Die zweite Ausgabe der TEFAF online geht an den Start. Hier sind 25 Highlights, die Sie nicht verpassen sollten

Heute beginnt die zweite vollständige Online-Ausgabe der TEFAF, der historischen Messe für alte und moderne Kunst, die auch im Jahr 2021 die Werke der Aussteller in virtuellen Ständen, den Viewing Rooms, präsentiert, die vom 9. bis 13. September 2021 von jedermann besucht werden können. Die European Fine Art Foundation (TEFAF) stellt eine Website zur Verfügung, auf der Sie durch die virtuellen Stände wandern und über 700 Kunst- und Designwerke betrachten können: Sie können hochauflösende Bilder ansehen, mit den Galeristen in Kontakt treten und Informationen zu den Werken erhalten. Wir haben einen Rundgang über die virtuelle Messe gemacht und stellen hier die Highlights vor, die wir für sehenswert halten. Um an der zweiten Ausgabe der TEFAF Online teilzunehmen, gehen Sie einfach auf www.tefaf.com, registrieren Sie sich mit Ihren Anmeldedaten und erhalten Sie Zugang zum reservierten Bereich.

1. Bartolomeo Schedoni, Enthauptung des Täufers (um 1607; Öl auf Tafel, 58 x 35 cm). Präsentiert von Trinity Fine Art

Ein Werk, das sich durch die hohe Qualität seiner Ausführung und Komposition auszeichnet, was darauf hindeutet, dass es sich um ein Werk des reifen Schedoni handelt, das also aus einer Zeit stammt, nachdem er in den Dienst des Herzogs Ranuccio in Parma getreten war, und daher zwischen 1611 und 1615 datiert werden kann. Es ist ein sehr interessantes Beispiel für Schedonis Malerei und für seinen reiferen Stil, der sich durch kompositorische Originalität, Sicherheit in der Ausführung und ein subtiles und ungewöhnliches Hell-Dunkel-Spiel auszeichnet. Auf der Rückseite dieses Gemäldes sind verbrannte Initialen in Großbuchstaben (CGBC) eingeprägt, die eine besonders illustre Provenienz dokumentieren, nämlich die Sammlung des Grafen Giovanni Battista Costabili Conteni aus Ferrara, die Ende des 18. und Anfang des 19. Seine frühere Geschichte bleibt unbekannt, da die ältesten Quellen den Tisch nicht zu erwähnen scheinen. Dies ist nicht verwunderlich, da es sich, wie seine geringe Größe vermuten lässt, eindeutig um ein für den privaten Gebrauch bestimmtes Objekt handelt. Es ist eine weitere Version dieser Szene bekannt, die in ihrer Komposition identisch ist und ebenfalls auf eine Tafel gemalt wurde. Ein interessantes, beidseitig bemaltes Tafelbild (auf der Vorderseite die Gerechtigkeit Trajans und auf der Rückseite ein trommelnder Putto) von Lippo d’Andrea aus der Zeit um 1428 ist ebenfalls erwähnenswert.

2. Cesare Laurenti, Kopfstudie - elegisches Motiv (1895; Öl auf Karton, 58,5 x 96 cm). Präsentiert von Galleria Carlo Virgilio & C.

Dieses Werk sticht unter den symbolischen und sentimentalen Halbfiguren in Laurentis Produktion hervor. Das Werk ist eine wichtige Neuheit, da es bisher nur von zeitgenössischen Fotografien und in einer zweiten, dem Kritiker Ugo Ojetti gewidmeten Pastellversion (heute in einer Privatsammlung) bekannt war. Das Gemälde wurde 1895 auf der Biennale in Venedig ausgestellt und später von Mario Morasso 1902 in einem monografischen Essay in der Zeitschrift Emporium veröffentlicht. Das Werk interpretiert in vollem Umfang die symbolistische Poetik des damaligen Autors durch eine ikonische figurative und expressive Synthese. Das weibliche Profil hebt sich von einer kahlen Landschaft in der Abenddämmerung ab und ist in sich selbst gefaltet. Die Figur drückt damit existenzielle Unruhe und Trostlosigkeit aus, letztlich den Zustand des modernen Menschen. Morasso beschreibt es folgendermaßen: “Ein elegisches Motiv, in dem die Traurigkeit zur Verzweiflung wird, in dem die Verzweiflung den Menschen verwüstet und gekrümmt hat; sie, die Besiegte und Umkreiste, beugt sich zu Boden und ihr Haar hängt schwer, wie ein dichtes Bündel von Tränen, wie das Bündel von Unglück”.

3. Francesco Guardi, Der Canal Grande mit der Rialto-Brücke und dem Camerlenghi-Palast (um 1758; Öl auf Leinwand, 86,4 x 106,8 cm). Präsentiert von Charles Beddington Ltd

Die auf den venezianischen Vedutismus spezialisierte Galerie Charles Beddington präsentiert dieses Gemälde von Francesco Guardi, das als ein Schlüsselwerk aus der Anfangszeit seiner Karriere gilt. Es wurde 1941 als ein Werk von Canaletto verkauft und von Antonio Morassi als ein Werk von Guardi anerkannt, als es 1966 mit einer weiteren Zuschreibung, diesmal an Michele Marieschi, ausgestellt wurde. In seiner Besprechung der Ausstellung erklärte Rodolfo Pallucchini, dass Morassi das Gemälde als eine frühe Ansicht von Guardi veröffentlichen wolle. Morassi veröffentlichte es später in seinem Katalog der Gemälde der Gebrüder Guardi, und seitdem ist es in die Liste der Gemälde des großen venezianischen Künstlers aufgenommen worden.

