Gewinner des Praemium Imperiale 2024, des Oscars der Kunst, stehen fest

Die Gewinner des Praemium Imperiale 2024, des Oscars der Kunst, wurden heute Morgen bekannt gegeben. Es sind Sophie Calle (Frankreich) für Malerei, Doris Salcedo (Kolumbien) für Bildhauerei, Shigeru Ban (Japan) für Architektur, Maria João Pires (Portugal/Schweiz) für Musik, Ang Lee (Republik China, Taiwan) für Theater/Kino. Die Künstler werden für ihre Leistungen, ihren Einfluss auf die internationale Kunstwelt und ihren Beitrag zur Weltgemeinschaft durch ihre Arbeit geehrt. Jeder der Preisträger erhält einen Preis in Höhe von 15 Millionen Yen (ca. 90.000 Euro), ein Diplom und eine Medaille. Letztere wird vom Ehrenschirmherrn der Japan Art Association, Prinz Hitachi, während der Preisverleihung am 19. November in Tokio überreicht.

Der Praemium Imperiale ist der bedeutendste Kunstpreis überhaupt und wird in fünf Disziplinen vergeben: Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik und Theater/Film. Er verleiht eine internationale Anerkennung in der Kunst, die derjenigen der Nobelpreise gleichkommt. Die Preisträger des Jahres 2024 werden sich zu den 175 Künstlern gesellen, die den Preis bereits erhalten haben, darunter die Italiener Claudio Abbado, Gae Aulenti, Luciano Berio, Cecco Bonanotte, Enrico Castellani, Federico Fellini, Sophia Loren, Umberto Mastroianni, Mario Merz, Riccardo Muti, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Renzo Piano, Michelangelo Pistoletto, Maurizio Pollini, Arnaldo Pomodoro und Giuliano Vangi.

Das Praemium Imperiale 2024-Stipendium für junge Künstler wurde stattdessen an das Komunitas Salihara Arts Center (Indonesien) vergeben. Die Bekanntgabe und Verleihung des Stipendiums erfolgte am 10. September in Tokio im Rahmen einer Pressekonferenz unter dem Vorsitz von Hisashi Hieda, Präsident der Japan Art Association. Das Komunitas Salihara Arts Centre erhielt ein Diplom und ein Stipendium in Höhe von 5 Millionen Yen (ca. 30.000 Euro). Nirwan Dewanto, Chefkurator und Programmdirektor des Salihara, und Ening Nurjanah, Programmmanager, nahmen an der Pressekonferenz teil. Das Stipendium wurde 1997 eingerichtet, um junge Künstler zu unterstützen und zu ermutigen, in Übereinstimmung mit den Zielen der Aktivitäten der Japan Art Association. In Frage kommen vielversprechende junge Künstler oder Organisationen, die aktiv zur Entwicklung neuer Talente beitragen. Die Künstler müssen berufstätig oder in der Ausbildung sein. Im Rotationsverfahren wählt jeder Internationale Rat in Absprache mit seinem Komitee den Empfänger des Stipendiums aus und teilt ihn der Japan Art Association mit, die ihn bewilligt. Die Verleihung des Preises erfolgt zeitgleich mit der Bekanntgabe des Praemium Imperiale im Land des Ratsmitglieds, dem der Preis verliehen wird. Zu den bisherigen Preisträgern des Praemium-Imperiale-Stipendiums für junge Künstler gehören Organisationen aus Vietnam, Kuba, Venezuela, Benin, Myanmar, Malaysia und dem Libanon. Unter anderem wurden die italienische Scuola di Alta Formazione dell’Istituto Centrale per il Restauro, das JuniOrchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, das Orchestra Giovanile Italiana und De Sono Associazione per la Musica ausgezeichnet.

