Liebe in der Zeit der digitalen Kunst. Interview mit Kamilia Kard

Kamilia Kard ist eine 1981 in Mailand geborene Künstlerin und Dozentin. Ihre künstlerische Forschung beschäftigt sich mit Fragen der menschlichen Wahrnehmung im Kontext von Hyperkonnektivität und digitaler Kommunikation. Nach ihrem Abschluss in politischer Ökonomie an der Bocconi-Universität schlug sie einen künstlerischen Weg ein und erwarb ein Diplom in Malerei und einen Abschluss in Netzkunst an der Akademie der Schönen Künste in Brera. Sie war auch Doktorandin in Digital Humanities an der Universität Genua und unterrichtet derzeit digitale Anwendungen für visuelle Kunst und multimediale Kommunikation an der Akademie Brera. Ihre Untersuchung konzentriert sich auf den Einfluss, den die neuen Formen der Online-Kommunikation auf Körper, Gesten, Emotionen und Gefühle ausüben. Seine Arbeiten durchlaufen verschiedene Ausdruckssprachen, von digitaler Malerei und Videoinstallationen bis hin zu dreidimensionalen Skulpturen, AR-Filtern und interaktiven virtuellen Umgebungen. Zu ihren bekanntesten Werken gehören Woman as a Temple (2017), Compulsive Love ( 2020) und Toxic Garden, letzteres eine fortlaufende partizipative Online-Erfahrung, die über toxisches menschliches Verhalten in digitalen Welten reflektiert. Kamilia Kards Werke wurden international ausgestellt, unter anderem auf der Triennale in Mailand, im Victoria and Albert Museum in London, im Museo del Novecento in Mailand und im Fotomuseum in Winterthur, Schweiz. Zusätzlich zu seiner umfangreichen künstlerischen Produktion veröffentlichte er 2022 das Buch Art and Social Media. Generators of Feelings, in dem er die Beziehung zwischen digitaler Kunst und sozialen Medien untersucht. In diesem Interview spricht er mit uns über seine Kunst. Das Interview stammt von Noemi Capoccia.

NC. Kamilia Kard, Sie sind ein Künstler, der seit Jahren mit digitalen Mitteln arbeitet. Wir sprechen über Arbeiten, die mit 3D-Modellierung, animierten Gifs, interaktiven virtuellen Umgebungen und AR-Filtern zu tun haben (Ihre eigene Website ist ein dynamisches Gemälde). Warum haben Sie sich entschieden, neue Technologien als Medium für Ihre Kunst zu nutzen?

KK. Ich kann mich nicht an einen konkreten Moment erinnern, in dem ich mich entschlossen habe, neue Technologien zu verwenden, sondern es war eher eine Reise, die mich dazu brachte, mit neuen Techniken zu experimentieren und neue Sprachen zu analysieren. Eine Reise, die ich nicht als abgeschlossen betrachte und die mich weiterhin zwischen verschiedenen künstlerischen Techniken hin- und herpendeln lässt, von digitalen und ultra-zeitgenössischen bis hin zu traditionellen Techniken. Wenn ich einen repräsentativen Moment nennen müsste, der meinen Übergang zu den neuen Technologien markiert, würde ich sagen, es war mein Interesse daran, den Betrachter in die künstlerische Praxis einzubeziehen. Dieses Interesse hat mich dazu gebracht, Arbeiten wie Websites, kollaborative Projekte, Augmented-Reality-Filter und virtuelle Umgebungen zu konzipieren. In Netzkunstwerken wie Free Falling Bosch (2014) und My Love is so Religious (2015) scrollt der Betrachter durch einen einfachen Klick durch verschiedene Szenarien und Kompositionen; in Best Wall Cover (2012-2014) trägt er kreativ zu einem Online-Archiv bei; in Loading Instructions (Mansplaining) (2021) spielt er den Charakter eines Videospiels. Ein weiterer Grund, der mich zum Einsatz neuer Technologien geführt hat, sind die soziologischen Auswirkungen, die sie auf den Menschen und damit auch auf die Kunst haben können. Das Studium der Technik ist also die Folge der theoretischen wissenschaftlichen Forschung, die ich betreiben wollte, und umgekehrt: Die Praxis führt mich oft dazu, bestimmte Aspekte theoretisch zu vertiefen. Ein Beispiel aus jüngster Zeit sind meine Überlegungen zur künstlichen Intelligenz in Werken wie A Rose by Any Other Name (2021), wo ich durch die Schaffung eines animierten 3D-Modells - das dann auf einer Website zur Interaktion zur Verfügung gestellt wird - die Schwierigkeit des Lesens derIch stelle mir vor, dass die künstliche Intelligenz nicht in der Lage ist, hybride Formen zu erkennen, wie z. B. Rosen, die sich wie Tiere (kleine Fische) bewegen, deren Material der menschlichen Haut ähnelt und auf denen mädchenhafte Tattoos angebracht sind, von denen einige die Worte “I’m a daisy” tragen. Ein Wirrwarr aus Form, Bewegung, Material und Sprache, das es der KI schwer macht, dieses spezifische Objekt anhand bestimmter Tags, Daten und Vorurteile, die zuvor festgelegt wurden, zuzuordnen. Das Komische daran ist jedoch, dass die KI eine solche Hybridisierung, wenn sie in einem Text-Bild-Programm erforderlich wäre, ohne Probleme durchführen würde.