4. Girolamo da Carpi, Die Heilige Familie in einer Landschaft (um 1534-1536; Öl auf Leinwand, 42 x 33 cm). Präsentiert von Benappi Fine Art

Dieses Werk ist seit den 1990er Jahren bekannt, als es auf den venezianischen Markt kam und von Alessandro Ballarin Girolamo da Carpi zugeschrieben wurde, eine Zuschreibung, die von Mauro Lucco und Alessandra Pattanaro bestätigt wurde. Nach zwanzig Jahren ist dieses kleine Gemälde erst vor kurzem wieder aufgetaucht und wird einem anonymen italienischen Künstler des 17. Im Gegensatz zu den meisten in Ferrara entstandenen Werken ähnlichen Formats, die fast immer auf Pappelholz gemalt wurden, ist dieses Werk auf Leinwand gemalt. Bei einer kürzlich durchgeführten Restaurierung wurde die relativ junge Verkleidung entfernt und die sehr schöne ursprüngliche Leinwand freigelegt, die vielleicht deshalb gewählt wurde, weil sie sich besser für den Transport des Werks eignet. Die Heilige Familie steht im Gebüsch, vor dem Hintergrund einiger Bäume, deren Laub sich gegen einen bleiernen Himmel abhebt, der von einem rosafarbenen Lichtblitz erhellt wird, der sich in den Gebäuden einer Stadt im Hintergrund spiegelt, die parallel mit einer Pinselspitze skizziert ist. Die Jungfrau und das Kind sitzen auf einigen Steinen, die wie natürliche Betten auf dem Boden angeordnet sind, während Josef hinter ihnen seinen Kopf auf den Handrücken stützt, den Ellbogen auf einen großen Felsblock, und wachsam ist, als sei er besorgt über die drohende Gefahr. Die wenigen Gegenstände, die im Vordergrund angeordnet sind (ein verzierter Teller, eine Tasche, eine Wasserflasche), spielen auf das Thema der Rast der Heiligen Familie während der Flucht nach Ägypten an, die Josef von einem Engel im Traum empfohlen wurde, um das Jesuskind vor dem von Herodes vorbereiteten Gemetzel zu retten.

5. Emil Nolde, Sommergarten (1935; Öl auf Leinwand, 67 x 88 cm). Präsentiert von Beck & Eggling International Fine Art

Der deutsche Expressionismus ist auf der TEFAF online stark vertreten, und Beck & Eggling präsentiert drei Werke von Emil Nolde (mit dem der Vater des Galeristen Michael Beck, Herbert Beck, persönlich zu tun hatte), darunter diesen Sommergarten, der den Garten des großen Künstlers zeigt. Der Garten von Emil Nolde und seiner Frau Ada in Seebüll darf wohl als einer der bedeutendsten Gärten der Kunstgeschichte gelten, weniger bekannt als Monets Garten in Giverny, aber ebenso wichtig für den Künstler. In unzähligen Gemälden und Aquarellen hielt Nolde die ganze Pracht der Formen und Farben fest, die ihm die Natur im Laufe der Jahreszeiten bot. Garten- und Blumenbilder waren von Anfang an ein zentrales Thema in seinem Werk. Sie gehörten zu den ersten Motiven, denen er sich als freier Künstler widmete. Das vorliegende Werk von 1935 zeigt dies: Mit lebhaftem Pinselstrich trug Nolde die Farbe so schnell und spontan wie möglich auf die Leinwand auf, ein Malprozess, der Kontrolle und Rationalität weitestgehend ausschließt.

6. Arnoldus van Geffen, Miniatur-Fischmarkt (1763; Silber, 9,4 x 5,5 cm). Präsentiert von A. Aardewerk Antiquar Juwelier

Dieser seltene Miniatur-Fischteich aus Silber ist eines von nur zwei bekannten Exemplaren dieses Objekts. Es wurde 1763 von dem berühmten Miniaturenspezialisten Arnoldus van Geffen hergestellt. In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts ließen sich wohlhabende Damen, vor allem aus Amsterdam, Kabinette in Form von Puppenstuben bauen, die dann mit silbernen Miniatur-Haushaltsgegenständen ausgestattet wurden. Das Puppenhaus war wie das Sammlerkabinett als Ausstellungsstück gedacht. Es war ein Mittel, um den eigenen Status zu unterstreichen. Nicht jeder konnte sich eine Puppenstube leisten, aber viele wohlhabende Bürger dieser Zeit besaßen eine Sammlung von Miniaturen. Diese Objekte wurden auf Wandregalen oder in kleinen Schränken ausgestellt. In der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts war die Beliebtheit von Miniaturen in Amsterdam auf dem Höhepunkt: ein wahrer Wahnsinn. Und die Nachfrage nach Silberminiaturen war in Amsterdam so groß, dass sich Generationen von Silberschmieden auf die Herstellung von Miniaturen spezialisierten. Auf diese Weise entstanden viele hochwertige Stücke, wie zum Beispiel dieses.

7. Giovanni Battista Benvenuti, bekannt als l’Ortolano, Madonna mit Kind (um 1510-1520; Öl auf Tafel, 38,2 x 31,2 cm). Eingereicht von Agnews

