In der Welt von Fausto Gilberti: kleine Männer erzählen von großen Künstlern, Rockstars, Legenden und mehr

Fausto Gilberti (Brescia, 1970) ist ein Maler und Illustrator, der zu den bekanntesten Vertretern der zeitgenössischen italienischen Kunstszene gehört, sowie Autor von Kinderbüchern, die er schreibt und illustriert. Gilberti studierte an der Akademie der Schönen Künste in Brera und begann seine Karriere in den 1990er Jahren. Im Laufe der Zeit wurde er berühmt für seine stilisierten Figuren, verblüffte Kreaturen mit großen Augen, die mit wenigen schwarzen Strichen auf weißen Blättern entstehen und deren Kulissen bis auf die Knochen reduziert sind. Im Laufe seiner Karriere wurde er 2004 mit dem Preis Acacia ti fa volare und 2007 mit dem Preis von Kairo ausgezeichnet. Er hat an mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen in Italien und im Ausland teilgenommen und mehrere Bildbände veröffentlicht: Er ist berühmt für seine Buchreihe, in der er von Künstlern erzählt hat, die dem Publikum nicht gefallen, wie Marcel Duchamp, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Marina Abramovic. Er lebt und arbeitet in Brescia. In diesem Gespräch mit Gabriele Landi spricht Fausto Gilberti über seine Kunst, von ihren Anfängen bis zu seinen zukünftigen Projekten.

GL. Beginnen wir mit dem, was Sie als Ihren Ausgangspunkt betrachten, nicht wahr?

FG. Es war 1988 und ich besuchte das Kunstinstitut in Guidizzolo in der Provinz Mantua. Während des Unterrichts habe ich mir angewöhnt, für mich selbst zu zeichnen. Ich zeichnete kleine Männchen in Reihen und füllte kleine Papierbögen vollständig aus. Das tat ich oft während des Unterrichts in Darstellender Geometrie, denn dieses Fach langweilte mich zu Tode. Eines Tages bemerkte der Professor, dass ich seiner Vorlesung nicht zuhörte. Also näherte er sich drohend meinem Schreibtisch. Ich befürchtete wer weiß welche Reaktion. Stattdessen schaute er auf das, was ich tat, und überraschte die ganze Klasse mit den Worten: “Gilberti, mach weiter!”. Sobald ich fertig war, wollte er es ausleihen und fragte mich, ob er einige Fotokopien machen dürfe, die er an die anderen Lehrer verteilte und "diese Zeichnung berühmt machte, die aus 562 kleinen Männchen bestand, die sich alle voneinander unterschieden, 2,5 cm groß und in zehn Reihen angeordnet waren. Sie trug den Titel Die Nonne".

Die erste öffentliche Präsentation?

In gewisser Weise, ja. Zweifellos hat mich die Reaktion des Professors überrascht und gleichzeitig mein Selbstvertrauen gestärkt. Er ermutigte mich, auf diesem Weg weiterzumachen; mir wurde klar, dass ich vielleicht genau das im Leben tun könnte: zeichnen. In der Tat habe ich seitdem nicht mehr aufgehört.

Wir lernten uns während der Akademie in Mailand kennen, und dort hatte sich Ihr Modus Operandi bereits entwickelt. Entwickelt in dem Sinne, dass die Männer schon ziemlich ähnlich zu dem waren, was Sie jetzt machen.

Ich habe mich schon immer für das Zeichnen der menschlichen Figur interessiert. In den frühen achtziger Jahren habe ich Charaktere gezeichnet: menschliche Figuren, eine anders als die andere. Als ich dann anfing, die Kunstgeschichte zu studieren und zu lernen, insbesondere die zeitgenössische, aber auch die antike Kunst, begann ich, meinen Stil weiterzuentwickeln und verschiedene grafische Stile miteinander zu verbinden. In diesen Jahren begann ich, meine Zeichen auf ein Minimum zu reduzieren. Meine Figuren, die sich alle voneinander unterschieden, wurden zu einem einzigartigen, universellen kleinen Mann, der immer gleich ist. Ein bisschen wie die archetypischen Figuren von Keith Haring oder die von Giacometti oder prähistorischen Graffiti.

Sie haben also praktisch eine Syntheseoperation durchgeführt?