Ihre Arbeit befasst sich mit der Online-Kommunikation und damit, wie diese Verbindungen Emotionen, Gefühle und Wahrnehmungen beeinflusst haben. Kann Ihrer Meinung nach dieser andersartige und sicherlich innovative Ansatz die Interaktion in Beziehungen, sowohl online als auch offline, neu definieren?

Ja, ohne den Schatten eines Zweifels. Die Nutzung von Online-Kommunikation und sozialen Netzwerken hat die zwischenmenschlichen Beziehungen in Bezug auf Zugänglichkeit und Erreichbarkeit erleichtert, aber gleichzeitig hat die ständige Erreichbarkeit der Menschen eine Reihe neuer Probleme in den Beziehungen mit sich gebracht. Wir können sagen, dass wir den Verstand verlieren, wenn wir zu lange auf ein unbeantwortetes “angesehen” warten, auf einen grünen Punkt, der die Online-Präsenz eines Nutzers signalisiert, auf ein “Gefällt mir” auf dem “falschen” Profil und so weiter. Wir erleben sehr intensiv, was auf unserem Gerät passiert. Man kann sich in eine Person verlieben, indem man ihr schreibt, ohne sie jemals getroffen zu haben, und so Beziehungen aufbauen, die oft nur in der Vorstellung derjenigen existieren, die sie leben: Imaginationship. Andererseits gibt es Anwendungen, die darauf abzielen, Live-Begegnungen in serieller Form zu ermöglichen. Diese Apps bringen nur allzu deutlich das beschleunigte Lebenstempo zum Ausdruck, dem wir unterworfen sind und das dazu führt, dass wir auch in romantischen Beziehungen ständig Anfänge und Verluste haben und zuendlosem Scrollen oder Swipen neigen, auf der Suche nach dem nächsten Match. Ein Pärchenspiel, das einem großen Spielautomaten ähnelt: “Wer weiß, ob der nächste der Richtige sein wird”. Und wenn nicht, umso besser: Der diensthabende “menschliche Fall” wird sofort in ein Meme verwandelt, das in anderen sozialen Netzwerken verbreitet wird. Aber auch die über eine Online-Bewerbung vermittelte Live-Begegnung wird durch das Teilen der Erfahrung in der Online-Sphäre zurückkehren. Eine egoistische Liebe, eine Folge der neuen Formen des Narzissmus, die die Hyperkonnektivität ermöglicht. Es ist kein Zufall, dass eines der häufigsten Schlagwörter im Online-Austausch in den letzten Jahren, wenn es um gescheiterte Beziehungen geht, genau der “pathologische Narzissmus” ist, der auf alle und alles angewandt wird, auch wenn es keine beruflichen oder pathologischen Voraussetzungen dafür gibt. Yves Michaud hatte in Narcisse et ses avatars (2014) den neuen Narziss vorweggenommen und als eine Person beschrieben, die sich nicht mehr damit begnügt, ihr Bild im Spiegel zu bewundern, sondern das Bedürfnis hat, es zu teilen und einen Konsens darüber herzustellen. Ein ziemlich unsicherer Narziss, würde ich sagen. Natürlich gibt es auch Beziehungen mit positivem Ausgang - oder zumindest hoffe ich das -, aber diese erzeugen nicht dasselbe Echo des Teilens und des Konsenses wie die tragischen und unerträglichen, die eher dazu geeignet sind, viral zu gehen, Ansichten und Memes zu erzeugen. In diesem Sinne verwechselt man die Figur des Narziss mit der des Opfers; beide verhalten sich auf dieselbe Weise. Eine meiner allerneuesten Performance-Arbeiten aus dem Zyklus Toxic Garden (2022-2024) - ein Werk, das toxische Beziehungen zum Thema hat - mit dem Titel Narcissus and Love in the Mist handelt von der unmöglichen Beziehung zwischen einem Menschen mit einem starken Ego, der nur auf sich selbst konzentriert ist, und einem introvertierten und schwachen Menschen, der auf die Zuneigung anderer angewiesen ist. Diese Aufführung verbindet den Tanz im Metaverse mit dem Tanz auf der Bühne (im Theater) und schafft so einen choreografischen Dialog zwischen den Avatar-Zuschauern, den Tänzern online und den Tänzern auf der Bühne. Eine Beziehung also, die auf zwei Ebenen stattfindet: online und live. In dieser Arbeit habe ich zwei Blumen, die Narzisse und das Scapigliata-Mädchen, verwendet, um die Subjekte auf der Bühne darzustellen. Die Narzisse wegen der offensichtlichen mythologischen Verhaltensbezüge und die Scapigliata, weil es sich um eine Blume handelt, deren Blumenkrone mit blauen Blütenblättern geschlossen ist, umhüllt von Blättern, die kleinen nadelartigen Netzen ähneln, und die sich nur mit Hilfe eines Insekts öffnet, das kommt, um sie anzutreiben. Diese Wahl der Blume ist eine Metapher für zwei verschiedene menschliche Haltungen, die beide problematisch sind.

