Michele Chiossis Zickzack-Europa: "ein Werk, das zu neuen Formen der Vereinigung einlädt".

Die persönliche Ausstellung Prolegomeni, die aus dem Treffen zwischen dem Künstler Michele Chiossi (Lucca, 1970), dem neapolitanischen Galeristen Andrea Nuovo und der Kunsthistorikerin Fernanda García Marins, einer adoptierten Neapolitanerin, im Jahr 2022 hervorging, zeigt in der Galerie des neapolitanischen Wohnhauses 17 Werke, die eine eindrucksvolle visuelle Reise darstellen. Der Besucher wird durch den Ausstellungsraum geführt, vom Erdgeschoss über die Treppe in den ersten Stock, bis er an der Schwelle des schwebenden Gartens ankommt, der eine überraschende Landschaftsöffnung darstellt. Der vielseitige Künstler Chiossi beschäftigt sich seit Jahren mit Materie und Raum, wobei er traditionelle Techniken - Marmor, Aluminium, Bronze - mit zeitgenössischen Materialien wie Harzen, PVC und Silikon kombiniert, bis hin zu Experimenten mit Licht, von Neon bis LED. Wir haben ihn anlässlich der Eröffnung getroffen.

FM: Prolegomeni. Warum dieser Titel?

MC: Ich wollte eine Einführung, eine Eröffnung zu einem breiteren Diskurs heraufbeschwören. Ein Präludium, das den Beginn einer künstlerischen Forschung markiert, die noch im Entstehen begriffen ist. Die Ausstellung versammelt Werke aus dem Jahr 1999 bis hin zu neueren Arbeiten, die speziell für diesen Anlass entstanden sind und die Entwicklung meines künstlerischen Weges nachzeichnen.

Das Zickzack-Motiv ist ein wiederkehrendes stilistisches Merkmal in Ihrem Werk. Woher stammt es?

In den 1990er Jahren war ich oft bei Alighiero Boetti, der das Raster von kariertem Papier als Grundlage für seine Wandteppiche verwendete. Diese Strenge hat mich stark beeinflusst. Ich habe das Zickzackmuster in meinen Zeichnungen, Metall- und Marmorskulpturen und Marmorgemälden übernommen.

Wie haben Sie es heute neu interpretiert?

Durch die Bildhauerei und das Experimentieren mit Materialien. In Europa zum Beispiel wird das Zickzack-Motiv zu einem kalligrafischen Wirbel: eine hängende Stahlskulptur, die an alte Verträge und Unterschriften erinnert. Verträge und Vereinbarungen wurden nämlich mit Unterschriften besiegelt, die mit kalligrafischen Schnörkeln abgeschlossen wurden. Es ist eine Botschaft für das heutige Europa, eine Einladung zu neuen Formen der Einheit in einem von Konflikten und Instabilität geprägten Umfeld.

Welche anderen Werke werden zum ersten Mal gezeigt?

Ich habe an neuen Serien gearbeitet, darunter Vorhangbilder, eine Begegnung zwischen Malerei und Skulptur. Ich verwende verschiedene Materialien: Messingguss, Holz, Marmor, Terrakotta, Stahl, Silber und Leuchten.

Gibt es einen konzeptionellen Faden, der diese neue Produktion verbindet?

Mehr als einen: von Vergils Dichtung zu Bachelards Réverie, über Calvino, den Vesuv, flämische Stillleben und den Atem des Meeres.

Wie kam es zu Ihrem Interesse an der Kunst?

Seit meiner Kindheit habe ich einen starken Hang zum Schaffen. Meine erste ’Werkstatt’ war die Küche: Pudding, Pizza, Experimentieren mit Materialien. Dann habe ich diesen Instinkt auf die Bildhauerei gelenkt.

Was ist Ihre erste kreative Erinnerung?