L’Ortolano, der seinen Spitznamen dem Werk seines Vaters verdankt, wurde im ersten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts in Ferrara im Umkreis von Künstlern wie Domenico Panetti ausgebildet. Wie sein älterer ferraresischer Zeitgenosse Boccaccio Boccaccino brachte er ein kontemplatives Ideal zum Ausdruck, das der Welt des nahe gelegenen Venedig geschuldet war, das der Künstler anscheinend mit dem jungen Garofalo besuchte. Er reagierte später konsequent auf Maler mit ähnlichen klassischen Neigungen, wie Perugino, Fra’ Bartolomeo und den reifen Raffael. Diese nüchterne und kleinformatige Tafel war für die private Andacht bestimmt und gehört zu einer Werkgruppe, der zwei frühe Madonnen zugeschrieben werden können, von denen sich die eine in der Kirche von Castelbelforte und die andere in der Cagnola-Stiftung in Gazzada befindet und die einen Kopf der Jungfrau aus demselben Blickwinkel wie diese Tafel und mit in gleicher Weise zum Gebet gefalteten Händen zeigen: Sie werden vor 1506 datiert. Dieses bisher unbekannte Gemälde stammt aus der frühen Reifezeit des Malers im folgenden Jahrzehnt, wie die charakteristische Landschaft vermuten lässt. Die Tafel zeigt sofort den persönlichen Geschmack und das technische Können Ortolanos. Marco Tanzi, ein Experte für die Ferrareser Malerei des 16. Jahrhunderts, bestätigte die Zuschreibung an den Künstler auf der Grundlage eines Bildes, das die Galerie per E-Mail übermittelt hatte. In der gleichen Galerie sind auch ein prächtiges Interieur von Vilhelm Hammershoi und eine Landschaft von Ferdinand Georg Waldmüller zu sehen.

8. Francesco Paolo Michetti, Selbstporträt (1877; Pastell und Tempera auf braunem Papier, 71 x 71 cm). Präsentiert von Antonacci Lapiccirella Fine Art

Das von Antonacci Lapiccirella präsentierte, bisher unveröffentlichte Selbstporträt von Francesco Paolo Michetti stammt aus der Privatsammlung von Amalia und Aldo Ambron. Es handelt sich um ein schillernd gezeichnetes Werk auf Papier, dessen Formen vom Licht geformt und von leuchtenden und lebhaften Farbkontrasten verschönert werden. Aufgrund seiner Qualität gehört es zu der berühmten Serie von Selbstporträts, die der Künstler um 1877 schuf. Der strenge und ernste Gesichtsausdruck des Künstlers, der dieses Selbstporträt anfertigte, bringt es in die Nähe des Typus des Selbstporträts in Pastell auf Papier von 1877, das sich heute im Museo Nazionale di San Martino in Neapel befindet, ebenfalls mit schnell skizzierten Blumen in der linken unteren Ecke; dies ist in der Tat der Typus, den auch das Selbstporträt in Pastell auf Papier von 1877 dokumentiert, das sich heute in den Sammlungen des J. Paul Getty Museum in Los Angeles befindet. Das auf der TEFAF ausgestellte Selbstporträt zeigt den Maler mit dem Kopf in ein grelles orange-ockerfarbenes Taschentuch gehüllt, das mit helleren, leuchtenden Akzenten gesprenkelt ist und von einem breiten Kragen aus blau-weiß gestreiftem Stoff mit blauer Silhouette eingerahmt wird, ein für diesen Künstler nicht unüblicher Versuch der Verschleierung. Das Fragezeichen, das Michetti dem Namen der Figur hinzufügt, deren Gestalt er annimmt (“Amonasro?”), offenbart die spielerische Seite des Malers, der, nachdem er sein dicht gelocktes Haar zu einem bunten Schleier zusammengerafft hat, überrascht feststellt, dass er einem exotischen König der Antike ähnelt: dem äthiopischen König, dem Vater von Aida, der nach Ägypten reist, wo seine Tochter als Sklavin gehalten wird, um sie zur Rache anzustacheln. Der intensive und stolze Ausdruck der Figur passt jedenfalls perfekt zur königlichen Würde von Amonasro, der Aida zur Rebellion gegen die Ägypter anstiftet und sie zwingt, Informationen über die Bewegungen der feindlichen Truppen von ihrem Geliebten Radamès zu sammeln, und dabei die verlorene Schönheit der “duftenden Wälder” und der “kühlen Täler” seiner Heimat Äthiopien heraufbeschwört.

9. Constant, Junkies (1994; Öl auf Leinen, 190 x 199 cm). Präsentiert von BorzoGallery

Die BorzoGallery präsentiert auf der TEFAF drei Werke von Constant, die einen interessanten Einblick in einen der Gründer der Gruppe CoBrA geben (auf der Messe sind zahlreiche Werke von Künstlern zu sehen, die der Gruppe angehörten). Die Auswahl für TEFAF online, so die Galerie, ist ein Vorspiel für eine umfassendere Präsentation auf der TEFAF 2022, wenn die BorzoGallery dem Künstler im Rahmen der Initiative Constant 1 0 1 besondere Aufmerksamkeit widmen wird. Dieses von der Fondation Constant initiierte Projekt umfasst ein multidisziplinäres Programm in Zusammenarbeit mit Museen, Bildungseinrichtungen und Künstlern u. a. und blickt 101 Jahre nach Constants Geburt voraus, um seinen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst und den zukünftiger Generationen zu beleuchten.

10. Eugène Verboeckhoven, Intrigiert (1853; Öl auf Leinwand, 63 x 52 cm). Präsentiert von Berko Fine Paintings

Die Berko-Galerie präsentiert drei Werke von Eugène Verboeckhoven, dem führenden belgischen Tiermaler des 19. Jahrhunderts: Hier ist einer der kleinen Hunde von König Leopold I. von Belgien abgebildet. Seit mehr als 40 Jahren sammelt Berko die Werke von Eugene Verboeckhoven, der ab 1832 die Lieblingstiere von König Leopold I. und der damals frisch verheirateten Königin Louise d’Orleans malte. Die meisten dieser Gemälde sind noch in den Königlichen Sammlungen in Belgien und im Dynastiemuseum in Brüssel erhalten.

