Interview mit Peter Campus: "Ich mache Videokunst, aber ich fühle mich der Tradition der Malerei zugehörig".

Bis zum6. Dezember 2023 ist Peter Campus (New York, 1937), einer der Väter der Videokunst und einer der bedeutendsten Vertreter dieser Ausdrucksform überhaupt, der Protagonist der Einzelausstellung Myoptiks in der Galerie Carlocinque in Mailand (alle Informationen hier). Sein Werk hat einen starken Einfluss auf die Künstler späterer Generationen, die mit Video arbeiten, ausgeübt. Seine Werke sind in mehreren wichtigen Museen zu sehen, vom MoMA in New York bis zum Guggenheim, von der Tate Modern in London bis zum Reina Sofía in Madrid, vom Centre Pompidou bis zum Whitney Museum. In der Ausstellung Myoptiks stellt er einige seiner jüngsten Werke aus, die sich durch eine sehr starke malerische Prägung auszeichnen. Wir haben ihn in Mailand zu einem Interview getroffen, das Federico Giannini führte.

FG. In der Galerie Carlocinque stellen Sie einige Ihrer jüngsten Werke aus. Können Sie uns etwas über sie erzählen?

PC. Ich spreche nicht gerne über meine Arbeit, weil ich denke, dass das Werk selbst seine eigene Erklärung sein muss, und weil ich denke, dass die Menschen so weit gehen können, wie sie können: Wenn sie tief schauen, werden sie tiefe Gedanken haben, wenn sie oberflächlich schauen, werden sie es oberflächlich sehen. Ich weiß, dass es heutzutage in den Museen üblich ist, eine große Menge an Text über das Werk zu haben, bevor man die Ausstellung überhaupt besucht, so dass es eine Tendenz gibt, von einem bestimmten Standpunkt aus zu wissen, bevor man die Werke überhaupt sieht. Das ist auch der Grund, warum ich versuche, nicht viel über meine Arbeit zu sprechen und einfach darauf vertraue, dass die Leute ihre eigenen Schlüsse ziehen werden. Als ich im Metropolitan Museum gearbeitet habe, habe ich die Erfahrung gemacht, dass die Leute zuerst auf die Bildunterschrift zugehen und dann versuchen, herauszufinden, worum es in dem Werk geht. Ich denke, Verwirrung ist eine gute Sache. Und ich denke, dass es gut ist, nicht zu wissen, und dass es gut ist, zu versuchen, herauszufinden, worum es in dem Werk geht.

Aber wir können uns einer Sache ganz sicher sein: In Ihren Werken sehen Sie viel Natur, viel Landschaft. Schließlich war Ihr Verhältnis zur Natur und zur Landschaft in verschiedenen Phasen Ihrer Karriere von grundlegender Bedeutung für Sie. Inwiefern ist die Natur eine Quelle der Inspiration für Sie?

Alles ist für mich wie eine kleine Geschichte. Ich habe lange Zeit mit Menschen gearbeitet, Porträts (und auch Selbstporträts) gemacht und die menschliche Psyche beobachtet... und irgendwann hatte ich das alles satt. Also habe ich angefangen, nach außen zu schauen, statt nach innen. Und das brachte mich in die Natur, ich fühlte mich in der Natur. Ich fühlte mich vollkommen zu Hause. Es fällt mir schwer, es zu erklären, aber ich fühlte mich wirklich glücklich, sobald ich die Landschaft betrat. Am Anfang bin ich oft in den Bergen gewandert, einfach weil ich dort war und es für mich wichtig war, dort zu sein. Und jetzt, wenn ich arbeite, möchte ich immer an einen Ort gehen, an dem ich mich wohlfühle. All diese Bilder sind wie Nahaufnahmen, denn ich muss die ganze Umgebung um mich herum spüren, um mich wohl zu fühlen, deshalb gibt es so viel Natur, deshalb muss ich immer von Natur umgeben sein.

Dies ist ein ganz anderes Werk als das, das den Beginn Ihrer Karriere bildete, die mit berühmten Arbeiten wie Dynamic Field Series(1971), Double Vision (1971) und Three Transitions (1973) begann, in denen Sie Themen wie die Wahrnehmung des Selbstbildes, die Körperidentität, das Reale und das Virtuelle untersuchten und damit viele Themen vorwegnahmen, über die noch heute gesprochen wird. Was denken Sie heute über diese Werke, die nun ein halbes Jahrhundert alt sind, wenn Sie sie fünfzig Jahre später betrachten?