Als ich sieben Jahre alt war, verbrachte ich einen ganzen Sommer damit, mit Tupperware-Formen und einer Eismaschine Süßigkeiten herzustellen. Schon damals hatte ich eine Idee von Abgüssen und Reproduktionen. Später habe ich mit Theory of Colors die Pieta von Michelangelo mit Schichten von Eiscreme nachgebildet und dabei Goethes Farbtheorie erforscht.

Sie haben bereits Ihre prägende Zeit erwähnt. An was erinnern Sie sich aus dieser Zeit?

Meine eigentliche Prägungszeit begann im Alter von 21-22 Jahren mit meiner ersten Reise nach New York. Ich stamme aus der Provinz: Lucca bis zur High School, dann Florenz mit der Accademia. Mailand hatte in den 1990er Jahren noch eine begrenzte Kunstszene. Dank Magazinen wie Tema Celeste und Flash Art habe ich meinen Blick erweitert. New York war das Zentrum der Kunst, also beschloss ich, dorthin zu ziehen, zwischen Eröffnungen und Treffen mit Künstlern.

Gibt es eine Ausstellung, die Sie besonders beeindruckt hat?

Die Italienische Metamorphose im Guggenheim, kuratiert von Germano Celant im Jahr 1994. Es war eine interdisziplinäre Ausstellung über italienische Kunst von 1943 bis 1968, mit Pascali, Manzoni, Olivetti- und Fiat-Prototypen und dem neorealistischen Kino. Es gab Installationen, Projektionen und, im Erdgeschoss, Manzonis Il Socle du Monde. Oben: Il Ponte von Pascali.

Hatten Sie die Möglichkeit, den Italianismus aus einer anderen Perspektive zu betrachten?

Ja, vor allem als ich sah, wie Italien in den Vereinigten Staaten wahrgenommen wurde. Das hat mich sehr beeindruckt, ebenso wie das Design und die Mode. Im MoMA gab es eine faszinierende Design-Abteilung. Ich erinnere mich an Ausstellungen von Bruce Nauman, Annette Messager und die Sonntagstees von Louise Bourgeois.

Haben Sie die Ateliers von Künstlern in New York besucht?

Eines der ersten war das von Not Vital, das mich in die New Yorker Kunstszene einführte, und das von Sandro Chia in Chelsea: eine ganze Etage mit Blick auf den Hudson.

Was ist Ihnen an Chia aufgefallen?

Die Art des Empfangs und der Begrüßung, die für seine Generation typisch ist. Es war eine weniger vermarktete Ära, mit einem spontanen, fast naiven Ansatz.

Um auf die heutige Zeit zurückzukommen: Welches Werk von Prolegomeni ist für Sie am emblematischsten?

Masino, eine Skulptur, die aus meinen Überlegungen am Strand von Lecciona in der Nähe von Viareggio entstanden ist. Dort sammle ich Holz, das nach Stürmen aus dem Meer zurückkommt. Einer dieser Stämme, ein massiver Rotkiefernstamm von etwa einem Meter und zehn Metern Höhe, hat mich durch seine glatte und duftende Form beeindruckt.

Wie haben Sie diesen Baumstamm bearbeitet?

Ich habe ihn gewaschen, das Salz und den Sand entfernt und die Äste und Hohlräume mit Meißel und Bohrer entfernt. Um das Holz wieder zum Leben zu erwecken, habe ich natürliches Bienenwachs verwendet und es monatelang von Hand poliert. Das Ergebnis ist ein Holz, das harzig, aber völlig natürlich aussieht.

Und der Sockel?

Er ist aus Marmor, inspiriert von einer klassischen Säule, die mit drei Elementen neu interpretiert wurde. Bei Covid habe ich viel über die griechische und mediterrane Kultur nachgedacht. Die Symbolik der Säule - Stabilität, Stärke, Konkretheit - ist in meiner Arbeit immer wieder aufgegriffen worden. Hier wird sie organisch, mit einem Kapitell, das durch Messingdetails, explodierte Terrakotta und Silberguss bereichert wird.

Da die Ausstellung in Neapel stattfindet, wenn Sie eine Zahl aus der Smorfia wählen müssten?

Die 8, ’a Maronna (die Madonna).

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