Rom, Schließung der Galerie Divario: "Kulturelle und kommerzielle Funktion zusammen? Das ist unhaltbar

Nach nur fünf Jahren hat die Galerie Divario in Rom geschlossen. Sie wurde 2019 von dem Unternehmer Filippo Tranquilli gegründet und zeichnete sich im Laufe der Jahre durch ein raffiniertes Angebot aus, das sich vor allem auf die Fotografie konzentrierte und hauptsächlich junge Namen präsentierte. Angefangen mit einer Ausstellung von Simone Bossi, folgten Ausstellungen von Robocoop, Michela Picchi, Marta Abbott, Lorenzo Catena und Valeria Tofanelli, Ovidiu Leuce, Renzogallo, Max Renkel, Leonardo Magrelli, Giulio Bensasson bis zur letzten Ausstellung von Francesca Cornacchini, die im Frühjahr 2024 beendet wurde. Die Gründe für die Schließung? Laut Tranquilli befindet sich das traditionelle Geschäftsmodell der Galerien, d.h. Räume, die sowohl eine kommerzielle als auch eine kulturelle Funktion haben, in der Krise, und dann wird es schwierig, mit jungen Leuten zu arbeiten, neue Talente zu fördern, das Publikum ist viel weniger präsent als früher. Aber es gibt noch viele andere Probleme: In diesem Interview spricht Filippo Tranquilli mit Luca Rossi über sie.

LR. Sie haben vor kurzem die Entscheidung getroffen, die Galerie Divario in Rom zu schließen, die wertvolle und hochwertige Arbeit im Bereich der zeitgenössischen Kunst geleistet hat. Was waren die Schwierigkeiten, die Sie zu dieser Entscheidung veranlasst haben?

FT. Lieber Luca, wie du dir vorstellen kannst, war die Entscheidung, Divario zu schließen, eine wohlüberlegte und gleichzeitig sehr schmerzhafte Entscheidung. Ich muss ein wenig trauern und das System muss vielleicht eine weitere Niederlage verdauen. Ich persönlich glaube nicht, dass es ein Fehlschlag war, ganz im Gegenteil. Ich denke, dass ich auf meine eigene kleine Art und Weise erfolgreich war und eine Menge erreicht habe. Unabhängig davon, wie die Dinge ausgegangen sind, denke ich, dass es eine unvergessliche Erfahrung war, ein Privileg, das ich in vollen Zügen genossen habe. Wie der Unternehmer Seth Godin in seinem Buch The Dead End schrieb: "Ein Job, ein Projekt, eine Beziehung: Am Anfang ist alles eine aufregende Erfahrung. Dann kommen die ersten Hindernisse und schließlich kommt die schwierigste Phase. Die, in der man keinen Spaß mehr hat und einfach die Zähne zusammenbeißen muss. Dann fragt man sich, ob es das wirklich wert ist. Wenn man seine ganze Zeit, einen Teil seines Geldes und viel Energie in ein unternehmerisches Projekt wie meines investiert und irgendwann die bittere Erkenntnis kommt, dass alle Bemühungen um wirtschaftliche Selbstständigkeit vergeblich sind, man nicht anders kann, muss man aufgeben.

Wie kam es zu dieser Entscheidung?

