"Mit meiner Arbeit versuche ich, Leichtigkeit zu vermitteln". Gespräch mit Beatrice Pediconi

Beatrice Pediconi lebt und arbeitet in New York. Ihre Ausbildung absolvierte sie in Paris an der Universität La Villette und in Rom, wo sie 1999 ihr Architekturstudium an der Universität La Sapienza abschloss. Seine Arbeiten wurden in internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter: Presences, National Gallery of Modern and Contemporary Art, Rom (2023), Cinema Ephemera, Central Brooklyn Public Library, NY, (2020); NUCLEUS/Imagining Science, Groningen, Niederlande (2017); Sequences VII, Real Time Art Festival, Reykjavik, Island (2015); Ensembles, Quand la Maison Européenne de la Photographie Collectionne, Les Rencontres d’Arles, Frankreich (2015); Untitled 2009, Macro Museo di Arte Contemporanea, Rom (2015); 9’/Unlimited, Collezione Maramotti, Reggio Emilia (2013); The Polaroid Years, The Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College, New York (2013); The Edge of Vision, Schneider Museum of Art, Ashland, Oregon (2012). Seine Werke befinden sich in den Sammlungen zahlreicher öffentlicher und privater Institutionen, darunter die National Gallery of Modern and Contemporary Art (Rom), das Maison Européenne de la Photographie (Paris), die Lucid Art Foundation (San Francisco), das MACRO (Rom), die Videoinsight Art and Science Foundation (Turin) und die Collezione Maramotti (Reggio Emilia). Zu den verschiedenen Künstleraufenthalten, an denen er teilgenommen hat, gehören: Djerassi Resident Artists Program (Woodside, Kalifornien) (2019); Yaddo Artist’s Residency (Saratoga Spring, New York) im Jahr 2018.

GL. Für die meisten Künstlerinnen und Künstler ist die Kindheit das goldene Zeitalter, in dem sich die ersten Anzeichen für eine gewisse Neigung, zur Kunstwelt zu gehören, zeigen. War das auch bei Ihnen der Fall?

BP. Meine Kindheitserinnerungen sind leider sehr blass. Später, in meiner Jugend, interessierte ich mich zunehmend für die Philosophie, eine Disziplin, die mich die Macht des Denkens und seine Bedeutung für die Suche nach einem tieferen Sinn des Lebens und der Existenz lehrte - beides Aspekte, die seither in meiner Arbeit als Künstlerin wiederkehren. Als junges Mädchen fühlte ich mich wie eine Fremde in einer Welt, die ich nicht kannte; meine Kurzsichtigkeit und die Korrektionsbrille, die ich trug, stellten eine Last, ein Hindernis und gleichzeitig die Möglichkeit dar, meine Sicht ausgehend von einem “Defizit”, einem Mangel, zu erweitern. Daraus entwickelte sich vielleicht mein Interesse an der Fotografie oder an etwas, das mir die Möglichkeit gab, Bilder zu deformieren, sie in etwas anderes zu verwandeln, um zu beweisen, dass die Realität das Ergebnis eines Blickwinkels und eines seitlichen Blicks auf die Dinge sein kann: Die Realität ist nie substantiell, was uns umgibt, kann ein ganz anderes Wesen haben.

Welche Studien haben Sie gemacht?

Ich stamme aus einer Familie von Architekten und Orchesterkomponisten; ich hätte gerne die Akademie der Schönen Künste besucht, aber mein Vater hat es mir nicht erlaubt, weil er meinte, es wäre besser gewesen, ein Universitätsstudium zu absolvieren. Wir fanden einen Kompromiss, indem wir an der Universität La Sapienza" in Rom Architektur studierten. Ich liebte alle Fächer, die mit Zeichnen zu tun hatten, und war besonders schlecht in wissenschaftlichen Fächern. Ich liebte die kreative Phase des Entwurfs, aber schon damals schreckte mich die Beziehung, die ein Architekt mit öffentlichen Auftraggebern unterhalten muss, um seine Projekte zu realisieren. Während meines Studiums begann ich sofort, als Assistentin der Fotografin Giovanna Piemonti in der Architekturfotografie zu arbeiten und in Zeitschriften zu veröffentlichen, um mein Studium und meine Miete zu bezahlen.