Profile der Preisträger

Sophie Calle ist eine der führenden Konzeptkünstlerinnen Frankreichs, die mit ihren Fotografien und Texten, die ihr Werk prägen, das Leben anderer und ihr eigenes erforscht. Ihr innovativer Stil, alltägliche Räume und Leben in Kunst zu verwandeln, hat die Aufmerksamkeit eines weltweiten Publikums erregt und führte dazu, dass sie 2012 mit dem französischen Titel Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres und 2019 mit dem Ehrenstipendium der britischen Royal Photographic Society ausgezeichnet wurde. Calles künstlerische Reise begann mit der Suche, die Stimmen und Bilder anderer Menschen einzufangen. In seinem ersten Werk, Les Dormeurs (“Die Schläfer”, 1979), lud er Fremde zu sich nach Hause ein, um sie zu fotografieren, während sie in seinem Bett schliefen, und sie anschließend zu interviewen. Dieses Werk, das aus Fotografien und Texten besteht, war ursprünglich nicht als “Kunst” gedacht, sondern ergab sich ganz natürlich aus seiner Einbindung in das Leben der anderen durch ein von ihm selbst ausgedachtes “Spiel”. In einem ihrer bekanntesten Werke, der Suite Vénitienne (“Venezianische Suite”, 1980), musste sie einem Mann, den sie auf einer Party in Paris kennengelernt hatte, heimlich nach Venedig folgen. In verschiedenen Verkleidungen fotografierte sie ihn in Schwarz-Weiß und notierte methodisch alle seine Bewegungen. Das Publikum wurde so in die von der Künstlerin geschaffene voyeuristische Welt hineingezogen. Seitdem hat Calle das Leben anderer Menschen verfolgt und erforscht. In Les Aveugles (“Die Blinden”, 1986) befragte er mehrere Menschen, die blind geboren wurden und nie sehen konnten, wie sie sich Schönheit vorstellen. Auch sein eigenes Leben hat der Künstler in seinem Werk mutig zur Schau gestellt. In Douleur Exquise (’Exquisiter Schmerz’, 1999-2000) dokumentiert er mit Fotos und Worten den Schmerz eines gebrochenen Herzens. In Prenez soin de vous (“Kümmere dich um dich selbst”, 2007), einem Werk für den französischen Pavillon auf der Biennale von Venedig, bat sie 107 Frauen, die aufgrund ihres Berufs oder ihrer besonderen Fähigkeiten ausgewählt wurden, um ihre Interpretation eines Briefes, den ein Geliebter ihr hinterlassen hatte. Sie sollten ihn analysieren, kommentieren, für sie antworten. Heute, da immer mehr Menschen ihr Privatleben über die sozialen Medien teilen, räumt Calle ein, dass ihr Stil seiner Zeit voraus war, und stellt auch fest, dass es ihr heute schwerer fallen würde, einem Fremden zu folgen als 1979. Der Künstler überlässt die Interpretation seiner Werke dem Publikum und behauptet, dass “es am Betrachter liegt, seine Kunst zu beschreiben”. Letztlich schafft er poetische Porträts durch unausgesprochene Worte, das Alltägliche und das Geheimnisvolle. Ihre Kunst verwandelt den Betrachter in einen Komplizen und Kollaborateur.