Nach fünf Jahren im Geschäft wurde mir klar, dass das Geschäftsmodell der Kunstgalerie, wie wir es uns normalerweise vorstellen, d. h. als Ausstellungsraum, der eine kommerzielle Funktion mit einer kulturellen Funktion verbindet, sehr unzureichend ist. Es ist unhaltbar, sowohl aus wirtschaftlicher Sicht, weil es viele Belastungen mit sich bringt, denen keine ausreichenden Einnahmen gegenüberstehen, vor allem wenn man mit jungen Künstlern arbeitet und keine unangemessenen Preise verlangen will, als auch aus menschlicher Sicht, weil die Kunstwelt hoffnungslos verwöhnt, unglaublich klassistisch, faul und oberflächlich geworden ist. Wenn Sie eine Galerie sind, die Galeriearbeit macht, d. h. nach Talenten mit einem kuratorischen/musealen Ansatz sucht, wird der Markt Sie nicht belohnen. Außerdem werden Kunstgalerien vom Standpunkt der Öffentlichkeit aus gesehen immer weniger besucht, und das ist eine Realität, die ich selbst erlebt habe. Die meiste Zeit verbringt man seine Tage mit dem zermürbenden Warten auf einen Besucher oder mit der Hoffnung auf einen Verkauf. Bevor ich diese Entscheidung getroffen habe, habe ich natürlich mit anderen Galeristen, einigen Kuratoren und einigen Sammlern gesprochen; ich habe mit Museumsdirektoren, Stiftungsdirektoren und Messedirektoren gesprochen; ich habe Kunsthändler und Kunstberater konsultiert. Alle sehen und kennen das Problem, aber niemand weiß wirklich, was zu tun ist, um diesen schrecklichen Trend umzukehren. Niemand hat einen Zauberstab. Mir ist gesagt worden: Sie sollten mehr Messen besuchen, vor allem im Ausland; Sie sollten sich in den richtigen Kreisen bewegen, an den wichtigen Salons teilnehmen; Sie sollten mehr investieren, viel mehr Geld haben; Sie sollten einen soliden Ruf aufbauen, das unternehmerische Image Ihrer Familie ausnutzen; Sie sollten einen Preis verleihen, vielleicht in Ihrem eigenen Namen; Sie sollten Abendessen veranstalten, um Sammler zu verwöhnen und zu erfreuen; Sie sollten ein zweites großes Einkommen haben, um alle Ausgaben zu decken; Sie sollten an den wichtigen Veranstaltungen teilnehmen, Sie sollten die richtigen Kontakte haben; Sie sollten nicht mit aufstrebenden Künstlern arbeiten, wenn überhaupt, sollten Sie den zweiten Markt implementieren; Sie sollten wichtige Kritiker einladen und mit einflussreichen Kuratoren zusammenarbeiten; Sie sollten externe Veranstaltungen finanzieren und mit Institutionen zusammenarbeiten; Sie sollten an Festivals und Biennalen teilnehmen; Sie sollten Kataloge erstellen, Multiples anfertigen und Online-Verkäufe implementieren; ich könnte immer weiter machen, aber ich möchte Sie nicht langweilen. Ich habe vieles von dem getan, was mir vorgeschlagen wurde, ohne jemals die Qualität meines Angebots zu vernachlässigen und das aufrechtzuerhalten, was meiner Meinung nach die Standards einer Galerie sein sollten, aber ich war allein damit, dass ich all diese “Arbeitslast” bewältigen musste, die meiner Meinung nach nichts mit dem Kauf eines Kunstwerks zu tun hat. Eine junge Galerie kann materiell nicht alles tun, was das System von ihr erwartet. Als ich mich entschloss, Divario zu eröffnen, behandelten mich alle in der Branche sofort wie einen armen Trottel, einen Naivling. Einige versuchten sogar, mich zu warnen. Aber ich bin kein Narr, ich hatte meine ’Chancen’. Am Ende habe ich verstanden, dass es heute in Italien für einen Forschungs- und Experimentierraum praktisch unmöglich ist, zu entstehen, zu wachsen, sich zu definieren und unabhängig zu sein, ohne sich selbst zu finanzieren und den Rücken frei zu halten. Ich warte immer noch auf jemanden, der diese Idee widerlegt.

Sowohl in Italien als auch im Ausland, in den großen Städten, suchen die Galerien nach Möglichkeiten der Zusammenarbeit. Sind Sie in der römischen Szene auf Probleme der Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen Galerien gestoßen?

