15 Werke, die mit Kunst die Geschichte von 2020 erzählen, aus den Ausstellungsräumen der Art Basel

Wie bereits seit Juni letzten Jahres bekannt ist, hat die Art Basel, die weltweit wichtigste Messe für zeitgenössische Kunst, ihre Ausgabe 2020 aufgrund von Bedenken wegen der Covid-19-Infektion abgesagt. Das hat die von Marc Spiegler (Direktor der Art Basel) und Alban Fischer (Direktor der Art Basel Digital) geleitete Organisation jedoch nicht davon abgehalten, online zu gehen. Gerade an diesem Wochenende hat die Messe das Projekt OVR:2020 ins Leben gerufen, eine Reihe von thematischen Besichtigungsräumen zu Werken, die im Jahr 2020 entstanden sind: Die 100 beteiligten Galerien haben daher jeweils sechs Werke zur virtuellen Art Basel mitgebracht, die eines gemeinsam haben, nämlich dass es sich immer um Werke handelt, die in diesem Jahr entstanden sind. Es gibt Künstler, die aktuelle Ereignisse gelesen haben, andere, die sich stattdessen intimen Reflexionen zugewandt haben, es gibt die neuesten stilistischen und formalen Forschungen: eine Art Zusammenfassung, wie die Kunst dieses neue Jahrzehnt der 2000er Jahre begonnen hat. Wir haben fünfzehn Werke ausgewählt, die unserer Meinung nach sehr bedeutsam und geeignet sind, die 2020er Jahre zu verdichten, die hier durch die zeitgenössische Kunst wiedergegeben werden.

1. Lynn Hershman Leeson, Feeling Really Alone (2020; Aquarell und Tinte auf Papier; 45,7 x 35,6 cm)
Eingereicht von: Altman Siegel. Kosten: 35.000 $

“Die Maske war schon immer ein Mittel, um die eigene Verletzlichkeit zu verbergen. Heute sind Masken Schnittstellen, die sich durch ihre Fähigkeit zur Verbindung verändern und durch ihren Gebrauch die Vergangenheit mit der Gegenwart verschmelzen”, so formulierte es Lynn Hershman Leeson (Cleveland, 1941) 2014. Die Galerie Altman Siegel präsentiert in der virtuellen Ausgabe der Art Basel eine Einzelausstellung der amerikanischen Künstlerin, die einen “2020-Filter” auf ein in ihrer Kunst immer wiederkehrendes Thema anwendet, nämlich das der maskierten Frau. In diesem Fall konzentriert sich Hershman Leeson auf die Entwicklung der gesellschaftlichen Bedeutung von Masken, mit der wir alle in diesem Jahr vertraut geworden sind. Und was dieses Werk betrifft, so ist der Titel an sich schon sehr aussagekräftig, um die Einsamkeit der maskierten Frau und ihren traurigen Blick zu erklären.

Lynn Hershman Leeson, Das Gefühl, wirklich allein zu sein

2. Ludovic Nkoth, 1pm in Montauk (2020; Aquarell auf Papier; 50,8 x 40,6 cm)
Präsentiert von: François Ghebaly. Preis: 5.000 $

Der sehr junge Ludovic Nkoth (Kamerun, 1994), der in Afrika geboren wurde, aber in New York aufgewachsen ist, wohin er im Alter von dreizehn Jahren zog, ist der Star der Einzelausstellung von François Ghebaly und bringt Porträts von Freunden, Verwandten, fiktiven Charakteren und sich selbst in die Ausstellungsräume der Art Basel: Die Idee des 26-jährigen Nkoth ist es, in dieser Serie von Werken zu fragen, was “Heimat” ist, welche Gefühle der Begriff Heimat hervorruft, wie man weiß, wann man eine Heimat gefunden hat. So sprechen seine Werke von der Suche, der Vertreibung, dem Glück des Entdeckens, aber sie wecken auch Kindheitserinnerungen, Traditionen, alte Geschichten, die von alten Menschen erzählt werden.

