So viele Kunstmessen führen zu einer Krise bei der Verfügbarkeit von Qualitätswerken". Giacinto Di Pietrantonio spricht

In den letzten Jahren wurde der Markt für zeitgenössische Kunst von Messen beherrscht: Es gibt immer mehr von ihnen, und immer mehr Galerien nehmen daran teil und bieten oft ständig neue Werke an. Was sind die Folgen dieser Situation? Welchen Einfluss haben sie auf die Arbeit der Künstler? Hat es in der Geschichte jemals eine Zeit gegeben, in der der Markt so wichtig war? Darüber sprechen wir in diesem Interview mit dem Kritiker Giacinto Di Pietrantonio.

LR. Wenn es zwischen den 1990er und 2000er Jahren ein Wachstum des Marktes gab, haben wir in den letzten 15 Jahren die “Dominanz der modernen und zeitgenössischen Kunstmessen” erlebt. Messen stellen eine Art “All-inclusive-Urlaubspaket” dar, bei dem der Sammler in drei oder vier Tagen eine Art “diffuse Kunstbiennale” erleben kann, bei der er die Messe und eine ganze Reihe von Nebenveranstaltungen besuchen kann, die aus Sonderausstellungen, Partys, Treffen und Abendessen bestehen. Während des normalen Jahresprogramms wird der Besuch einzelner Galerien durch die Tatsache entmutigt, dass ich während der wenigen Messetage “alle Galerien sehen” kann (wenn auch schlecht) und einen netten Mini-Urlaub machen kann. Haben Sie eine Vorstellung von diesem Phänomen?

GDP: Ja, das ist ein Phänomen, das bereits in den 1980er Jahren begann, als der Kunstmarkt begann, die Wertschätzung und Anerkennung von Künstlern zu übernehmen, die bis dahin fast ausschließlich das Vorrecht von Kritikern, Kunsthistorikern, Museen, Biennalen usw. war. Während bis in die 1970er Jahre hinein ein Künstler nur in seltenen Fällen über Jahre hinweg berühmt wurde, sind die Künstler seit Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre innerhalb von ein oder zwei Jahren bekannt geworden, und - was noch neuer ist - gleichzeitig sind ihre Preise in die Höhe geschossen. Dies unterstreicht eine weitere neue Tatsache, nämlich dass der Kunsthändler eine Bewertungsmacht erhält, die er vorher nicht hatte. Um dies besser zu erklären, muss man sich Kunstwerken zuwenden, in diesem Fall Max Ernsts Au rendez-vous des amis, 1922, im Museum Ludwig in Köln, und Carlo Maria Marianis La Costellazione del Leone, 1980-1981, in der Galleria d’Arte Moderna in Rom, die Paradigmen für zwei präzise historische Momente sind: den der Moderne im ersten und den der Postmoderne im zweiten. Die beiden Werke haben eine ähnliche Struktur, d. h. sie zeigen beide eine Gruppe von Menschen, aber während auf dem ersten, dem surrealistischen, nur surrealistische Künstler und Dichter sowie ihr Mentor Breton abgebildet sind, finden wir auf dem zweiten Werk einige führende Persönlichkeiten wie Dostoe. Während in der ersten, der surrealistischen, nur surrealistische Künstler und Dichter sowie ihr Mentor Breton und einige bekannte Persönlichkeiten wie Dostojewski und Raffael abgebildet sind, sind in der zweiten neben den Künstlern der Zeit wie den Poveristen Kounellis, Merz, Paolini oder De Dominicis, Ontani, Pisani, Twombly und unter anderem Clemente, Chia und Mariani selbst oder Kritiker wie Bonito Oliva oder Italo Mussa auch die Galeristen Paul Maenz, Mario Diacono und Gian Enzo Sperone vertreten. Und hier wird es kompliziert, denn letztere werden nicht nur abgebildet, sondern zentral und höfisch. Paul Maenz ist links mit Goethes Hut auf dem Kopf abgebildet, Mario Diacono in der Mitte als Philosoph und rechts von diesem Grüppchen Gian Enzo Sperone als Apollo oder Hermes, der sich in seinem Weimarer Haus auf Goethes Skulptur Der Stein des Glücks stützt.

Was sagt uns das?