Ich muss in meiner Gegenwart leben. Ich weiß, dass seit den Drei Übergängen fünfzig Jahre vergangen sind, und für mich ist es einfach ein Werk von vor fünfzig Jahren. Ich bin immer noch am Leben und arbeite weiter: Bob Dylan sagt, er sei ein Künstler und blicke nicht zurück. Ich glaube, das gilt auch für mich. Ich muss also hier und jetzt sein und nach vorne schauen. Ich kann nicht zurückblicken. Ich weiß, dass andere Künstler das tun, ich nicht: Ich schaue nicht gerne zurück.

Sie sind allgemein als einer der Pioniere der Videokunst bekannt. In einem Interview, das Sie vor einigen Jahren für das Magazin der National Academy of Design gegeben haben, sagten Sie, dass die Videokunst, obwohl sie schon mehr als fünfzig Jahre alt ist, immer noch “zu neu” sei. Warum, glauben Sie, tut sich die Öffentlichkeit immer noch so schwer, Videokunst zu verstehen?

Eine schwierige Frage! Vielleicht, weil das Betrachten von Videokunst für die Menschen noch zur Gewohnheit werden muss, es muss etwas Gewöhnliches werden. Das Publikum sollte in der Lage sein, zwischen dem, was im Fernsehen, auf dem Handy oder dem iPad zu sehen ist, und dem, was Kunst ist, zu unterscheiden. Auch wenn die Kunst genau die gleichen Mittel verwendet. Und man sollte in der Lage sein, zwischen Video, das als Kunstform verwendet wird, und Video, das nicht als Kunstform verwendet wird, zu unterscheiden. Für mich ist es wichtig, dass die Menschen diese Unterscheidung verstehen. Bei der Fotografie zum Beispiel glaube ich, dass sich die Dinge jetzt viel schneller entwickeln, aber es hat mindestens fünfzig Jahre gedauert, bis das Potenzial des Mediums entdeckt wurde. Und ich denke, das muss auch mit Video geschehen, man muss nur die grundlegenden Werkzeuge verstehen, die Video bietet.

Es ist nicht ungewöhnlich, dass auf Ausstellungen, selbst auf bedeutenden, Videos mit einem fast dokumentarischen oder kinematografischen Ansatz als Videokunstwerke präsentiert werden. In der Tat ist das Panorama heute sehr vielfältig, da die Sprache der bewegten Bilder heute die dominierende ist. Woran kann man Ihrer Meinung nach ein gutes Videokunstwerk erkennen?

Ich glaube, ich bin die falsche Person, um diese Frage zu stellen, denn ich habe eine sehr spezifische Sichtweise, und meine Sichtweise ist, dass ich das, was ich tue, aus der Sicht dessen betrachte, was ich tue, und was ich tue Und was ich tue, ist sehr spezifisch, und ich habe das Gefühl, dass es extrem von der Fotografie und der Stille der Kamera beeinflusst ist. Es ist also schwer zu sagen. Ich habe mit Dokumentarfilmen gearbeitet, also weiß ich, dass meine Arbeit nicht dokumentarisch ist. Ich habe im Filmbereich gearbeitet, also weiß ich, dass meine Arbeit nicht filmisch ist. Es gibt definitiv eine Unterscheidung zwischen den verschiedenen Kunstformen. Man könnte sagen, dass in der Videokunst der Künstler allein arbeitet, aber ich weiß zum Beispiel, dass Bill Viola nicht allein arbeitet. Ich weiß, dass die Wilson-Schwestern nicht allein arbeiten, und ich weiß, dass viele andere Künstler nicht mehr allein arbeiten. Das ist also nicht einmal das Kriterium. Vielleicht ist das Kriterium einfacher: Wenn die Leute sagen, es ist ein Video, dann ist es Kunst, wenn sie sagen, es ist eine Dokumentation, dann ist es eine Dokumentation. Und in manchen Fällen ist es schwierig, den Unterschied zwischen den beiden zu erkennen. In meinem Fall trifft das jedoch nicht zu, denn es gibt keine Verwechslung zwischen dem, was ich in einem Dokumentarfilm, einer Fotografie oder einem Film mache...