Doris Salcedo, eine Bildhauerin und Installationskünstlerin, die in Bogotá lebt und arbeitet, verwendet vertraute Materialien wie Holzmöbel, Kleidung und Blumenblätter als Metaphern für die Themen Gewalt, Verlust, Erinnerung und Schmerz. Sie verwendet diese Materialien wieder und verwandelt sie, um ihre Kunst zu schaffen. Seine Leidenschaft für das Zeichnen entdeckte er im Alter von sechs Jahren, als er begann, Unterricht zu nehmen. Er studierte Kunst an der Universidad Jorge Tadeo Lozano in Bogotá, bevor er Anfang der 1980er Jahre in die Vereinigten Staaten zog, wo er an der New York University einen Master-Abschluss erwarb. Der Bürgerkrieg, der mehr als fünfzig Jahre lang in Kolumbien zwischen linken Guerillas wie den Revolutionären Streitkräften Kolumbiens (FARC) und staatlichen Kräften und rechten Milizen tobte, war die Grundlage für ihr kreatives Schaffen. In Kolumbien aufzuwachsen“, sagt sie, ”ermöglichte es mir, eine Perspektive zu entwickeln, aus der ich die Welt betrachten kann. Alle ihre Werke basieren auf den Erfahrungen der Opfer von Gewalt. “Erstens”, erklärt er, “um Zeugnis von der Gewalt zu geben, damit sie nicht so leicht vergessen wird. Zweitens möchte ich mit meiner Arbeit Empathie für das Leiden der Opfer zeigen. Drittens möchte ich, dass meine Werke die Sprache der kritischen Analyse und der Reflexion über das, was in der Welt geschieht, sind”. Doris Salcedos Arbeit beginnt mit einer gründlichen Recherchephase, die mehrere Interviews umfasst; mit der Produktion wird erst begonnen, wenn die Künstlerin ein tiefes Verständnis für die Verbrechen und Themen gewonnen hat, die sie behandeln will. “Es dauert Jahre”, stellt er fest, “um Verbrechen und die verheerenden Auswirkungen politischer Gewalt auf ihre Opfer wirklich zu verstehen”. Ihre Installation Shibboleth (2007) in der Tate Modern in London brachte ihr große Anerkennung ein. Sie zeigte Risse im Boden der Turbinenhalle, die die Themen Sklaverei und Rassismus aus der Kolonialgeschichte darstellen. Ein weiteres bemerkenswertes Werk, Fragmentos (“Fragmente”, 2018), erinnert an das Ende des Bürgerkriegs in Kolumbien. Es besteht aus 1.296 Kacheln, die aus 37 Tonnen gegossener Waffen hergestellt wurden, die von der FARC-Guerilla freiwillig abgegeben wurden, und die dann zum Boden der Ausstellungshalle in Bogotá zusammengesetzt wurden. Zwanzig Frauen, Opfer sexueller Gewalt im Bürgerkrieg, hämmerten das geschmolzene Metall in die Fliesen, die später den Boden eines der Kunst und der Erinnerung gewidmeten Raums bilden werden. “Dieser Prozess”, sagte er, “gab ihnen ihre Kraft und Würde zurück. Die Waffen wurden zerstört. Eine sehr bedeutende Geste, denn es wurden Leben gerettet. Gleichzeitig wurde das Leben der Opfer verändert. Es ist vielleicht das einzige Werk, das wirklich eine Veränderung der Realität bewirkt hat”. Zurzeit arbeitet er an einem Werk aus Menschenhaar, das sich mit der massenhaften Zerstörung von Zivilwohnungen befasst, einem Verbrechen, das nicht geahndet wird. Die Arbeit befasst sich mit der vorsätzlichen Zerstörung von Wohnhäusern “mit dem alleinigen Ziel, Leid zu verursachen und die Opfer zu vertreiben, wie man es in der Ukraine, in Gaza oder in Syrien beobachten kann”. In ihrem Atelier arbeitet ein Team von etwa fünfzig Personen, und sie beschreibt ihre Arbeit als Gruppenarbeit: “Was ich mache, ist nicht das Produkt eines Solisten, sondern eines Chors”. Sie wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Hiroshima Art Prize (2014), der Nasher Prize for Sculpture (2015) und der Nomura Art Award (2019). Sie ist die erste kolumbianische Künstlerin, die mit dem Praemium Imperiale ausgezeichnet wurde.