Es sagt uns, dass, während in Max Ernsts Zeit der Moderne der Markt tabu war, nicht repräsentiert wurde und sich alles innerhalb der kulturellen Beziehungen von Künstlern, Schriftstellern, Dichtern, Intellektuellen abspielte, in der Postmoderne die Kunsthändler nicht nur einen Platz finden, sondern ihn auf höfische Art und Weise finden, indem sie als Dichter, Philosophen, Gottheiten dargestellt werden. Vor etwa fünfzehn Jahren habe ich mit Mariani und Sperone darüber gesprochen, um mir das bestätigen zu lassen, und sie sagten mir, sie hätten das nie so gelesen. Das sagt uns aber noch mehr, denn Mariani hat den Markt in diesem Werk spontan dargestellt, weil es keine Vetos mehr gegen den Markt gab, dem implizit eine Wertbedeutung zuerkannt wurde, die er nie zuvor gehabt hatte. Was also geschah, und was sich vor allem ab den 1990er Jahren verstärkte, geschah mit der Komplizenschaft der Künstler, die bewusst oder unbewusst guthießen, was um sie herum geschah und was sie brauchten. Ich gebe ein weiteres Beispiel: Ich weiß nicht mehr, ob Lawrence Weiner oder John Baldessari in einem Interview gesagt haben, dass sie, als sie anfingen, Konzeptkunst zu machen, die niemand wollte, das Bedürfnis hatten, Galerien und Galeristen zu finden, aber da sie keine finden konnten, haben sie sich die Mühe gemacht, sie zu schaffen. Die Schuld oder der Verdienst liegt also nie auf einer Seite, wir sind alle miteinander verbunden und daher mitverantwortlich.

Wie wirkt sich diese Dynamik auf die Künstler und die Qualität der Kunstwerke aus?

Um noch einmal auf den Markt und die Messen zurückzukommen: Es stimmt zum Teil, was Sie sagen, nämlich dass die Messen, wie auch die Auktionen, heute eine Bedeutung haben, die sie früher nicht hatten, aber andererseits hat sich das Kunstsystem in den letzten Jahren zugunsten des Marktes umgestaltet und der Kritik und dem Kuratorentum die Macht entzogen. Davon zeugt auch die Tatsache, dass die Kunstzeitschrift, die sich einst vom Markt fernhielt, heute selbst ein Protagonist des Marktes ist, indem sie Messen organisiert, wie das Beispiel der Zeitschrift Frieze zeigt, die die Frieze Art Fair organisiert und in manchen Fällen mehr als Messeveranstalter denn als Zeitschrift bekannt ist. Es liegt auf der Hand, dass dieser Wildwuchs an Messen zu einer Krise bei der Verfügbarkeit von Qualitätskunstwerken geführt hat, denn, wie mir mehrere Künstler sagten, werden sie von den Galeristen unter Druck gesetzt, die ständig neue Werke verlangen, um sie auf Messen zu präsentieren. Wenn man bedenkt, dass eine Spitzengalerie heute an etwa einem Dutzend Messen in der ganzen Welt teilnimmt, kann man verstehen, was ich sage. Die Messen selbst haben dies erkannt, und es gibt heute keine Messe mehr, die etwas auf sich hält, die nicht “Nebenveranstaltungen” hat, zu denen eine Auswahl von Künstlern eingeladen wird, um bestimmte Werke zu präsentieren, bei denen es sich in den meisten Fällen um große Werke handelt, wie es bei der Unlimited für die Art Basel der Fall ist. Ganz zu schweigen von den verschiedenen Preisen, Konferenzen und so weiter. Eine Beilage, von der man sich wünscht, dass sie köstlicher ist als das Gericht selbst. All dies hat mit der Realität zu tun, denn es ist Teil der globalisierten Welt, in der die Finanzwelt alles übernommen hat.

Wie man da wieder herauskommt?

Ich weiß es nicht. Ich bin mir sicher, dass nur Künstler, wenn sie es wollen, uns den Weg zeigen können.

