Artissima, die 15 besten Werke: 5 etablierte Künstler, 5 neue Talente, 5 Werke, die man nicht verpassen sollte

Die Artissima 2017 wurde heute für das Publikum eröffnet(hier die Details und praktischen Informationen): 206 Galerien aus 31 Ländern waren anwesend und brachten mehr als zweitausend Werke von siebenhundert verschiedenen Künstlern in dasOval Lingotto in Turin. Es ist schwierig, eine schnelle und prägnante Auswahl zu treffen: Wir sind uns bewusst, dass eine “Zusammenfassung”, besonders wenn sie so kurz ist, niemals vollständig sein kann, aber wir haben versucht, Ihnen eine Idee zu geben und schlagen Ihnen die Auswahl der fünfzehn besten Werke vor, die von Finestre sull’Arte (Medienpartner der Artissima 2017) zusammengestellt wurden. Wir haben sie in drei Kategorien eingeteilt: fünf Werke von Künstlern, die bereits etabliert und dem Publikum bekannt sind, fünf Werke von jungen Talenten, die in Zukunft Wellen schlagen werden, und fünf Werke , die Sie auf keinen Fall verpassen dürfen. Wir haben die Werke des derzeitigen Italian Art Depot nicht berücksichtigt, da wir diesem Projekt einen eigenen Schwerpunkt widmen werden. Für den vollständigen Katalog empfehlen wir Ihnen die Website www.artissima.it.

Etablierte Künstler

1. Jan Fabre, Adelaarsboom (Stumme Schreie, schwierige Träume) (1992; venezianisches Glas, Stoff, Bic-Stift, Metall und Holz). Vorgeschlagen von: Mario Mauroner Contemporary Art - Salzburg / Wien, Österreich.

Adelaarsboom bedeutet auf Niederländisch wörtlich “Baum der Adler”. Das Werk gehört zu einer Serie mit dem Titel Silent Screams, Difficult Dreams (Stumme Schreie, schwierige Träume), in der Jan Fabre (Antwerpen, 1958) bizarre kleine Theater inszeniert, die von beunruhigenden Figuren bevölkert sind (in diesem Fall sind die Protagonisten drei Adler übereinander), die aus der imaginären Welt eines Mädchens, Helena, stammen, einer Frau, die Fabre wirklich kannte und die in einer eigenen Welt voller symbolischer Bezüge lebte. Silent Screams, Difficult Dreams begann als Theaterstück, das Teil einer Trilogie(The minds of Helena Troubleyn) war, die genau dieser bizarren Frauenfigur gewidmet war.

2. Maurizio Nannucci, Look (2005; Neon, rotes Muranoglas, 200 x 400 x 1,5 cm). Vorgeschlagen von: Enrico Astuni - Bologna, Italien.

Das große Neonschild von Maurizio Nannucci (Florenz, 1939) gehört bereits zu den meistfotografierten Werken der 24. Ausgabe der Artissima. Neon ist das typische Medium des toskanischen Künstlers, mit dem er über Sprache und ihre Beziehung zum Raum, in den sie eingefügt ist, nachdenkt. “Neon”, sagt der Künstler, "gibt mir die Möglichkeit, den Raum zu formen und in Empfindungen und Konzepte umzuwandeln, die dem Nullpunkt der Darstellung sehr nahe kommen und gleichzeitig neue Perspektiven und Horizonte der Wahrnehmung und Interaktion mit der Realität eröffnen. Und dieser Blick kann als eine ... Einladung, tief in die Werke von Artissima zu schauen!

3. Antony Gormley, Open Swoon (2015; Eisenskulptur). Vorgeschlagen von: Galleria Continua - San Gimignano, Italien.

Ein typisches Motiv in der Sprache des englischen Bildhauers Antony Gormley (London, 1950) ist der in geometrische Formen zerlegte Mann ohne erkennbare Identität: Man könnte sagen, dass dieser Mann für uns alle steht, und die verschiedenen Formen, die er annimmt, können die verschiedenen Situationen symbolisieren, mit denen wir umgehen müssen, die Stimmungen, die wir empfinden, die Erfahrungen, die wir im Laufe unserer Existenz machen. “Kunst”, sagt Gormley, “ist das Medium, durch das wir bekannt machen, wie es sich anfühlt, am Leben zu sein”. Und das gilt auch für den OpenSwoon (wörtlich ’offene Ohnmacht’), den Continua zu Artissima bringt.