Shigeru Ban hat die Architektur mit seinem innovativen Einsatz von Materialien und einzigartigen Designs revolutioniert. Er schafft Gebäude, die ebenso monumental wie beruhigend sind, ohne jemals seine Rolle als Architekt in einer zunehmend instabilen Welt aus den Augen zu verlieren. Als Kind wollte er Tischler werden. “Ich wusste nicht, was ein Architekt macht; ich dachte, alle Gebäude werden von Zimmerleuten gebaut”, erinnert er sich an seine Kindheit. Seine jugendliche Leidenschaft für das Material Holz prägt seine Arbeit bis heute. Ban beschloss, in die Vereinigten Staaten zu gehen, um Architektur zu studieren, nachdem er in einer Zeitschrift die Arbeiten von John Hejduk, einem bekannten amerikanischen Architekten, gesehen hatte. Er begann sein Studium am Southern California Institute of Architecture, bevor er an die Cooper Union School of Architecture in New York wechselte. Nach seiner Rückkehr nach Japan im Jahr 1985 eröffnete er sein eigenes Architekturbüro. Eine seiner ersten Auftragsarbeiten war der Entwurf für die Werkstatt seiner Mutter. Gleichzeitig entwarf er den Veranstaltungsort für eine Ausstellung, die dem Werk seines Lieblingsarchitekten, des Finnen Alvar Aalto, gewidmet war. Ursprünglich wollte Ban bei der Gestaltung der Ausstellung Holz verwenden, inspiriert von Aaltos häufiger Verwendung dieses Materials. Aufgrund von Budgetbeschränkungen und der Abneigung, ein so wertvolles Material für eine temporäre Struktur zu verwenden, suchte er jedoch nach einer Alternative. So entdeckte er recycelte Pappzylinder, die auch in der Mitte der in seinem Atelier verwendeten Thermo- und Transparentpapierrollen stecken. Damit verwirklichte er den Traum, den er seit seiner Schulzeit mit sich herumtrug, nämlich etwas Einzigartiges zu schaffen, indem er die Materialien auf innovative und originelle Weise nutzt. Als sein Ruf für die Verwendung recycelter Materialien wuchs, erhielt Ban den Auftrag, den Japan gewidmeten Pavillon auf der Expo 2000 in Hannover zum Thema “Umwelt” zu entwerfen. Für dieses Projekt arbeitete er mit dem deutschen Architekten und Bauingenieur Frei Otto (Praemium Imperiale 2006) zusammen, den er für seine Fähigkeit bewunderte, mit minimalem Energie- und Materialeinsatz ein Maximum an Raum zu schaffen. Die Zusammenarbeit war ein großer Erfolg und trug dazu bei, Bans bautechnisches Know-how zu erweitern. Die Verwendung billiger und einfacher Materialien wurde zu einem zentralen Aspekt seiner Philosophie, die auf die Förderung einer sozial verantwortlichen Architektur abzielt, insbesondere auf die Bereitstellung von Wohnraum für Menschen, die durch Konflikte oder Naturkatastrophen obdachlos geworden sind. In diesem Sinne begann Ban 1994 mit dem Bau von Papprohrkonstruktionen für die Flüchtlinge des Krieges in Ruanda. Diese einfachen Konstruktionen erwiesen sich als äußerst wirksam und bieten den Vertriebenen bis heute Schutz. Als Reaktion auf das verheerende Erdbeben, das 1995 die japanische Stadt Kōbe heimsuchte, gründete Ban das Voluntary Architects’ Network (VAN). Das 2013 in eine gemeinnützige Organisation umgewandelte VAN engagiert sich für die Unterstützung in allen katastrophengeschädigten Regionen Japans und der Welt. Ban hat auch zahlreiche ikonische Museen und Theater entworfen, darunter das Centre Pompidou-Metz (2010) mit seinem Dach und seiner Membran aus gewelltem Schichtholz sowie La Seine Musicale (2017). Für sein humanitäres Engagement wurde er 2014 mit dem Pritzker-Preis, 2017 mit dem Mother Teresa Award for Social Justice und 2022 mit dem Princess of Asturias Award for Concord ausgezeichnet. Während seiner gesamten Laufbahn hat Ban bei allen seinen Projekten, ob groß oder klein, ob zivile Gebäude oder Notunterkünfte, ein originelles Struktursystem angewandt. Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht die Überzeugung, dass Architektur etwas Positives für die Gesellschaft schaffen sollte. “Ich entwerfe Häuser und öffentliche Gebäude”, sagt er, "aber die Katastrophenhilfe ist meine Lebensaufgabe.