Ludovic Nkoth, 13 Uhr in Montauk

3. Rirkrit Tiravanija, untitled 2020 (2020; Installation, Mischtechnik)
Präsentiert von: neugerriemschneider. Kosten: $100-250.000

Das Projekt untitled 2020 (morgen ist die frage) von Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961) wurde speziell für diese virtuelle Art Basel konzipiert. Ausgangspunkt ist der Satz “Morgen ist die Frage”, der dem gleichnamigen Album des Jazzmusikers Ornette Coleman entlehnt ist. Für dieses Projekt druckte Tiravanija den Satz in neun verschiedenen Sprachen (die Sprachen der Länder, in denen der Künstler gelebt und gearbeitet hat: Amharisch, Englisch, Französisch, Deutsch, Italienisch, Japanisch, Portugiesisch, Spanisch und Thailändisch) auf eine große Anzahl von T-Shirts. Der Druckvorgang (die T-Shirts wurden anschließend zu einer an den Minimalismus von Donald Judd erinnernden Skulptur gestapelt) wurde in einer Live-Übertragung kontinuierlich gefilmt, wobei das Publikum Fragen stellen konnte, die von Tiravanija aufgezeichnet und auf einer großen Leinwand wiedergegeben wurden, die aus Zeitungen mit Nachrichten über soziale und politische Ereignisse inmitten der Covid-19-Pandemie bestand. Ziel ist es, so Tiravanija, zu versuchen zu verstehen, “was das Problem ist, wenn das Morgen das Problem ist”.

Rirkrit Tiravanija, unbetitelt 2020

4. Elisabeth Neudörfl, Fünf (2020; C-Print Fotografie, 51 x 76 cm)
Präsentiert von: Barbara Wien. Kosten: weniger als $10.000

Die deutsche Fotografin Elisabeth Neudörfl (Darmstadt, 1968) reiste auf dem Höhepunkt der Coronavirus-Epidemie (zwischen dem 25. Februar und dem 5. März 2020) nach Hongkong, um das Projekt Five zu fotografieren, dessen Titel sich auf die fünf zentralen Themen der Protestbewegung gegen die chinesische Regierung bezieht. In der Woche, in der Neudörfl die 96 Aufnahmen für das Projekt machte, waren die Straßen von Hongkong aufgrund der von der Regierung verhängten Abriegelung menschenleer, und die Spuren des Protests (z. B. Graffiti) waren zu diesem Zeitpunkt bereits weitgehend beseitigt.

Elisabeth Neudörfl, Fünf

5. Alicja Kwade, MatterMotion (2020; lackierter Stahl und Stein, 600 x 518,2 x 94,8 cm)
Präsentiert von: kamel mennour. Kosten: 250-500.000 $

MatterMotion ist eine Skulptur der polnisch-deutschen Künstlerin Alicja Kwade (Kattowitz, 1979), die über Zeit, Wahrnehmung und wissenschaftliche Forschung nachdenken will. Das von Poesie durchdrungene Werk besteht aus einer geordneten und geometrischen Stahlstruktur, die einige formlose Steine in prekärem Gleichgewicht hält: Man kann darin Versuche lesen, die Welt zu ordnen, die jedoch immer den Gesetzen des Universums und der Ungewissheit untergeordnet bleibt, der Erforschung des Zweifels, der Möglichkeit zu verstehen, ob es alternative Wege zur Messung von Naturphänomenen gibt. Mit seinen Werken möchte Kwade das Geheimnisvolle und Absurde des menschlichen Daseins hervorheben, um unsere Fähigkeit zur Selbstreflexion anzuregen.