Wenn wir an Compulsive Love, Belladonna Be Careful oder Falling Lovedenken , haben diese Werke alle ein gemeinsames Interesse: den weiblichen Körper, Liebe, Gefühle und Emotionen. Woher kommt das Bedürfnis, über diese Themen zu sprechen?

Sehr oft behandle ich das Thema Liebe in einer expliziten und zentralen Form oder als Nebenhandlung. In A Rose by Any Other Name zum Beispiel ist der Titel ein berühmtes Zitat aus der Shakespeare-Tragödie Romeo und Julia, einer der (giftigen) Liebesgeschichten schlechthin. Auch in diesem Werk nehmen die Rosen zärtliche Gesten an, indem sie “Küsse” und Zärtlichkeiten austauschen. Obwohl die Hauptreflexion in dieser Arbeit also etwas anderes war, ist die Liebe eines der wiederkehrenden Themen, die ich fast immer in meine Arbeit einbeziehe; das Gleiche gilt für die Forschung über den weiblichen Körper und die Situation der Frauen. Die Videoinstallation Compulsive Love (2019), die eigens für EP7 Paris geschaffen wurde, verherrlicht die Idee der extremen, unmöglichen und schädlichen Liebe. In dieser Arbeit zitiere ich zunächst Romeo und Julia, die von Baz Luhrmann in dem berühmten Kultfilm Romeo + Juliet (1996) neu bearbeitet und kontextualisiert wurden. Kurz gesagt, erstelle ich eine Komposition von Bildern aus dem Film, die ich mit Glitzereffekten versehe. Diese betonen den Ausdruck der Verzweiflung der beiden Protagonisten und die Instrumentalisierung der Liebe, die als Waffe, Rauschmittel oder kapitalistischer Ausdruck gesehen wird. Es gibt auch einen Instagram-Gesichtsfilter, der die Personen, die ihn benutzen, mit Glitter versieht, der den Weg der Tränen in der Nahaufnahme von Leonardo Di Caprio verfolgt, als er glaubt, dass seine Julia tot ist. Der Filter ist ein massenhaftes Teilen des eigenen Bildes und eines Gemütszustands, der mit dem Scheitern einer glitzernden Liebe zusammenhängt, wie z. B. der Unmöglichkeit einer selbstlosen Liebe zu anderen. Im Gesichtsfilter Falling Love (2021) verwende ich dagegen die Anweisung, einen Kuss zu senden, als grundlegende Geste, um das Videospiel spielen zu können. In diesem AR-Filter wird die Handlung des Küssens - die oft mit der emotionalen Sphäre assoziiert wird - zu einer mechanischen Handlung, um Liebespunkte zu gewinnen. Hier wird die Liebe in einem Punktestand quantifiziert und sentimentale Gesten werden als Auslöser für die Erfahrung verwendet, um zu verstehen, wie unsere Ausdrücke und Emotionen ausgenutzt und archiviert werden, um uns besser zu profilieren und personalisierte Inhalte anzubieten. Eine Art kontinuierliche Spiegelung, die die verschiedenen neuen Formen des Online-Narzissmus nährt und ermutigt. Das Video-Diptychon Belladonna Be Careful (2022) besteht aus zwei 3D-Blumen schöner Frauen, die sich auf zwei verschiedenfarbigen Hintergründen drehen: eine blau, die andere rosa. Zwei Gesichter ein und derselben Liebesperson: ein positives, mit realistischen und natürlichen Farben auf blauem Hintergrund, das andere giftig, mit wechselnden und unnatürlichen Farben, aufgeweicht durch einen rosa Hintergrund. Zwei Aspekte der Liebe in Verbindung mit der zerbrechlichen und gefährlichen Figur der schönen Frau.

