Miart 2025, die 15 repräsentativsten Werke der Messe (mit Preisen)

Vom 4. bis 6. April 2025 kehrt Mailand mit der 29. Ausgabe der miart, der internationalen Messe, die Künstler, Galeristen, Sammler und Liebhaber aus der ganzen Welt zusammenbringt, in das Zentrum derzeitgenössischen Kunstszene zurück. Mit der Teilnahme von 179 Galerien aus 31 Ländern und fünf Kontinenten bestätigt sich die imAllianz MiCo stattfindende Veranstaltung als eines der wichtigsten Ereignisse in diesem Sektor. Die diesjährige Ausgabe steht unter dem Motto " Among Friends", inspiriert durch den hundertsten Geburtstag von Robert Rauschenberg, der für seine künstlerische Vision der Zusammenarbeit und des Dialogs zwischen verschiedenen Disziplinen und Kulturen bekannt ist.

Die Messe, die auch dieses Jahr wieder von Nicola Ricciardi geleitet wird, , ist in drei Hauptbereiche unterteilt: Established, die den großen Namen des 20. Jahrhunderts und den etablierten zeitgenössischen Künstlern gewidmet ist; Emergent, die jüngere Galerien und aufstrebende Stimmen der internationalen Szene ins Rampenlicht rückt; und Portal, eine experimentelle Sektion, die innovative Projekte untersucht, die in der Lage sind, geografische und disziplinäre Grenzen zu überschreiten.

Es ist nicht einfach, die repräsentativsten Werke von miart zu identifizieren, aber wir haben für Sie 15 Werke ausgewählt, die unserer Meinung nach den Geist und die interessantesten Trends dieser Ausgabe verkörpern. Ein privilegiertes Fenster zu den Richtungen der zeitgenössischen Kunst. In der Tradition von Finestre Sull’Arte werden die Werke mit Preisen veröffentlicht.

1. Julian Schnabel, Weißer Hund + Kleiner Hund. Vorgeschlagen von: Enzo Sperone. Preis: 300.000 Euro

Die beiden Werke von Julian Schnabel (New York, 1951), die Enzo Sperone zu miart mitbringt (das andere ist Untitled - Chinese Painting, das neben diesem ausgestellt ist), nehmen eine ganze Wand für sich ein und gehören zu den teuersten Werken der Messe (beide kosten 300.000 Euro, trotz des Größenunterschieds: Chinese Painting aus dem Jahr 2005 ist in Wirklichkeit ein Werk von dreieinhalb Metern Höhe). Sie gehören zu einer Serie, den “Tarp Paintings”, die der Künstler seit den 1970er Jahren betreibt: Es ist einer der Hauptforschungsstränge des großen Regisseurs und Malers, der diese monumentalen Werke auf gefundenen Planen schafft, die durch Markierungen, Flecken, Malereien, Einfügungen weiterer Objekte wieder zum Leben erwachen. Julian Schnabels Kunst ist expressiv, materiell und monumental, und seine Tarp Paintings sind ein deutliches Beispiel dafür. Der amerikanische Künstler zeichnet sich durch die Verwendung unkonventioneller Materialien wie zerkleinerte Keramik,Industrieplanen (Tarp), Samt und recycelte Oberflächen aus, die den Bildträger selbst zu einem integralen Bestandteil des Werks machen. Schnabel ist ein Künstler, der Bildkonventionen in Frage stellt und figurative und abstrakte Elemente in einem gestischen und impulsiven Stil kombiniert, der dem abstrakten Expressionismus und dem Neoexpressionismus nahe steht. Seine Werke vermitteln oft ein Gefühl von Erhabenheit und Dekadenz und wecken Emotionen durch ungewöhnliche Materialien, energische Pinselstriche und einen kühnen Einsatz von Farben.