Peter Campus,

In einigen Ihrer jüngeren Arbeiten, die zwischen den 1990er und 2000er Jahren entstanden sind, bis hin zu den Werken, die Sie hier in der Myoptiks-Ausstellung zeigen, haben Sie besondere Techniken wie Verpixelung und Mehrschichtigkeit eingesetzt, die viele Kritiker dazu veranlasst haben, Ihre Arbeit mit der eines Malers zu vergleichen (und ich glaube auch, dass dies der Fall ist). Was hat Ihrer Meinung nach ein Videokünstler mit Künstlern gemeinsam, die stattdessen mit traditionellen Techniken wie zum Beispiel der Malerei arbeiten?

Wenn wir von Bildhauerei sprechen, meinen wir nicht nur jemanden wie Michelangelo, der sich hinsetzt und in Stein meißelt. Wir können zum Beispiel nicht sagen, dass die Arbeit von jemandem, der eine Masse geschmolzenen Stahls nimmt und sie auf den Boden stellt und sagt, das sei eine Skulptur, keine Skulptur ist. In letzter Zeit habe ich mich also auch gefragt, ob ich nicht ein Maler bin. Immerhin arbeite ich mit Farbe. Ich arbeite mit Licht. Ich arbeite... Ich meine, ich fühle mich der Tradition der Malerei zugehörig, aber ich weiß sehr wohl, dass ich nicht mit Farbe arbeiten will. Ich bin mit dem Fernsehen aufgewachsen, ich bin mit dem Video aufgewachsen, ich bin damit aufgewachsen, mit diesem Medium zu arbeiten, und ich bin dem Video als Medium sehr verpflichtet, aber ich sehe mich auch in der Tradition der Malerei, wie Sie sagen. Aber ich denke, die Frage ist auch, warum ich kein Maler bin, wenn ich an die Tradition der Malerei glaube. Zunächst einmal mag ich die zeitliche Dimension in meiner Arbeit. Ich mag die Tatsache, dass sie in Bewegung ist. Dass es atmet. In Duchamps Étant donnés zum Beispiel gibt es Elemente, die Bewegung enthalten, es gibt offensichtlich eine Skulptur, die sich bewegt, aber die Bewegung in der Zeit, das heißt die Dimension der Zeit und nicht die Dimension des Raums, scheint mir eher eine Erweiterung der Malerei zu sein. Ich habe also in vielerlei Hinsicht das Gefühl, dass ich einfach einen Fortschritt in der Malerei mache, und ich meine jetzt, nicht vor fünfzig Jahren. Meine Arbeit hatte schon immer eine starke malerische Qualität: Ich habe mit 13 Jahren angefangen zu malen, und ich habe bis zu meinem 23. Auch der Besuch von Museen hat meine Arbeit stark beeinflusst (ich tue das jetzt etwas weniger, weil ich außerhalb von New York lebe, aber es ist immer noch sehr wichtig für mich). Ich interessiere mich wahrscheinlich mehr für die Malerei als für jede andere historische Kunstform. Und ich sehe mich einfach als Fortsetzer der Tradition der Malerei.

Sie haben Duchamp erwähnt, Sie haben gesagt, dass der Besuch von Museen für Ihre Arbeit entscheidend ist, und dass Sie sich für alte Malerei interessieren. Welche Künstler haben Sie denn inspiriert?

Ich würde sagen... fast alle. Vielleicht Corot, vielleicht andere, ich bin mir nicht sicher. Ich habe eine Leidenschaft für die gesamte Malerei. Wenn ich mir Gemälde aus dem Mittelalter oder dem 14. Jahrhundert ansehe, bin ich beeindruckt von dieser Idee der Linie, der Farbe, der Tiefe... Ich denke zum Beispiel an Assisi, an die Basilika des Heiligen Franziskus, an bestimmte Gemälde, die ich in Umbrien gesehen habe... Es ist einfach etwas Außergewöhnliches... die spirituellen Elemente dieser Werke haben für mich immer eine tiefe Bedeutung gehabt. Dann gibt es in Florenz das Kloster San Marco mit den Werken von Fra Angelico, einer riesigen Menge von Fra Angelico, in jeder Zelle der Mönche befindet sich ein Fra Angelico... und als ich es besuchte, dachte ich: ’Oh mein Gott, ist es möglich, sich vorzustellen, mit einem Fra Angelico in seiner Zelle zu leben? Mit deinem Bett und deinem Tisch und deinem Fra Angelico. Ich meine, es gibt so viel zu sehen auf dieser Welt, dass... dass man einfach hinschauen muss. Auf jeden Fall interessiert mich jede Malerei. Vielleicht mehr die antike und spirituelle Malerei als die zeitgenössische, obwohl es da noch Mark Rothko gibt, dessen Werke mir sehr spirituell erscheinen. Kurzum, wir könnten diese Frage noch eine Stunde lang beantworten... noch ein oder zwei Stunden lang!