Welchen Einfluss hat die heutige Gesellschaft auf die Art und Weise, wie Sie Themen in Ihren Werken darstellen?

Ich habe schon immer gerne das Verhalten der Menschen beobachtet und versucht, ihre Wiederholungen, Exzesse, Unsicherheiten usw. zu definieren. Der massenhafte Online-Austausch unterschiedlichster Inhalte, von Selfies bis hin zu Statements, von Links zu Spielsessions bis hin zu Stimmungen, gibt mir die Möglichkeit, bestimmte Verhaltensweisen in großem Maßstab zu studieren. Ich beobachte im Allgemeinen die Phänomene, die sich im Netz abspielen, und versuche dann zu verstehen, wie diese eine Verflechtung mit der nicht-online, nicht-digitalen Erfahrung schaffen.

Ihr letzter und aktueller Werkzyklus bezieht sich auf die Pflanzenwelt und die giftige Liebe. Wie erklären Sie diese Wahl?

Toxic Garden - das ich bereits kurz erwähnt habe - ist ein Projekt, das Videospiele und darstellende Kunst in einem von mir geschaffenen Metaversum aus giftigen Blumen verbindet. In diesem Zusammenhang habe ich die Metapher der giftigen Pflanzen verwendet, um schädliches menschliches Verhalten gegenüber anderen auszudrücken. Ich stelle die Hypothese auf, dass eine Art angestammter Überrest der Pflanzenkomponente den Menschen beeinflusst, wenn er sich angegriffen fühlt oder grundlos aktiviert wird. Diese Vermischung von Pflanze und Mensch findet ihren Widerhall in den Avataren der Umwelt, die Hybride aus Pflanzen und blockhaft stilisierten menschlichen Darstellungen sind. Diese Form der Hybridisierung entspringt dem Bedürfnis, die Grenzen von Geschlecht und Ethnie zu überwinden und so viel wie möglich zu inkludieren sowie eine Gemeinschaft zu schaffen, die über das Thema der toxischen Online- und Offline-Beziehungen nachdenkt. Die giftigen Pflanzen repräsentieren nicht nur die Spieler-Akteure, die an der Performance teilnehmen (oder den Teil des Spiels betreten, der öffentlich bleibt, auch wenn keine Performance stattfindet), sondern bilden auch den Hauptgarten des Metaversums; jede dieser Pflanzen ist mit Minispielen verbunden, die von der Schädlichkeit der Pflanze inspiriert sind. In diesem Zusammenhang stellt die Reihe von Pflanzen, die in Infrastrukturen umgewandelt wurden, auf denen der Avatar klettern, spielen und tanzen kann, die soziale Architektur, das Behältnis und den Schöpfer einer ganzen Reihe von Gefühlen und Emotionen dar, die in meinem Projekt in Form von Emotes ausgedrückt werden: kleine Animationen des Avatars, die einen Gemütszustand ausdrücken - ein sehr gebräuchliches Instrument in Massively Multiplayer Online (MMO). Für die Erstellung der Toxic Garden-Emotes habe ich mit vier Tänzern zusammengearbeitet, die, nachdem sie über das Thema schädlicher zwischenmenschlicher Beziehungen nachgedacht hatten, mit mir eine Reihe von Schlüsselwörtern identifizierten, die als Auslöser für die Kreation des Tanzschritts und gleichzeitig als textliche Namen für die im Videospiel verfügbaren Emotes dienten. Während des Prozesses der Aufnahme der Tanzschritte mit den Tänzern, die ich mit Hilfe von künstlicher Intelligenz (KI) machte, beobachtete ich, wie KI-Fehler eine interessante Komponente der Bewegung waren. Aus dieser Reflexion und der Verwendung der 3D-Modelle der giftigen Pflanzen, die ich für Toxic Garden modelliert hatte, entwickelte ich das Projekt HERbarium dancing for an AI, eine Performance, die Live-Tanz und Projektion kombiniert und in drei Akte unterteilt ist: Liebestrank, Todestrank und Traumtrank. HERbarium thematisiert die Rolle der Frau, die Hexe, romantische Beziehungen, das Verhalten von Pflanzen und künstliche Intelligenz. Das Konzept von HERbarium - Dancing for an AI beruht auf der Assoziation der Frau als Hexenfigur - ein jahrhundertealtes Bild - und der künstlichen Intelligenz als weibliches Wesen, ein wiederkehrendes Thema in Film, Fiktion und Alltag, wie die Sprachassistenten Siri und Alexa zeigen. In Filmen wie