Das Schaf von Damien Hirst. Nachdenken über die Bedeutung der Kunst

Die Nachricht, dass der Engländer Damien Hirst auf der in einigen Wochen in Arezzo stattfindenden Ausstellung Icastica eines seiner Schafe in Formaldehyd ausstellen wird, hat für großes Aufsehen gesorgt. Um es klar zu sagen: Die Aktion von Hirst, der es gewohnt ist, tote Tiere in mit Formaldehyd gefüllte Vitrinen zu legen, ist keineswegs neu. Seit Jahren hat Hirst die Öffentlichkeit an Werke dieser Art gewöhnt. Trotz der Tatsache, dass die Operation nicht neu ist, löst Hirst weiterhin Kontroversen aus: Unser Facebook-Post, mit dem wir die Nachricht gestern wieder aufgriffen, erhielt fast dreihundert Kommentare, die sich in Empörte, Gleichgültige, diejenigen, die Hirst für ein Genie halten, und diejenigen, die ihn für einen Schwafler halten, aufteilen.

Abgesehen von persönlichen Urteilen helfen uns diese Vorgänge, über die Bedeutung der Kunst nachzudenken. Angefangen bei der Frage, wie ein Werk zu bewerten ist, damit es nicht nur als Kunst definiert werden kann, sondern selbst Teil der Kunstgeschichte wird. Hirst ist kein innovativer Künstler: Er folgt einem Trend, dem derKonzeptkunst, zu dessen jüngsten Vertretern er gehört. Seit Piero Manzoni (obwohl Manzoni nicht streng als Konzeptkünstler eingestuft werden kann, obwohl er ein Vorreiter solcher Tendenzen war) war die Provokation einer der Aspekte, die einen Großteil der Konzeptkunst auszeichneten. Wenn man so will, wäre Hirsts Schaf bereits 1973 ein veraltetes Kunstwerk gewesen, denn im Jahr zuvor hatte Gino de Dominicis auf der Biennale von Venedig einen Jungen mit Down-Syndrom “ausgestellt”, der sitzend einige Werke betrachtete (übrigens: heute erinnern sich wahrscheinlich nur noch Liebhaber der zeitgenössischen Kunst an De Dominicis, obwohl das Ereignis erst zweiundvierzig Jahre zurückliegt und der Künstler vor sechzehn Jahren gestorben ist). Das ist auch der Grund, warum der von vielen gezogene Vergleich zwischen Künstlern wie Hirst und Cattelan und anderen wie Caravaggio und Monet unsinnig erscheint: Viele setzen sie auf die gleiche Stufe. Eines der Merkmale, die Genies von Nicht-Genies unterscheiden (so unangenehm und kommerziell der Begriff “Genie” auch ist, aber angesichts seiner weiten Verbreitung ist es unmöglich, das Thema nicht anzusprechen), ist dieOriginalität: Deshalb waren Caravaggio und Monet Genies. Weil sie die ersten waren, die eine Sprache erfunden und bestimmte Muster durchbrochen haben. Duchamp war ein Genie, ob uns seine Kunst nun gefällt oder nicht, weil er vielleicht der Künstler war, der mit einem Werk, das endlose Kontroversen auslöste (und dies auch hundert Jahre später noch tut), eine der Voraussetzungen demonstrierte, auf denen die Kunst beruht, nämlich dieOriginalität der Idee.

Daneben gibt es eine größere Gruppe von Künstlern, die in die Kunstgeschichte eingegangen sind, weil sie in der Lage waren, die Errungenschaften der großen Meister zu überarbeiten, indem sie sie anpassten oder mit anderen Anregungen verschmolzen, um ihren eigenen persönlichen Weg zu gehen. Und in diesem Sinne gibt es viele Namen. Können die Konzeptkünstler von heute in diese Kategorie fallen? Inwieweit kann Provokation als Kunst definiert werden? Es könnte interessant sein, ein weiteres Element der Reflexion einzuführen, nämlich die Botschaft des Werks. Was einen Künstler vielleicht von einem guten Verkäufer unterscheidet (schließlich beruht ein großer Teil des Marketings gerade auf der Provokation, die darauf abzielt, ein Produkt ins Gespräch zu bringen, damit es an Wert gewinnt), ist die Fähigkeit, die Provokation dazu zu bringen, eine Reflexion über einen Inhalt, über eine Botschaft anzuregen, und nicht über die Provokation selbst und ihre Form. Kaum jemand hinterfragt die Botschaft der Werke von Hirst, Cattelan, Vanessa Beecroft und Co., eben weil die auf die Spitze getriebene Provokation Vorrang vor jeglichem Inhalt hat und eine Debatte nicht über den Inhalt, sondern über die Form auslöst. Ist das auch eine Kunstform? Wahrscheinlich. Aber wenn man davon ausgeht, dann sind auch die Werber, die das Bild des mit einem Gewehr bewaffneten David von Michelangelo erfunden haben, Künstler. Es war Duchamp selbst, der lehrte, dass es entgegen dem Anschein nicht ausreicht, irgendeinen Gegenstand zu nehmen und ihn als “Kunstwerk” zu bezeichnen, um ein Kunstwerk zu schaffen. Sonst wären wir alle Künstler. Es gibt Leute, die sagen, wenn Hirst, Cattelan oder andere eine große Kontroverse auslösen, haben sie ihr Ziel erreicht. Und wir spielen ihnen dabei in die Hände. Aber die Frage ist: Was ist ihr Ziel? Und was ist ihr Spiel? Wahrscheinlich, um die Leute dazu zu bringen, über sich selbst zu sprechen, denn sie sprechen kaum über die Bedeutung ihrer Werke. Wenn also der Zweck ihrer Tätigkeit darin besteht, die Leute dazu zu bringen, über sie zu sprechen, wo ist dann die Grenze zwischen Kunst und Marketing?