Ein Prozess der Zeichenreduktion und Synthese. Die mittelalterliche Malerei, die ich so sehr mag, hat mich auch in die Richtung der Synthese geführt. Vor allem in Bezug auf den kompositorischen Aspekt. Ich neige nämlich dazu, meine Figuren in statischen Posen zu zeichnen; die Handlungen werden eher evoziert als ausgeführt, wie in den mittelalterlichen Altarbildern, wo die Figuren in einer symbolischen Tonart bewegungslos frontal dargestellt werden.

Entsteht dadurch auch eine Art von Geheimnis?

Ganz genau. Eine Art des Wartens. Etwas Unbestimmtes, das bald geschehen wird oder vielleicht schon geschehen ist.

Manchmal ist dieses Mysterium dann beunruhigend, vor allem, wenn ich mich daran erinnere, dass es am Anfang ein immer wiederkehrender Gedanke von Ihnen war, etwas zu machen, das auch bei den Zuschauern ein wenig Beunruhigung hervorrufen würde, nicht wahr?

Irgendwann beschloss ich, die Farbe aufzugeben und nur noch Schwarz zu verwenden, und begann, meine Figuren je nach Bedarf auf einem weißen oder schwarzen Hintergrund zu zeichnen. Ich fühlte mich von bestimmten Künstlern angezogen, die sich mit dunklen und düsteren Themen beschäftigten. Nicht nur Maler und Zeichner. Erinnern Sie sich, als wir zusammen nach Barcelona fuhren und ich das Buch von David Lynch fand, in dem seine Bilder veröffentlicht waren? Nun, das war eine Art Stromschlag.

Ja, ich erinnere mich gut daran: in der Buchhandlung der Stiftung La Caixa.

David Lynch interessierte mich schon als Filmemacher, und ich liebte seine filmische Bildsprache. Ich hatte auch eine Einzelausstellung bei Perugi in Padua mit Ölgemälden auf Leinwand, die von den Bildern und Atmosphären seiner Fernsehserie Twin Peaks inspiriert waren. Meine kleinen Männer wurden in einer unheimlichen und mysteriösen Atmosphäre dargestellt.

Sie haben vorhin die Kunstgeschichte erwähnt, und ich erinnere mich, dass Ihre Themen während Ihrer Jahre an der Akademie oft von dort kamen, in dem Sinne, dass es manchmal die Künstler selbst und ihr Bild waren, die zum Gegenstand Ihrer Arbeit wurden. Ich erinnere mich übrigens an eine Serie von Zeichnungen, die Sie unter dem Titel My Audiencegemacht haben .

Diese Serie von Zeichnungen war meine Hommage an das Werk eines bestimmten Künstlers. Sie wurden zu einem Künstlerbuch, das jetzt Teil der Consolandi-Sammlung ist. In jenen Jahren, zwischen Mitte und Ende der 1990er Jahre, war ich daran interessiert, Werke aus der Vergangenheit zu zitieren. Ich habe viele Bilder gemalt, in denen ich berühmte Werke aus der Vergangenheit wieder aufgriff. Damals hatte ich diese Strömung junger amerikanischer Maler entdeckt, die sich Bad Painting nannte. Ich mochte ihren Stil, ihre Art zu malen, die sehr rau und schmutzig, fast kindlich war, auch wenn die Themen, die sie behandelten, überhaupt keine waren. Ich ließ mich inspirieren und begann zu malen, indem ich buchstäblich die Kontrolle verlor, auf eine unbeholfene und ?schlechte’ Art. Ich ließ die Farbe fließen, ohne mir allzu viele Gedanken darüber zu machen. Und mit dieser Technik, die man fast als expressionistisch bezeichnen kann, habe ich Werke von Rembrandt, Piero della Francesca, Giorgione und mehrmals eines meiner Lieblingsbilder aller Zeiten in einer ’schlechten’ Tonart gemalt: Van Eycks Der Arnolfini.

Ah, die habe ich noch nie gesehen!

Ich hatte 1998 bei Maurizio Corraini in Mantua eine Ausstellung mit diesen Bildern. Die Ausstellung trug den Titel: Ich bin auch ein Expressionist.

Verstehe... Sie haben also zitiert, ohne jemals ein Zitatist zu werden.

Absolut weit entfernt vom Zitatismus, wie wir ihn kennen.