Spike Jonzes Her oder Andrew Niccols Sim0ne wird die KI als weiblich dargestellt, und der Mensch entwickelt eine toxische Abhängigkeit oder erleidet Manipulation durch diese Figuren, die man als “digitale Hexen” bezeichnen könnte. Diese Entitäten scheinen die Macht zu haben, den Menschen die Kontrolle verlieren zu lassen, der ihnen verfallen ist. Historisch gesehen ist die Hexe immer eine böse weibliche Figur gewesen, die nicht nur in der Lage ist, Zaubersprüche zu erschaffen, sondern auch den Menschen durch körperliche Verwandlungen und die Erschaffung von deformierten Wesen, teils menschlich, teils tierisch, zu verfluchen. Giftige Pflanzen, die mit der Hexerei in Verbindung gebracht werden, wurden zur Herstellung von Giften, Liebestränken oder halluzinogenen Substanzen verwendet. Mit HERbarium wollte ich diese Parallele erforschen, indem ich mir KI als moderne “digitale Hexen” vorstellte, die in der Lage sind, emotionale Dynamiken zu verändern und den menschlichen Geist zu manipulieren, indem sie eine neue Form der Macht nutzen, die, genau wie die Gifte von damals, die Fähigkeit hat, Beziehungen zu berauschen und psychologische Abhängigkeiten zu schaffen. In dieser Aufführung ist die Komponente des KI-Fehlers zentral für das Konzept des Werks. Tatsächlich werden diese Fehler bei der Verarbeitung von Bewegungen in eine Gelegenheit umgewandelt, einen Ausdruck des Körpers zu lernen und zu interpretieren, den es in der Natur nicht gibt, eine unnatürliche Bewegung. In diesen Fehlinterpretationen von Gesten manifestiert die KI ihre “Kreativität” in Tanzschritten, sie verwandelt sich in eine Choreografin, die eine Form der Autorenschaft manifestiert. In der Bewegungsfreiheit der KI und in der Vorstellung von der KI als einer Hexe, die in der Lage ist, Hybride zwischen verschiedenen Arten zu schaffen, habe ich meine Vorstellung von Bewegung, die durch künstliche Intelligenz vermittelt wird, als eine Gelegenheit für eine Begegnung zwischen Mensch und Technologie, Technologie und Pflanze, Mensch und Pflanze konstruiert. Ja, denn während die Tänzerinnen und Tänzer die von der künstlichen Intelligenz vorgeschlagene Choreografie lernten - d. h. einschließlich aller Bewegungsfehler - konnten sie nicht anders, als auch den Bewegungen der Pflanzen zu folgen (die sich ihrerseits mit der gleichen Choreografie bewegten, die den Tänzerinnen und Tänzern zugewiesen wurde, wobei sie einige Fehler hinzufügten, die durch ihre Natur als anthropomorphe Pflanzen bedingt waren). Wenn sich also die Pflanzen im Hintergrund mit menschlichen Bewegungen bewegten, die durch KI vermittelt und digital transformiert wurden, tanzten die Tänzer ihrerseits eine Choreografie, die KI und Pflanzenbewegungen umfasste. In meiner Arbeit werden die KI-vermittelte Bewegung und der reproduzierte Fehler zu einem wichtigen verbindenden Faktor zwischen Mensch, Pflanze und Digitalem, der eine ontologische Ungewissheit schafft, die unendliche Möglichkeiten für ein breiteres Wissen, eine Annäherung an das Nicht-Menschliche eröffnet; ein Element, das ein Hybrid schafft, das das Konzept des Projekts und die Idee der KI als Hexe unterstreicht und aufwertet. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass in meiner Performance ein kontinuierlicher Dialog zwischen der Maschine und dem Menschen stattfindet. Der Prozess beginnt damit, dass die Tänzer die Schritte kreieren, die dann von der KI verarbeitet werden. Die KI gibt dann eine neue Choreografie an die Tänzer zurück, wodurch ein Zyklus entsteht, der die menschliche Bewegung mit einer technologischen Vision bereichert. Es geht nicht darum, den Tänzer zu automatisieren oder die Maschine zu vermenschlichen, sondern vielmehr darum, die unsichere Grenze zwischen den beiden zu erforschen, die Dichotomie Mensch-Maschine zu verwischen und einen “vigitalen” (digital-vegetabilen) Tanzkörper zu schaffen, der diese Interaktion verstärkt.