Während der COVID-Periode schien das Thermometer zur Messung des Wohlbefindens des Kunstsystems die Eröffnung oder Nichteröffnung von Messen zu sein. Gleichzeitig sind große Kunstausstellungen wie Biennalen und ähnliche Ausstellungen zunehmend chaotische Veranstaltungen mit Hunderten von Künstlern, bei denen es schwierig ist, sich zurechtzufinden und bei denen es immer alles und das Gegenteil von allem gibt. Braucht es Ihrer Meinung nach einen “Kompass”, einen “Zwischenort” abseits des Marktes und des Chaos der großen Ausstellungen, um die Qualität und damit letztlich den kommerziellen Erfolg der zeitgenössischen Kunst zu fördern?

Ich glaube nicht, dass es ganz richtig ist, zu sagen, dass das Thermometer für das Wohlergehen der Kunst während des Covid die Eröffnung oder Nichteröffnung von Messen war. Abgesehen von der schrecklichen Erfahrung, in die uns Covid versetzt hatte, gab es viele, die die Quarantäne als Gelegenheit sahen, ihre Arbeit zu überdenken und über ihre Existenz nachzudenken. Natürlich sind die Auswirkungen der Geschehnisse auf die Kunst und das Leben noch nicht absehbar, vielleicht auch, weil sie immer an denselben Orten, bei denselben Künstlern und Menschen gesucht werden, aber ich glaube, sie werden spürbar und sichtbar werden. Ich bin also nicht gegen große Ausstellungen, sondern gegen gut und schlecht gemachte Ausstellungen. In der Tat ist der Glaube weit verbreitet, dass ’große Ausstellungen’ oder große Veranstaltungen der Kunst nicht gerecht werden, was nicht stimmt. Es kommt darauf an, wie sie gemacht werden. Natürlich bekommt vielleicht nicht jeder alles zu sehen, aber wie soll man in der globalisierten Welt, in der wir leben, eine repräsentative Weltausstellung wie die Biennale oder die Documenta mit nur wenigen Künstlern machen? Hier geht es um Sorgfalt, um die Auswahl der Werke und darum, wie man sie ausstellt und warum. Andererseits kann man eine Ausstellung wie die Biennale, die fast sechs Monate dauert, mehrmals besuchen, im Gegensatz zu einer Messe, die nach vier oder nur wenigen Tagen zu Ende ist. Natürlich stimme ich zu, dass dies nicht der richtige Zeitpunkt ist, wenn man von der Kunst in einem stilistisch-formalen Sinne Neues erwartet, denn wir leben in einer Ära des Neo-Manierismus, aber ich glaube, dass in der so genannten Kommunikations- und Informationsgesellschaft, in der wir leben, die Kunst im Gegensatz zur Moderne nicht der richtige Zeitpunkt ist.Die Kunst hat sich im Gegensatz zur Moderne die Aufgabe gestellt, Inhalte zu vermitteln, die nicht auf der Suche nach Neuem in der Sprache der Kunst sind, sondern im Guten wie im Schlechten die verschiedenen Probleme der Welt wie Ethik, Moral, Ökologie, Rassismus usw. betreffen, Probleme, für die die Künstler die bekannten Zeichen zum geeignetsten Zeitpunkt verwenden, um zu kommunizieren. Was ich damit sagen will, ist, dass die Suche nach oder die Erfindung des Zeichens im Moment eher zweitrangig ist gegenüber dem, was man mitteilen will, wofür man fertige Zeichen verwendet, denn der Zweck heiligt nach Macchiavellianischem Verständnis die Mittel. Das heißt nicht, dass alles in Ordnung ist, denn auch hier muss zwischen starken und schwachen Werken unterschieden werden, und das ist in gewisser Weise schwieriger als bei Werken, die die formale Neuheit in den Vordergrund stellen oder gestellt haben, was eine Frage der letzten etwa 150 Jahre ist, wenn man bedenkt, dass es zum Beispiel in der Renaissance nicht darum ging, wer etwas Neues gemacht hat, sondern wer es besser gemacht hat. Das ist auch der Grund, warum zum Beispiel ein junger Michelangelo, als er einen falschen griechischen Putto bildhauerte und verkaufte, als er später entlarvt wurde, nicht verfolgt wurde, sondern im Gegenteil, die Bewunderung für ihn wuchs, weil er gezeigt hatte, dass er es genauso gut wie die Griechen oder besser als sie konnte.

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