Gab es wichtige Begegnungen während Ihrer Ausbildung?

Viele Menschen waren im Laufe der Jahre von Bedeutung; zwei Begegnungen waren besonders wichtig: die mit Giulio di Gropello und die mit Marilena Bonomo haben mir neue Erfahrungen und Lebenswege eröffnet. Giulio di Gropello, ein großer Visionär, der zwischen Ende der 1990er Jahre und 2000 einer der aktivsten Sammler in Italien und im Ausland war, lernte ich kennen, um seine Privatsammlung zu fotografieren. Bei diesen Gelegenheiten erzählte mir Giulio mit unendlicher Leidenschaft und Sachkenntnis über das Leben der Künstler und die Werke in seiner Sammlung und beschrieb ihren Kontext bis ins kleinste Detail. Sein Enthusiasmus hat mich so überwältigt, dass ich meine persönlichen künstlerischen Recherchen parallel zu meinem Studium und meiner Arbeit als Fotograf fortsetzen wollte. Im Jahr 2000 markierte die Begegnung mit Marilena Bonomo - meiner ersten Galeristin - den Beginn einer echten Übergangszeit. Als ich sie das erste Mal sah, zeigte ich ihr zwei Serien, Oltre und Corpi Sottili. Oltre besteht aus Fotografien italienischer Architektur, die in Beziehung zueinander stehen - das Alte mit dem Modernen und dem Zeitgenössischen -, um eine transversale Vision von Bild und Zeit zu schaffen und so, auch durch die Wahl des Titels, den Beginn einer neuen Forschung vorwegzunehmen. Bei der Serie Corpi Sottili (Dünne Körper) hingegen erlaubte mir die in Wasser gelöste und fotografierte Tusche, eine Reflexion über das Vergängliche und Unsichtbare anzustoßen, die mich zum Gegenteil und in starkem Kontrast zu dem führte, was ich bis dahin fotografiert hatte. Ich glaube, der Übergang von der statischen Natur der Architektur zur flüchtigen Bewegung der Tintenspuren im Wasser war es, der sie am meisten beeindruckte. 2004 kuratierte Marilena meine erste Einzelausstellung im Castello Svevo in Bari mit der Serie Oltre (Jenseits) und zeigte der Öffentlichkeit die tiefe Überzeugung, die mich zur experimentellen Forschung trieb. Ich erinnere mich an viele Gespräche über meine Entschlossenheit, mich zu verändern, mich aus der Komfortzone zu entfernen und das Risiko einzugehen, dies zu tun. Ich nutzte diese Gelegenheit und präsentierte 2006 die Serie Corpi sottili (Dünne Körper ) in seiner Galerie in Bari. Es war ein Erfolg.

Beatrice Pediconi,

Beatrice Pediconi

Beatrice Pediconi,aus der Serie Corpi

Beatrice Pediconi, Scomposizioneaus der Serie Corpi

Welche Rolle spielt der Zufall, wenn überhaupt, in Ihrem Schaffen?

Wie im Leben ist der Zufall auch in der künstlerischen Praxis ein Element, mit dem man rechnen muss: Er kann entscheidend sein und einen Weg vorwärts weisen. Wasser, das Medium, das ich immer in meiner Arbeit verwende und das die Grundlage meines kreativen Prozesses ist, ist das Medium, durch das ich zum endgültigen Werk gelange, indem ich einen Zufallsanteil akzeptiere, der unmöglich vollständig zu kontrollieren ist. Die in Wasser aufgelösten Farbpigmente sowie die fotografischen Emulsionen, die in Kontakt mit Wasser bearbeitet werden - durch eine besondere Technik, die ich in den letzten Jahren eingeführt habe - implizieren einen Aspekt der Unvorhersehbarkeit, den ich mit meiner Aufmerksamkeit für die mobile und flüchtige Natur sowohl der Existenz als auch des Bildes verbinde. Dank des Zufalls zeigt sich das Zeichen als eine Epiphanie: Dieser Aspekt ist vielleicht das, was mich am meisten überrascht, wenn ich in den Prozess eintauche.