Ich erinnere mich, dass Sie in Turin in einer Ausstellung über Zeichnung auch eine ganze Arbeit über Robert Ryman gemacht haben. Können Sie uns davon erzählen?

Ich nahm einen Katalog von Robert Ryman, aus dem ich alle Seiten ausschnitt, auf denen seine Werke abgebildet waren. Dann nahm ich einen Rapido-Stift und füllte die Bilder seiner leeren Leinwände mit winzigen Männchen, die sehr präzise und akribisch gezeichnet waren, als ob sie schreiben würden. Das war auch eine Arbeit, die einem Künstler huldigte und ihn gleichzeitig empörte, aber in diesem Fall war der Ansatz im Vergleich zu der Serie von Zeichnungen mit dem Titel My Audience eher konzeptionell.

Ja, das war es in der Tat. Dieses zerlegte Buch an der Wand, jede Seite gerahmt, und dann diese kleinen Gesichter, die, wenn man sie so sieht, wie ein Teil von Rymans Werk aussehen.

Ich hatte sie so akribisch und präzise gezeichnet, dass das Ergebnis so aussah, als enthielten diese Reproduktionen von Rymans Werk tatsächlich diese fremden Zeichen. Aus der Nähe konnte man meinen manuellen Eingriff nicht sehen. Wer sie zuerst betrachtete, erkannte nicht, dass sich unter dem Gitter aus Smileys eine Reproduktion eines Ryman-Gemäldes befand.

Nach diesen frühen Turiner Episoden zum Thema “Öffentlichkeit”, gefolgt von der Ausstellung Siamo fritti, nimmt Ihr Werk eine eher erzählerische Wendung. Sie bleiben jedoch immer sehr evokativ und versuchen, gleichzeitig essentiell und geheimnisvoll zu sein.

Mein aktuelles Werk entstand in etwa mit der Ausstellung Laura Palmer paintings, die, wie ich bereits sagte, von David Lynchs Twin Peaks inspiriert war und die ich 1999 in Padua in der Galerie Perugi zeigte. Mit dieser Ausstellung wurde mein Interesse am Geschichtenerzählen noch deutlicher. Von diesem Moment an begann ich, Geschichten zu zeichnen und zu malen, die aus einem einzigen Rahmen bestehen: dem Raum des Blattes oder der Leinwand.

Ich erinnere mich an die Ausstellungen und Werke, die Sie im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts bei Perugi gezeigt haben, wobei jede Ausstellung immer unter einem bestimmten Thema stand.

In jenen Jahren habe ich bei all meinen Einzelausstellungen immer an einem Thema gearbeitet und Gemälde, Zeichnungen, Installationen aus modifizierten Objekten, Wandmalereien und sogar eine Videoanimation geschaffen, die miteinander in Dialog traten.

Zu dieser Zeit haben Sie sich auch für Internetpornografie interessiert, und zwar in dem Sinne, dass Sie angefangen haben, Bilder aus dieser Welt zu zeichnen.

Ich habe eine Reihe von Bildern gemalt, die sich über Sex lustig machen, und dann ein Buch mit dem Titel Mister Dildo veröffentlicht, das 2004 in einem kleinen Verlag erschienen ist. Es enthielt eine Reihe von Zeichnungen, die ironisch und sarkastisch Pornografie im Internet darstellten. In jenen Jahren war das Internet noch nicht so verbreitet wie heute. Es gab nicht viele Seiten und sie waren etwas versteckt. Die Inspiration für dieses Buch kam von den Bannern, die mir manchmal beim Surfen auf Seiten angezeigt wurden, die nichts mit der Hardcore-Welt zu tun hatten. Diese Anzeigen waren immer in englischer Sprache verfasst, aber oft in einem Englisch, das voller Rechtschreibfehler war, und die Texte, mit denen diese Seiten beworben wurden, waren ziemlich bizarr. Ich begann, die absurdesten Texte, auf die ich stieß, zu kopieren: Ich druckte sie auf Zeichenblätter aus und zeichnete dann ein Bild darauf, das einen ironischen Dialog mit diesen harten Botschaften führte. Ich nannte sie Porno-Zeichnungen. Die Einleitung zu diesem Buch, das aus drei unveröffentlichten “Porno”-Gedichten bestand, wurde mir von Tiziano Scarpa geschenkt.