Ich kann diese Frage nicht erschöpfend beantworten, da ich nicht mit anderen Galerien in meiner Umgebung zusammengearbeitet habe und ich auch nicht für die gesamte römische Szene sprechen kann. Mit einigen Galeristen hat es einen gewissen Dialog gegeben, vor allem mit den jüngeren, aber nichts Tiefgreifendes. Mit Galeristen in anderen Städten wie Mailand, Turin, Bologna und Palermo gab es einen intensiveren Dialog. In Rom ist es vielleicht aufgrund des territorialen Konflikts und der Konkurrenzsituation schwierig, sich gegenseitig zu verstehen. Ich habe jedoch bei allen meinen Kollegen, nicht nur in Rom, immer eine große Zurückhaltung wahrgenommen. Nur sehr wenige waren offen und ehrlich, was die tatsächliche Lage ihres Unternehmens angeht. Ich kann diese Schwierigkeit, transparent oder zumindest offen zu sein, auch verstehen, denn einige wollen damit ihre eigenen Interessen schützen, aber meiner Meinung nach muss es eine offene Konfrontation, einen konstruktiven Dialog und ein gemeinsames Ziel geben, um zusammenarbeiten zu können. Es muss ein echter Wille zur Zusammenarbeit bestehen, um aus dem Graben herauszukommen, in dem wir uns seit Jahrzehnten befinden. Um Ihnen ein Beispiel zu geben: Vor zwei Jahren haben die Galerien für zeitgenössische Kunst in Rom eine kulturelle Initiative zur Aufwertung der Kunstszene der Stadt ins Leben gerufen, das Rome Gallery Weekend, aber Divario wurde nicht eingeladen. Niemand hat sich mit mir in Verbindung gesetzt, so dass ich nicht daran teilnehmen konnte. Ich habe es erst im Nachhinein erfahren. Vielleicht war es ein Versehen, vielleicht hätte man es ändern können, aber es lag nicht an mir, es zu ändern. Auf jeden Fall habe ich als Besucherin teilgenommen und bin am Ende auf so viele Probleme in Bezug auf Organisation, Management, Logistik und Kommunikation gestoßen, dass es meine Entscheidung war, im folgenden Jahr nicht teilzunehmen. Eine zweitägige Veranstaltung, bei der mehr als 30 Galerien, einschließlich der großen Galerien, eine Ausstellung oder Veranstaltung in ihren eigenen Räumlichkeiten in einer Gemeinde mit unserer geografischen Ausdehnung eröffnen, ist ein von vornherein verlorenes Spiel. Alle Galerien der Region zusammenzubringen, wobei jede zu Hause bleibt, macht für mich keinen Sinn, und wir brauchten das auch nicht, die Rome Art Week hat gereicht. Im Grunde glaube ich nicht, dass diese Art von Initiative die Geschicke von Divario in irgendeiner Weise hätte verändern können. Die Probleme, mit denen sich ein junger Galerist tagtäglich auseinandersetzen muss, um in diesem Sektor zu überleben, sind endemisch und können nicht an einem Wochenende gelöst werden. In Rom hatte ich das Gefühl, dass jeder auf seine Weise und aus unterschiedlichen Gründen isoliert war.

Einige Sammler behaupten, dass die neuen Generationen lediglich Sprachen und Codes aus dem letzten Jahrhundert weiterentwickeln. Ist das Ihrer Erfahrung nach der Fall?