Wenn Sie Ihren Arbeitsprozess beschreiben müssten, welche Worte würden Sie verwenden?

Meine Forschung untersucht die mobile, instabile, zerbrechliche und vergängliche Natur der Existenz durch die Darstellung fluktuierender Bilder, die durch einen Prozess der Umwandlung von Materie erzeugt werden, der unmöglich vollständig kontrolliert werden kann. Das endgültige Werk ist das Ergebnis einer Reihe von Aktionen, bei denen verschiedene Techniken (Malerei, Zeichnung, Video und Fotografie) nacheinander und auf unkonventionelle Weise eingesetzt werden. Eine Recherche, die immer in der Schwebe bleibt und sich weigert, in eine bestimmte Kategorie zu passen. Wasser ist das Medium , in dem sich dieser Prozess manifestiert.

Wie wählen Sie die Materialien aus, mit denen Sie arbeiten?

Die Wahl der Materialien hängt stark davon ab, was ich darstellen will und welche Idee ich vermitteln möchte. Gleichzeitig wird die Wahl von der konkreten Möglichkeit diktiert, die Materialien selbst zu finden; daher bin ich manchmal auch an der Wiederverwendung und Wiederverwertung interessiert. Glas zum Beispiel ist ein Material, das mich fasziniert und mit dem ich gerne experimentieren würde, aber da ich in Amerika lebe, habe ich das Gefühl, dass ich es aufschieben muss: Die Zusammenarbeit mit einer Glasfabrik in New York würde mir absurd erscheinen, wenn ich an die Fachleute und Kunsthandwerker in Europa denke, die die Geschichte und Tradition eines so faszinierenden Alltagsmaterials gepflegt haben. Glas reizt mich wegen seiner inhärenten Zerbrechlichkeit und wegen der Kraft des Feuers, die in seinem Herstellungsprozess steckt. Die Arbeit mit Glas, und damit auch mit Feuer, ist ein bisschen wie die Arbeit mit Wasser - ein sich verändernder, bewegender Prozess.

Das Wasser ist vielleicht das wichtigste Element in Ihrem Werk, auch wenn es dasjenige ist, das verschwindet und dabei sehr deutliche Spuren seiner Anwesenheit hinterlässt - was fasziniert Sie an diesem Element?

Der anfängliche Drang, mit diesem Element zu arbeiten, kam als Reaktion auf ein persönliches Trauma, zu einer Zeit, als ich Wasser - durch den kreativen Prozess - zu einem heilenden Element machte. Wasser ist der Ursprung des Lebens auf unserem Planeten und hat für mich eine starke symbolische Konnotation, die in meiner Forschung durch die Reflexion über den menschlichen Zustand und seine Vergänglichkeit geht. Ich bin fasziniert davon, dass es ein bewegliches Element ist, das uns in die Lage versetzt, uns schwebende und leichte Formen vorzustellen, die in meinen Werken durch einen Prozess zum Leben erweckt werden, der vom Wasser ausgeht, um ein neues Universum mit variablen Zeichen zu schaffen.

Interessieren Sie sich für die Idee der Leichtigkeit in Ihrem Werk?

Leichtigkeit bedeutet per Definition Beweglichkeit, Leichtigkeit, Geschwindigkeit der Bewegung. Eine Feder ist leicht, genauso wie Licht ein Gas ist, genauso wie ein dünner Stoff. Diese Eigenschaften können durch das Zeichen gesucht und nachgebildet werden, was dem Werk eine innere Eigenschaft des Fließens, der anmutigen Bewegung verleiht. Wenn es meinen Werken gelingt, dem Betrachter ein Gefühl der Leichtigkeit zu vermitteln, wäre das für mich schon ein großer Erfolg. Mein Ziel ist es, eine Botschaft der Hoffnung und Offenheit zu vermitteln, die dem Zustand der Spaltung, des Verlustes und der tiefen Krise, der unsere Gegenwart bestimmt, entgegenwirkt; vielleicht liegt gerade in diesen Reizen mein Interesse an einer gewissen Idee von Leichtigkeit.

Beatrice Pediconi,

Beatrice Pediconi

Beatrice Pediconi,

Interessieren Sie sich für die bildliche Dimension?