Nach diesem Buch haben Sie auch einige Bilder gemalt, einige Leinwände. Ich erinnere mich an den perversen Pädophilen, die aufgeblasene Puppe....

Im Gefolge dieser Porno-Zeichnungen habe ich auch einige große, freche, ironische Leinwände gemalt. Hier kehrte das “böse Hecheln” zurück, diesmal sowohl technisch als auch inhaltlich.

Irgendwann ändert sich der Geschmack in dem Sinne, dass andere Interessen hinzukommen, nicht wahr? Da ist zum Beispiel das Interesse an Musik...

Nun, in meinen Werken verarbeite ich immer meine Leidenschaften, meine Interessen, meine Erfahrungen. Im Grunde genommen mein Leben. Ich glaube, das machen letztlich alle Künstler. Sie erzählen von sich selbst. Ich hatte schon immer ein Interesse an Musik. Und das kam zu einem bestimmten Zeitpunkt aufs Papier. Nämlich als meine Kinder geboren wurden. Ich wurde innerhalb von 15 Monaten Vater von zwei kleinen Kindern, Emma und Martino. Meine Zeit und mein Raum für die Arbeit wurden drastisch reduziert. Ich arbeitete hauptsächlich zu Hause und ging kaum noch ins Atelier. Ich begann, kleine Zeichnungen auf dem Küchentisch anzufertigen. So wurde die Rockstar-Serie geboren. Ich fertigte etwa 700 Zeichnungen an, mit denen ich an einigen Ausstellungen zum Thema Musik teilnahm, und später machte ich aus einer Auswahl dieser Zeichnungen ein Buch, das ich zusammen mit Corraini veröffentlichte. In Rockstars erzählte ich die Geschichte des Rock durch meine Zeichnungen und beschrieb auf einigen Seiten meine Beziehung zur Musik im Laufe der Jahre, meine Begegnungen, mein Hören und meine musikalischen Abenteuer. Dieses Buch markierte einen entscheidenden Schritt in meiner künstlerischen Tätigkeit: Ich begann, nicht nur für die Kunstwelt, sondern auch und vor allem für die Welt der Kinderbücher zu arbeiten.

Eines der ersten Kinderbücher, die Sie nach Rockstars gemacht haben, war Bianca, das in gewisser Weise viel mit Ihren kleinen Kindern zu tun hat: Ist es vielleicht ein Buch, das für sie geboren wurde?

Bianca und DerOger, der die Kinder fraß sind beides Bücher, die ich für Emma und Martino geschrieben und gezeichnet habe. Ich habe die Geschichte für sie entworfen, aber nicht nur für sie: Sie wurde mir auch durch das, was um mich herum geschah, nahegelegt.

Hat diese Geschichte über den Oger und Bianca auch eine pädagogische Absicht? Und wie sind Sie bei der Illustration vorgegangen?

Ich habe sie eigentlich geschrieben, um mich selbst und meine Kinder und diejenigen, die sie später kaufen und lesen würden, zu unterhalten. Das Interessante an der Entstehung dieser Bücher ist, dass ich mich aus heiterem Himmel in die für mich neue Dimension des Schreibens und Illustrierens gestürzt habe. Ich schrieb die Geschichten und illustrierte sie dann mit meinen eigenen Zeichnungen. Aus diesem Anlass habe ich jedoch nicht mein Zeichen geändert. Ich habe mich nicht dafür entschieden, meine Zeichnungen ansprechender zu machen, ich weiß nicht, zum Beispiel Farbe hinzuzufügen oder zu versuchen, sie mit Details und Besonderheiten zu schmücken. Kurz gesagt, ich habe meinen Stil nicht geändert, als ich anfing, meine Bücher zu illustrieren, obwohl ich wusste, dass ich auf ein anderes Publikum als in der Kunst treffen würde, ein normaleres und mit einer anderen Vision.

War das ein gewisses Risiko?

In gewisser Weise ja, aber alles in allem kann ich sagen, dass das Publikum es verstanden hat und diese Bücher und alle anderen, die folgten, ein großer Erfolg waren: Sie wurden sogar ins Ausland in viele Sprachen übersetzt.

Und dann haben sie Ihrer Vorstellung eine andere Lesart gegeben?