11. Bernardino Licinio, Dame und Freier (Öl auf Tafel, 81,3 x 114,3 cm). Präsentiert von der Galerie Canesso

Das von Canesso präsentierte Gemälde, das früher Tizian zugeschrieben wurde, befand sich im Besitz der Schwester von Caroline Murat, als diese Königin von Neapel war, und folgte ihr dann nach Schloss Frohsdorf in Österreich. Im Jahr 1822 kaufte Charles Vane, III. Marquis of Londonderry, einen großen Teil der Sammlung von Caroline Murat und bot im darauf folgenden Jahr dreizehn Werke bei Christie’s in London an, darunter auch dieses Werk, das weiterhin Tizian zugeschrieben wird. Nachdem das Werk mehrmals in Privatsammlungen aufgetaucht war, wurde es vor dem Zweiten Weltkrieg von einem in Wien lebenden Sammler erworben, der es 1948 an seine früheren Besitzer zurückgab. Diese Familie überließ es zwischen 1949 und 2011 als Leihgabe dem Palast der Ehrenlegion in San Francisco. Nach dem Verkauf durch ihre Nachkommen in New York im Jahr 2012 kehrte es wieder nach Europa zurück. Der Künstler hat eine schöne venezianische Frau gemalt, die von vorne gesehen wird und einen leichten Unterrock trägt, der einen Blick auf eine ihrer Brüste freigibt: Es ist von Tizians Flora aus den Uffizien inspiriert, wenn auch ohne jegliche motivische Konnotation. Die junge Frau ist in einem intimen Moment gefangen, eine Vorstellung, die durch das lange blonde Haar, das ihr locker über die Schultern fällt, noch verstärkt wird. Nimmt man noch ihren schmachtenden Blick auf den jungen Freier hinzu, der ihr Handgelenk ergreift, versteht man, dass es sich um eine Szene amouröser Leidenschaft und zukünftiger Verheißung handelt. Die Tatsache, dass diese Frau, die die Raffinesse einer Verführerin aufweist, als Kurtisane identifiziert werden kann, ändert nichts an der grundlegenden Idee des Bildes, nämlich der einer romantischen Liaison. Der junge Mann, der nach der Mode der Zeit gekleidet ist, hat dennoch einen gewissen Anstand, wie die weiße Feder in seiner roten Mütze und die große blassblaue Schleife, die sein Schwert hält, andeuten. Die theatralische Wirkung wird durch die Stickereien, den Goldschmuck und die tiefen, schimmernden Farben noch verstärkt. Dank Luisa Vertova hat das Gemälde vor kurzem seine wahre Urheberschaft wiederentdeckt, nachdem es das 19. und den größten Teil des 20. Jahrhunderts mit den Namen der berühmtesten venezianischen Maler verbracht hatte, die diese Art von latenter Erotik initiiert hatten. Neben dem bereits erwähnten Tizian wurde das Gemälde auch Paris Bordon und Palma Vecchio zugeschrieben. In der Canesso-Galerie sind auch ein Damenporträt von Lavinia Fontana und eine Madonna in Anbetung des Kindes des Meisters von San Miniato zu sehen.

12. Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina, Junge Frau auf dem Bett sitzend (Öl auf Leinwand, 168,5 x 125 cm). Präsentiert von Caylus

Ein Werk von einem der Protagonisten der spanischen Romantik, Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina, dessen absolute Protagonisten die Erotik und Sinnlichkeit des Mädchens sind. Die junge Frau ist auf der Kante des Bettes dargestellt, während sie den Vorhang öffnet, der ihr Zimmer offenbart, was wie eine Einladung wirkt, an dieser Intimität teilzuhaben. Es ist wahrscheinlich, dass das von Caylus präsentierte Gemälde mit der am 29. Juli 2020 bei Sotheby’s London versteigerten Tänzerin im Boudoir gepaart wurde, da die beiden Werke dieselben Themen und Maße aufweisen. Außerdem wissen wir dank eines Bildes aus der Fotothek der Fundación Universitaria Española von der Existenz einer anderen Version dieses Gemäldes von geringerer Qualität, obwohl die Maße nicht angegeben sind.

13. Ägyptische Kunst, Kopf eines Steinbocks aus Nubien (Neues Reich, 18. Dynastie, 1390-1353 v. Chr.; ägyptisches Blau, 3,2 x 1,5 x 2 cm). Präsentiert von der Galerie Cybele

Diese Dekoration in Form eines Steinbockkopfes aus Nubien war in der Antike wahrscheinlich Teil eines Kosmetiklöffels oder einer Untertasse. Sie besteht aus ägyptischem Blau, einem Pigment, das durch Brennen einer Mischung aus Kupfererz, Quarzsand und Kalkstein hergestellt wird. Es gilt als das erste synthetische Pigment. Der nubische Steinbock ist ein wildes Wüstentier und an seinen imposanten, nach hinten eingerollten Hörnern gut zu erkennen. Das Horn des Steinbocks ist bei diesen Objekten ein Symbol für Erneuerung, Wiedergeburt und Wiederbelebung des Lebens. Es gibt viele Toilettengegenstände, die den Steinbock als Ikonographie oder Form verwenden. Diese Gegenstände dienten dazu, den Menschen zu verjüngen, ihn schöner zu machen: daher seine Symbolik. Oft wurden die Hofdamen mit ihren üblichen kleinen Halsketten bestattet, die bei der Beerdigung bewegt wurden, damit sie ihre Herren im Jenseits begleiten konnten.