Ihre Kunst ist nicht nur visuell, sondern auch immersiv. Welches Bedürfnis treibt Sie an, mit dem Publikum zu interagieren?

Ich mache den Betrachter gerne zum Protagonisten meiner Werke, im Guten wie im Schlechten. Ich tue dies durch Videospielsimulationen, große Projektionen, Aufforderungen zur Teilnahme an Online-Performances oder, wie ich zu Beginn des Interviews erklärt habe, indem ich sie mit einem einfachen Klick einbeziehe. Die Verweigerung des einzigartigen und zentralen Blickwinkels des Künstlers in einigen Fällen und die direkte Erfahrung eines bestimmten Gefühls sind zwei der Hauptgründe, die mich dazu bringen, das Publikum persönlich einzubeziehen. In Toxic Garden Dance Dance (2022), einer partizipatorischen Performance auf Roblox, tanzt der Avatar-Zuschauer an einem Punkt die gleiche Choreografie wie die anderen Avatare der an der Performance teilnehmenden Zuschauer. In dieser Einheitlichkeit der Bewegung, der Umgebung und der Anpassung des Avatars ist das, was die Erfahrung des Zuschauers wirklich einzigartig macht, der Blickwinkel, der vom Künstler nicht eingeschränkt wird und einseitig ist. Der Zuschauer erlebt das Geschehen subjektiv oder folgt seinem Avatar, er kann umhergehen und sich durch den Raum bewegen. Auch die theatralischen Zwänge einer frontalen Betrachtung des Werks entfallen. Während ich in Loading Instructions (Mansplaining) (2021) versuche, den Betrachter durch die Simulation des Videospiels einen bestimmten Gemütszustand erleben zu lassen, der mit dem Konzept der Arbeit zusammenhängt, nämlich das Gefühl der Niederlage derjenigen, die gegen die Gummiwand einer von Männern dominierten Gesellschaft ankämpfen, in der Frauen selbst dann verlieren, wenn sie gewinnen oder eindeutig überlegen sind.

Wie schafft esIhre Kunst, die Ästhetiken wie Kawaii und kurvige Models kombiniert , mit dem heutigen Publikum zu kommunizieren?