Heute sind wir in eine Realität eingetaucht, in der sich jeder mit Videos ausdrückt. Wir werden nicht nur jeden Tag durch Fernsehen, Internet und soziale Netzwerke mit bewegten Bildern überflutet, sondern dank der technologischen Entwicklung sind wir selbst zu Produzenten geworden: Die Erstellung eines Videos, die Bearbeitung, das Hinzufügen von Effekten und Musik ist dank der neuen Programme auf Computern und Smartphones sehr einfach geworden, und wir werden noch mehr mit Videos überflutet. Was sind Ihrer Meinung nach die Vorteile und umgekehrt die Risiken dieser Situation?

In der Zwischenzeit ist Kunst Kunst: Als ich anfing, Kunst zu machen, und das Publikum anfing, “Videokunst” zu sagen, habe ich immer geantwortet: “Nein, keine Videokunst... Kunst!”. Aber ich habe verloren, und es wurde ’Videokunst’. Wie auch immer, selbst in der kleinen Stadt, in der ich lebe, zeigt jeder, der malt, seine kleinen Bilder hier und dort, überall, aber was macht das schon? Machen andere Maler El Greco minderwertiger als er selbst? Kein Künstler macht einen anderen Künstler anders als sich selbst. Ich meine, das eine ist Kunst, das andere ist keine Kunst, sondern Unterhaltung. Meiner Meinung nach ist das also weder eine Gefahr noch eine Beeinträchtigung, abgesehen davon, dass man, wenn man sich für Kunst interessiert, schauen kann, was Kunst ist, und wenn man sich nicht für Kunst interessiert, kann man sich alles andere anschauen. Ich kenne die Namen der sozialen Medien nicht, aber ich sehe sie nicht als Gefahr, überhaupt nicht, obwohl ich mich irren könnte, ich erkenne auch die Position derer an, die sagen, dass sie eine Gefahr sind. Wenn es überhaupt eine Gefahr gibt, dann liegt sie für mich eher im Bereich der Bildung, die damit zu tun hat, die Dimension der Kunst zu verstehen, die Absicht der Künstler zu verstehen. Wenn wir uns die Kathedrale von Chartres ansehen, sehen wir all diese Werke, die von unbekannten Menschen geschaffen wurden, aber sie sind trotzdem Kunst. Ich denke, wir müssen die Kunst nach dem Kunstwerk beurteilen und nicht nach dem Namen der Person, die es geschaffen hat. Ich denke dies. Meiner Meinung nach geht es darum, zu verstehen, was Kunst ist, und nicht darum, zu verstehen, was das Medium ist.

Da wir nun in Mailand sind und über Beato Angelico gesprochen haben, möchte ich Sie abschließend fragen, wie Ihre Beziehung zu Italien ist.

Es ist sehr gut. Ich bin hier wahrscheinlich glücklicher als an anderen Orten. Sagen wir, in Italien gibt es einen Sinn für Kunst, der besser ist als anderswo, einen Sinn für Kleidung, einen Sinn für Architektur, einen Sinn für Landschaft... alles besser als anderswo. Heute bin ich an einem Sonnenblumenfeld vorbeigegangen und hatte das Gefühl, dass... dies das Werk Gottes ist. Hier bin ich in der Gegenwart der Kunst. Es ist ein Feld mit Sonnenblumen. Denken wir zum Beispiel an die Architektur: Wenn man in Italien baut, gibt es genaue Hinweise auf den Ort, und das ist meiner Meinung nach ein außergewöhnlicher Gedanke. Sogar in Griechenland ist alles schön und außergewöhnlich, ja, aber das ist nichts für mich (daher hoffe ich, dass dieses Interview nicht in Griechenland erscheint!). Ich fühle mich in der italienischen Kultur und Sensibilität wohl, ich fühle mich hier wirklich wohl. Sogar mehr als dort, wo ich lebe, in einer kleinen Stadt etwa hundert Kilometer von New York entfernt, und wenn ich dort bin, vermisse ich italienische Cafés, ich vermisse die Idee, mich irgendwo hinzusetzen und ein paar Pralinen zu essen... hier in Italien ist das Leben wirklich außergewöhnlich.

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