14. Michael Desubleo, Jakobs Traum (1666-1670; Öl auf Leinwand, 128,5 x 158,5 cm). Präsentiert von Fondantico

Dieses Gemälde stellt eine bekannte Passage aus dem Buch Genesis dar, in der erzählt wird, wie Jakob auf dem Weg nach Haran einschlief und von einer Leiter träumte, die in den Himmel führte und auf der Engel auf- und abstiegen. An der Spitze der Leiter hatte Jakob eine Vision von Gott, der ihm versprach, dass das Land, in dem er sich befand, eines Tages seinem Volk, den Israeliten, gehören würde. Dieses wieder auf dem Markt aufgetauchte Gemälde wurde zuvor in der Desubleo-Monografie veröffentlicht, allerdings mit einer schlechten Schwarz-Weiß-Fotografie und mit der Angabe, dass es an einem unbekannten Ort aufbewahrt wird. Das Fehlen einer direkten Studie hat dazu geführt, dass die Qualität des Gemäldes von der Wissenschaft unterschätzt wurde. Die Wissenschaftlerin Lucia Peruzzi war die erste, die das Gemälde 1986 veröffentlichte und es auf das Jahr 1641 datierte. In den Vereinigten Staaten gibt es eine zweite, etwas größere Version mit demselben Thema in der Sammlung Barbara Piasecka Johnson in Princeton. Die Komposition ist ähnlich, aber es gibt einige wesentliche Unterschiede: die Haltung eines der Engel im Hintergrund, Jakobs Stab und die Art und Platzierung des braun-weiß gestreiften Tuchs auf der rechten Seite unter Jakobs Kopf. Außerdem fehlt in der Landschaft auf der linken Seite der Umriss des Berges, die Szene auf der rechten Seite ist schmaler angelegt und der Flaschenkürbis ist unten rechts platziert. In der Johnson-Version fehlen vor allem die Draperie, die den Boden bedeckt, und ein Teil der rechten Beine des jungen Mannes, die hier in einem außergewöhnlichen, kräftigen Rotbraun gemalt sind. Diese grundlegenden Unterschiede deuten auf eine autographe Version des Themas hin, die eine typische Praxis von Desubleo widerspiegelt. Jakobs Traum ist in Desubleos Parma-Periode zu datieren, d.h. in das letzte Jahrzehnt seines Lebens.

15. Ippolito Scarsella, bekannt als lo Scarsellino, Einzug Christi in Jerusalem (1590-1605; Öl auf Leinwand, 84,5 x 120,5 cm). Vorgestellt von Hazlitt

Das von Hazlitt präsentierte Gemälde von Scarsellino zeigt eine Szene, die in allen vier Evangelien beschrieben wird: Christus zieht, nachdem er vom Ölberg herabgestiegen ist, auf einem Esel in die Stadt Jerusalem ein, umjubelt von seinen Anhängern und Jüngern. Dieses Ereignis markiert in der christlichen Tradition den Beginn der Passionszeit und den Beginn der liturgischen Osterfeiern. Auf dem Gemälde erhebt der rot gekleidete Christus seine rechte Hand zum Segen, während die Menge Palmzweige bricht und ihre Umhänge vor ihm ausbreitet. Die schnellen Pinselstriche und die lebhaften Farben in Rot, Orange und Blau spiegeln eindeutig Scarsellinos venezianische Ausbildung wider und tragen dazu bei, dieses Werk in die Zeit seiner Rückkehr von Venedig nach Ferrara gegen Ende des 16. zu datieren. Der Gesichtstypus Christi kann mit dem Gemälde Christus und die Jungfrau mit dem heiligen Franziskus verglichen werden, das sich heute in der Pinacoteca di Brera befindet und aus den frühen 1590er Jahren stammt und die reiche Tonalität der frühen Werke Scarsellinos zeigt. Ein Gemälde desEinzugs Christi in Jerusalem von Scarsellino befand sich im Besitz des Architektenbruders Giuseppe Merenda (1687-1767) in seinem Palast in Forlì. Es sind keine weiteren Werke mit demselben Thema bekannt, so dass es sich bei dem Gemälde in der Merenda-Sammlung möglicherweise nicht um das auf der TEFAF ausgestellte Werk handelt.

16. Matthäus von Pacino, Vir dolorum mit Instrumenten der Passion (1470er Jahre; Tempera und Gold auf Tafel, 16,2 x 20,6 cm). Präsentiert von Nicholas Hall Ltd.

Diese Tafel wurde höchstwahrscheinlich als Teil einer Predella für ein großes Polyptychon angefertigt. Es scheint in Größe, Stil und Dekoration perfekt mit einem Heiligen Jakobus dem Größeren übereinzustimmen (1967 von Finarte in Mailand verkauft), der ebenfalls Matteo di Pacino zugeschrieben und in die frühen 1470er Jahre datiert wird. Luciano Bellosi, der bereits als Meister der Rinuccini-Kapelle bekannt war, identifizierte 1973 den Künstler als Matteo di Pacino anhand von Vergleichen mit Pacinos einzigem signierten und datierten Werk, dem Stroganoff-Polyptychon. Weitere Gemälde dieses Meisters befinden sich im Metropolitan Museum of Art in New York, im Lindenau-Museum in Altenburg und in der Galleria dell’Accademia in Florenz. Dieses Vir dolorum verwendet die traditionelle Ikonographie des verwundeten und ausgemergelten Christus, der von den Instrumenten der Passion umgeben ist, aber anstatt das schmerzhafte Leiden des Erlösers zu zeigen, scheint Pacinos Christus trotz des Blutes, das aus seiner Seitenwunde tropft, ruhig zu sein, als ob er schliefe. Auf diese Weise bietet Pacino dem Betrachter ein nüchternes, kraftvolles und kontemplatives Bild, ähnlich wie in seinem späteren, komplexeren Altarbild des gekreuzigten Christus im New Yorker Metropolitan. In beiden Werken umrahmen der zottelige Bart und die roten Locken Christi ein liegendes Gesicht mit geschlossenen Augen.