In einer Ära, die von kawaii - oder niedlich - und der Macht, die diese unsichere Ästhetik über die zeitgenössische Gesellschaft ausübt, dominiert wird, sprechen meine Arbeiten oft wichtige Themen an, wie z. B. toxische Beziehungen und Mansplaining, und zwar mit einer Ästhetik, die den Betrachter von der Thematik entlastet und es ihm ermöglicht, in einen Dialog einzutreten und die Arbeit auf eine effektivere und frischere Weise zu verstehen. Das niedliche Verstörende ist für mich wie eine Art rosa Filter, der allmählich in orange übergeht, wenn er auf die Realität angewendet wird. Etwas, das mich anzieht, aber auch ängstigt. Solange ich mich erinnern kann, wurden die letzten Jahrzehnte von der Kawaii-Ästhetik beherrscht, in einer Art niedlichem Monolog. Hello Kitty ist mittlerweile über 40 Jahre alt, ein mundloses Kätzchen mit einer runden Form und wachen Augen, das Erfolgsprodukt von Sanrio, das Generationen auf der ganzen Welt erobert hat. Es gibt einige Formen und Farben des niedlichen Kätzchens, die immer wiederkehren, wie z. B. Pastellfarben - es sei denn, wir sprechen von Gothic Kawaii - und, wie ich bereits erwähnt habe, die sanften Linien der Kurven. Putten und Engel könnten eine frühe Form der Niedlichkeit ante litteram sein: Wie viele von uns, die die Uffizien in Florenz besuchen, waren nicht süß und zärtlich verzaubert, als sie den traurigen, verträumten Blick des Engelsmusikanten (1521) von Rosso Fiorentino sahen, der eine Laute spielt, die größer ist als er selbst? Was ist es, das den Blick und den Geist so sehr fesselt? Es ist die Grenze der Ungewissheit, die den Kontrast zwischen den weichen Formen des Engels, die in diesem Fall mit den lustigen Proportionen der Kindergestalt verbunden sind, und seiner Haltung, seinem traurigen Ausdruck, der ihn so angenehm nostalgisch und niedlich macht, erzeugt. Die heutigen Generationen befinden sich in einem ständigen Zustand der Ungewissheit und Unsicherheit, der sich über mehrere Ebenen erstreckt; die Ausbreitung des Niedlichen in einem so großen Maßstab ist ein großartiger Ausdruck dafür oder vielleicht auch eine Zuflucht. In Werken wie Woman as a Temple (2014-2021), in dem ich die geschwungenen Formen von Frauen preise und ihre universelle mütterliche Schönheit feiere, bediene ich mich einer Tendenz zumNiedlichen. Tatsächlich haben meine Skulpturen sehr häufige Farben in der Kawaii-Ästhetik, ebenso wie wiederkehrende Formen. Auf den ersten Blick wollen die Menschen, die meine Skulpturen sehen, sie berühren, manche wollen sie umarmen. Sie suchen den Kontakt, obwohl es sich eigentlich um Frauenkörper ohne Beine, Arme und Köpfe handelt, etwas, das eigentlich monströs sein müsste. Oder wie im bereits erwähnten Toxic Garden, in dem die niedliche Ästhetik der runden, kubischen Avatare und die farbenfrohe Umgebung einen Triumph des Niedlichen darstellen, hinter dem sich jedoch ein schwieriges und kompliziertes Thema der toxischen Beziehungen verbirgt. Wie Hello Kitty haben auch die Avatare von Toxic Garden nur Augen (in verschiedenen Neonfarben), die als einfache, kleine Ovale mit einem Glühen um sie herum gestaltet sind.

Obwohl Pink die vorherrschende Farbe in ihren Arbeiten ist, sind toxische Liebe, die Überlegenheit der Frau, Erotik und Glitzer Teil ihrer künstlerischen Reise. Was treibt Sie an, so bunte Welten und verträumte Atmosphären darzustellen , hinter denen sich eigentlich viel tiefere Botschaften verbergen?

Wie ich bereits erwähnt habe, entspringt diese Wahl dem Wunsch, eine wichtige, manchmal problematische Botschaft auf einfache Weise zu vermitteln. Ich versuche, das Publikum zum Nachdenken anzuregen, ohne es mit einer erschütternden Ästhetik zu belasten. Loading Instructions (Mansplaining) (2021) ist ein Beispiel dafür. Bei dieser Arbeit handelt es sich um ein Machinima-Video, das innerhalb eines von mir entwickelten Videospiels, Zero EXPerience (2021), gedreht wurde. Das Videospiel besteht aus einer einzigen Nahkampfszene, in der eine mit einem rosa Schwert und Schild ausgerüstete Kriegerin einem völlig unbewaffneten Mann in Unterwäsche gegenübersteht. Trotz der Überlegenheit der Frau in Bezug auf Geschicklichkeit und Ausrüstung wird der Mann in seiner Unterwäsche immer gewinnen. Der Machinima bedient sich der Spielsprache von RPG-Anleitungen: Während man darauf wartet, dass das Spiel geladen wird, erscheinen statische oder minimal animierte Bilder, begleitet von Hinweisen oder Anweisungen, die im Laufe des Spiels nützlich sind und als Untertitel eingeblendet werden. Irgendwo zwischen Ironie und Denunziation reiht Loading Instructions (Mansplaining) typische Phrasen des “Mansplainers” in Form von Hinweisen und Tipps zur Befriedigung seines Spiels aneinander. Einige der im Video enthaltenen Phrasen sind Antworten auf einen Aufruf zum Thema Mansplaining, den ich in Instagram Stories gepostet hatte. Die Arbeit drückt den Zustand der Machtlosigkeit und psychologischen Verletzlichkeit aus, in dem Frauen oft gefangen sind, am Arbeitsplatz und anderswo.

In einer Welt, die Frauen als Objekte der männlichen Begierde sieht, haben Sie den Prozess der Kommodifizierung des weiblichen Körpers umgekehrt. Wie nähern sich Ihre Venusbilder denen der antiken Kunst an und wie verhalten sie sich zueinander?

