Hier sind die Künstler, auf die man setzen sollte. Patrizia Sandretto Re Rebaudengo spricht

Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, Präsidentin der Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, ist eine der führenden Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst in Italien. Als Mäzenin, die die italienische und internationale Kunstszene sehr aufmerksam verfolgt, hat sie Projekte zahlreicher bedeutender internationaler Künstler gefördert, von Maurizio Cattelan bis Carsten Höller, von Carol Rama bis Berlinde De Bruyckere, aber auch zahlreiche junge und aufstrebende Künstler, die kontinuierlich von den Programmen der Stiftung unterstützt werden. Die Stiftung feierte im vergangenen Jahr ihr fünfundzwanzigjähriges Bestehen: Wie ist es gelaufen? Wie unterstützt die Stiftung die Kunst? Und wie sieht die Situation der italienischen Kunst nach Ansicht von Patrizia Sandretto Re Rebaudengo aus? Darüber spricht sie mit Federico Giannini, Chefredakteur von Finestre sull’Arte, in diesem Interview.

FG. Im Jahr 2020 feiert die Fondazione Sandretto Re Rebaudengo ihr fünfundzwanzigjähriges Bestehen, nachdem sie 1995 eröffnet wurde. Wie hat sich die italienische Kunstszene im letzten Vierteljahrhundert verändert?

PSRR. 1995, als die Fondazione Sandretto Re Rebaudengo gegründet wurde, konnten italienische Künstler nicht immer auf eine strukturierte institutionelle Unterstützung zählen. Die Aussicht, die italienische Kunstszene zu unterstützen, war einer der Hauptgründe, die mich dazu brachten, die Stiftung zu gründen. In diesen 26 Jahren hat sich viel verändert: Museen, gemeinnützige Einrichtungen und unabhängige Räume haben sich der Öffentlichkeit geöffnet, das kulturelle Gefüge neu belebt und positive Kreisläufe des Austauschs und der Unterstützung in Gang gesetzt. Dank der kollektiven Bemühungen, unter anderem durch den 2014 gegründeten Ausschuss der Stiftungen für zeitgenössische Kunst, wurden die Programme zur Unterstützung der italienischen zeitgenössischen Kunst, wie der vom Kulturministerium geförderte Italienische Rat, gestärkt. Zweifellos sind Fortschritte erzielt worden, aber ich glaube, dass noch mehr getan werden kann und sollte, um die italienische Szene zu unterstützen und Künstler zu fördern.

Welche Kriterien leiten heute Ihre Sammlung und die Aktivitäten der Stiftung? Auf welcher Grundlage wählen Sie Ihre Ausstellungsprojekte und die Künstler aus, die Sie fördern?