17. Luca Giordano, Christus unter den Ärzten (um 1685; Fresko auf Weidenträger, 110 cm Durchmesser). Geschenkt von Llull Pampoulides

Dieses Tondo, das Christus unter den Ärzten darstellt, ist ein seltenes Beispiel für ein barockes “tragbares Fresko”. Es wurde von dem großen neapolitanischen Maler Luca Giordano um 1685 in Florenz für Andrea del Rosso gemalt und ist bereits 1689 in der Familiensammlung dokumentiert, zusammen mit drei weiteren ähnlichen Tondi (von denen zwei heute verschollen sind, während sich dasjenige, das Christus und die Samariterin darstellt, in einer Privatsammlung befindet). Giordanos Verwendung dieser ungewöhnlichen Technik hat in Florenz nur wenige Präzedenzfälle und stellt die starren Unterscheidungen zwischen den Kategorien in Frage, die seit jeher die Kunstgeschichte bestimmen. Malerei, Kunstwerk, Performancekunst: In diesem Werk kommt alles zusammen. Die Wandmalerei, die per definitionem unbeweglich und an den architektonischen Kontext gebunden ist, für den sie konzipiert wurde, wird für Giordano zu einer technischen Übung von Geschicklichkeit und Schnelligkeit in der Ausführung, die für (und vielleicht vor) einem angesehenen Kunden ausgeführt wird: eine echte “Performance”, die darauf abzielt, die unvergleichliche Virtuosität und den Erfindungsreichtum des Künstlers unter Beweis zu stellen. In der Tat erfordert die Freskomalerei mehr Schnelligkeit und Vertrauen als die Ölmalerei auf Leinwand oder Tafel. Während letztere aufgrund der langsamen Trocknung des Malgrunds endlose Überlegungen und Veränderungen zulässt, muss der Maler bei der Freskomalerei die Pigmente mit dem noch feuchten Kalkputz vermischen, was zu einer sehr schnellen Malübung führt. Das fragliche Gemälde wurde erstmals 1972 veröffentlicht, blieb aber bis vor kurzem unbekannt. Aufgrund seiner Bedeutung für das Werk des Künstlers wurde es kürzlich veröffentlicht und in der bedeutenden monografischen Ausstellung über Luca Giordano ausgestellt, die kürzlich in Paris stattfand: Luca Giordano (1634-1705 ). Le triomphe de la peinture napolitaine (Petit Palais, 14. November 2019 - 23. Februar 2020).

18. Pietro Paolini, Porträt von Francesco di Poggio beim Schreiben im Schein einer Öllampe (1930er Jahre; Öl auf Leinwand, 147,6 x 115,9 cm). Präsentiert von Adam Williams Fine Art Ltd

Die Zuschreibung dieses Werks an Pietro Paolini trägt die Unterschrift von Nikita de Vernejoul, der diese Leinwand auch als die erste von zwei Versionen desselben Themas betrachtet. Derselbe Gelehrte identifizierte das Modell des Gemäldes als Francesco Di Poggio, ein Mitglied einer Adelsfamilie aus Lucca. Er war ein berühmter Dichter und Schriftsteller, der in zwei Sonetten von Elisabetta Coreglia gepriesen wurde. Er wurde 1594 geboren und war ab 1628 Kanoniker der Kathedrale von San Martino, Protonotar des Apostolischen Stuhls, und war nicht nur Schriftsteller, sondern auch Musiker, Mitglied der Accademia degli Accesi und der Accademia degli Oscuri. Seine erste bedeutende Oper, La Psiche, ein Musikdrama mit Musik von Tommaso Breni, wurde 1645 in Lucca im Palazzo De’ Borghi aufgeführt. Sie wurde von der Accademia degli Accesi im Rahmen der Karnevalsfeierlichkeiten gefördert und 1654 von dieser Akademie veröffentlicht. Das Thema des Porträts in einem literarischen Kabinett geht auf das 16. Jahrhundert zurück, vor allem in Venedig, wo Kenner mit Büchern und Skulpturen dargestellt wurden, um ihr Prestige zu stärken, wie im Porträt von Andrea Odoni von Die Beleuchtung der Öllampe, die in Paolinis Porträt adaptiert wurde, ist sehr originell: Das Modell der künstlichen Beleuchtung, das von Honthorst in Rom in den Genreszenen der 1615er Jahre eingeführt und von Paolini neu interpretiert wurde, verleiht dem Thema Poesie und Geheimnis. Die auf das Wesentliche reduzierte Umgebung der Figur nimmt sich Valentin de Boulogne zum Vorbild, insbesondere das Porträt eines Prälaten (Frankreich, Privatsammlung), dessen Kraft in den Augen und Händen konzentriert ist. Für diese “sprechenden Porträts”, die eine Botschaft übermitteln sollen, hat Paolini eine Art gelehrtes, karawaggeskes Porträt erfunden, das eine Idee, eine Überzeugung, manchmal auch eine tiefe Beunruhigung und ein Gefühl der Unordnung vermitteln kann, deren Kraft den Betrachter erschüttern kann. Dieses Porträt gehört zu Paolinis Reifezeit, als der Künstler auf dem Höhepunkt seiner Kräfte steht und seine Beherrschung des Helldunkels perfekt ist. Die meisten seiner bekannten Porträts entstanden in einem Zeitraum von etwa zehn Jahren. Das Vorhandensein einer zweiten Version dieses Gemäldes (Sammlung Lucca Mazzarosa) mit einigen Variationen, die eindeutig von minderer Qualität sind, sollte die Bedeutung der dargestellten Person bestätigen.

