Kunst ist die Fähigkeit, sich für andere und die Welt zu öffnen". Der vollständige Vortrag von Jeff Koons in der Carrara Academy

Im Folgenden veröffentlichen wir die vollständige, aus dem Englischen übersetzte Abschrift des Vortrags , den Jeff Koons am Dienstag, den 16. April 2019, in der Accademia di Belle Arti di Carrara anlässlich der Verleihung des Titels eines Ehrenakademikers der Institution in Carrara gehalten hat.

Es ist großartig, heute hier zu sein, und es ist aufregend, weil wir alle hier sind, um das Leben und sein Werden zu feiern. Ich erinnere mich, dass ich als Kind, ich war vielleicht drei oder vier Jahre alt, ein Erlebnis hatte: Meine Eltern sahen, wie ich halbnackt auf den Boden malte, und sie sagten: ’Das ist gut, mach weiter so’. Ich habe eine ältere Schwester, drei Jahre älter, die damals alles besser konnte: Seilspringen, Zählen, Sprechen, selbst schwierige Wörter gut aussprechen. Kurz gesagt, sie konnte alles besser als ich, und als ich zeichnete und meine Eltern mir ein Kompliment machten, wurde mir klar, dass auch ich endlich meinen Weg und einen Bereich gefunden hatte, in dem ich mich auszeichnen konnte. Diese Erfahrung führt uns zurück zur Entwicklung des Selbstbewusstseins, und vielleicht hat jeder von uns auf die eine oder andere Weise etwas Ähnliches erlebt.

Dank meiner Eltern nahm ich bis zum Ende des Gymnasiums Kunstunterricht und lernte auf diese Weise, Blumen, Landschaften und Ähnliches zu zeichnen. Aber ich hatte keine Ahnung, was Kunst wirklich sein könnte. Sicher, ich wusste, dass es in der Kunst Regeln gibt (man denke an die Perspektive), aber konnte man das als Kunst bezeichnen? Meiner Meinung nach ist das keine Kunst, sondern das Erlernen einer Technik. Ich besuchte die Academy in Baltimore, Maryland, und an einem der ersten Schultage fuhren wir mit dem Bus zum Baltimore Art Museum. Als ich die Werke in dieser berühmten Sammlung sah, wurde mir klar, dass ich nichts über Kunst wusste. Ich wusste zum Beispiel nicht, was der Barock ist, ich hatte noch nie von Cézanne und vielen anderen Künstlern gehört: Diese Erfahrung öffnete mir die Augen. Und mir wurde klar, dass viele meiner Weggefährten diesen Moment nicht überlebt haben. Die Tatsache, dass ich hier bin, bedeutet, dass ich es geschafft habe: Das heißt, ich habe es geschafft zu verstehen, dass Kunst keine Technik ist, kein Wissen, sondern das, was man mit seiner Kreativität, seinem Gefühl, seiner persönlichen Geschichte beitragen kann. Viele angehende Künstler lernen nie, genug an sich zu glauben, sie lassen nicht los, sie öffnen sich nicht genug. Aber das ist das einzig Wichtige bei der Annäherung an die Kunst: Du musst dich der Kunst völlig öffnen, deine Geschichte ist dein Fundament. Sie ist wie das Fundament eines Gebäudes. Man kann sich nicht auf den kulturellen Hintergrund anderer Leute stützen, man muss sich auf seinen eigenen beziehen und sich der Kunst gegenüber völlig öffnen, um produktiv zu sein. Es gibt nichts Befriedigenderes, als in sich selbst eine Basis zu finden. Und diese Erfahrung hat mir, wie gesagt, klar gemacht, dass ich wirklich nichts über Kunst weiß. Es ist, wie wenn man sich ein Fußballspiel ansieht: Man ist vielleicht begeistert, aber man versteht nichts davon. Mit diesem Wissen kehrte ich an die Akademie zurück, und ich erinnere mich noch sehr gut an die erste Kunstgeschichtsstunde bei einem meiner Professoren, der mir mit einem Gemälde von Manet, Olympia, die Augen öffnete. Als mein Professor anfing, darüber zu sprechen, wie Manet seine Olympia gemalt hatte, über die Position der Olympia, die Falten, die Symbolik, was sich hinter dem Blumenstrauß oder der schwarzen Katze verbarg, wurden uns die kulturellen und politischen Bezüge im Frankreich des 19. Jahrhunderts zu erkennen. Kunst transzendiert tatsächlich, sie verbindet uns wieder mit dem Rest der Menschheit, mit allen Disziplinen des menschlichen Wissens, mit Psychologie, Soziologie, Geschichte, Philosophie, Physik... alles ist Kunst, sie ist etwas, das es uns erlaubt, alle Disziplinen zu umarmen und sie zu transzendieren.

