Warum Morandi einer der größten Künstler Italiens ist. Interview mit Maria Cristina Bandera

Bis zum4. Februar 2024 ist im Palazzo Reale in Mailand die Ausstellung Morandi 1890 - 1964 zusehen , eine der umfassendsten Ausstellungen, die je einem der größten italienischen Künstler des 20. Jahrhunderts, Giorgio Morandi (Bologna, 1890 - 1964), gewidmet war. Jahrhunderts, Giorgio Morandi (Bologna 1890 - 1964), gewidmet ist. Die von Maria Cristina Bandera konzipierte und kuratierte Ausstellung, die von der Stadt Mailand-Cultura gefördert und von Palazzo Reale, Civita Mostre und 24 Ore Cultura produziert wurde, zeigt rund 120 Werke, die ein vollständiges Profil des großen Malers und Graveurs zeichnen, der in der Vergangenheit oft von Vorurteilen betroffen war, die ihn als isolierten und repetitiven Künstler bezeichneten. Morandi ist in Wirklichkeit einer der großen Namen des 20. Jahrhunderts: In diesem Interview erläutert die Kuratorin Maria Cristina Bandera nicht nur die Ideen hinter der Ausstellung, sondern auch die Größe Morandis.

FG. Was ist das Neue an der Ausstellung?

MCB. Die Ausstellung ist wirklich eine der vollständigsten, die man machen konnte, mit Leihgaben aus wichtigen Institutionen und Privatsammlungen, nach einer sehr starken kuratorischen Wahl: Meiner Meinung nach brauchten wir bestimmte Werke, und nur diese (natürlich unter denen, die erreichbar sind), um Giorgio Morandis Karriere zu veranschaulichen. Und dann liegt das Neue vor allem in der Anstrengung, die wir alle, die wir diese Ausstellung produziert haben, unternommen haben, denn es hat vier Jahre Arbeit und ein sehr starkes allgemeines Engagement erfordert, um sicherzustellen, dass das Publikum auch die Möglichkeit hat, Morandi zumindest neu zu lesen, wenn nicht sogar eine neue Lektüre für junge Leute, gerade um die Klischees zu zerstreuen, die die Lektüre von Morandi, insbesondere in Italien, eingeschränkt haben. In der Tat muss ich sagen, dass es im Ausland leichter war, Morandi verständlich zu machen als in Italien, wo die Vorurteile über den Künstler viel stärker waren: der Maler aus Bologna, verschlossen in seinem Atelier, in seinem scheinbar armen kleinen Zimmer. Ja, es war ein ärmliches Zimmerchen mit einem Kinderbett, aber Morandi stammte aus einer bürgerlichen Familie, der Rest des Hauses war mit bürgerlichen Möbeln aus dem 19. Jahrhundert ausgestattet, und so war es ein ärmliches Zimmerchen, was die Einrichtung anging, aber Morandis malerische Mittel waren äußerst raffiniert, überlegt, mit großer Aufmerksamkeit für die Farben, für das Trocknen des Öls, für die Tafeln, die er mit gezielten Linsen gekauft hatte, er sparte also nicht an diesen Aspekten. Und dann arbeitete Morandi fast wie ein altmodischer Werkstattmaler, also fast wie Leonardo, er brachte Schutzvorrichtungen an den Fenstern an, sein Zimmer war perfekt zum Malen, für die Beleuchtung, für dieses große Fenster mit Blick auf den Hof (das Morandi später das Thema des Gemäldes des Hofes in der Via Fondazza liefern sollte), das Morandi aber mit Schutzvorrichtungen filterte: wir wissen, dass Morandi vor allem am Nachmittag malte, wenn es eine bestimmte Art von Licht gab, auch weil er am Vormittag lehrte. In der Tat war er sechsundzwanzig Jahre lang, von 1930 bis 1956, Professor für Gravurtechnik an der Akademie der Schönen Künste, und die Ausstellung umfasst nicht nur 120 Werke, davon 100 Ölgemälde mit seinen Themen Landschaft, Stillleben oder Blumen, sondern auch eine sehr wichtige Auswahl von Gravuren, was eine nützliche Gelegenheit für ein breiteres Publikum ist, aber auch die Möglichkeit bietet, den Künstler selbst eingehend zu studieren, denn Da diese Ausstellung auch sehr stark auf der Bedeutung von Sammlungen basiert, wie auch im Katalog zur Ausstellung hervorgehoben wird (ein wichtiger Katalog mit wichtigen Studien, die alle auf dem Thema des Sammelns basieren, aber auch auf dem Sammeln von Kunsthistorikern und Kritikern, die Morandi unterstützt haben, wie Longhi, Brandi, Arcangeli und andere), wurde auch bei den Stichen eine Auswahl getroffen, die mit dem Sammeln verbunden ist: In der Tat gibt es Stiche, die durch Vermächtnisse in das Museum Castello Sforzesco in Mailand gekommen sind, in die Sammlung Bertarelli, die früher Lamberto Vitali gehörte, einem Gelehrten, Sammler und Grafiker, der 1934 als Erster über Morandi als Graveur sprach (denn Morandi war in der Tat ein großer Graveur, so sehr, dass er 1953 in São Paulo, Brasilien, einen wichtigen Preis gewann und damit wieder einmal im Ausland vor Italien Anerkennung fand). Unter den Stichen haben wir auch das dunkle Stillleben aus großen Gegenständen ausgewählt, das einzige Werk in acht verschiedenen Zuständen, und in der Ausstellung sind die acht Zustände, die Originalplatte, die sich noch in Privatbesitz befindet, und die Bildkomposition aus einem späteren Jahr zu sehen.

