Malen ist ein Prozess der Erkenntnis". Gespräch mit Letizia Galli

Letizia Galli (Rom, 1957) ist eine der führenden abstrakten Künstlerinnen Italiens. Nach ihrem Studium der Angewandten Mathematik in Genua und einer Lehrtätigkeit für Statistik an der Universität London gab sie 1984 ihre Universitätslaufbahn auf, um sich der Kunst zu widmen. Ihre Werke sind stark von ihren wissenschaftlichen und mathematischen Studien beeinflusst. Er hat in vielen wichtigen Museen ausgestellt, darunter das Pecci in Prato, das Macro in Rom und die Whitechapel Gallery in London. Heute lebt und arbeitet er in der Nähe von Pisa. In diesem Gespräch mit Gabriele Landi erzählt er uns von seiner Kunst.

GL. Letizia, Ihre Ausbildung erfolgte im wissenschaftlich-mathematischen Bereich. Wie sind Sie zur Kunst gekommen?

LG. Von klein auf war ich von Gemälden und Kunstbüchern umgeben, da mein florentinischer Großvater mit Macchiaioli-Malern und Porträtmalern befreundet war. Sie sagten mir, ich sei sehr gut in der Kunst, ich zeichnete sehr gerne, im Alter von zehn Jahren kopierte ich Modigliani und Lautrec, ich wollte Künstler werden. Aber für meinen Vater war das undenkbar, also wurde ich zu einem wissenschaftlichen Studium ausgebildet, das es mir ermöglicht hätte, einen festen, gut bezahlten Job zu bekommen. Dann, mit 28 Jahren, war ich in London, ich hatte mein Mathematikstipendium beendet, ich war in einem Moment der Unzufriedenheit und Ungewissheit, und ich warf alles über Bord, schrieb mich an einer Kunstschule ein und beschloss, das zu tun, was ich wirklich mit meinem Leben anfangen wollte.

Wie immer macht man zwangsläufig da weiter, wo man aufgehört hat. Was ist aus der mathematisch-wissenschaftlichen Welt in Ihre Arbeit als Künstlerin eingeflossen?

Meine mathematische Ausbildung war die ursprüngliche Quelle meiner Forschungen, die etwa Mitte der 1980er Jahre begannen. Ich brachte Dinge mit, die zu immer wiederkehrenden Themen wurden: fraktale Geometrie, die Zahl 2, Algorithmen und rekursive Prozesse und insbesondere der Binärbaum. Ich glaube, mein wissenschaftlicher Hintergrund hat auch meine Herangehensweise an die Malerei" beeinflusst: Malerei ist für mich ein Erkenntnisprozess. Ich führe (manchmal erfolglose) Experimente durch, befolge Verfahren, beobachte und versuche, das chemische und physikalische Verhalten bestimmter Materialien und die Schwerkraft zu verstehen, um ihre Wirkung zu nutzen. Es besteht ein Gleichgewicht zwischen der Kontrolle, die ich anzuwenden versuche, und dem, was dann auf der Leinwand entsteht (man könnte meinen, das sei dem Zufall zu verdanken, aber ich glaube nicht, dass es in der Natur einen Zufall gibt). Abgesehen von der Serie Piscine (2002), die mit Airbrush gemalt wurde, sind alle meine Bilder mit experimentellen Techniken gemalt, die ich selbst erfunden habe. Was Experimente angeht, die nicht funktionieren: Ich habe viel Abfall, und es ist frustrierend, weil so viel Arbeit und auch so viel Geld in Rauch aufgeht, wenn ich eine Leinwand wegwerfe, die mir nicht gefällt. Aber für mich ist die Malerei ein Lernprozess, und die Experimente, die nicht funktionieren, dienen immer noch dazu, mir klar zu machen, was ich nicht tun sollte, und meine Erfahrung zu erweitern. In gewisser Weise ist es eine Metapher für das Leben: Vor langer Zeit fiel mir ein Satz ein, den ein Therapeut zu mir sagte: “Entweder man gewinnt oder man lernt”, und aus seinen Fehlern zu lernen ist sehr wichtig, es lässt uns wachsen. Diese sich selbst erzeugenden Mikro-Makro-Formen sind von Natur aus fraktal, denn die fraktale Geometrie ist die Geometrie der Natur. Die fraktale Geometrie fasziniert mich sehr: In den letzten Jahren habe ich viele kleinformatige Arbeiten gemacht, die auf dem Konzept des ikonischen modernistischen Rasters basieren. Die Raster historischer Maler wie Malevic und Mondrian oder die Raster der geometrischen Abstraktionisten der 1950er bis 1970er Jahre wie einige Werke von Josef Albers, Ad Reinhardt (und all denen, die immer noch Klebeband verwenden) sind immer noch euklidische Raster mit klar definierten und scharfen Konturen. Die Gitter anderer abstrakter Maler wie Rothko oder Scully haben keine scharfen Konturen, sind aber immer noch euklidische Quadrate und werden auf traditionelle Weise gemalt. Bei mir hingegen ist das Raster organisch und von Natur aus fraktal, weil ich nicht auf traditionelle Weise male: Das Malmaterial ist zunächst auf einem Raster angeordnet, kann sich dann aber aufgrund der Schwerkraft über die Oberfläche der Leinwand bewegen, wodurch organische Formen entstehen. Es handelt sich also um Raster, in denen es eine Ordnung gibt, aber auch Freiheitsgrade, und das gefällt mir im Allgemeinen. Ich mag kein totales Chaos, aber ich möchte auch nicht zu sehr eingeengt sein, ich möchte eine Ordnung, aber auch meine Freiheit haben.

