua

Dieses von Ars Antiqua präsentierte Gemälde ist ein Geschenk von Alessandro Delpriori an Bastiano da Sangallo, auch bekannt als Aristotile (Florenz, 1481 - 1551). Bis zu dieser neuen Erkenntnis wurde das Werk einem anonymen florentinischen Meister zugeschrieben, der wegen seiner Verwandtschaft mit Werken wie der Beweinung des toten Christus in der Kirche San Bartolomeo in Scandicci als “Meister der Beweinung von Scandicci” bezeichnet wurde. Bastiano da Sangallo, Enkel der berühmten Giuliano und Antonio da Sangallo, ist für seine vielseitige Karriere als Architekt, Bühnenbildner und Maler bekannt. Er war ein Schüler von Perugino und Michelangelo, und seine Karriere führte ihn nach Rom und dann nach Florenz, wo er einen großen Einfluss auf die Theater- und Architekturszene ausübte, unter anderem durch seine Arbeiten an der Rocca Paolina in Perugia und der Baustelle des Palazzo Pandolfini in Florenz. Seine Malerei hingegen zeigt eine rege Beteiligung an den florentinischen Kunstströmungen der Zeit, darunter Einflüsse von Raffael und Andrea del Sarto. In dem Gemälde, das die Jungfrau mit dem Kind und Johannes dem Täufer als Kind zeigt, ist die für das späte 15. Jahrhundert typische Sanftheit der Formen noch erkennbar, aber sie wird durch eine komplexere Beziehung zwischen den Figuren und dem Raum bereichert, die von Michelangelo und dem Frühwerk Raffaels beeinflusst ist. Die Verwendung von Schatten auf den Gesichtern, die die Passion ankündigen, und die Aufmerksamkeit für das Porträt verleihen den Figuren eine emotionale Tiefe und eine symbolische Dimension, die Zeichen der stilistischen Reife des Künstlers sind.

10. Alfonso Lombardi, Büßender Heiliger Hieronymus (1522-1525; Terrakotta, 48 x 33 x 20 cm). Forderung: 90.000 Euro. Präsentiert von: Ossimoro Galleria d’Arte

Die schöne Terrakotta von Alfonso Lombardi (Ferrara, 1497 - Bologna, 1537), die am Stand von Ossimoro präsentiert wird, wird von dem Gelehrten David Lucidi als “unveröffentlichtes und wertvolles Zeugnis einer Arbeitsklammer des berühmten emilianischen Bildhauers in der Gegend von Faenza zwischen 1520 und 1530” bezeichnet. Das Werk stammt aus der Sammlung der Villa der Grafen Morsiani in Bagnara di Romagna, einer der ältesten Adelsfamilien der Region. Die Skulptur weist eine verblüffende Ähnlichkeit mit einem ähnlichen Heiligen Hieronymus in Castel Bolognese auf und weist einen regelmäßigen Schnitt an der Basis des Bauches auf, eine typische Technik, die bei Tonstatuen verwendet wird, um das Brennen und die Montage zu erleichtern. Dies deutet darauf hin, dass das Werk ursprünglich zu einer ganzfigurigen Statue gehörte, die wahrscheinlich in einer Nische aufgestellt oder in ein Altarbild eingefügt war. Die Skulptur war nicht für eine vollständige Ansicht auf jeder Seite gedacht, wie der ausgehöhlte, hochrelief modellierte Rücken zeigt. Die Ausführungstechnik mit einem vergänglichen Kern und Löchern zum Brennen ist typisch für die Renaissance und wird von Baldinucci beschrieben. Einige empfindlichere Teile, wie der linke Arm, der heute fehlt, könnten separat modelliert und später hinzugefügt worden sein. Das Werk zeigt deutliche Züge des Stils von Alfonso Lombardi, der dafür bekannt ist, physiognomische und anatomische Modelle in mehreren Werken wiederzuverwenden. So weist das Gesicht des Heiligen Hieronymus starke Ähnlichkeiten mit anderen seiner Figuren auf, wie dem Apostel der Durchreise der Jungfrau und dem San Rocco von Faenza. Diese Praxis wird durch das Inventar der Werkstatt von Lombardi bestätigt, in der bei seinem Tod mehrere Terrakottaköpfe aufbewahrt wurden, bei denen es sich wahrscheinlich um Prototypen handelte, die für die Nachbildung in verschiedenen Kompositionen bestimmt waren.

11. Louis Dorigny, Danae (Öl auf Leinwand, 151 x 236 cm). Forderung: 40.000 Euro. Präsentiert von: Fondantico di Tiziana Sassoli

Louis Dorigny (Paris, 1654 - Verona, 1742), ein französischer Maler, der zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert tätig war, war ein bedeutender Protagonist der barocken Dekoration, insbesondere in der Region Venetien. Er stammte aus einer Künstlerfamilie und wurde in Paris an der Akademie von Charles Le Brun ausgebildet, bevor er 1672 nach Rom ging, wo er die großen Barockzyklen studierte und insbesondere von Giovan Battista Gaulli (Baciccio) beeinflusst wurde. Nach Reisen zwischen Umbrien und der Romagna ließ er sich 1677 in Venedig und ab 1690 in Verona nieder und arbeitete auch in Padua, Vicenza, Treviso, Udine und Wien. Sein anfänglicher Stil war von der düsteren venezianischen Malerei beeinflusst, wandte sich aber bald einem eleganten Klassizismus zu, der in seinen Veroneser Werken für die Kapelle des Collegio dei Notai (wie die Verkündigung von 1697) deutlich wird. In den ersten Jahren des 18. Jahrhunderts wird seine Malerei abstrakter und dekorativer, wie die Ernte des Manna in der Wüste (1704) für die Kirche San Luca in Verona zeigt. Die von Fondantico dargestellten Danae, vergleichbar mit der Ernte, zeigen den Einfluss von Tizian, Michelangelo und Tintoretto. Laut Pietro Di Natale, der dieses Werk untersucht hat, war die Danae wahrscheinlich für eine Wand eines großen Salons bestimmt und ist eine wichtige Ergänzung des Katalogs von Dorigny, der als einer der besten Barockdekorateure und einflussreichster französischer Maler in Venedig zu dieser Zeit gilt.