Was sind Ihrer Meinung nach die originellsten Merkmale von Morandis Kunst und warum wird er als einer der größten Künstler seiner Zeit angesehen?

Morandi wurde sofort von einigen Sammlern geschätzt, die die Bedeutung seiner Sprache verstanden, und allmählich wächst Morandis Bedeutung. Aber natürlich können wir uns auch auf die Hinweise seiner ersten Anhänger, seiner ersten bedeutenden Kritiker stützen, und eine grundlegende Rolle spielte Roberto Longhi, der 1934 am Ende seines Werks über die Malerei, einer Übersicht über die bolognesische Malerei vom 14. Jahrhundert bis zu Morandi, über Morandi sprach, wo Longhi sagte, dass Morandi einer der großen italienischen Maler sei, also bereits eine italienische Dimension habe und nicht mehr auf Bologna beschränkt sei. Und ein weiterer grundlegender Moment war ein wesentlicher Text, nämlich der von 1945, unmittelbar nach dem Ende des Krieges, in dem Longhi mit Adjektiven, die wirklich Meilensteine sind, diese einfachen Objekte Morandis hervorhob, diese unzähmbaren Landschaften, diese Distanzierung selbst von den Dornen der Realität, diese Evokation der Landschaft, diese Wiedergabe des Stilllebens, die nicht die eines Naturamortista ist, der eine Komposition betrachtet, sondern sie genau ansieht. Und dann zum Beispiel, um an eine aktuelle Lesart anzuknüpfen, nicht nur die architektonische Monumentalität der Werke Morandis (die vom Kino sofort verstanden wird), sondern auch das Subjekt, das sich, wie Morandi sagt, “auf das Minimum reduziert”, also fast diese Abwesenheit des Objekts, ein Aspekt, der vielleicht unser Verständnis von Morandi begrenzt hat, der uns aber stattdessen hilft, ihn heute zu verstehen, denn diese seine Distanzierung von der Darstellung eines Subjekts, eines Themas, zwingt uns, Morandi mit neuen Augen zu betrachten. Und dann wiederum die rätselhafte Anordnung bestimmter Kompositionen, die Mehrdeutigkeit der Wahrnehmung, diese Beziehungen von Körpern und Leerräumen, die er vor allem in seinen letzten Werken mit diesem Gefühl der Leere im Sinne einer typisch orientalischen Kultur erreicht...