Ich wollte also Teil der Kunst sein, ich wollte mir eine Macht aneignen, und um das zu erreichen, habe ich begonnen, eine persönliche Ikonographie zu entwickeln, die für mich ein Vokabular ist, mit dem man seine Gefühle und Emotionen kontrollieren kann. Ich habe Dada und den Surrealismus schon immer geliebt, und als ich auf dem College war, habe ich mich damit beschäftigt, Bilder zu machen, die meinen Träumen freien Ausdruck verleihen, aus denen ich meine Inspiration bezog. Damals interessierte ich mich auch sehr für die Psychoanalyse von Jung und die Philosophie von Nietzsche, die von einer inneren Welt sprachen, aber ich war mir bewusst, dass diese Welt nicht als solche erforscht werden sollte. Ich war mir meiner selbst schon ziemlich sicher und wollte mich eher der Außenwelt öffnen, um nicht einen inneren Dialog mit mir selbst, sondern einen Dialog mit dem Rest der Welt zu führen. Nach der Academy of Fine Arts zog ich nach New York, und zu dieser Zeit war mein einziger künstlerischer Ausdruck die Malerei. Ich hatte auch Bildhauerei gelernt, aber ich hatte mich nie an der Bildhauerei versucht. Irgendwann merkte ich, dass meine Bilder so schwer und groß wurden, dass die in meinem Atelier hängenden Werke den Gesetzen der Schwerkraft trotzten, und indem ich sie direkt auf den Boden stellte, begannen sie sich in skulpturale Werke zu verwandeln. Später begann ich, mich für die Schaffung von Werken wie Hasen und aufblasbaren Blumen zu interessieren. Aber man muss sie nicht als Objekte betrachten: Sie werden in dem Moment zu Kunstwerken, in dem sie mit einem in Beziehung treten, denn sie sind mit einer spiegelnden Oberfläche versehen, und je nachdem, wie man sich bewegt, hat man unterschiedliche Reize. Die Werke stimulieren, erregen, wecken ein Interesse, und die wahre Kunst liegt in dem, was die Werke in einem auslösen. Genau das wollte ich herausfinden. Außerdem haben die aufblasbaren Ballons etwas mit der menschlichen Atmung zu tun: Sie werden also mit Lebensenergie aufgeblasen, und ich war auch von der Dichotomie mit dem Tod fasziniert, die durch den Moment dargestellt wird, in dem die Luftballons entleert werden.

Nach den aufblasbaren Objekten schuf ich eine weitere Serie mit dem Titel Das Neue, eine Anspielung auf Duchamps vorgefertigte Alltagsgegenstände, die jedoch nicht benutzt werden sollten, um für immer neu zu sein. In diesem Fall besteht die erste Dichotomie zwischen dem Organischen und dem Anorganischen: Wir Menschen nutzen uns ab, und der Gegenstand, der nicht benutzt wird, bleibt intakt, neu. Natürlich gibt es viele Inspirationsquellen (ich war zum Beispiel in den Kubismus und Picasso verliebt), und ich hatte den Vorteil, dass ich sehr jung war. Jedes Alter hat seine Schönheit, und eines der fantastischsten ist das Ihre. In Ihrem Alter, zwischen 20 und 25, gibt es eine andere Art von Intuition, die sehr angetrieben ist, es gibt eine größere Geschwindigkeit des Denkens, es gibt Energie, es gibt Enthusiasmus zu kultivieren, und jeder von Ihnen sollte diese Energie nutzen, denn sie ist außergewöhnlich und lässt Sie sich lebendig fühlen. Ein echtes Eintauchen in das Leben.