4. Mario Schifano, Seerosen (1983). Zur Verfügung gestellt von: Galleria de’ Foscherari - Bologna, Italien

Bei Artissima ist auch Platz für Künstler, die heute in die Geschichte eingegangen sind: Dazu gehört einer der bedeutendsten Vertreter der italienischen Pop Art, Mario Schifano (Homs, 1934 - Rom, 1998), dessen Gemälde hier zu sehen sind, darunter die Seerosen, ein Thema, das der Künstler immer wieder aufgriff. Ein Werk, das sich an der Kunstgeschichte orientiert, insbesondere an den Seerosen von Monet, die sich bei Schifano in Blumen mit kräftigen, fast gewaltsamen Farben verwandeln, so als wären diese Seerosen Zeugen der historischen Veränderungen, die in den hundert Jahren, die sie von ihren impressionistischen Vorbildern trennen, stattgefunden haben.

5. Nanni Balestrini, Quindici (1969; Collage auf Papier, 26,5 x 27 cm). Vorgeschlagen von: Frittelli Arte Contemporanea - Florenz, Italien

Nanni Balestrini (Mailand, 1935) war einer der führenden Vertreter der Gruppo 63 und fand bei Artissima seine Collagen, mit denen er über den Futurismus reflektierte und sich selbst als neue Avantgarde vorstellte (in der Nachfolge: und vielleicht war die Gruppo 63 die letzte wirkliche Avantgarde in der Geschichte der italienischen Kunst), zusammen mit den Werken aller Künstler, die an diesem kulturellen Klima beteiligt waren (Lamberto Pignotti, Ketty La Rocca, Lucia Marcucci), die von Frittelli nach Turin gebracht wurden, ist eine wunderbare Möglichkeit, eine fruchtbare Zeit unserer Kultur wiederzuentdecken. Auch weil viele der Werke, darunter die Collagen der Serie Quindici, aus dieser Zeit stammen.

Neue Talente

1. Sommerweizen, Coreena (2016; Blattgold, Harz und Acrylfarbe, 175,2 x 121,9 cm). Vorgeschlagen von: Braverman Gallery - Tel Aviv, Israel

Die amerikanische Künstlerin Summer Wheat (Oklahoma City, 1977) tritt sicherlich nicht zum ersten Mal auf wichtigen Bühnen auf, aber sie ist dennoch eine Künstlerin, deren Karriere auf dem Vormarsch ist. Coreena, ihr Werk, das bei Artissima angekommen ist, enthält alle charakteristischen Züge ihres Stils. Die Kunst von Summer Wheat ist sicher nicht klassisch schön, aber sie enthält viel Energie, ist von einer fast schamanischen Erotik durchdrungen, zeichnet sich durch eine überwältigende Ausdruckskraft aus und ist stark von der Stammeskunst beeinflusst. Alles in allem ist es eine intensive und sinnliche Kunst, die aus ihren Werken hervorgeht, und Coreena ist da keine Ausnahme.

2. Simone Monsi, Transparent word banner (this website is so boring) (2016; Plexiglas, Stahl, MDF; 135 x 200 x 12 cm). Vorgeschlagen von: Placentia Arte - Piacenza, Italien.

Simone Monsi (Piacenza, 1988), einer der jüngsten Künstler der Artissima, präsentiert sich mit einem Werk aus der Serie Transparent word banners: Es handelt sich um Sätze aus Tumblr, die aus den einfachsten und banalsten, aber gleichzeitig erfolgreichsten ausgewählt, dekontextualisiert und in kleine Plexiglasbuchstaben übersetzt wurden. Eine Kunst, die in der Lage ist, auf intelligente Weise in die Probleme der heutigen Gesellschaft einzutauchen, und Monsi (in diesem Jahr hat Placentia Arte übrigens seine erste Einzelausstellung organisiert) erweist sich als aufmerksamer, aufmerksamer und intelligenter Beobachter.