Die

im Palazzo Reale

Dieim Palazzo Reale

Zu den Vorurteilen, die der Figur Giorgio Morandi anhaften, gehört das der vermeintlichen Isolation, auch in Bezug auf den kulturellen Kontext seiner Zeit. Die Ausstellung im Palazzo Reale zeigt vielmehr, dass Morandi enge Beziehungen zu Longhi, Brandi, Arcangeli und anderen hatte, aber wie fügte sich Morandi in den kulturellen Kontext seiner Zeit ein?

Das ist das Beeindruckende an Morandi: die klaren Entscheidungen, die er von Anfang an traf, so dass er sich sofort mit der französischen Kultur auseinandersetzte, und zwar durch die Fotografien, die er in den Heften von La Voce betrachtete, er setzte sich sofort mit Cézanne und dem frühen Kubismus auseinander. Und obwohl er ein Künstler war, der im Gegensatz zu den Futuristen keine Proklamationen machen wollte, und wenn er sprach, waren seine Worte gewichtet, sagte er, dass, wenn es einen seiner Generation gab, der nach Frankreich schaute, er es war. Er hatte also dieses Bewusstsein: Er schaute nach Frankreich, als zum Beispiel Klimts Judith auf der Biennale von Venedig ausgestellt wurde und dann von Ca’ Pesaro gekauft wurde. Und dann hatte er Beziehungen zu Künstlern und Kritikern, zum Beispiel zu Carrà, zu De Chirico und dann eben zu Longhi ab 1934, zu Brandi ab 1939 in Rom, zu Arcangeli, zu Argan selbst, der 1957 die erste Morandi-Ausstellung (eine der ersten wichtigen) in Amerika machte. Und das, obwohl jeder von ihnen Morandi auf eine andere Art und Weise verstand, weil Longhi ihn zum Beispiel als Hindernis gegen den Abstraktionismus betrachtete, während Venturi ihn genau im Sinne der abstrakten Elementarität las.

Viele haben gesagt, dass Morandi ein sich wiederholender Künstler war, aber er selbst (und eine Tafel in der Ausstellung zeigt dieses Zitat von ihm) sagte, dass er es geschafft hat, die Wiederholung zu vermeiden. Wie hat er das geschafft? Warum ist Morandi kein repetitiver Künstler?

Diese Ausstellung will das Publikum wirklich dazu zwingen, seine Werke zu betrachten, und sie gibt ihm auch die Gelegenheit dazu, denn nach diesem sehr starken kuratorischen Projekt wurden scheinbar ähnliche Werke nebeneinander an derselben Wand in dieser perfekten, von Corrado Anselmi kuratierten Anordnung platziert, aber bei aufmerksamer Betrachtung erkennt man, dass diese Werke niemals gleich sind. Zunächst einmal ändert sich fast immer das Format, denn, und das muss auch gesagt werden, Morandi ließ seine Rahmen nach seiner Idee anfertigen, er hat das Werk also nicht auf einen vorgefertigten Rahmen aufgezogen. Dann ändern sich die Farben, die Anordnung der Gegenstände ändert sich, wenn auch nur geringfügig, es steckt also eine sehr langsame und sehr durchdachte Ausarbeitung dahinter, sehr gesucht, sehr gewollt, und der Betrachter muss diese Leseübung auch machen. Ich wiederhole gerne, weil ich es für eine sehr starke und sehr bedeutsame Aussage halte, die Behauptung von Schjeldahl, einem Rezensenten des New Yorker zur Zeit der Morandi-Ausstellung in der Met, als er sagte, dass wir alle ein Gemälde von Morandi als tägliche Übung für das Auge, für den Geist und für die Seele haben sollten, und er fügte hinzu, dass man mit Morandi in Form sein müsse. Es war genau dieses Bedürfnis, vor dem Werk zu lesen, das entstand, denn es passierte mir auch, dass ich in diesen Jahren mehrere Leute traf, die das Vorurteil wiederholten, Morandi sei repetitiv. Ich fragte dann: “Aber was haben Sie denn von Morandi gesehen? Und ich bekam in der Regel zur Antwort: ”Sehr wenig, oder die Fotos in Büchern". Nun, wie alle Maler muss auch Morandi persönlich gesehen werden, aber es muss betont werden, dass eine Ausstellung, selbst eine bedeutende, die zum Beispiel aus 50 Ecksteinen besteht, aber keine gezielten Gegenüberstellungen enthält, nicht die Variationsfähigkeit Morandis offenbart. Es handelt sich um Werke mit ähnlicher Komposition, aber sie sind nicht gleich, und sie sind nicht einmal in Serie entstanden. Es handelt sich auch nicht um eine Serie im Sinne von Monet, so dass es sich nicht um ein und dasselbe Werk handelt, das sich mit dem Licht verändert, sondern um Kompositionen mit ähnlichen Themen.