Alicja Kwade, MatterMotion

6. Mitch Epstein, Robert E. Lee Memorial / Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginia, 2020 (2020; Fotografie, chromogener Druck, 147,3 x 114,3 cm)
Präsentiert von: Yancey Richardson Gallery. Kosten: 25.000 $

Das Robert-E.-Lee-Denkmal in Richmond, der Hauptstadt von Virginia, wurde während der Black-Lives-Matter-Proteste weltberühmt und war Gegenstand unzähliger Fotografien, so auch dieser Arbeit des Amerikaners Mitch Epstein (Holyoke, 1952), der das Denkmal mit Graffiti und Schildern überzogen hat, die von den Menschen hinterlassen wurden, die sich hier versammelten, um zu demonstrieren und zu protestieren, aber auch um sich zu erinnern, zu beten, zu lernen und zu tanzen, in einem Moment der kollektiven Teilnahme an einem Moment von großer historischer Bedeutung. Das Werk ist Teil einer Serie mit dem Titel Property Rights (Eigentumsrechte ), in der Epstein die Vereinigten Staaten sowohl als Ort als auch als Idee untersucht: Die Erzählung konzentriert sich somit auf bestimmte Aspekte wie Staatsbürgerschaft, Rechte, Grundfreiheiten und die Beziehung zum Territorium.

Mitch Epstein, Robert E. Lee Memorial / Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginia, 2020

7. Etal Adnan, Satellites 14 (2020; Öl auf Leinwand, 22 x 33 cm)
Präsentiert von: Galerie Lelong & Co. Preis: 50-100.000 $

Die in Paris ansässige Galerie Lelong & Co. präsentiert sich in den Herbstausstellungsräumen der Art Basel mit einem Projekt mit dem Titel Cosmic Dancer, benannt nach einem berühmten Lied von Marc Bolans T. Rex: Es gibt eine Zeile, die besagt “the fear that dwells inside a man / what it’s like to be alone”. Die Werke der kleinen Ausstellung konzentrieren sich also auf das Paar Angst-Optimismus. Und in diesem Sinne ist auch das Werk des großen libanesischen Dichters und Künstlers Etel Adnan (Beirut, 1925) zu lesen, der auch mit 95 Jahren nicht aufhört, Werke voller Lyrik zu schaffen. Seine “Satelliten”, die in seinem typischen leuchtenden und farbenfrohen Stil in seiner Pariser Wohnung entstanden sind, stellen ein neues Thema in seinem Schaffen dar und erinnern an eine Traumdimension, an vergangene Zeiten, als der Künstler in der Wüste des Nahen Ostens das Licht der Sterne und des Mondes sah.

Etal Adnan, Satelliten 14

8. Ramiro Gomez, Zwei Menschen vor der Abtei, 9. Juni 2020, 10:30 Uhr (2020; Acryl auf Leinwand, 30,5 x 22,9 cm)
Präsentiert von: P.P.O.W. Kosten: 10.000 $

“Ich habe schon immer Menschen gemalt, die im Mittelpunkt stehen sollten, es aber bisher nicht waren. Und dann habe ich bei meinen letzten Ausstellungen gemerkt, dass ich mehr von meiner Identität zeigen sollte. Und das verkompliziert die Erzählungen, die ich präsentiere. Ich bin der queere Sohn mexikanischer Einwanderer, und ich sollte es nicht vermeiden, das aus Angst vor Reaktionen zu sagen”. Das sagt der junge kalifornische Künstler Ramiro Gomez (San Bernardino, 1986), der Protagonist der Einzelausstellung in der Galerie P.P.O.W. mit Werken über die Umgebungen, in denen Gomez selbst lebt und die daher seinen Alltag erzählen, insbesondere den der hispanischen Arbeiter: Hausangestellte, Müllmänner, Gesundheitsarbeiter. Ein Querschnitt durch die mexikanische Gemeinschaft in Kalifornien in den Monaten der Pandemie.

Ramiro Gomez, Zwei Menschen gehen vor der Abtei, 9. Juni 2020, 10:30 Uhr

9. Sam Durant, Remember in November (2020; elektrisches Schild mit Vinyltext, 193 x 241 x 20,3 cm)
Präsentiert von: Blum & Poe. Kosten: 65.000 $

Der amerikanische Künstler Sam Durant (Seattle, 1961) schuf dieses Werk, Remember in November, als Mahnmal für die höchst gespaltene Zeit, die die Vereinigten Staaten derzeit erleben und die bei den nächsten Präsidentschaftswahlen, die die Amerikaner im November 2020 zu den Urnen rufen, noch deutlicher zutage treten wird. Das Werk ist Teil einer Serie von Leuchtkästen, die dieses für Laden- und Einkaufszentren typische Medium mit der Sprache von Protestschildern (die Beschriftung ist komplett handgemacht, mit typischer Plakatschrift ) als Symbol für die angespannte Zeit, die wir derzeit erleben, verschmelzen.