Ich bin von allen Techniken fasziniert, aber besonders von ihrer Kontamination. Die Malerei, wenn auch auf unkonventionelle und nicht ausschließliche Weise, ist in meiner Arbeit immer ein Ausdruck gewesen, der als Mittel zur Erreichung eines Zustands der Transformation dient. Ich habe sie zum Beispiel als Ausgangspunkt für meine Videoarbeiten benutzt, um zu versuchen, andere Welten darzustellen: In diesem Fall erschien die Malerei in einer dynamischen Form, Tempera und Öl, in Wasser aufgelöst, wurden herangezogen, um Explosionen von Farbe und Materie zu erzeugen, die später in Form eines bewegten Bildes durch Video umgesetzt wurden. Diese etwas untypische Verwendung des Mediums Malerei hat meine Forschung mehr als einmal geleitet und mir vielfältige Möglichkeiten der Bedeutung eröffnet. Im Jahr 2010 habe ich mit der Serie RED Lebensmittel verflüssigt und bildlich dargestellt, indem ich sie zum Malen auf Wasser verwendet habe. Die Formen und Bewegungen, die durch diese organischen Elemente entstanden sind, dienten auf einer tieferen Ebene dazu, eine Störung, die Essstörung, durch eine kreative und heilende Handlung zu vertreiben. In meiner jüngsten Arbeit, der Serie Parliamo di Fiori (Lasst uns über Blumen sprechen ), verwende ich Malerei auf Leinwand, wobei ich natürliche Pigmente verwende, um einen homogenen Farbhintergrund zu schaffen, auf den ich Teile der fotografischen Emulsion auftrage, die ich aus zuvor angefertigten Polaroids gewonnen, ausgeschnitten und in Wasser bearbeitet habe. Die Malerei erscheint in diesen Arbeiten in ihrem reinen Zustand - das Pigment des Hintergrunds - und vermittelt in der Begegnung mit der Fotografie - der Emulsion, die ich als Malmaterial verwende. Aus dieser Gestik und atypischen Verbindung entstehen organische und florale Formen, die sogar ein subtiles, kaum wahrnehmbares Flachrelief auf der Hintergrundfläche der Leinwand entstehen lassen.

Die Idee des unaussprechlichen Werdens scheint mir in Ihrem Werk von zentraler Bedeutung zu sein. Können Sie etwas über die Idee der Zeit sagen, die Sie in Ihrem Werk zu thematisieren versuchen?

Mich interessiert vor allem, wie wir diese Zeitspanne nutzen, die für jeden von uns unweigerlich eine endliche Zeit ist, die durch die Existenz gegeben ist und deren Wert in dem liegt, was wir tun, während alles vorbeifließt. Deshalb ist die Idee der Zeit in meiner Arbeit eng mit dem Wert verbunden, den das Werden durch seine Fähigkeit besitzt, ein transformatives, mobiles Element einzuführen. Und es ist diese Dimension, die ich mit meiner Forschung untersuche. In Diary of a Suspended Time zum Beispiel habe ich dem Werk eine spezifisch zeitliche Dimension gegeben, indem ich 43 Aufzugsemulsionen, die während der ersten Abriegelung gemacht wurden, im Raum abgetastet habe, eine für jeden Tag des erzwungenen Aufenthalts in Italien aufgrund der Pandemie. In diesem Fall habe ich versucht, die Zeit durch Anmerkungen wie bei einer Reihe von Tagebuchseiten sichtbar zu machen.

Foto: Dario

In Ihrer Laufbahn haben Sie mit verschiedenen Medien experimentiert, darunter auch Video: Interessieren Sie sich immer noch für die Idee des bewegten Bildes oder bevorzugen Sie heute Standbilder?