Letizia Galli,

Letizia Galli,

, Pool 2002(2002; Acryl auf Leinwand

Letizia Galli

Letizia Galli

Letizia Galli

Kann man Ihre Arbeitsweise mit der sogenannten Prozessmalerei vergleichen?

Ich würde sagen, nicht, abgesehen von dem Konzept, zu versuchen, bestimmte Bildmaterialien, die Interaktion zwischen ihnen und mit der Leinwand unter dem Einfluss von Schwerkraft und Zeit genau zu verstehen. Ich weiche jedoch von der Prozessmalerei ab, weil der Prozess nicht besonders offensichtlich ist und nicht das Endziel der Arbeit darstellt. Ich hoffe, dass das Werk neben dem Prozess auch für andere Bedeutungen offen ist, dass es darüber hinausgeht. Da ich in England ausgebildet wurde, ist meine Malerei im englischen Stil der 1980er bis 1990er Jahre angesiedelt; meine Abschlussarbeit war ein Interview mit Giuseppe Panza di Biumo zum Thema abstrakte Malerei. Ich identifiziere mich eher mit Malern, die statt traditionell mit dem Pinsel zu malen, die Malmittel durch die Schwerkraft in Bewegung setzen oder die ihre eigenen speziellen Malwerkzeuge herstellen. Wenn es in meiner Arbeit etwas Gestisches gibt, dann ist es überhaupt nicht expressionistisch, es ist keine Aktion wie bei Pollock, es ist ein tropfengesteuerter Gestus wie bei einem chemischen Experiment, ich habe einen prozessualen Ansatz für meine Arbeit. Um einige zu nennen, denke ich an Maler wie Nicky May, Callum Innes, Ian Davenport, Ross Bleckner, Jason Martin, Bernard Frize und später Alexis Harding, und davor an abstrakte Expressionisten wie Helen Frankenthaler und Morris Louis. Obwohl sie auf traditionelle Weise gemalt wurden, mochte ich die frühen Arbeiten von Larry Poons, einem amerikanischen Maler der 1960er und 70er Jahre, so sehr, dass er, als alle anderen Linien malten, “Punkte” malte, kleine Rondelle. Er hat sie mit einem Pinsel gemalt, so dass sie statisch sind, ich male sie, indem ich Material gieße, so dass sie dynamisch sind.

Wie wichtig ist die Farbe bei all dem?