2. Max Ernst, La ville entière. Vorgeschlagen von: Umberto Verolino. Preis: 280.000 Euro

Die ganzeStadt (La ville entière) ist ein Werk von Max Ernst (Brühl, 1891 - Paris, 1976), das zu einer Serie von 12 Gemälden gehört, die zwischen 1933 und 1937 entstanden sind. Sie zeichnen sich durch eine surrealistische Landschaft aus, die den wachsenden Pessimismus des Künstlers aufgrund der politischen Situation in Deutschland in jenen Jahren widerspiegelt. Das Originalwerk, das als Vorlage für einen Wandteppich diente, der bei miart von Umberto Verolino präsentiert wurde, wird heute in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig aufbewahrt, einem der wichtigsten Museen für europäische und amerikanische Kunst des 20. Der Wandteppich wurde von Yvette Cauquil-Prince (1928-2005) handgewebt, einer bekannten belgischen Weberin, die in den 1950er Jahren ihr Atelier in Paris gründete und später nach Korsika zog. Sie war berühmt für ihre Zusammenarbeit mit bedeutenden Künstlern des 20. Jahrhunderts, insbesondere mit Marc Chagall, mit dem sie 40 Wandteppiche schuf. Der große Wandteppich von Verolino wurde auch auf der Arte Fiera 2018 in Bologna ausgestellt.

3. Karel Appel, Flamme Riante. Angeboten von: Matteo Lampertico Fine Art, Preis: 260.000 Euro

Karel Appel (Amsterdam, 1921 - Zürich, 2006) ist einer der großen Namen der Kunst des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Der niederländische Maler, Bildhauer und Dichter, der als einer der Begründer der CoBrA-Bewegung bekannt ist, zeichnete sich durch eine Kunst aus, die kühne Farben, energische Pinselstriche und expressive, manchmal groteske Formen verwendet. Seine Werke stellen oft menschliche und tierische Figuren auf abstrakte und spielerische Weise dar und spiegeln sein Interesse an spontaner und unkonventioneller Kunst wider. Das bei miart ausgestellte Werk Flamme riante von Matteo Lampertico ist ein Beispiel für einen der besten Momente in Appels Karriere.

4. Mario Schifano, Nachtansicht mit Figuren. Angeboten von: Artemisia Fine Art, Preis: 150.000 Euro

Werke von Mario Schifano (Homs, 1934 - Rom, 1998) sind auf Kunstmessen recht häufig zu sehen, denn Schifano ist nach wie vor einer der gefragtesten Künstler auf dem Markt. Dennoch ist es immer wieder angenehm, eines seiner monumentalen Gemälde zu sehen, wie diese zwei mal drei Meter große Nachtansicht mit Figuren, die zu den größten Werken dieser miart-Ausgabe gehört.

5. Alex Katz, Yvonne und Carmen. Vorgeschlagen von: Monica de Cardenas. Preis: 85.000 Euro

Eine interessante Neuheit für italienische Messen. Monica de Cardenas bringt zwei große Cartoons von Alex Katz (New York, 1927) zu miart: der andere, kleinere, kostet 62.000 Euro. Katz, der als einer der führenden Meister des amerikanischen zeitgenössischen Realismus gilt, ist berühmt für seine großformatigen Darstellungen von Landschaften, Blumen und Porträts, die sich durch die Verflachung von Formen und Details auszeichnen. Für seine Leinwände, wie die von Monica de Cardenas gezeigten, verwendete er häufig Staubbretter, eine alte Technik: Sie standen auch im Mittelpunkt einer Ausstellung, die die Mailänder Galerie zwischen November 2024 und Februar 2025 dem Publikum bot. Dies war das erste Mal, dass das italienische Publikum die Cartoons des amerikanischen Künstlers sehen konnte.

6. Atanasio Soldati, Komposition. Vorgeschlagen von: Cardelli und Fontana. Preis: 50.000 Euro

Atanasio Soldati (Parma, 1896 - 1953) gilt als einer der Pioniere des italienischen Abstraktionismus. Seine Werke zeichnen sich durch geometrische Formen, lebhafte Farben und eine metaphysische Lyrik aus. Er wurde 1896 in Parma geboren, machte 1920 seinen Abschluss in Architektur und zog 1925 nach Mailand. Ab 1931 kommt er in Kontakt mit abstrakten Künstlern und stellt in der Galerie Il Milione aus. Er setzt sich mit dem Kubismus von Léger und Picasso auseinander und wird von Klee, Kandinsky und Mondrian beeinflusst. Nach einer neometaphysischen Phase entwickelt er nach dem Krieg einen autonomen Stil und steht Osvaldo Licini und Fausto Melotti nahe. Er stellte auf der Quadriennale in Rom (1936) und auf den Biennalen von Venedig (1948, 1950, 1952) aus. Das von Cardelli und Fontana präsentierte Werk ist eines der deutlichsten Beispiele für Soldatis Poetik, insbesondere für seine Auseinandersetzung mit den Werken von Mondrian.