Maria João Pires wurde 1944 in Lissabon geboren und begann im Alter von drei Jahren selbständig Klavier zu spielen. Ein Jahr später gab sie ihren ersten öffentlichen Auftritt. Zwischen 1953 und 1960 studierte sie am Konservatorium von Lissabon bei Professor Campos Coelho und Francine Benoit. Im Alter von siebzehn Jahren erhielt sie ein Stipendium der Gulbenkian-Stiftung in Lissabon, um in Deutschland zu studieren, zunächst an der Musikhochschule in München bei Rosl Schmid und dann in Hannover bei Karl Engel. Sie würdigt Engels Verdienst, ihr geholfen zu haben, die Musik in den Kontext des Lebens zu stellen. Ihre ersten Liederabende in der Londoner Queen Elizabeth Hall 1986 und in der New Yorker Carnegie Hall 1989 waren der Beginn ihrer internationalen Karriere. Neben ihren Konzerten nahm sie fünfzehn Jahre lang Musik für Erato und fünfundzwanzig Jahre lang für die Deutsche Grammophon auf. Seit den siebziger Jahren widmet sie sich der Reflexion über den Einfluss der Kunst auf das Leben, die Gemeinschaft und die Bildung und versucht, neue Wege zu finden, um diesen Gedanken in der Gesellschaft zu verbreiten, um Individuen und Kulturen zu ermutigen, Ideen zu respektieren und zu teilen. 1999 gründete er in Portugal das Belgais-Zentrum für das Studium der Künste, in dem er mehrere Kinderchöre aus einfachen Verhältnissen ausbildete und Workshops und experimentelle Konzerte für Profis und Laienkünstler veranstaltete. Im Jahr 2012 ergänzte er den Belgais-Ansatz durch zwei weitere Projekte in Belgien: die Partitura-Chöre, bei denen Chöre aus Kindern aus ländlichen und benachteiligten Verhältnissen gebildet und gefördert werden, und die Partitura-Workshops, bei denen verschiedene Generationen gemeinsam auf der Bühne stehen, um Alternativen zum Wettbewerb zu finden und eine altruistische Dynamik unter den Künstlern zu schaffen. Beide Projekte zielten darauf ab, den Respekt füreinander und für alle Kulturen, für die Umwelt, die Natur und das Leben, einschließlich der Erde und allem, was uns umgibt, zu fördern.

Der aus Taiwan stammende Regisseur Ang Lee arbeitet hauptsächlich in den Vereinigten Staaten. Er ist weltweit bekannt geworden durch seine Filme, die künstlerische Porträts von Menschen, die mit den Strömungen der Zeit zurechtkommen, mit einer unterhaltsamen Fähigkeit verbinden, ein breites Publikum anzusprechen. Während des Besuchs der High School, deren Direktor sein Vater war, entwickelte Lee eine Besessenheit vom Film, die so weit ging, dass er bei den Aufnahmeprüfungen für die Universität durchfiel. Er studierte an der National Taiwan University of the Arts, wo er erkannte, dass er “in die Welt des Theaters gehörte”. Nach seinem Abschluss ging er in die Vereinigten Staaten, um an der University of Illinois Urbana-Champaign Theater zu studieren. Er erwarb einen Master-Abschluss in Filmproduktion an der New York University’s Tisch School of the Arts. Der Film, den er für seine Abschlussarbeit drehte, Fine Line (1984), wurde mit dem Wasserman Award der NYU für Regie ausgezeichnet. Während er in New York lebte, drehte er sein Spielfilmdebüt mit einer amerikanisch-taiwanesischen Koproduktion, Pushing Hands (1991). Zweimal gewann er den Goldenen Bären der Berliner Filmfestspiele, mit The Wedding Banquet (1993) und mit der nordamerikanisch-britischen Koproduktion Reason and Feeling (1995). Der letztgenannte Film, der ihn nach Lees eigener Aussage “zum Profi machte”, wurde für sieben Oscars nominiert und katapultierte ihn ins Rampenlicht Hollywoods. Mit Der Tiger und der Drache (2000), der Verfilmung eines chinesischen Kampfsportromans, gewann er einen Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Seinen ersten Oscar für die beste Regie erhielt er mit The Secrets of Brokeback Mountain (2005), einem Film über die Liebe zwischen zwei Männern. Danach gewann er den Goldenen Löwen bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig mit The Secrets of Brokeback Mountain und mit Lust-Seduction and Betrayal (2007), einem Spionagefilm, der in Shanghai zur Zeit der japanischen Besatzung spielt. Seinen zweiten Oscar für die beste Regie gewann er mit Life of Pi (2012), einem 3D-Film über einen Jungen, der mit einem Tiger auf einem Floß strandet. “Nachdem ich den Roman zum ersten Mal gelesen hatte, dachte ich nicht, dass es möglich sein würde, daraus einen Film zu machen”, sagt er. Er drehte den größten Teil des Films in Taiwan und schaffte es, die technischen Schwierigkeiten zu überwinden. Seit seinem Debütfilm über den Konflikt zwischen einem taiwanesischen Vater und seinem in den USA lebenden Sohn hat er an verschiedenen Genres und Themen gearbeitet, darunter der amerikanische Bürgerkrieg, Watergate, Comic-Superhelden, der Irakkrieg und Science-Fiction-Actiongeschichten. Er nennt verschiedene japanische Regisseure wie Yasujiro Ozu als seine Inspiration und kennt Hirokazu Kore-eda seit langem, da dessen Vater in Taiwan geboren wurde. Als erster taiwanesischer Künstler, der den Praemium Imperiale erhält, sagte er: “Das ist wirklich eine große Ehre, die ich von ganzem Herzen akzeptiere. Ich bin sehr stolz darauf, dass Taiwan eine solche Auszeichnung erhält.”

