In seinem Werk steckt das Blut meines Großvaters. Interview mit Joan Punyet Miró

Es wird ein “Punyet” zwischen “Joan-Miró” und ihrem Enkel hergestellt. Joan Punyet Miró ist die Gottheit von Successió Miró und der Wortführer von Joans Poetik. Sobald er nach seinem Großvater gefragt wird, glänzen seine Augen und seine Prosa beginnt, die Poesie seines Vorfahren zu besingen: “ein magischer und ewiger Träumer, ich trage immer eine wunderbare Erinnerung an ihn in mir”. Der Enthusiasmus ist ansteckend und durchtränkt jede Erzählung und jede Erinnerung, unabhängig von der Thematik und der Breite des Themas. Von der Poesie in der Malerei, die zwischen Erde und Himmel schwebt, bis hin zum rohesten und experimentellsten Material, das mit dem Blut fiebriger Hände geformt wurde. Die eines bäuerlichen Künstlers - wie er sich selbst zu nennen pflegte -, der zwischen dem Unbewussten und dem Oneirischen schwebt. Wie die Figuren und Zeichen, die seine Gemälde bevölkern und darin schweben.

Ein kurzer Einblick in das Werk von Joan Miró (1893-1983) durch die Stimme von Joan Punyet, anlässlich der Retrospektive, die Mailand dem katalanischen Künstler widmet. Hundert Werke aus den Stiftungen von Palma de Mallorca und Barcelona, die vom 25. März bis 11. September 2016 im Museo delle Culture zu sehen sind. Im Schatten der blauen Wolkentransparente von Chipperfield, inmitten von sanftem Licht und Jazz-Rhythmen, wird La forza della materia (Die Kraft der Materie) lebendig. Eine “alchemistische” Mischung aus Malerei, Poesie und Bildhauerei, die in Bronze gemeißelte Figuren und Primärfarben zum Leben erweckt, die von der Gewalt des Schwarz an den Wänden zerfurcht werden.

Bild aus der Miró-Ausstellung im Mudec in Mailand

Luca Zuccala. Sanftes Licht, Jazzmusik und die Werke seines Großvaters an den Wänden. Joan Mirós biomorphe Visionen leuchten im Mudec in Mailand. Zufrieden mit der Installation?
Joan Punyet Miró. Sehr zufrieden. Ich mag sie, weil sie nächtlich und rätselhaft ist. Die Farbe der Wände, das Hell-Dunkel und die geheimnisvolle Leuchtkraft lassen die Atmosphäre vibrieren.

Eine schöne Alchemie mit dem Blues für Joan Miró im Hintergrund, den Duke Ellington 1966 kurz nach seiner Begegnung mit ihm improvisierte. Wenn wir also von “Alchemie” sprechen - ein grundlegendes, aber auch zweideutiges Element in Mirós Werk -, können wir dann von einer Osmose zwischen Künstler und Werk, zwischen seinem Geist und dem Gegenstand sprechen?
Sicherlich. Die Alchemie ist auch heute noch ein großes Geheimnis und auch sehr gefährlich. Wenn ein Mensch mit einem Material arbeitet, geht jedes einzelne Atom und Molekül dieses Materials in die Haut des Künstlers über. Es ist die Symbiose des Blutes, der Hand, des Fußes, der Form. Das Material im Blut geht eine geistige Verbindung mit dem Körper des Künstlers ein. Und diese Gemeinschaft schmiedet einen anderen Geist, der eine Symbiose mit dem Material eingeht, das ihn bearbeitet hat. Das ist Alchemie. Der direkte Kontakt mit dem Material, das die Epidermis meines Großvaters durchdrungen und eine magische Substanz hervorgebracht hat. Eine Mischung mit seinem Blut.

Eine tiefe und aufrichtige Mischung. Man spürt sie. Man kann es fühlen.
Das Blut meines Großvaters ist hier in seinem Werk. Eine Transfusion seines Blutes ist hier.

Blut, in dem eine Materie widerhallt, die an jeder Stelle geformt und untersucht wird. Eine Materie, die sich im Werk buchstäblich aufdrängt. Zu einer ersten Phase des freien Impulses, in der Miró sogar von einer “körperlichen Entladung” spricht: “Wenn ich arbeite, bin ich in einem Zustand der Leidenschaft und der Erregung. Wenn ich eine Leinwand beginne, gehorche ich einem körperlichen Impuls, dem Drang, mich zu stürzen; es ist wie eine körperliche Entladung” - folgt eine zweite, kalkulierte: eine geschickte Arbeit am Gleichgewicht von Materie und Form - verbunden mit einem hermetischen und oneirischen Element seiner Poesie -, mit der er ein Zeichen- und Symbolvokabular von transversaler Tragweite entwickelte.
Miró war ein Kantor der Materie auf der ständigen Suche nach einem magischen Gleichgewicht mit der Farbe, der Materie selbst und der Poetik des Surrealismus. Er ging von der Figuration zur Abstraktion über und schockierte und beeindruckte damit viele Menschen. Seine Poesie hat eine universelle Reichweite, weil sie sich in einem Werk niederschlägt, das dem unschuldigen Blick eines Kindes sehr nahe kommt, begleitet von einer vulkanischen, magischen und chemischen Konsistenz und Kraft. Diese Verbindung des Kindes mit Poesie, Musik und Magie macht Miró zu einem zeitlosen Künstler, der auf der Suche nach dem dritten Auge ist, dem der Traumdeutung, um Freud zu zitieren.