Stimmt, denn die “alten Männchen” haben ein wenig von ihrer geheimnisvollen und beschwörenden Aura verloren. Im Inneren des Buches wirken sie in ihrem Schwarz-Weiß-Look weniger unheimlich. Es ist, als würden sie neben dem Text zum Leben erwachen und sich sublimieren.

Sie sind nicht mehr unheimlich. Manchmal bringen sie einen sogar zum Lachen.

Ja, das stimmt, aber vielleicht nimmt die Idee, eine Geschichte an sich zu erzählen, etwas von dieser Frontalität, dieser ungefilterten Unmittelbarkeit, die für ein Kunstwerk typisch ist und die Bilder von Gemälden immer schwer fassbar macht, oder? Auch die Größe des Bildes spielt eine Rolle. Je nachdem, ob man sie klein, groß oder riesig sieht, nimmt man sie auf unterschiedliche Weise wahr. In einigen Fällen habe ich auch versucht, ihnen eine ganz leichte Charakterisierung zu geben, indem ich den Figuren zum Beispiel bestimmte Frisuren verpasste. Auf diese Weise bringe ich meine kleinen Männer dazu, je nach Geschichte unterschiedliche Rollen zu spielen, ohne dass sie ihre wesentlichen Eigenschaften und ihre Synthese verlieren.

Haben Sie sich bei den Büchern über Künstler Regeln gegeben?

Mehr als Regeln habe ich mir selbst Zwänge auferlegt: Ich verwende niemals fotografische Reproduktionen der Werke, die ich erzähle, sondern zeichne sie selbst, in meinem eigenen Stil. Seit dem ersten Buch über Piero Manzoni dachte ich, dass ich keine didaktischen Kunstbücher mit Ideen für Workshops und Aktivitäten machen wollte, denn davon gibt es viele. Mir ging es vielmehr darum, eine schöne Geschichte über das Leben und die Kunst zu erzählen, die neugierig macht und, wenn möglich, sogar unterhaltsam ist. Selbst um den Preis, wichtige biografische Aspekte wegzulassen, die ich aber für langweilig oder zu technisch hielt und die der Leichtigkeit, mit der ich diese Geschichte erzählen wollte, nicht zuträglich waren. Als ich sah, was die Verlagswelt bot, wurde mir auch klar, dass dies ein neuer Weg sein könnte. Schließlich entschied ich mich dafür, Künstlern zu erzählen, was noch niemand den Kindern erzählt hatte. Die revolutionärsten. Die konzeptionellsten. Diejenigen, über die die Erwachsenen die Nase rümpfen. Diejenigen, die oft mit Vorurteilen bedacht werden. Wie Piero Manzoni, Yves Klein, Lucio Fontana, Marina Abramovic, Marcel Duchamp... .

Bei einigen der Künstler, über die Sie gearbeitet haben, gab es auch Probleme mit der Autorisierung: mehr mit ihren Erben als mit ihnen selbst, da sie nicht mehr auf dieser Welt sind.

Diese Serie von Büchern, die den Künstlern gewidmet sind, umfasst bis heute 9 Titel. In Wirklichkeit habe ich jedoch 11 der Künstler vorgestellt. Zwei dieser Bücher habe ich leider aufgrund von Problemen mit Genehmigungen und Rechten noch nicht verwirklichen können, obwohl sie zur Veröffentlichung bereit waren: Basquiat und Haring.

Diese realen Personen, die Sie in den Büchern porträtiert haben, sind dann auch die Protagonisten einiger sehr großer Gemälde geworden?

In den letzten Jahren habe ich neben den Büchern eine große Serie von großformatigen Zeichnungen angefertigt, die sich mit dem Thema der zeitgenössischen Kunst befassen. Ich begann, große Blätter mit Szenen aus der Welt der zeitgenössischen Kunst zu füllen. Ich nannte diese Serie von großen Blättern Artstars.

Kurz gesagt, es ist eine Art Bericht über all die Dinge, die einen in diesem Bereich irgendwie interessieren, eine fortlaufende Reflexion.