7. Greta Schödl, Assemisches Gold. Vorgeschlagen von: Richard Saltoun. Preis: 20-30.000 Euro

Frisch von der Biennale von Venedig, an der sie 2024 teilnahm, ist die österreichische Künstlerin Greta Schödl (Hollabrunn, 1929) eine visuelle Dichterin, die Gemälde schafft, die die Schrift imitieren, um deren Verlauf, Rhythmus und Variationen zu erfassen. Auf Hintergründe aus reinen Pigmenten trägt Schödl mit Blattgold ihre besondere Schrift auf. Es handelt sich um eine Schrift, in der es keine unterscheidbaren Wörter gibt: Der Sinn wird also gleichzeitig ausgelöscht und umgeschrieben, um zu symbolisieren, dass Sprache im Grunde nichts anderes als ein soziales Konstrukt ist, das unterschiedlich wiedergegeben oder interpretiert werden kann.

8. Emanuele Cavalli, Figur mit Maria Letizia. Vorgeschlagen von: Carlo Virgilio & C. Preis: 26.000 Euro

Emanuele Cavalli (Lucera, 1904 - Florenz, 1981), eine zentrale Figur im Geschehen der Römischen Schule, konzentrierte seine Forschungen von Anfang an auf das Studium der Farbe. Zusammen mit Giuseppe Capogrossi und Roberto Melli verfasste er 1933 das Manifest des plastischen Primordialismus und gelangte in der Zwischenkriegszeit zu einer ganz persönlichen Vision der Malerei, in der das Konzept des “Tons” eine grundlegende Rolle einnimmt und mit einer doppelten Funktion aufgeladen wird: musikalische Resonanzen hervorzurufen und Formen, Volumen und Tiefe zu artikulieren. Das bei Miart präsentierte Werk wurde von Cavalli selbst mit dem generischen Titel Figur mit Maria Letizia betitelt. Bei der Dargestellten handelt es sich um seine Tochter Maria Letizia Cavalli (Anticoli Corrado, 1936 - Pietrasanta, 2021), die sowohl in der Malerei als auch in der Fotografie ein beliebtes Modell ist. Das Gemälde, das durch den Kontrast zwischen den violetten Modulationen des Hutes und des Hintergrundes, der in Rot übergehenden Draperie und dem leuchtenden Grün des Papageis dominiert wird, gehört zu einem Kern von Werken, die zwischen Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre entstanden sind und durch die Präsenz der weiblichen Figur, die von einem kleinen Haustier flankiert wird, vereint werden. Die Ausführung des Gemäldes ist im Tagebuch des Künstlers gut dokumentiert, das im “Emanuele Cavalli-Fonds” des Archivs der Nationalgalerie für moderne Kunst aufbewahrt wird und 2020 dank einer Schenkung seiner Tochter erhalten wurde. Das Werk wurde am 3. Mai 1968 begonnen: Innerhalb von vier Tagen, nach “vielen Stunden ununterbrochener Arbeit”, war es zur vollen Zufriedenheit des Autors fertiggestellt. Die Tagebucheinträge, die hier vollständig transkribiert sind, bieten wertvolle Belege dafür, wie zentral die Ausarbeitung des Tonakkords für Cavallis kreativen Prozess war.