Die Art und Weise, wie ich arbeite, ist eher zerebral, kognitiv, während bei der Wahl der Farbe meine emotionale und spirituelle Seite zum Vorschein kommt. Ich verwende Farben sehr intuitiv und entsprechend der Stimmung, dem Gemütszustand des jeweiligen Augenblicks oder Zeitraums. Abgesehen von ein paar Ausflügen in Pink sind die beiden Farben, die ich seit Jahrzehnten verwende, im Allgemeinen Schwarz und Hellblau. Ich denke, Schwarz spiegelt die eher introspektive und leidende Seite meiner Persönlichkeit wider, während Hellblau die positivere und nach Gelassenheit strebende Seite ist. Ich fühle mich sehr von schwarzen Hintergründen angezogen, aus denen Lichter und Formen hervortreten, ich mag nächtliche Landschaften mit städtischen Lichtern. Ich erinnere mich, dass ich 1999 in der Galerie Marabini eine Einzelausstellung mit ausschließlich schwarzen Bildern hatte. Bei der Serie grüner Gemälde (2014) habe ich mich von den grünlichen Farben der frühen Computer inspirieren lassen. Ich habe auch viel Blau verwendet, weil diese Farbe einen therapeutischen Wert hat, der mit klarem Himmel und klarem Wasser assoziiert wird (z. B. die Serie Therapeutic Blue von 1996 und die Swimmingpools von (2002). Jetzt bin ich wieder dazu übergegangen, hellblaue Bilder zu malen, weil ich im Moment Leichtigkeit brauche, aber gleichzeitig stelle ich fest, dass ich immer wieder zu Schwarz zurückkehre. Ich höre ständig schlechte Nachrichten über Kriege, Klimakatastrophen, Frauenmorde und Todesfälle bei der Arbeit. Ich sehe viele Menschen, die mir nahe stehen, die finanzielle Schwierigkeiten haben, die krank sind oder vermisst werden. Die internationalen (Nicht-Mainstream-)Kanäle, die ich verfolge, malen belastende Szenarien einer dystopischen Zukunft (nicht so sehr Zukunft), in der es immer mehr Kontrollen und Einschränkungen unserer Freiheiten geben wird, noch mehr Armut für 99 % der Bevölkerung, immer giftigere Lebensmittel und Technologien, die, wenn sie nicht rechtzeitig reguliert werden, uns nur schaden werden. Mir ist klar, dass ich mich beim Malen vorübergehend auf einen ganz bestimmten Kanal einstellen kann, der meine Angst vor dem Leben in einer Welt, in der es so viel Böses, Intoleranz, Gier, Wahnsinn, Korruption und Ungerechtigkeit gibt, verringert. Das Gleiche passiert mit mir, wenn ich ein Kunstwerk sehe, das mir gefällt. Es ist ein Kanal, in dem ich Originalität, Intelligenz, Ehrfurcht, Staunen, Geheimnis, Emotion und Frieden finde. Ich strebe nach Schönheit und schätze sie: nicht die Schönheit der Dekoration, sondern die der Originalität, der Intelligenz, der Empathie, der Ethik.

, Grid 22(2022;

, Grid

Können Sie mir etwas über Ihre binären Skulpturen erzählen?