3. Cosimo Veneziano, Days of a Future Past (2017; Holzkohle auf Leinwand, 100 x 200 cm). Vorgeschlagen von: Alberto Peola - Turin, Italien.

Days of a Future Past ist eines der neuesten Werke von Cosimo Veneziano (Moncalieri, 1983), das dieses Jahr zum ersten Mal in seiner zweiten Einzelausstellung in der Galerie Alberto Peola in Turin präsentiert wird. Der Künstler liest die Propagandabilder des 20. Jahrhunderts, um darüber nachzudenken, wie die Propaganda selbst die Zerstörung hervorhebt, die die Veränderungen in der Geschichte voraussetzt: ein Prozess, der Widersprüche enthält (der zwischen Zerstörung und Neuheit ist nur einer: der Künstler reflektiert auch über den Widerspruch zwischen der Großartigkeit der Darstellungen, die einen historischen Moment feiern wollen, und gleichzeitig der Zensur, die das Handeln vieler Politiker kennzeichnet). Veneziano wurde im Übrigen auch für das Deposito d’arte italiana presente ausgewählt.

4. Catherine Parsonage, Campari Spring (2017; Bleistift, Pastell und Aquarell auf Fabriano-Papier, 111 x 66 cm). Vorgeschlagen von: House of Egorn - Berlin, Deutschland.

Die junge Künstlerin Catherine Parsonage (Wirral, 1989), gebürtige Engländerin mit Wohnsitz in Italien, fertigt Porträts an, die fast immer den weiblichen Körper zum Hauptthema haben. “Die Praxis der Künstlerin”, so heißt es im Katalog der Sektion Present future der Artissima, für die Catherine Parsonage ausgewählt wurde, “hinterfragt die Vorstellungen von Geschlecht und Identität durch einen persönlichen, repräsentativen Ansatz zur Körperlichkeit, der dekonstruiert wird und auf der Verwendung von Farbe basiert. Der Körper wird als eine im Entstehen begriffene Einheit dargestellt [...]. Diese ätherischen Porträts evozieren die aktuellen Reibungen, die durch die digitale Wende entstanden sind, und ihre zarten Züge erinnern an die Fragmentierung von Körpern und ihren Bildern als Folge der erweiterten Möglichkeiten der Reproduktion, Manipulation und Zirkulation von Bildern”.

5. Joanna Piotrowska, Ohne Titel (2017; Gelatinesilberdruck, 120 x 95 cm). Vorgeschlagen von: Madragoa - Lissabon, Portugal.

Die polnische Künstlerin Joanna Piotrowska (Warschau, 1985) hat mehrere Personen gebeten, ein Zelt zu bauen, wie sie es als Kinder beim Spielen gemacht haben, indem sie zum Beispiel ein Tuch zwischen zwei Stühle gelegt haben. Das Ergebnis ist eine zwischen 2016 und 2017 entstandene Fotoserie mit dem schlichten Titel " Ohne Titel", die mit dem kindlichen Aspekt, den die Bilder annehmen, “die zerbrechlichen und intimen Widersprüche, die unserer Identität zugrunde liegen” (so im Katalog), hervorheben will: Die Künstlerin will mit anderen Worten betonen, dass wir alle immer einen Unterschlupf oder Schutz suchen müssen.