Video ist in der Tat ein Medium, das ich sehr oft benutzt habe. Was mich an dieser Sprache am meisten fasziniert, ist die Möglichkeit, einen Prozess durch die Idee der Bewegung darzustellen. Ich habe fünf Videoarbeiten gemacht und Gaea von 2015 ist die letzte, die ich produziert und in New York ausgestellt habe. Wie ich bereits sagte, ist es die Kontamination verschiedener Techniken und Medien, die meine Forschung vorantreibt, die es mir ermöglicht, jedes Mal weiter zu gehen und zu experimentieren und mich mit verschiedenen Ausdrucksmitteln zu konfrontieren. Arbeiten auf Papier und Leinwand sowie Fotografien sind von Natur aus unbeweglich, wie Sie sagen; in meinem Fall dokumentieren sie jedoch ebenso wie das Video einen sich bewegenden Prozess, ein ständiges Werden und eine Transformation. Alle meine Arbeiten entspringen einem Prozess der Umwandlung von Materie, und dieser Aspekt beinhaltet eine inhärente und allgegenwärtige Idee der Veränderung, egal ob es sich um unbewegte oder bewegte Bilder handelt. Ich schließe jedoch nicht aus, dass ich das Video als Ausdrucksmedium wieder aufgreife; ich habe die Idee, an einer großen Mehrkanal-Installation zu arbeiten, um eine immersive Umgebung zu schaffen, wie ich es für die Ausstellung 9’/Unlimited in der Collezione Maramotti im Jahr 2013 getan habe.

Was passiert mit Kunstwerken, wenn niemand da ist, um sie zu betrachten, kann die Existenz eines Kunstwerks unabhängig von der Anwesenheit eines Betrachters sein?

Ich möchte mit einem der Zitate antworten, die mein Denken am meisten beeinflusst haben und die ich in Presenze, dem Katalog des Ausstellungsprojekts für den Saal der Gipsoteca der Galleria Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea in Rom (Mai - Juni 2023), zitiert habe: "Die Frage nach dem Kunstwerk, nach seinem Leben. Beethovens letzte Quartette sind auch dann noch schön, wenn sie niemand spielt, und die Matthäus-Passion wäre auch dann noch ein erhabenes Meisterwerk, wenn sie nicht von Mendelssohn exhumiert und durch alle Jahrhunderte hindurch vernachlässigt worden wäre. Das Gleiche gilt für die vergrabene und unbekannte Venus von Milo und sogar für die unbekannten und möglicherweise zerstörten Werke von Apelles. Denn Kunstwerke sind ’Geister’“ (Fausto Melotti). Im Zentrum der Gipsoteca der Nationalgalerie steht in der von Cristiana Collu in Auftrag gegebenen Neugestaltung ein großer Tisch mit verschiedenen Gips- und Terrakottabüsten, die einst italienische Plätze und Paläste schmücken sollten und nun Teil der ständigen Sammlungen des Museums sind. Die Büsten sind so aufgestellt, dass ihr Blick in verschiedene Richtungen auf die umgebenden Wände gerichtet ist. Als ich eingeladen wurde, ein Projekt für diesen Ort zu realisieren, beschloss ich, einen Dialog zwischen meinen Werken und diesen stummen ”Präsenzen" herzustellen. Ich habe eine Reihe von großformatigen Arbeiten auf Aquarellpapier gezeigt, bei denen die durch die Verwendung einer fotografischen Emulsion entstandenen Spuren, die von einigen meiner früheren Arbeiten stammen, fadenförmige und fluktuierende Spuren auf der Oberfläche hinterlassen, die von einer persönlichen Erfahrung und einem kollektiven Gedächtnis zeugen, das von Zuständen der Isolation, der Trennung und des Verlustes geprägt ist. Ich habe mir oft vorgestellt, dass sich bei Sonnenuntergang, wenn das Museum seine Pforten für das Publikum schließt, dieselben Skizzen zu bewegen und zu tanzen beginnen und sich untereinander und mit meinen Werken unterhalten, die beide Geschichten und Erinnerungen zu erzählen haben. Damit werden Sie noch besser verstehen, wie sehr ich das Zitat von Fausto Melotti anerkenne, mit dem ich Ihre Antwort begonnen habe: Kunstwerke sind Geister und brauchen nicht unbedingt den Betrachter, um zu leben und sie zu aktivieren.

Wo steht Ihrer Meinung nach der Künstler im Verhältnis zu seinem Werk?

Ich habe immer gedacht, dass die Werke die Kinder der Künstler sind. Ist das nicht so!

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