Das war die Zeit, in der ich diese Leidenschaft für das Ready-made kultiviert habe: Ich habe bis Ende der 1970er Jahre an Aufblasbaren und Ready-mades gearbeitet, die eine Herausforderung darstellen, etwas, das ewig bleibt und uns über unsere Verletzlichkeit, über die Zerbrechlichkeit von uns Menschen nachdenken lässt. Dann wurde mir klar, dass ich mit der Serie The New vor allem eine weibliche Welt zum Ausdruck gebracht hatte, aber in Wirklichkeit näherte ich mich auch etwas Männlicherem an, indem ich zum Zyklus Equilibrium kam, mit den leeren Basketbällen, die in eine Art Aquarium getaucht sind und perfekt im Gleichgewicht bleiben (und das seit Mitte der 1980er Jahre). Equilibrium steht nicht nur für eine männliche Beziehung zum Objekt, sondern auch für etwas Metaphysisches, das uns an ein fötales Leben erinnert, ein Leben vor der Geburt, ein bisschen wie der Fötus im Mutterleib, das etwas Zeitloses sein kann, das uns an das Hier und Jetzt, den Augenblick, aber auch an das, was nach dem Tod passiert, denken lässt. Außerdem habe ich, um auf die neue Serie zurückzukommen, Staubsauger gewählt, weil sie uns an die 1950er Jahre denken lassen, was mich ebenfalls zum Nachdenken gebracht hat, weil ich mich schon immer für den Verkauf interessiert habe. Als Kind war ich auch Verkäufer (ich ging von Tür zu Tür und verkaufte Schokolade und Geschenkpapier), und was mich am meisten faszinierte, war der Moment, wenn der Verkäufer an die Tür klopft. Wenn man an die Tür klopfte, wusste man nicht, wer sie öffnen würde: Man wusste nicht, wer da sein würde, man wusste nicht, ob es ein Mann oder eine Frau sein würde, man wusste nicht, welche Gerüche aus der Tür kommen würden, wie die Person die Tür öffnen würde. Dieser Kontakt mit der Menschheit war für mich der Beginn der Praxis der Akzeptanz und der Fähigkeit, zu akzeptieren. Das Leben besteht aus vielen gegenseitigen Bedürfnissen, es gibt nicht nur die eigenen: Diese Erkenntnis führte mich zur Idee des Gleichgewichts.

Und bei der Schaffung der verschiedenen Zyklen, der verschiedenen Werke, habe ich mich immer gehen lassen. Als ich das aufblasbare Kaninchen schuf, folgte ich meinen Interessen, meinen Wünschen, ich überlegte, was mich neugierig machte, was mich erregte. Und so bin ich auf diese Figur gestoßen, die dann für meine Kunst ziemlich ikonisch wurde: Die Idee war, etwas zu machen, das vor Großzügigkeit explodiert. Großzügigkeit ist wirklich wichtig. Kunst ist eine großzügige Tätigkeit, man muss sich selbst und anderen gegenüber großzügig sein, um ein Künstler zu sein. Wir sind nichts ohne Großzügigkeit: Es stimmt, dass die Kunst in erster Linie die eigenen Bedürfnisse nach Großzügigkeit befriedigt, aber dann gibt es einen Sog, einen höheren Antrieb, der einen dazu bringt, die Bedürfnisse der Gemeinschaft, der anderen zu befriedigen. Es ist, als würde man eine Menge Essen nach Hause bringen und wissen, dass man nicht alles essen kann: Ist es nicht schöner, es mit anderen zu teilen? Kunst ist Großzügigkeit. Und Objekte sind nur ein Mittel, unabhängig davon, was sie sind und ob sie trivial erscheinen, wie die leicht kitschigen Schmuckstücke, die Ihre Großmutter vielleicht auf ihrem Nachttisch aufbewahrt hat. Das spielt keine Rolle, solange es Sie inspiriert, Sie etwas fühlen lässt, Ihnen ein gutes Gefühl gibt, Sie sich daran erfreuen, denken wir an eine Kindheitserinnerung, zum Beispiel, als Sie als Kind zum Nachttisch Ihrer Großmutter gingen, um sich ihren Schmuck anzusehen. Der Großmutter hat es gefallen, und Sie haben eine schöne Erinnerung? Das ist Kunst, das ist die Beziehung, die man zu den Gegenständen aufbaut, und die Gefühle, die diese Beziehung in einem weckt. Aus dieser Idee heraus entstand auch die Serie Banality, mit der ich in den 1980er Jahren begann, als ich viel Zeit in Italien verbrachte. Mit dieser Serie wollte ich den Menschen vermitteln, dass ihre Geschichte, egal wie sie aussieht, perfekt ist, dass sie immer gut ist. Was zählt, ist dein Körper, dein Geist, das, was mit dir geschieht, der Kontakt mit deinem Wesen, das ist Kunst. Kunst ist die Essenz deines Potenzials.