19. Griechische Kunst, Lorbeerkranz (ca. 300 v. Chr.; Gold, Durchmesser 21 cm). Präsentiert von ArtAncient

Dies ist ein außergewöhnlich gut erhaltener hellenistischer griechischer Goldlorbeerkranz aus der Zeit um 300 v. Chr. Das Objekt besteht aus einem zylindrischen Stiel, der mit Goldfolie verziert ist, die um einen Kern aus einer Kupferlegierung gewickelt ist: Feine speerförmige Blätter mit eingeprägten Adern strahlen von einem zentralen becherförmigen Blumenornament nach außen. Diese Krone ist ein goldenes Abbild der Lorbeerkränze, die bei sportlichen Wettkämpfen als Preise verliehen wurden. Kronen aus natürlichen Blättern oder aus Edelmetallen, die die Natur nachahmen, wurden als Preise verliehen oder bei Symposien und Prozessionen getragen.

20. Arnold Böcklin, Schild mit dem Haupt der Medusa (1885-1887; polychromer Gips und Pappmaché, Durchmesser 60,5 cm). Präsentiert von Stuart Lochhead Bildhauerei

Stuart Lochhead präsentiert eine bemalte Skulptur, die auf einem mythologischen Thema basiert, ein Schild, das in idealer Weise im Zentrum der Debatte über die Farbgebung von antiken Marmoren steht und gleichzeitig die Essenz der symbolistischen Ästhetik verkörpert. Das ursprüngliche Modell dieser Medusa entstand um 1885 in Böcklins Atelier in Hottingen bei Zürich und wurde noch im selben Jahr an eine Ausstellung polychromer Skulpturen in der Nationalgalerie in Berlin geschickt, ging aber auf dem Rückweg in die Schweiz zu Bruch. Im Vertrauen auf die Festigkeit des Modells beschloss der Künstler, weitere Versionen dieses erfolgreichen Modells anzufertigen, manchmal aus Gips, manchmal aus Pappmaché, oder sogar eine Mischung aus beidem, wie im Fall des vorliegenden Werks. Böcklins Werk orientiert sich an der frontalen Komposition des antiken Rondanini-Marmors, der im 19. Jahrhundert von König Ludwig I. von Bayern in Rom erworben und anschließend in München ausgestellt wurde, wo er noch heute zu sehen ist. Dieser antike Marmor war ursprünglich als Gorgoneion konzipiert, ein Schutzamulett, das von Athene und Zeus oft auf dem Brustpanzer getragen wurde und dessen apotropäische Funktion auf den Medusenmythos zurückgeht. Aber es gibt auch andere Vorbilder: Böcklin, der sich oft in Italien aufhielt, konnte auch einige in Florenz erhaltene Werke bewundern, wie den berühmten Schild mit dem Medusenhaupt von Caravaggio in den Uffizien. Seine Version der Medusa knüpft somit an eine antike Bildhauertradition an, die erst in der Renaissance und im Barock neu interpretiert wurde. Böcklins Medusa ist jedoch keine stark stilisierte oder groteske Darstellung, sondern eine sehr menschliche.

21. Pietro Orlando, Kalvarienberg (um 1680; Alabaster, 65 x 51 x 25 cm). Präsentiert vom Kunsthandel Mehringer

Eine Alabaster-Skulpturengruppe mit der Darstellung der Kreuzigung Christi zwischen zwei Schächern, mit der trauernden Jungfrau und dem heiligen Johannes am Fuße des Kreuzes: wahrscheinlich für die private Andacht bestimmt. Die Lebendigkeit der Erzählung des Werks wird auch durch eine außergewöhnliche, in den Sockel eingemeißelte Predella verstärkt, in der einige Momente der Passion dargestellt sind: der Aufstieg zum Kalvarienberg mit dem gefallenen Christus, Veronika, die sich das Gesicht abwischt, und Simon von Cyrene, der das Kreuz trägt, vor dem Hintergrund einer eindrucksvollen Landschaft, deren architektonische Details auf die Stadt Jerusalem anspielen. Wie die Inschrift unter der außergewöhnlichen Predella besagt, “Petrus Orlando inventore Del(ineavit et) Fecit Drepani”, stammen sowohl die Ausführung als auch die Erfindung der Komposition dieses Kalvarienbergs von dem Bildhauer Pietro Orlando, der in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in der Stadt Trapani tätig war und in den Quellen als “renommierter Holzbildhauer” bezeichnet wird. Zahlreiche andere Werke, die in Biografien erwähnt werden, sind nicht mehr auffindbar oder Orlandos Hand zuzuschreiben. Der kulturelle Kontext, in den dieses Werk einzuordnen ist, ist durch eine blühende Tätigkeit in Süditalien, zwischen Sizilien und Neapel, gekennzeichnet, die sich auf Szenen mit kleinen, in Elfenbein, Marmor, Alabaster, Stein oder Koralle geschnitzten Figuren spezialisiert.

22. Battistello Caracciolo, Heilige Familie mit Johannes dem Täufer und Johannes dem Evangelisten (Öl auf Tafel, 53 x 36 cm). Präsentiert von Porcini

Zusammen mit einer ähnlich großen Replik im Palazzo dei Consoli in Gubbio wurde dieses Gemälde erstmals 1943 von Roberto Longhi in einer aktualisierten Anmerkung zu Battistellos Katalog erwähnt; genauer gesagt wird es mit der Heiligen Familie mit dem kleinen Johannes identifiziert, die sich damals in der Sammlung Angelo Cecconi in Florenz befand. Die fragliche Heilige Familie scheint die ursprüngliche Version zu sein und gehört zu einer Reihe von kleinformatigen Kompositionen, die von der Forschung auf das Ende des zweiten oder dritten Jahrzehnts des 17. Jahrhunderts datieren. Darunter befindet sich eine signierteVerkündigung im Wadsworth Atheneum in Hartford, die ebenfalls vom Florentiner Antiquitätenmarkt stammt und eine bemerkenswerte Ähnlichkeit in der Anordnung aufweist. Die Datierung der Heiligen Familie in dieselbe Zeitspanne, in der Caracciolo seine künstlerische Reife erlangte, wird auch durch die emaillierte Plastizität der Figuren nahegelegt.