Es sind Zeichnungen, in die ich all die Kunst einfließen lasse, die ich mag, die ich kenne, die ich live gesehen habe, an die ich mich erinnere, die ich in Büchern und Kunstkatalogen sehe, die ich in meinem Atelier habe. Auch hier geht es um Erfahrungen, Leidenschaften, Bilder, die zu meinem kulturellen Hintergrund gehören und die ich in eine grafische Komposition verwandle. Ich arbeite, indem ich eine Szene nach der anderen zeichne, bis das Blatt buchstäblich voll ist. Eine Art Horror vacui. Manchmal erinnere ich mich bei meiner Arbeit an Pollock, der einen Tropfen fallen ließ oder die Farbe verlaufen ließ und dann weitermachte, ohne dem Zufall die Oberhand zu geben. Er kontrollierte seine Geste bis zum Ende, auch wenn seine Gemälde auf den ersten Blick wahllos erscheinen mögen. Wenn ich an diesen großen Zeichnungen arbeite, werfe auch ich den ersten “Tropfen”, indem ich die erste Zeichnung auf einem Teil des Blattes anfertige, dann bewege ich mich im Raum und füge weitere Bilder hinzu, bis ich eine atemlose, wetteifernde Fülle erschaffe, in der jedoch alles in Harmonie ist, im Gleichgewicht zwischen voll und leer, schwarz und weiß.

Das hat etwas, wenn ich so sagen darf, Japanisches an sich... das Streben nach Gleichgewicht. Aber wie entstehen diese neuen Werke, die Sie gerade in Modena ausgestellt haben? Legen Sie bereits das Format fest oder fangen Sie an und sagen dann an einem bestimmten Punkt: ’OK, das endet hier...’ und schneiden dann die Leinwand oder das Blatt zu?

Ich lege immer die Größe fest, bevor ich anfange. Ich bereite das Blatt vor, befestige es an der Studiowand und zeichne dann, ohne vorher einen Plan zu erstellen. Für mich war die Zeichnung schon immer ein fertiges Werk. In dem Sinne, dass ich nie einen Bleistift benutze, um das Werk zu skizzieren. Ich zeichne und male immer ganz spontan und ohne Vorbereitung.

Es kommt oft vor, dass ich Fehler mache, die unwiederbringlich scheinen.

In Wirklichkeit habe ich im Laufe der Jahre verstanden, dass Fehler einem neue Wege aufzeigen können. Diese Chance muss man ergreifen. Lassen Sie sich den Weg vorschlagen. Folgen Sie dem Fehler, um neue und unerwartete Lösungen zu finden.

Wenn Kunst nur aus Entwurf und Ausführung bestünde, wäre sie doch langweilig, oder?

Es gibt Künstler, die sich auf die Suche nach dem Sinn machen und alles andere außer Acht lassen. Form, Zeichen, Komposition, Thema...

Sehen Sie, neben diesen sehr großen Werken haben Sie in den letzten Monaten eine ganze Reihe von sehr kleinen Zeichnungen gemacht, in denen genau diese Situation, sagen wir mal, geheimnisvoller, beunruhigender, wiederkehrt. Mehr erzählerisch.

Sie sprechen von der Serie Disegni da Paura, in der bestimmte Atmosphären der Vergangenheit wiederkehren. Es sind atemlose Bilder, Visionen, in denen sich Traum und Wirklichkeit oft durchdringen. Mit allem, was mich innerlich interessiert: Musik, Kunst, Zitate, Berge, Landschaft, Kino, Literatur.

Und dann gibt es Situationen, die sich aus dem ergeben, was man um sich herum hat, aus der Situation, in der man ausstellt, wie zum Beispiel bei der Ausstellung Happy mountain vor zwei Jahren, wenn ich mich recht erinnere.

Man lässt sich auch von dem inspirieren, was man um sich herum hat. Manchmal sogar von der Landschaft und den Orten. In diesem Fall habe ich mit Hilfe von etwa einem Dutzend großartiger Assistenten die Wände einer verlassenen ehemaligen Sommerferienkolonie in Ollomont im Aostatal bemalt.

Kommen wir zurück zu den kleinformatigen Zeichnungen, die Sie kürzlich gemacht haben. Die “Scary Drawings”.