Werke, die man nicht verpassen sollte

1. Nicola Samorì, Der Fall der Giganten (2017; Öl auf Kupfer, 70 x 50 cm). Vorgeschlagen von: Monitor - Rom, Italien

Nicola Samorì (Forlì, 1977), einer der interessantesten zeitgenössischen italienischen Künstler, der bereits auf der Biennale von Venedig vertreten war, schlägt eine Sprache vor, die in der Kunst des 17. Jahrhunderts verwurzelt ist (und sich auch traditioneller Techniken wie Öl auf Kupfer bedient). Jahrhunderts verwurzelt ist (und sich auch traditioneller Techniken wie Öl auf Kupfer bedient) und sie neu interpretiert (mit Figurationen, die dennoch originell sind), indem er sie Materialtropfen, Rissen und Verbrennungen aussetzt, als wolle er den Lauf der Zeit hervorheben und betonen, dass ein Kunstwerk, eine Ikone, die uns als zeitlich fixiert erscheint, in Wirklichkeit ein Objekt ist, das einem normalen Verfallsprozess unterliegt. In diesem Jahr wurden seine starken und kraftvollen Werke (und die Galerie Monitor bietet auf der Artissima eine hervorragende Auswahl) in einer Einzelausstellung in Pesaro gezeigt.

2. Abdoulaye Konaté, Alep (2017; Wandteppich, 346 x 236 cm). Vorgeschlagen von: Primo Marella - Mailand, Italien.

Ein traditionelles Medium, der Wandteppich, um ein zeitgenössisches Drama darzustellen: der malische Künstler Abdoulaye Konaté (Diré, 1953) übersetzt die Tragödie von Aleppo in ein textiles Werk. Kreuze, Sterne und Mondsicheln, als wollten sie sagen, dass Gewalt niemandem Rabatt gibt, ein Blutrot, das alles färbt (die Erde, die am Boden liegenden Leichen, die Gebäude), eine Art Feuerregen, der vom Himmel fällt. Es ist eines der stärksten Werke, die wir auf der Artissima 2017 finden.

3. Giuseppe Penone, Zedernhaut. Efeu (2007; Leder und Bronze, 276 x 298 x 22 cm). Vorgeschlagen von: Tucci Russo Studio per l’Arte Contemporanea - Torre Pellice, Italien

Zedernhaut ist eines der bekanntesten Werke von Giuseppe Penone (Garessio, 1947), einem führenden Vertreter der Arte Povera. Es ist eine Reflexion über die Natur: Es handelt sich um einen Abguss einer Zedernrinde aus Leder. Tier und Pflanze werden so zu einem Teil voneinander und beziehen uns, die Betrachter des Werks, mit ein, indem sie den Dialog zwischen Mensch und Natur, der Penones Kunst seit jeher auszeichnet, in neuen Formen lebendig werden lassen.

4. Jules de Balincourt, Truck stop blues (2016; Öl auf Platte, 61 x 50,8 cm). Vorgeschlagen von: Victoria Miro Gallery - London, UK

Mit dem beobachtenden Geist eines flämischen Künstlers (und in gewisser Weise ähneln seine Gemälde fast der traditionellen flämischen Kunst) betrachtet der Franzose Jules de Balincourt (Paris, 1972) die Realität mit einem desillusionierten Blick. Ich kann keine Blumensträuße malen und so tun, als ob alles wunderbar wäre. Das interessiert mich nicht", sagt er. Und seine Realität besteht aus kleinen, alltäglichen Landschaften, die von sauren und heftigen Farben geprägt sind. Ein bisschen so wie in diesem Truck stop blues, der uns fast in eine amerikanische Tankstelle versetzt, in der nachts Lastwagen auf den Parkplatz fahren, begleitet von den melancholischen Klängen von Ry Cooder.

5. Jacqueline de Jong, La clique au bassin (Série Noire) (1981; Öl auf Leinwand, 86 x 105 cm). Vorgeschlagen von: Dürst Britt & Mayhew - Den Haag, Die Niederlande

Die für die Sektion Zurück in die Zukunft ausgewählten Werke der Série Noire von Jacqueline de Jong (Hengelo, 1939) sind von den Filmen Fassbinders inspiriert: Werke, die, wie es im Artissima-Katalog heißt, “zugleich humorvoll und frech, figurativ und ikonografisch, gewalttätig und formal tadellos, surrealistisch und filmisch” sind und das Temperament einer kosmopolitischen und unabhängigen, aber auch ungehorsamen Künstlerin erahnen lassen, die von Guy Debord aus der Situationistischen Internationale ausgeschlossen wurde (später gründete sie eine situationistische Zeitschrift, The Situationist Times).

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