Als ich in den 1990er Jahren in London studierte, war ich Finalistin in einem Wettbewerb für eine großformatige Skulptur für ein großes Telekommunikationsunternehmen. Ich hatte auch andere Arbeiten gemacht, die vom Konzept des Binärbaums geprägt waren, diesem Graphen, der die Eigenschaft hat, sich zu verzweigen und exponentiell zu wachsen. Vor etwa zehn Jahren veranlasste mich dann ein Sammler, das Konzept des Binärbaums wieder aufzugreifen, und seitdem habe ich viele drei- und zweidimensionale Bäume in verschiedenen Größen und Komplexitätsgraden geschaffen. Die dreidimensionale Skulptur geht von einem Eisenblech aus, das nach einer binären Logik lasergeschnitten wird und dann etwa 5/6 Bearbeitungsvorgänge bei verschiedenen toskanischen Unternehmen durchläuft. Bei anderen, dünneren und biegsameren Materialien wird der Biegeprozess von mir selbst und nicht maschinell durchgeführt. Im Gegensatz zur Malerei, die ich in völliger Isolation ausübe, ist die Produktionskette der Skulpturen eine Teamarbeit, und es ist mir eine große Freude, mit diesen talentierten toskanischen Fachleuten zusammenzuarbeiten, von denen ich viel Interessantes lerne und mit denen ich nach anfänglichem Misstrauen eine Beziehung der gegenseitigen Sympathie und Wertschätzung aufgebaut habe. Der Binärbaum kann als Baum des Lebens und als Symbol der Informatik betrachtet werden. Der binäre Baum hat auch einen ethischen Wert, was für mich der wichtigste Aspekt ist. Er kann nämlich mit der gegenseitigen Abhängigkeit der Phänomene und der Nichtexistenz des Zufalls in der Natur in Verbindung gebracht werden. Obwohl uns die Realität zufällig oder chaotisch erscheint, glaube ich gerne, dass alles miteinander verbunden ist und dass alles, was uns widerfährt, auf Ursachen und Bedingungen zurückgeht. Wenn dies wahr wäre, wie ich glaube, hätten wir eine noch größere moralische Verantwortung, denn jede Entscheidung, die wir treffen, jede Handlung, die wir ausführen, hätte Auswirkungen und Folgen für uns selbst, andere und die Umwelt. Ich bin jetzt sehr daran interessiert, temporäre ortsspezifische Interventionen zu machen, indem ich binäre Verzweigungen herstelle. Die Installation in Bientina wurde während der Pandemie vor dem Schuppen, in dem ich meine Skulpturen verchromen ließ, mit Abstandsbändern durchgeführt. Diese Installation hatte einen politischen Wert, da sie sich gegen die Einschränkungen richtete, die ich und viele andere in diesem besonderen Moment der Geschichte empfanden. In den letzten Jahren, zwischen Pandemien, Abriegelungen, geringer Mobilität und den unerschwinglichen Steigerungen von Material und Verarbeitung, habe ich keine Skulpturen mehr hergestellt, sondern mich der Malerei gewidmet, die schon immer meine große Liebe war.

Letizia Galli, Binärer(2018; vergoldeter Stahl

Letizia Galli

Letizia Galli

Letizia Galli

Letizia Galli, Algorithmus

Letizia Galli, Algorithmus(2023;

gorithmus(2023;

Zurück zur Malerei, was machen Sie gerade?

In der Malerei beschäftige ich mich im Moment mit Gittern mit Spiralen, die mich im Moment sehr ansprechen, weil es Fraktale sind, die die Natur darstellen (weil die Natur fraktal ist) und weil ich sie mit Algorithmen assoziiere. Ich muss jedoch betonen, dass ich zwar von diesen Vorgaben ausgegangen bin, aber im Laufe der Arbeit merke, dass es für mich keine Rolle spielt, von wo ich ausgegangen bin. Jedes neue Werk liefert Informationen für das nachfolgende, und in dieser kreativen Verkettung verliert man jede Bedeutung, jede Darstellung, jeden Bezug, sondern begibt sich an einen geheimnisvollen Ort, in eine Sprache der Netzhaut, bei der es keinen Sinn hat, zu versuchen, sie verbal auszudrücken oder konzeptionell zu rechtfertigen: Es ist Malerei. Das Jahr (2022) war für mich ein schwieriges Jahr: In den beiden Jahren zuvor hatte ich viele kleine Werke von 40 mal 40 cm oder höchstens 50 mal 70 cm geschaffen, die gut waren und mit denen ich zufrieden war. Als ich jedoch versuchte, mich auf größere Formate auszudehnen, funktionierte alles, was ich im kleinen Format gemacht hatte, nicht mehr, weder technisch noch kompositorisch gesehen. Es waren Arbeiten, die aus einer gewissen Entfernung nicht mehr wirken konnten. Es ist verrückt, wie sich die Größe auf meine Art der Recherche auswirkt, wie sich alles im Großen verändert. So verbrachte ich ein Jahr damit, eine Menge Arbeiten zu machen, mit denen ich nicht zufrieden war und die ich verwarf, wobei ich viel Geld, Zeit und Energie investierte und nur ein großes Gefühl der Frustration bekam. Ich lernte, was ich nicht tun sollte, aber auch das ist Teil des Lernprozesses. Dann, mit viel Geduld, begann ich Anfang dieses Jahres, die Früchte der Arbeit der vergangenen Jahre zu sehen. Und so scheint sich für mich ein interessanter Forschungsweg aufgetan zu haben, dem ich folgen kann.

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