9. Luca Bertolo, Ohne Titel 17#06. Vorgeschlagen von: SpazioA. Preis: von 9.000 bis 22.000 Euro

Der Stand der Galerie SpazioA aus Pistoia bietet mehrere Werke von Luca Bertolo (Mailand, 1968) zu Preisen zwischen 9.000 und 22.000 Euro an. Bertolo, einer der führenden zeitgenössischen italienischen Maler, ist bekannt für seine stilistische Vielseitigkeit und seine tiefgreifende Reflexion über Bildgattungen. Sein Stil zeichnet sich durch eine kontinuierliche Erkundung der Möglichkeiten und Grenzen des gemalten Bildes aus und bewegt sich zwischen Figuration und Abstraktion, Stillleben und Landschaft. Dies wird durch diese Landschaften ohne Titel veranschaulicht, die die Form von Reflexionen über die Landschaft selbst und die Art und Weise, wie wir sie sehen, annehmen, denn die Bilder der Natur scheinen durch ein Glas gefiltert zu sein, auf dem sich Farbtropfen und -flecken ablagern. Es handelt sich um eine Forschung, die Bertolo seit mehreren Jahren betreibt.

10. Aldo Fiozzi, Pissing Man. Vorgeschlagen von: ED Gallery. Preis: 20.000 Euro

Aldo Fiozzi (Mantua, 1894 - Mailand, 1941) ist einer der wenigen italienischen Dadaisten: 1921 nahm er zusammen mit Julius Evola und Gino Cantarelli an der ersten Ausstellung der italienischen Dada-Gruppe in der Casa d’Arte Bragaglia in Rom teil. Man kann also sagen, dass Fiozzi sehr wenig Gesellschaft hatte. Das von der ED Gallery präsentierte Werk mit seinen antiklassischen und respektlosen Themen ist ein typisches Beispiel für die Dada-Poetik, die darauf abzielt, alle Konventionen zu brechen. Fiozzi scheut sich nicht vor dieser Absicht: Neben dem Thema sind auch die geometrischen und kantigen Formen, die an die Kubisten erinnern, neu in der italienischen Kunst jener Zeit. Eine echte Rarität. Das italienische Publikum konnte dieses Werk zum letzten Mal 2009 anlässlich einer Ausstellung in der Casa del Mantegna in Mantua sehen, die der Beziehung zwischen Futurismus und Dada gewidmet war.

11. Carlo Prada, Selbstporträt. Vorgeschlagen von: Aleandri. Preis: 20.000 Euro

Carlo Prada (Mailand, 1884 - Santa Margherita Ligure, 1960) ist einer der weniger bekannten, aber nicht weniger interessanten Namen des italienischen Divisionismus. Er wurde in eine Mailänder Familie hineingeboren und entschied sich gegen den Willen seines Vaters für eine künstlerische Laufbahn. 1902 schrieb er sich an der Akademie Brera ein. Er debütiert 1904 und 1906 wird der Händler Alberto Grubicy auf sein Talent aufmerksam und nimmt ihn in seine Galerie auf. Er nimmt an wichtigen Ausstellungen in Italien und im Ausland teil, darunter 1912 und 1921 in Paris, und entwickelt einen raffinierten und persönlichen Divisionismus. Nach dem Ersten Weltkrieg, in dem er in Deutschland inhaftiert war, entwickelte sich seine Kunst weiter: 1922 widmete ihm die Galleria Pesaro in Mailand eine Ausstellung, die das Ende seiner divisionistischen Phase markierte. In den 1920er Jahren näherte er sich der Novecento-Bewegung und in den 1930er Jahren dem Chiarismo an. Während des Zweiten Weltkriegs suchte er Zuflucht in Santa Margherita Ligure und kehrte 1946 nach Mailand zurück. Er stellte regelmäßig auf der Biennale von Venedig (1924-1948) und der Quadriennale in Rom (bis 1960) aus und erhielt zahlreiche Preise und Auszeichnungen. Dieses Selbstporträt mit deutlich nordischem Einschlag, auf dem sich der Maler mit kühner Perspektive, in einer Schneelandschaft und mit einzigartigem Realismus darstellt, ist eine Rarität in seinem Schaffen.