23. Bernardino Cametti, Geburt Christi (um 1725; Terrakotta, 51 x 66 x 64 cm). Präsentiert von Walter Padovani

Diese komplexe Terrakottagruppe, die der Wissenschaft schon lange bekannt ist, wurde 1900 von Stanislao Fraschetti veröffentlicht, als sie sich im Besitz der fürstlichen Familie Massimo befand. In der ersten Monografie über Bernini als Werk der Bildhauerschule abgebildet, wurde sie später Cametti zugeschrieben. Der Gelehrte Andrea Bacchi, der das Dossier des Werks signiert hat, ist der Ansicht, dass es zahlreiche Anhaltspunkte gibt, die für eine Zuschreibung an Bernardino Cametti sprechen, der um 1669 in Rom in einer Familie piemontesischer Herkunft geboren wurde. Er wurde neben Camillo Rusconi, Angelo de Rossi und den Franzosen Pierre Etienne Monnot, Jean Baptiste Théodon und Pierre Legros zu einem der größten Bildhauer des frühen 18. Jahrhunderts in Rom. Als Schüler von Lorenzo Ottoni schuf Cametti zwischen 1695 und 1698 sein erstes öffentliches Werk, das große Marmorrelief der Heiligsprechung des Heiligen Ignatius, im Rahmen der wichtigsten bildhauerischen Arbeit im Rom des späten 17. Danach war der Bildhauer ständig nicht nur in Kirchen in Rom, sondern auch in Orvieto, Bologna, Turin und Madrid tätig. Bei dem vorliegenden Werk handelt es sich wahrscheinlich nicht um ein Modell für ein größeres Werk. Die außergewöhnliche Ausführung und die Lebendigkeit aller Details (vom Stroh, auf dem das Kind liegt, über die Vegetation an den architektonischen Elementen bis hin zum Fuß der Jungfrau im Vordergrund) lassen vermuten, dass die kleine Gruppe für eine prestigeträchtige Sammlung bestimmt war. Nach den sorgfältigen Restaurierungsarbeiten im Sommer 2009, bei denen die braune Übermalung entfernt wurde, hat die Terrakotta ihr authentisches, samtiges Aussehen wiedererlangt, was eine bessere Interpretation des Stils ermöglicht (auch nach der Reinigung ist es nicht möglich, eine Inschrift zu entziffern, vielleicht einen Namen, der vor dem Brennen in den Ton eingraviert und auf dem Sockel vor dem Heiligen Josef angebracht wurde).

24. Baldassarre Franceschini, genannt Volterrano, Porträt des Markgrafen Luigi di Alberto Altoviti als Ganymed oder Ila (ca. 1645-1646; Öl auf Leinwand, 87,5 x 71 cm). Präsentiert von Robilant+Voena

Das Porträt des Markgrafen Luigi von Alberto Altoviti stellt den Dargestellten in der Gestalt einer Figur der klassischen Tradition dar, eine Konvention, die von den Malern der Barockzeit übernommen wurde. Der Krug und der Becher des Dargestellten führten zur Identifizierung mit zwei mythologischen Protagonisten von großer Schönheit: Ila, die Gefährtin des Herkules, die von einer Flussnymphe auf dem Weg zum Wasserholen entführt wurde, und Ganymed, der von Jupiter bewundert und dann entführt wurde, um sein Mundschenk zu werden. Ebenfalls auf der TEFAF stellt die Galerie Perrin ein angebliches Porträt des Markgrafen in der Gestalt des Adonis aus, das ebenfalls von Volterrano stammt. Altoviti’s elegante Pose und die suggestive Anordnung seiner Hände (eine hält Krug und Becher, die andere hält den prächtigen blauen Vorhang an seiner Seite) evozieren eine informelle und ausgesprochen sinnliche Atmosphäre. Gleichzeitig suggerieren ihre rotbraune Lockenmähne, ihr jugendlicher Körperbau und der neugierige, einladende Blick, mit dem sie den des Betrachters kreuzt, sowohl die Unschuld der Jugend als auch eine gewisse Weiblichkeit. So verkörpert das Modell die verführerische Zweideutigkeit der Androgynität, die dem platonischen Ideal der männlichen Schönheit zugrunde liegt, ein Thema, das die Phantasie der Künstler und Mäzene der Renaissance und des Barocks beflügelte und einige der sinnlichsten Bilder der frühen Neuzeit inspirierte.

25. Gregorio di Cecco di Lucca, Mystische Vermählung der Heiligen Katharina mit Heiligen, Cherubim und Seraphim (um 1410-1415; Tempera und Gold auf Tafel, 60 x 32 x 1,5 cm). Präsentiert von der Galerie G. Sarti

Gregorio di Cecco war der Adoptivsohn und Mitarbeiter von Taddeo di Bartolo, einer zentralen Figur der sienesischen Kunstszene zwischen dem 14. und 15. Jahrhundert. Bemerkenswert ist seine raffinierte und virtuose Wiedergabe von Details und die Verwendung verschiedener Techniken (Sgraffito, Interpunktion, durchscheinender Lack), die auch auf dieser bekannten Tafel mit der Mystischen Hochzeit der Heiligen Katharina mit Heiligen, Cherubim und Seraphim zu sehen ist. Details, die Gregorio di Cecco zu einer Figur von großem Interesse im Siena des frühen 15. Jahrhunderts machen, als die großen Künstler der jüngeren Generation wie Sassetta die tief verwurzelte Sprache des 14. Jahrhunderts zu einem moderneren Idiom weiterentwickelten. Dieses Werk wurde 2018 bei Sotheby’s versteigert. Die Zuschreibung an Gregor, insbesondere an die frühe Phase seiner Karriere, ist Gaudenz Freuler zu verdanken.

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