Sam Durant, Erinnere dich im November

10. Namsal Siedlecki, Deposition VIII (2020; Kalzitkristalle, Jute, rostfreier Stahl, 51 x 36 x 5 cm)
Präsentiert von: Warehouse. Kosten: 9.000 $

Dieses Werk des amerikanischen Künstlers und Wahlitalieners Namsal Siedlecki (Greenfield, 1986), der in Seggiano in der Maremma von Grosseto lebt und arbeitet, wird von einer der wenigen anwesenden italienischen Galerien (dem römischen Magazzino) in die Ausstellungsräume der Art Basel gebracht und ist ein interessantes Beispiel für die komplexe technische Forschung des Künstlers, der zu den vielversprechendsten der internationalen Szene zählt. Die Serie mit dem Titel Deposition (Ablagerung) wird durch einen Sedimentationsprozess von kalkhaltigem Material realisiert, das im Wasser eines Brunnens in St. Nectaire, Frankreich, gefunden wurde: Siedlecki akkumuliert das Material, indem er es vier bis sechs Monate lang unter Wasser lässt, wobei das Kalzit eine Umwandlung erfährt und eine kristallisierte und glänzende Oberfläche erhält. Der langwierige Entstehungsprozess des Werks, der sich auf die Erforschung des Materials durch verschiedene italienische Künstler ab den 1950er Jahren (z. B. Alberto Burri) bezieht, nimmt auch symbolische Aspekte an und löst eine Reflexion über Zeit, Langsamkeit und die Wirkung der Elemente aus.

Namsal Siedlecki, Ablagerung VIII

11. Mickalene Thomas, Jet Blue #14 (2020; Farbfotografie, Papierfragmente, Strasssteine und Swarovski-Kristalle auf Papier, 123,2 x 92,1 cm)
Präsentiert von: Lévy Gorvy. Verkauft

Das Werk von Mickalene Thomas (Camden, 1971) erforscht die Identität schwarzer Frauen und erinnert gleichzeitig an ihre Geschichte. Dieses Werk, Jet Blue #14, ist Teil einer Serie von Bildern aus Pin-up-Kalendern der 1970er Jahre, die von der Zeitschrift Jet produziert wurden und die schon damals versuchten, sich von eurozentrischen Konzepten von “Schönheit” zu lösen. In dieser Arbeit rekontextualisiert Thomas die Frauen von Jet, um dem Modell ein skulpturales Aussehen zu verleihen, das sich aus der Mischung der Materialien ergibt, aus denen das Bild zusammengesetzt ist, und um das Bild zu aktualisieren. “Ich habe immer darüber nachgedacht, wie ich als schwarze Frau zu der Frau geworden bin, die ich bin, und wie ich mich in anderen sehe”, sagt die Künstlerin.

Mickalene Thomas, Jet Blue #14

12. Thomas Hirschhorn, Home (Chat-Poster) (2020; Karton, Holz, Drucke, Marker, Aufkleber, Kristall, 240 x 125 cm)
Präsentiert von: Galerie Chantal Crousel. Kosten: 60.000 $