Etwas Ähnliches habe ich beim Besuch von Kirchen und Klöstern erfahren. Es war eine fast dramatische Erfahrung, man fühlte wirklich Transzendenz, und ich wollte, dass meine Werke auf dieselbe Weise kommunizieren. Aber ich wollte, dass jeder dieses Gefühl hat, also wählte ich populäre Themen, die jeden ansprechen können. Um zu kommunizieren, ist alles erlaubt. Die eigene Geschichte, die eigene Vergangenheit: Wir müssen unsere Geschichte akzeptieren. Wir sind, was wir sind, aufgrund unserer Vergangenheit und unserer Erfahrungen, und wenn es etwas gibt, das in uns Freude oder Vergnügen auslöst, dann ist das in Ordnung, weil es uns wieder mit Spiritualität und Transzendenz verbindet. All dies findet sich zum Beispiel in Michael Jacksons Skulptur wieder, die mich an die Renaissance-Skulptur erinnert, mit ihren Pyramidenformen, die an Michelangelos Pieta, aber auch an Tutanchamun erinnern, und sie spricht sicherlich jeden an, denn Michael Jackson ist eine populäre Figur. Und mit diesen Werken wollte ich auf eine Art und Weise sprechen, die bei jedem ein Gefühl hervorruft.

Nach Banality habe ich an Made in Heaven und an Puppy gearbeitet, einem Werk, das einen kleinen Hund in riesiger Form darstellt, der aus 65.000 verschiedenen Pflanzenarten besteht, die die vielen Entscheidungen symbolisieren, die man treffen muss, wenn man etwas tun muss. Mich interessierte dieser Aspekt der Kontrolle, wie man alles unter Kontrolle halten kann, aber auch, wie man alles loslassen kann, damit die Natur die Kontrolle übernimmt. Pflanzen werden, wenn man sie loslässt, von der Natur verwaltet. Und hier kommt wieder das Konzept der Polarität ins Spiel: alles unter Kontrolle halten und dann loslassen. Ein bisschen wie unser kleiner Hund, der zu uns kommt, wenn wir nach Hause kommen, der unter unserer Kontrolle steht, weil wir ihn rufen, aber dennoch seinen Willen ausübt und frei ist, nicht zu uns zu kommen, wenn er das möchte.

Mit dieser Überlegung ist auch die Vorstellung verbunden, dass Kunst nicht nur das ist, was der Künstler geschaffen hat, sondern auch das, was der Betrachter des Kunstwerks geschaffen hat. Es liegt am Betrachter, das zu vervollständigen, was hinter einem Werk steckt. Als Künstler hat man die Möglichkeit, einen Kontext zu schaffen und jemanden zu einer bestimmten Sichtweise zu bringen, aber man muss es so tun, dass eine Sichtweise im Betrachter etwas auslöst, das das Werk seinem Potenzial entsprechend vervollständigt. All dies führt zurück zu den Aspekten der Kontrolle. Kontrolle ist nicht etwas völlig Negatives: Wenn wir uns nicht selbst kontrollieren und disziplinieren würden, könnten wir nichts tun. Kontrolle ist eine Polarität, und es gibt immer einen Bereich, in dem Kontrolle nicht möglich ist: Dieser Bereich sind die menschlichen Beziehungen. Und Kunst ist auch die Fähigkeit, über menschliche Beziehungen zu reflektieren.