12. Mario De Maria: La Luna batte sulle cancrene dei muri (1906; Öl auf Leinwand, 56 x 73,5 cm). Aufruf: 50.000 Euro. Präsentiert von: Fin de Siècle von Edoardo Battistini

Der jüngste Protagonist der monografischen Ausstellung über Mario De Maria, alias “Marius Pictor” (Bologna, 1852 - 1924), die im Museo Ottocento Bologna stattfand, ist La Luna batte sulle cancrene dei muri eines der größten Meisterwerke dieses einzigartigen Künstlers, der in den Mond verliebt ist, der Protagonist vieler seiner interessantesten und bekanntesten Kompositionen ist, und der auch in Venedig verliebt ist, wo das Gemälde spielt (das Werk ist auch als Serenata a Venezia bekannt). Das Werk ist signiert und datiert “Venedig, 1906”.

13. Giacomo De Maria, Beweinung des toten Christus (1890er Jahre; polychrome Terrakotta, 65 x 100 x 55 cm). Forderung: 38.000 Euro. Präsentiert von: Iotti Antiquitäten

Kürzlich auf dem Antiquitätenmarkt wieder aufgetaucht, ist diese Beweinung des toten Christus von Giacomo De Maria (Bologna, 1762 - 1838) in einem ausgezeichneten Erhaltungszustand, eine einzigartige Skulptur in neoklassischer Terrakotta, aus einem einzigen Block zusammengesetzt, der aus einer Tonplattform besteht, die von einem Holztablett getragen wird, auf dem sich die sechs Figuren entfalten: Der tote Christus in der Mitte, Joseph von Arimathäa (oder Nikodemus), der ihn stützt, die um ihren Sohn trauernde Jungfrau, Maria Magdalena und zwei fünfte Putten, die zwei Passionsinstrumente halten, nämlich den Schwamm und die Lanze. In der Antike befand sich das Werk möglicherweise in einem Skarabäus oder einem Glaskasten und war wahrscheinlich in einem Adelssitz untergebracht, vermutlich in einer Hauskapelle oder über einem kleinen Altar oder einer Nische. Nach Ansicht von Andrea Bacchi und Davide Lipari, die sich mit dem Werk befasst haben, kann diese Klage mit ähnlichen Kompositionen aus den 1880er und 1890er Jahren verglichen werden, die in der Wallfahrtskirche der Heiligen Jungfrau von San Luca in Bologna und in der Kirche San Bartolomeo in Bondanello gefunden wurden und die Antonella Mampieri auf De Maria selbst zurückführt. Die Komposition, schreiben Bacchi und Lipari, wird von Elementen wie den “senkrechten Linien, der emotionalen Kontrolle der Figuren, der altmodischen Behandlung von Frisuren und Bärten” beherrscht. Alles Merkmale, die “die Ankunft des neoklassischen Geschmacks in Bologna verraten und von De Marias Ausbildungserfahrung in Rom zwischen September 1786 und August 1787 zeugen, dank derer er mit dem Werk von Antonio Canova in Kontakt kam”.

14. Fabio Cipolla, Le modiste (1891; Öl auf Leinwand, 112 x 163 cm). Preis: 30.000 Euro (verkauft). Eingereicht von: Paolo Antonacci

Das von Paolo Antonacci vorgestellte (und bereits verkaufte) Gemälde von Fabio Cipolla (Rom, 1852 - 1935) ist ein typisches Werk aus dem Schaffen dieses Künstlers des späten 19. Jahrhunderts, der sich auf die Genremalerei spezialisiert hatte und alltägliche Themen bevorzugte. Das 1891 datierte Werk, von dem kürzlich eine signierte Skizze auf dem römischen Antiquitätenmarkt aufgetaucht ist, zeigt fünf junge Frauen, die in einem Innenraum dargestellt sind und sich in einer lebhaften und fröhlichen Atmosphäre um einen Tisch versammeln. Die Mädchen, offensichtlich Hutmacherinnen, sind damit beschäftigt, Damenhüte mit Federn, Schleifen und Blumen zu schmücken, und verrichten ihre Arbeit unbeschwert, während sie sich in ihrem Atelier unterhalten und lächeln. Mit außergewöhnlichem Geschick hat der Künstler sie in verschiedenen Posen dargestellt: einige sitzend, einige stehend, eine von hinten gesehen. Auf der rechten Seite des Gemäldes sind hohe Sitzstangen zu sehen, auf denen die fertigen Hüte arrangiert sind. Auffallend ist die Beleuchtung: Das weiche Licht, das durch das große Fenster auf der rechten Seite fällt, kontrastiert mit dem warmen Schein einer Lampe, die die Hauptszene beleuchtet. Die jungen Frauen, die ihr Haar im Nacken hochgesteckt haben, tragen die typische Kleidung des späten 19. Jahrhunderts: lange Röcke aus dunklem Stoff, die in der Taille durch Gürtel zusammengehalten werden, und elegante Hemden mit weiten Ärmeln und hohen Kragen.

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.