Das Mailänder Sammeln war auch für Morandis historisch-kritische Behauptung sehr wichtig. Und das ist auch einer der Gründe, warum die Ausstellung in Mailand stattfindet. Wie hat sich sein Werk unter den Mailänder Sammlern verbreitet?

Vielleicht waren die Mailänder Sammler offener, die Mailänder waren ein aufgeklärtes Traditionsbürgertum, so dass die Sammler um die Werke Morandis konkurrierten. Die Galleria del Milione spielte eine sehr wichtige Rolle als Vermittler: Sie war keine privilegierte Galerie und hatte kein Exklusivrecht auf Morandis Werke, aber Morandi vertraute ihr und war immer klar in seiner Auswahl. Er verstand es also nicht nur, mit Wissenschaftlern und Kritikern, sondern auch mit Sammlern umzugehen, und traf eine Auswahl, die im Nachhinein als perfekt bezeichnet werden kann, so dass die Mailänder Sammler die Bedeutung Morandis sofort verstanden, so dass es heißt (auch wenn wir keine Belege dafür haben), dass bereits 1934 eine Ausstellung von Morandis Werken in Mailand stattfand.

Abschließend noch eine Frage zu einem Satz von Morandi, der auch im Ausstellungsprogramm zitiert wird: Morandi sagte, dass es nichts Surrealeres und Abstrakteres gibt als die Realität. Was hat er damit gemeint?

Ich möchte diese Frage offen lassen, eine Frage an das Publikum stellen. Denn wie ich bereits sagte, haben Longhi, Arcangeli und Venturi, obwohl sie alle der gleichen Generation angehörten und obwohl sie alle Morandi unterstützten, eine unterschiedliche Lesart seines Werks vertreten. Longhi und Venturi hatten beide an der Biennale 1948 teilgenommen: Sie waren in der Jury der Biennale, als Morandi 1948 mit seinen metaphysischen Werken, darunter das schöne Metaphysische Stillleben in Brera, ausgestellt wurde und den ersten Preis für Malerei erhielt. Doch Longhi und Venturi gaben eine Interpretation, die geradezu antipodisch war. Man könnte sagen, dass für Morandi die Natur aus Buchstaben besteht, die nicht die unseres Alphabets sind, sondern, um Galilei zu zitieren, geometrische Formen sind. Es ist eine Idee, die es uns dennoch überlässt, Morandi zu interpretieren, und ich denke, dies ist auch der ideale Moment, um Morandi in einem modernen Sinne neu zu lesen. Denn schließlich ist er kein versteinerter Maler, sondern ein Maler, der uns immer noch erlaubt, seine Werke mit den Augen unserer Zeit zu lesen.

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