Es gibt noch einen weiteren Punkt zu bedenken. In seinem Essay (in Dialogform) Der Kritiker als Künstler schrieb Oscar Wilde dem Kunstkritiker eine höhere schöpferische Fähigkeit zu als dem Künstler selbst. Eine Aussage, die so aktuell wie eh und je ist: Man denke nur an die Entstehung von Transavanguardia, einer Bewegung, die in den 1980er Jahren von einem der einflussreichsten Kritiker der damaligen (und heutigen) Zeit, Achille Bonito Oliva, praktisch am Reißbrett entworfen wurde. So sehr, dass der eigentliche Protagonist der Transavanguardia, die größtenteils Künstler ohne eigentliche künstlerische Ausbildung zusammenbringt, oft als der Kunstkritiker angesehen wird, der die Bewegung ins Leben gerufen hat. Eine Bewegung, die es ohne ihren schwerfälligen Kunstkritiker wahrscheinlich gar nicht gegeben hätte. Für die Künstler von heute gilt das gleiche Argument: Sie werden von den Kritikern gefeiert und gefördert, und ohne die Kritiker würden sie wahrscheinlich gar nicht existieren. Wovon Wilde Ende des 19. Jahrhunderts sprach, ist auch heute noch alltägliche Realität, und heute hat die Kritik wahrscheinlich eine weitaus größere Macht als die Kunst. Die Geschichte hat uns jedoch gezeigt, dass Kritik und Kunstgeschichte nicht Hand in Hand gehen. Man denke nur an Lorenzo Lotto, der am Ende seiner Karriere gezwungen war, sich in ein Kloster zurückzuziehen, weil er nicht genug zum Leben hatte, da seine Kunst nicht verstanden wurde und der Künstler immer in peripheren Zentren arbeiten musste, manchmal ohne genug für einen angemessenen Lebensunterhalt verdienen zu können. Heute ist Lorenzo Lotto jedoch als einer der größten Namen der Kunstgeschichte anerkannt.

Zum Schluss noch eine Anmerkung praktischer Natur, wenn ich dieses Adjektiv verwenden darf. Arezzo verfügt über ein großartiges Museum für mittelalterliche und moderne Kunst, das völlig unterschätzt wird (es hat nicht einmal eine eigene Website!) und dennoch reich an bedeutenden Werken großer einheimischer und auswärtiger Künstler ist (unter den einheimischen Künstlern seien nur Luca Signorelli, Bartolomeo della Gatta und Giorgio Vasari genannt). Die letzte bemerkenswerte Ausstellung, die in den Räumlichkeiten des Museums stattfand, war vielleicht die große Ausstellung über Piero della Francesca im Jahr 2007, die auch wir von Finestre sull’Arte besucht hatten (obwohl die Website erst zwei Jahre später gegründet wurde). Es war eine der besten Ausstellungen der letzten zehn Jahre und hätte ein Sprungbrett sein können, um das Museum und die Stadt selbst auf den Weg zu bringen und sie zu einer Art toskanischem Forlì zu machen, was die Förderung von Kunst und Ausstellungen angeht. Stattdessen hat man es vorgezogen, sich auf diezeitgenössische Kunst zu konzentrieren, aber es reicht nicht aus, mit einfachen Aktionen wie denen von Hirst zu provozieren, um sich zeitgenössisch nennen zu können. Auch weil man zeitgenössisch sein kann, indem man das Alte aufwertet: Jeder erinnert sich an die Ausstellung über Piero della Francesca, sieben Jahre später. Kaum jemand erinnert sich an die letzte (und erste) Ausgabe von Icastica. Und die Zahlen sprechen für sich: Die Ausstellung über Piero verzeichnete 160.000 Besucher, die letzte Ausgabe von Icastica etwas mehr als 20.000. Wenn also ein Modell funktioniert, warum sollte man es nicht wiederholen und verbessern?

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