Der Schweizer Künstler Thomas Hirschhorn (Bern, 1957) denkt über die Technologie nach und stellt sich einen Chat auf Whatsapp mit einer der bedeutendsten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts vor, der Schriftstellerin und Philosophin Simone Weil. Jahrhunderts, der Schriftstellerin und Philosophin Simone Weil. Ein unmöglicher Dialog, der dank der Kunst Gestalt annimmt und die Zeit übersteigt. “Ich war beeindruckt von ihren Positionen, ihrem Mut, ihrer Entschlossenheit, ihrem Engagement, ihrem Stil (roh, direkt, mystisch, logisch)”, so die Künstlerin. Ich liebe die Tatsache, dass sie eine Soldatin, eine Heilerin, eine weltliche Heilige, eine Extremistin, eine Denkerin, ein Licht war. Die Philosophie von Simone Weil ist wahrhaft künstlerisch, sie ist plastisch, sie ist körperlich, sie ist in Bewegung, sie ist eine neue Form. Sie war eine Aktivistin, in ihrem Werk und in ihrem Leben, und ihre Fähigkeit, absolut zu sein, die ich bewundere, verleiht ihrem Denken Schönheit".

Thomas Hirschhorn, Heimat (Chat-Poster)

13. Mark Manders, Composition with Two-Colours (2005-2020; bemaltes Holz und Druck auf Papier, 46,7 x 33,8 x 3,7 cm)
Präsentiert von: Zeno X Gallery. Preis: 18.000 $

Diese zweifarbige Komposition des niederländischen Künstlers Mark Manders (Volkel, 1968) ist das jüngste Werk einer vor fünfzehn Jahren begonnenen Serie, Notional Newspapers, die aus Zeitungen mit englischen Wörtern in zufälliger Reihenfolge entstanden ist. Es handelt sich um eine Reflexion über die Sprache: Die Zeitung enthält Wörter, die potenziell unendlich viele Bedeutungen haben, aber es gibt keine Worte, um die für die beiden Holztafeln verwendeten Farben zu beschreiben. In einer Zeit, die von Identitätskonflikten geprägt ist, zeigt Manders im Ausstellungsraum der flämischen Galerie Zeno X stattdessen Werke, die jeden Bezug zu Rasse und Geschlecht auslöschen und Archetypen anstelle von Figuren oder Erzählungen schaffen.

Mark Manders, Komposition mit zwei Farben

14. Paul Anthony Smith, Ohne Titel (2020; Picotage auf Tintendruck und Sprühfarbe auf Tafel, 196,5 x 264,2 cm)
Präsentiert von: Jack Shainman Gallery. Preis: 50-100.000 $

Der junge Paul Anthony Smith (St. Ann’s Bay, 1988) präsentiert auf der Art Basel sechs Werke, die auf seine Erfahrungen als jamaikanischer Einwanderer in den Vereinigten Staaten zurückgehen und sich mit der kulturellen Identität auseinandersetzen. Der Strand ist Teil der kulturellen Identität Jamaikas: “Da ich aus der Karibik stamme”, sagt der Künstler, "denke ich oft an den Strand: der Geruch von Salzwasser, die warme Sonne, Palmen, ruhige Momente im Sand, Badeeinrichtungen, die Betrachtung dessen, was der eigene persönliche Raum sein könnte. Dieses Werk spricht von Freiheit: die Freiheit, die die Menschen genießen, wenn sie am Strand sind.

Paul Anthony Smith, Ohne Titel

15. Sophie von Hellermann, Fairy Dance (2020; Acryl auf Leinwand, 140 x 160 cm)
Präsentiert von: Pilar Corrias. Preis: 10-25.000 $

Die deutsche Künstlerin Sophie von Hellermann (München, 1975) schuf dieses Werk während ihrer Abwesenheit in England auf dem Lande. Es handelt sich um einen Tanz der Feen aus Shakespeares Sommernachtstraum: Sophie von Hellermanns Gemälde enthalten oft Bilder und Figuren aus ihrer Fantasie. Eine Fantasie, die in diesem Jahr eine besondere Bedeutung hat: Die Künstlerin hat erklärt, dass sie in einer Zeit, die von globaler Krankheit und Isolation, von Unsicherheit und Tod geprägt ist, die Dringlichkeit verspürt, eine solche Szene zu malen. Ein Szenario, das der Freude des Frühlings und des Sommers einen Tanz entgegensetzt, der aus einem Traum geboren wurde.

Sophie von Hellermann, Feentanz

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