Das Konzept der Polarität geht auch aus dem Ballonhund hervor, dem aufblasbaren Ballon in Form eines Ballons. Wir wissen, dass er aus einem Material besteht, das nicht sehr lange haltbar ist, er ist nicht dafür gemacht, um zu halten. An sich hat er einen symbolischen Wert, der mich an den Philosophen John Dewey erinnert, der das Leben als einen Organismus beschreibt, der von der Außenwelt beeinflusst wird, aber nicht nur auf eine Art, sondern auf zwei Arten. Der Ballon ist ein Symbol des Optimismus, aber er steht auch für uns, er hat so viele Bedeutungen und so viele Bezüge, die bis in die Vorgeschichte zurückreichen und uns von Entdeckung und Beobachtung erzählen. Jeder von uns hat sein eigenes Vokabular, das er erst finden muss, das er mit sich herumträgt und das er entwickelt und umsetzt. Das aufblasbare Kaninchen zum Beispiel erinnert mich an die Königin Nofretete mit ihrem stark stilisierten, fast königlichen Profil. Das Gleiche gilt für die Skulptur, die einer riesigen Knetmasse nachempfunden ist: Sie ist nicht definierbar, aber sie erinnert mich an ein Spiel meines Sohnes Ludwig, dem ich eine Tüte Knete gegeben habe, und er hat eines Tages einen ziemlich unförmigen Hügel geschaffen, der mich an ein Kunstwerk erinnert hat. Das erinnert auch an die Idee, das Urteil auszusetzen: Ich habe versucht, dies zu wiederholen (fast so, als ob mein Sohn es mir beigebracht hätte), indem ich so etwas gemacht habe, aber sehr groß, was mit dem 20.

Ein weiteres Werk, das ich erwähnen möchte, ist die Serie Antiquities, die sich auf meine Liebe zur Keramik des 18. Jahrhunderts bezieht. Jahrhunderts verweist. An diesem Werk aus Edelstahl gefällt mir, dass es mit den Abstufungen der Töne spielt, die sich auch je nach Blickwinkel verändern, und somit ein Werk ist, das in dem Moment aktiviert wird, in dem man es betrachtet. Für mich repräsentiert es auch die Zeit, es erinnerte mich an die Zeit, als ich als Kind Cornflakes und Müsli aß und mich beim Betrachten der Verpackung verzauberte, die Farbabstufungen auf der Schachtel regten meine Fantasie an. Es ist ein bisschen wie bei der Musik, es ist wie Musik in visueller Form: Musik lässt einen die Zeit vergessen, denn in dem Moment, in dem man vom Hören gefangen ist, vergisst man die Zeit, und das möchte ich mit dieser Arbeit darstellen.

Alle Werke, über die ich bisher gesprochen habe, waren fertige, banale, alltägliche und vertraute Gegenstände. Aber wir müssen noch weiter gehen: Diese Arbeiten stehen für die Tatsache, dass wir meiner Meinung nach das Urteilen aussetzen, es aus unserem Wortschatz streichen und Hierarchien abschaffen müssen. Dies ermöglicht es uns, zuerst uns selbst zu akzeptieren und uns für andere zu öffnen, und dann auch andere zu akzeptieren. Kunst bedeutet, das Urteil auszusetzen, um die Menschen zu feiern. Das ist auch die Aufgabe des Künstlers: die Fähigkeit zu wecken, sich für andere zu öffnen. Es gibt Menschen, die denken, dass sie das tun, aber in Wirklichkeit tun sie es nicht, weil sie Angst haben und sich über sich selbst lustig machen. An der Akademie haben viele meiner Klassenkameraden, ich würde sagen, 90 Prozent, diese Art des Studiums nicht fortgesetzt, weil sie sich der Kunst nicht wirklich geöffnet haben, sie hatten Angst. Ich hingegen versuche immer, mich umzusehen, und um nicht alles zu verlieren, muss ich alles akzeptieren, mich selbst und andere. Das ist die Kunst: die Fähigkeit, sich den anderen und der Welt zu öffnen. Die Kunst ermöglicht es mir, einen Dialog zu suchen, eine physische Beteiligung, wie beim Besuch barocker Werke (z. B. der Sansevero-Kapelle in Neapel oder der Werke von Bernini). Die Kunst ist ein Teil von uns selbst, unsere DNA, sie ist unser kulturelles Leben, sie ist ein ständiger Dialog. Die Kunst verändert uns auch auf genetischer Ebene, sie beeinflusst uns auf tiefgreifende und umfassende Weise. Diese kulturellen Linien verändern unser Leben, begleiten uns und machen uns zu anderen Menschen, als wir sind. Kunst zelebriert die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft, Kunst hilft uns, einen Sinn im Leben zu finden. Ich habe mit meiner Kunst immer versucht, ein Teilnehmer zu sein. Und das ist es, was es meiner Meinung nach bedeutet, ein zeitgenössischer Künstler zu sein.

Kunst ist die Fähigkeit, sich für andere und die Welt zu öffnen". Der vollständige Vortrag von Jeff Koons in der Carrara Academy

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