Joan Miró, Die zwei Freunde (1969; Radierung, Aquatinta und Siliziumkarbid, 71,5 x 106,5 cm; Barcelona, Fundació Joan Miró)

Miró war ein verrückter Experimentator. Er benutzte die unterschiedlichsten Medien, darunter auch Holz.
Für meinen Großvater hatte das Holz eine magische Komponente. Es war eine revolutionäre Idee, es schmutzig und rau zu verwenden. In der Tat war er nie dogmatisch und institutionell. Er arbeitete nicht sein ganzes Leben lang mit klassischen Trägern und Materialien, sondern er erforschte wirklich unkonventionelle Träger wie Holz, das mein Großvater in seinem Atelier auf Mallorca recycelte, um es zu bearbeiten.(NDA: Von 1956 bis zu seinem Tod im Jahr 1983 lebte Joan Miró auf der Insel Mallorca, wo er eine intensive kreative Tätigkeit ausübte. Das mallorquinischeAtelier wurde nach dem Architekten Sert benannt, der es auf den Hügeln von Cala Major in Palma konzipierte).

Die Arbeit mit Holz war Teil der von ihm angestrebtenAnti-Malerei. Miró schrieb: “Anti-Malerei ist eine Rebellion gegen eine Geisteshaltung und gegen die traditionellen Maltechniken. Ein Versuch, mich durch neue Materialien auszudrücken: Rinde, Textilfasern, Collagen”. Und natürlich schmutziges und recyceltes Holz.
Anti-Malerei", weil Miró einen direkten Materialtest mit einem abrasiven Holz, einem zerstörerischen Holz, einem reinen Holz, das von der materiellen Wahrheit spricht, durchführte. Von der Kraft der Materie. Es handelt sich um automatische, gestische und schnelle Werke, die auch im Alter von 80 Jahren noch das moralische und künstlerische Bedürfnis eines Mannes unterstreichen. Das Werk voller Gewalt und Rebellion in seinen letzten Lebensjahren stellt die dramatischste Entwicklung seines Symbolismus dar.

Miró wollte die Malerei wirklich “töten”.
Der erste Schritt war genau das: die klare Ablehnung jeglicher vorher festgelegter Bildidee. Er wollte die “traditionelle” Malerei töten.

Ein Ziel, das er durch unablässiges Experimentieren verfolgte, begleitet von einer Gestik nach amerikanischem Vorbild und einer Faszination für orientalische Kalligraphen.
Jackson Pollock und Franz Kline zum Beispiel waren für Miró sehr wichtige Künstler, ebenso wie der Einfluss der japanischen Kultur und ihres magischen Graphismus. Mein Großvater besuchte Japan zweimal im Abstand von drei Jahren (1966, 1969). Er war von der japanischen Naturauffassung, der Kalligrafie, dem Strich und den Haiku-Gedichten (musikalische Noten und kalligrafische Zeichen) tief beeindruckt.

Bild aus der Miró-Ausstellung im Mudec, Mailand

Haupteinflüsse neben dem amerikanischen abstrakten Expressionismus und dem japanischen Graphismus?
Arte Povera, Formalismus, der Tachismus von Fautrier und Dubuffet, die Musikalität von Kandinsky.

Es ist ihm gelungen, sie zu einer Sprache von scheinbarer Einfachheit zu verschmelzen, die eine von Zeichen, Symbolen und traumähnlichen Figuren bevölkerte Welt umschließt, die das Ergebnis von Arbeit, Disziplin und Training ist. Nichts, oder fast nichts, ist bei Miró “zufällig”.
Das ist richtig. Ordnung, Strenge, Disziplin. Eine Ausbildung, die ein Leben lang dauerte, bis er im Alter von 90 Jahren starb. Sein ganzes Leben war in seine Arbeit vertieft. Er war immer außerordentlich vital und kreativ. Ein ausbrechender Vulkan. Ich erinnere mich, dass er im Alter von 80 Jahren den ganzen Tag ohne Unterbrechung arbeitete, innovierte, störte, experimentierte. Er versuchte immer wieder, seiner Welt, seinem Werk Leben einzuhauchen.

Ein Werk, das von Zeichen und Formen bevölkert ist, die ebenso naiv und unschuldig wie reich an Erfahrungen, Träumen und Welten sind. Eine universelle Poetik, ein für alle verständliches Alphabet. So erreichte seine “Botschaft” alle und war erfolgreicher als viele seiner Zeitgenossen. Und nicht nur das.
Denn es ist eine Malerei, die ganz anders ist als alles andere. Sie lässt sich nicht kategorisieren. Wenn wir zum Beispiel über metaphysische Malerei sprechen, dann sprechen wir über De Chirico, Fontana, Spatialismus und so weiter. Miró ist anders: Miró ist ein ikonoklastischer, revolutionärer, träumerischer Künstler, der ein Alphabet schuf, das von allen gefühlt und geliebt wurde, auf allen Ebenen.

Und selbst innerhalb der Surrealisten - er hielt sich an das Manifest von 1924 und blieb dabei immer frei und unabhängig - ist er der beliebteste.
Denn Miró ist ein magischer Künstler. Ein Alchimist der Zeichen mit einer höchsten spirituellen Verbindung mit der Kraft der Materie. Mirós Geheimnis ist eine reine, spirituelle Anziehungskraft. Und zeitlos. Delvaux zum Beispiel ist zu figurativ, Dalí zu linear. Miró ist ein alchemistischer und poetischer Künstler, der eine magische Symbiose mit Holz und vielen anderen Materialien eingegangen ist, was seine surrealistische Poesie und Sprache noch verstärkt hat.

Bild aus der Miró-Ausstellung im Mudec in Mailand

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