Die Skulpturenserie Woman as a Temple (2016-2021) zeigt den üppigen weiblichen Körper in seiner ganzen Natürlichkeit und Statuenhaftigkeit. Sie tragen all die Heiligkeit und Fülle in sich, die für paläolithische Venusfiguren typisch sind, werden aber durch das Fehlen von Gliedmaßen und Kopf neu definiert. Sie werden zu anonymen Körpern, die nur durch ihren zentralen Teil ohne somatische Merkmale und ohne Ethnie erkennbar sind. Sie sind das Zentrum der Frauen, unentrinnbar und einzigartig, die Stärke ihres matriarchalischen Wesens und die Quelle ihrer Schwäche. Sie sind eine Verherrlichung der zeitgenössischen Unvollkommenheiten und widersetzen sich dem zeitgenössischen ästhetischen Kanon. Aber es ist auch ein sehr stabiler Körper, der Geborgenheit ausstrahlt, ein Tempel. Ich habe mich für den 3D-Druck entschieden, um diesen Skulpturenzyklus zu erstellen, weil ich es mag, dass man die Schichtung des Drucks sehen kann. Die sich überlappenden Schichten des Filaments erinnern mich an die Schichten der Erdkruste und auch an die Kreise von Baumstämmen, denn bei den beiden letztgenannten Dingen zeigen diese Spuren den Lebenszyklus der Skulptur an. Aus diesem Grund “korrigiere” ich meine Drucke nicht, sondern wähle Filamente, die Volumen und Defekte verstärken. Ich mag es auch, dass der Körper der Frau die Fehler des Druckprozesses beibehält; Spuren, die einerseits die Probleme darstellen, die die Skulptur während ihrer Entstehung hatte, andererseits aber auch an die sichtbaren und unsichtbaren Narben erinnern, die sich im Laufe des Lebens einer Frau ansammeln.

Was ist das eigentliche Ziel Ihrer Kunst?

Ich beobachte gerne, wie bestimmte gesellschaftliche Phänomene das Verhalten der Menschen beeinflussen, und versuche, diese Einflüsse und Teilungen entsprechend meiner eigenen Sichtweise und meinem Stil zu interpretieren. So habe ich zum Beispiel kürzlich an einer neuen Serie von Skulpturen gearbeitet, die mit einem 3D-Drucker hergestellt wurden und den Titel A Love Story as Many Others(2024) tragen. Dieses Projekt erzählt die Geschichte, wie sentimentale Beziehungen, die wir als einzigartig und besonders erleben - im positiven, aber vor allem im negativen Sinne - in Wirklichkeit Klischees sind, die aus der Wiederholung menschlichen Verhaltens resultieren. Diese Vorstellung wird durch das Teilen von Videos, Audios, Screenshots von Messaging-Gesprächen, von sentimentalen Liebesbeziehungen in sozialen Netzwerken überhöht und auf die Spitze getrieben, teils um sich übereinander lustig zu machen, teils um eine Gemeinschaft zu suchen, die dieselbe Erfahrung teilt. Wenn ein Video den richtigen Ton oder die richtige Stimmung hat, wird es oft geteilt - oder neu veröffentlicht -, als ob es die eigene Erfahrung wäre, oder es wird von den Nutzern selbst neu interpretiert, wobei derselbe Ton beibehalten und mit Lippensynchronisation gearbeitet wird, oder die Ähnlichkeit mit einem Text erklärt wird, was der Geschichte einen weiteren kollektiven Ton verleiht, der nach und nach immer mehr vertraute, in unserem Alltag verwurzelte Charaktere annimmt. Ausgehend von diesen Beobachtungen habe ich mich dafür entschieden, verschiedene Frauentorsos zu modellieren, um die chorische Vielzahl von Menschen zu betonen, die “dieselbe klischeehafte Liebesgeschichte” leben, und die Wurzeln, die sie umarmen und gefangen halten, sind die visuelle Übersetzung von Hashtags und wiederkehrenden Wörtern, die sehr oft in diesen Video-Shares zu finden sind, neu interpretiert mit Hilfe von Metaphern: Hashtags wie #lovebombing oder #ghosting, denen die Namen der einzelnen Skulpturen zuzwinkern. Wie bereits erwähnt, steht die Frau immer im Mittelpunkt meiner Untersuchung, und obwohl es auch viele Videos von Männern gibt, die sich mit denselben Themen aus ihrer Sicht befassen, habe ich mich entschieden, mich wie immer auf die weibliche Erfahrung zu konzentrieren.

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