12. Romina Bassu, Transfert. Vorgeschlagen von: Studio Sales. Preis: von 3.500 bis 11.000 Euro

Der angegebene Preis bezieht sich auf alle Werke von Romina Bassu (Rom, 1982), die am Stand von Studio Sales ausgestellt werden: Die römische Künstlerin ist nämlich die einzige Ausstellerin des Standes, der die Abteilung Portal, das neue Experiment von Miart, dominiert. Es handelt sich um Werke in verschiedenen Größen, die alle speziell für diese Gelegenheit geschaffen wurden. Die neuen Werke setzen ihre künstlerische Forschung fort, die sich vor allem auf die Darstellung von weiblichen Stereotypen konzentriert und analysiert, wie die patriarchalische Kultur und die Konsumgesellschaft das Bild der Frau geprägt haben. Mit Aquarell- und Acrylfarben auf Leinwand erforscht Bassu weibliche Figuren, die von zeitgenössischen Bildern inspiriert sind, denen oft bestimmte Merkmale fehlen, und verwandelt sie in Symbole für eine kollektive und universelle Erfahrung.

13. Francesca Banchelli, Lagerfeuer. Vorgeschlagen von: Vistamare. Preise: 2.000 € bis 10.000 €.

Am Stand von Vistamare sind vier Werke von Francesca Banchelli (Montevarchi, 1981) zu sehen. Die Preise reichen von 2.000 Euro für die kleineren Arbeiten bis zu 10.000 Euro für Bonfire, das größte der neuen Werke der toskanischen Künstlerin. Banchelli, die für ihre Gemälde, aber auch für ihre Performances und Ausstellungen bekannt ist, bei denen diese beiden Ausdrucksmittel auf immer wieder überraschende und unerwartete Weise miteinander verschmelzen, zeichnet sich durch ihren traumhaften Expressionismus aus, der reale und surreale Elemente miteinander verbindet. Seine Werke zeigen Begegnungen zwischen menschlichen Figuren, Tieren und natürlichen Elementen und schaffen visionäre Landschaften, die zeitliche und räumliche Konventionen in Frage stellen. Diese Verschmelzung von Realität und Fantasie lädt den Betrachter dazu ein, tiefe emotionale und psychologische Dimensionen zu erkunden.

14. Cecilie Norgaard, Size matters 1. Forderung: 3.600 Euro. Vorgeschlagen von: Matteo Cantarella und Shahin Zarinbal

Cecilie Norgaard (Aarhus, 1991) verschmilzt Abstraktion und Figuration in Gemälden, die traditionelle Maltechniken verwenden und die Zusammenhänge zwischen Ästhetik, künstlerischer Produktion und sozioökonomischen Lebensbedingungen erforschen. In seiner Praxis konstruiert der dänische Künstler ein Vokabular aus wiederkehrenden Zeichen und Bildern. Norgaard betrachtet die Malerei als eine strukturelle Disziplin, ein System, das ausschließlich durch sich selbst reflektiert. Es herrscht eine ironische Gelassenheit, da er seine Arbeit nicht thematisiert, sondern die Bedingungen des Mediums und seine semantischen Implikationen durch seine eigenen konventionellen Formate hinterfragt.

15. Edward Kay, Red Delicious. Vorgeschlagen von: Roland Rosso. Preis: 3.500 Euro

Der Stand der Roland Ross Gallery in Margate, UK, sticht in der Sektion Emergent mit den Werken von Edward Kay (Chester, 1980) hervor, der in Mailand eine Serie von zehn Gemälden von Äpfeln zeigt (sie sehen identisch aus, sind aber zehn verschiedene Apfelsorten). Für Kay ist die Wiederholung symbolisch für einen Prozess, der im Entstehen begriffen ist, denn jede Wiederholung seines Apfels ist keine einfache Kopie, sondern etwas Neues, das den Raum der Interpretation neu konfiguriert. Für Kay existiert das Gemälde als eigenständiges Objekt, als Teil eines Flusses, in dem die Bedeutung durch das Zusammenspiel von Unterschieden ständig neu verhandelt wird. Und wieder will der britische Künstler mit diesen Früchten andeuten, dass es keine einzige Wahrheit gibt, sondern ein offenes Wahrnehmungsfeld: Das Bild wird so auch zu einem kritischen Werkzeug, einem Mittel, mit dem der Künstler sein eigenes Engagement zum Ausdruck bringt. Für seine Äpfel ließ sich Kay von der Malerei der Renaissance, aber auch von der Serialität vieler zeitgenössischer Kunst inspirieren.

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