Es sind formal andere Zeichnungen als die, die ich bisher gemacht habe. Ich habe an neuen Themen gearbeitet, aber auch an einer neuen Technik. Ich habe angefangen, die Tusche zu verdünnen, nicht mehr nur reine Tusche zu verwenden. Nicht nur Schwarz, sondern viele Grautöne, Lasuren und Überlagerungen. Ich versuchte zu zeichnen, indem ich absichtlich die Kontrolle verlor: Ich provozierte absichtlich den Fehler. Ich benutzte beschädigte Pinsel und setzte sie auf verschiedene Weise ein. Ich faltete sie, benutzte die Seiten, die Kanten, auf der Suche nach einer besonderen und sehr ausdrucksstarken, malerischen Spur. Außerdem erschien im Hintergrund und um die menschlichen und tierischen Figuren herum die Landschaft, oft dunkel und aus chaotischen, wirbelnden, stürmischen Formen bestehend, fast nie ruhig.

Gehen wir nun in der Zeit zurück und vorwärts, ja? Ich habe eine Reihe von Büchern, bei denen einige Ihrer Zeichnungen für den Einband verwendet wurden, die sich mit den Geschichten von Lunigiana befassen. Was ist Ihnen zum Beispiel an diesen lokalen Geschichten aufgefallen? Viele von ihnen haben dunkle, obskure, geheimnisvolle, fast düstere Töne....

Ich war vor einigen Jahren für einen Künstleraufenthalt in Lunigiana, bei dem ich ein von den Geschichten der Lunigiana inspiriertes Künstlerbuch geschaffen habe. Ich hatte sie in einem kleinen Buch gelesen, das von einem lokalen Gelehrten geschrieben worden war, der sie im Laufe der Jahre gesammelt hatte, vor allem, indem er sie von den Ältesten der Gegend erzählen ließ. Es waren fast immer Geschichten, die von Angst handelten, und sie beeindruckten mich, weil die Figuren, die sie bevölkerten, so ungewöhnlich und bizarr waren. Der Tod war oft präsent und wurde mit einer ironischen Note erzählt, vielleicht um ihn zu vertreiben. Ich erinnere mich an eine dieser Geschichten, in der es um einen Mann ging, der eines Nachts beim Durchqueren eines Waldes (Lunigiana ist voller Wälder) Menschen sah, die auf einer kleinen Lichtung tanzten und sich amüsierten. Also begann er mit einer Frau zu tanzen. Er war glücklich und zufrieden, bis er feststellte, dass die Person, mit der er tanzte, tot war, und alle anderen um ihn herum auch. Ich habe eine Reihe von Schildern gemacht, die von diesen Geschichten inspiriert sind, und daraus ein Buch im Leporello-Format gemacht.

Dann erinnere ich mich, dass du, als wir an der Akademie waren, für eine Prüfung mit Roberto Sanesi eine Reihe von Zeichnungen mitgebracht hast, die im Grunde genommen Landschaften waren, sehr gemalte Zeichnungen.

Es waren Tafeln, die von Dino Buzzatis Wüste der Tartareninspiriert waren. Es waren kleine Acrylbilder auf Papier. Unbewohnte Landschaften, schwarz, mit nur einer Festung in der Ferne. Der Mensch war abwesend. Es waren fast informelle, fast abstrakte Gemälde. Die Formen wurden mit Pinselstrichen, mit einem Zeichen aufgelöst.

Zum Schluss, Fausto: Woran arbeitest du im Moment?

Ich setze meine Forschungen zu Disegni da paura fort und versuche, die gleiche Frische des Zeichens, die ich im kleinen Format gefunden habe, in viel größeren Dimensionen zu erreichen. Eine Art Disegni da Paura Teil 2. Etwa hundert dieser Arbeiten werden in einer Publikation gesammelt, die demnächst bei Corraini edizioni erscheinen wird. Es handelt sich dabei nicht um einen Katalog, sondern um ein Buch mit einer kurzen Einleitung meines Freundes Sacha Naspini, Autor großartiger Romane mit düsteren und faszinierenden Schauplätzen, die sich mit meiner Poetik decken. Wenn Sie ihn nicht kennen, empfehle ich Ihnen, I Cariolanti zu lesen. Das Buch wird sich durch eine durchgehende Seitennummerierung auszeichnen: Die Zeichnungen werden ohne Unterbrechung durch Leerseiten und ohne Titel und weitere Informationen live auf der Seite veröffentlicht. Vom Konzept her ähnelt es grafisch der Installation, die ich in der Galerie Wizard in Mailand während der letztjährigen Ausstellung gemacht habe.

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