Das Komunitas Salihara Arts Centre ist der erste private Kulturkomplex Indonesiens, der sich der Förderung verschiedener Ausdrucksformen wie Musik, Tanz, Theater, Literatur und bildende Kunst widmet. Es ging aus der Komunitas Utan Kayu hervor, einer künstlerisch, intellektuell und politisch inspirierten Organisation, die 1995 während des Militärregimes gegründet wurde und im August 2008 mit der Unterstützung von Künstlern, Schriftstellern, Intellektuellen und Journalisten ihre heutige Form in Jakarta erhielt. Das Zentrum ist nach der Jalan Salihara (Salihara-Straße) benannt, in der sich eine Blume aus der Familie der Eisenkrautgewächse befindet. Die Aufgabe des Zentrums besteht darin, künstlerische Aktivitäten zu fördern, die die Freiheit des Denkens und der Meinungsäußerung unterstützen, die Vielfalt respektieren und die künstlerischen und intellektuellen Ressourcen stärken. Zu diesem Zweck fördert die Organisation experimentelle Programme mit langfristiger Perspektive und will bei ihrem Publikum einen kritischen Blick entwickeln. Das Zentrum erstreckt sich über eine Fläche von 3 800 Quadratmetern und umfasst ein überdachtes Theater mit einer Blackbox-Bühne, Tanz- und Musikstudios, eine Kunstgalerie, einen Laden und eine Bar. Es bietet ein breites Spektrum an Veranstaltungen: Theater- und Tanzaufführungen, Konzerte, Ausstellungen, Lesungen und Debatten. Jedes Jahr finden hier über hundert Programme statt, darunter auch Workshops und Seminare. Obwohl die meisten Veranstaltungen in Zusammenarbeit mit anderen privaten und halbstaatlichen Organisationen aus dem In- und Ausland durchgeführt werden, organisiert das Komunitas Salihara Arts Centre auch eigene Festivals. Zu den beliebtesten gehören ein internationales Festival der darstellenden Künste, ein Forum mit herausragenden Theaterproduktionen, ein Minifestival mit neuen Choreografien, die sich auf Tanztraditionen berufen, ein Literatur- und Ideenfestival mit einer Reihe zeitgenössischer Schriftsteller, ein dem Jazz vorbehaltenes Forum mit Spitzenmusikern und ein Forum für zeitgenössische Musik, das eine Vielzahl von Genres präsentiert. Das Zentrum ist bekannt für seine aktive Einbeziehung junger Talente und seinen interdisziplinären Ansatz in der Kunst. Eine seiner innovativen Initiativen war die Aufführung eines zeitgenössischen Tanzes auf der Grundlage traditioneller Kampfsportbewegungen in der Galerie, wobei die Aufführung in das Kunstwerk selbst integriert wurde. Als Antwort auf verschiedene künstlerische Trends entdeckt das Komunitas Salihara Arts Centre innovative Ideen und neue Talente und hilft dem Publikum, das zu finden, wonach es sucht. Nirwan Dewanto (Dichter und Essayist, Chefkurator und Programmdirektor des Salihara) betonte: “Indem wir uns auf das Programm konzentrieren, denken wir über verschiedene Möglichkeiten nach, mit der Gemeinschaft in Dialog zu treten und uns gleichzeitig kritisch mit den experimentellen Bestrebungen der Künstler auseinanderzusetzen. Jason Mountario, ein junger Jazzmusiker, der im Zentrum auftrat, fügte hinzu: ”Wir sind frei zu tun, was wir wollen. Wir haben eine Verantwortung, auf diese Freiheit zu reagieren."

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