Zunächst einmal müssen wir wissen, wer diese Sammler sind, was sie suchen und vor allem, in welche Richtung sie schauen. Vielleicht suchen sie das Falsche am falschen Ort. Vielleicht suchen sie an den üblichen Orten nach etwas Neuem. Sicherlich, ich spreche aus persönlicher Erfahrung, denken einige von ihnen, dass die jüngsten Künstlergenerationen lediglich, seien wir ehrlich, die großen Meister der Vergangenheit “kopieren”. Einige Sammler sind sogar der Meinung, dass sie nicht originell genug sind, um ihre Aufmerksamkeit zu verdienen, und vielleicht haben sie recht. Vielleicht dachten einige junge Künstler, dass sie bessere Chancen auf dem Markt hätten, wenn sie sich dem Geschmack der alten Garde anpassten. Andererseits sind es die Sammler, die die Künstler finanzieren, indem sie ihre Werke kaufen. Alles plausibel. Aber ich weigere mich, alle jungen Leute, die in der zeitgenössischen Szene aktiv sind, in einen Topf zu werfen. Ich weigere mich zu glauben, dass sie sich alle auf die gleiche Weise verhalten oder den gleichen Ansatz verfolgen. Das tun sie nicht. In den verschiedenen Jahren, in denen ich für meine Galerie recherchiert habe, habe ich mir die Arbeiten von etwa fünfzig italienischen Künstlern der jüngsten Generationen angesehen, einige davon super-acerbic, andere reifer, und bei keinem von ihnen habe ich jemals diese bewusste Tendenz zur Nachahmung festgestellt. Man sollte über einige Künstler sprechen, nicht über alle. Wir sollten diejenigen ausschließen, die nicht unseren Forschungskriterien entsprechen, und diejenigen fördern, die unserer Meinung nach den richtigen Weg eingeschlagen haben. Wir sollten eine Auswahl treffen. Man sollte eine klare Vorstellung davon haben, wonach man sucht. Was die “Überarbeitung von Codes und Sprachen aus dem letzten Jahrhundert” betrifft, so sehe ich nichts Falsches daran. Aber warum dann nur aus dem letzten Jahrhundert? Meiner Meinung nach können Künstler sogar den Kodex von Hammurabi überarbeiten, wenn dabei etwas Originelles herauskommt. Im Laufe der Jahre, in denen ich diesen Beruf studiert und ausgeübt habe, habe ich gelernt, dass “Referenzen” sehr wichtig sind und dass durch die Überarbeitung einer Form oder eines Konzepts aus der Vergangenheit etwas Neues und sehr Relevantes für die Gegenwart entstehen kann. Das Neue ist nicht etwas, das es noch nie gegeben hat, sondern es gehört zur jüngsten Vergangenheit oder zur nahen Zukunft. Vielleicht sind die Sammler, von denen Sie sprechen, auf der Suche nach einer Erfindung, nach etwas, das es noch nicht gibt.

Gibt es vielleicht eine kapitulierende Haltung bei den Künstlern der letzten Generationen?

Die Künstler der letzten Generation haben nicht kapituliert, sie sind lediglich Geiseln eines hochgradig kompromittierten Systems. In meiner Erfahrung als Galerist habe ich festgestellt, dass die wenigsten von ihnen gerne an allen Veranstaltungen und Eröffnungen teilnehmen, um es Sammlern, Kuratoren und so weiter recht zu machen; im Grunde ihre eigene PR zu sein. Die meisten von ihnen würden gerne darauf verzichten. Aber sie leiden unter dem Druck und den Folgen eines fehlerhaften, verstrickten Systems, das auf Freundschaft und Familiarität beruht und ihnen nur wenige Karrierechancen bietet. Einige von ihnen, auch die unverdächtigsten, arbeiten nebenbei, um ihren Lebensunterhalt zu bestreiten und ihre Kunst zu finanzieren. Auf Dauer erschöpft dich dieses System, frisst dich auf, stiehlt dir die Zeit für deine eigentliche Arbeit. Wie rebellieren sie? Ein Gefangener kann versuchen zu fliehen, aber wenn man ihn zermürbt, wohin wird er dann jemals gelangen? Für einen Künstler bedeutet eine Galerie, die ihn vertritt, dass er jemanden hat, der ihn kennt und an seine Arbeit glaubt, der ihn versteht und schätzt, der ihn fördert und unterstützt, der für ihn verkauft und Öffentlichkeitsarbeit macht, damit er mehr Zeit im Atelier verbringen und seine künstlerische Sprache entwickeln und verbessern kann. Wenn die Forschungs- und Experimentiergalerien schließen, auf wen können sich die Künstler dann verlassen? Nur auf sich selbst.

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