Meine Sammlung basiert auf einem direkten Dialog mit den Künstlern und einer gründlichen Kenntnis ihrer Forschung. Ursprünglich habe ich die Sammlung in mehrere Bereiche unterteilt: italienische Kunst, Fotografie, Kunst von Frauen, die britische und die kalifornische Szene. Diese systematische Herangehensweise ergibt sich aus meiner Ausbildung mit meinem Universitätsstudium in Wirtschaftswissenschaften und der unternehmerischen Tradition meiner Familie. Man könnte meine Sammlung als generationenübergreifend bezeichnen: Als ich anfing, Kunst zu kaufen, sah ich mir vor allem Werke von Künstlern meines Alters an, mit denen ich eine Konstellation von Referenzen und einen gemeinsamen Horizont teilte. Ich begann, jüngere Künstler zu sammeln und erweiterte meine Interessen, indem ich der Entwicklung der Kunst selbst und der spürbaren Vergrößerung des Kunstpublikums folgte, das zunehmend offen und global ist. Ich interessiere mich für Künstler, die sich in ihrer Zeit engagieren, die die Geschichte des Augenblicks, in dem wir leben, erzählen. Ich schätze Werke, die Stellung beziehen, die Fragen aufwerfen, die die Gegenwart hinterfragen, die zum Nachdenken anregen. Auch heute noch basiert meine Sammlung auf dem Austausch mit Künstlern: Der Dialog mit ihnen ist ein außerordentliches Privileg, das nur eine Sammlung zeitgenössischer Kunst ermöglichen kann. In der Stiftung arbeiten wir mit Künstlern aus Italien und der ganzen Welt zusammen. Wir nehmen sie in den Räumlichkeiten der Stiftung in Turin und Guarene auf, unterstützen sie mit Sorgfalt und Kontinuität und helfen ihnen, Werke für wichtige Veranstaltungen wie die Biennale in Venedig zu schaffen. Im Laufe der Zeit haben wir Werke von Doug Aitken, Maurizio Cattelan, Luisa Lambri, Steve McQueen, Goshka Macuga, Meris Angioletti, Nathaniel Mellors, Ragnar Kjartansson, Aljcia Kwade produziert. Ein weiteres Ziel ist der Aufbau von Netzen und Synergien mit anderen nationalen und internationalen Einrichtungen und die Stärkung von Kooperationsnetzen in der ganzen Welt. Eine Partnerschaft zwischen der Stiftung und dem Philadelphia Museum of Art hat zu der Future Fields Commission in Time-Based Media geführt. Alle zwei Jahre laden wir einen Künstler ein, der mit digitalen Medien, Film, Video, Sound und Performance arbeitet, und geben ein neues Werk in Auftrag. Im Jahr 2018 präsentierten wir die Arbeit von Rachel Rose, im Jahr 2021 eine Arbeit von Martine Syms und im nächsten Jahr werden wir mit Lawrence Abu Hamdan zusammenarbeiten. Ich denke, es ist sehr wichtig, eine Sammlung zu teilen. Ich bin immer gerne bereit, Werke an andere Institutionen zu verleihen und die Sammlung weltweit zu präsentieren. Ich möchte hier nur einige nennen: Hara Museum of Contemporary Art in Tokio; Ciudad Grupo Santander in Madrid; Whitechapel Gallery in London; Kunsthalle in Krems, meCollectors Room in Berlin; Centro de Arte Contemporanea in Quito; Sheffield Cathedral; Rockbund Art Museum in Shanghai; MACRO in Rom. Heute wird ein Teil der Sammlung im Mo.Co in Montpellier ausgestellt.

Können Sie uns einige Namen junger Künstler nennen, auf die wir in Zukunft achten sollten?

In der Kunstszene gibt es viele junge Menschen, die die zeitgenössische Bildsprache erneuern. Ich interessiere mich für die bildhauerische und installative Forschung von Künstlern wie Sandra Mujinga, die derzeit im Safe House in der Fondation ausstellt, Klára Hosnedlová, die sich mit der Beziehung zwischen Design und Gefühlen befasst, Giulia Cenci für ihren Umgang mit der Materie oder Tarek Lakhrissi, dem wir 2020 eine Ausstellung widmen werden. Ich betrachte die Gemälde von Giulia Andreani, Pia Krajewski, Jan-Luka Schmitz und Eva Helene Pade. Dann denke ich an die Forschungen von Benni Bosetto, Jacopo Belloni und Marco Giordano, die alle drei zur Abschlussausstellung der letzten beiden Ausgaben des Young Curators Residency Programme eingeladen wurden.

Was fehlt Ihrer Meinung nach heute in der italienischen Kunst? Welche Rolle spielt sie, welche Anziehungskraft hat sie und welches Gewicht hat sie in der internationalen Szene? Und was könnte man tun, um die Lücken zu schließen?

Einer der offensichtlichsten Kritikpunkte in Italien sind sicherlich die Ausbildungsgänge. Insbesondere das Angebot der Akademien der bildenden Künste im ganzen Land ist uneinheitlich, und die Struktur der Kurse ist oft noch nach Fächern und geschlossenen Disziplinen organisiert. Die Kunst ist heute jedoch spartenübergreifend und braucht daher Austausch, Dialog und Vergleiche. Um die italienische Kunst zu fördern, halte ich es für unerlässlich, die Mobilität unserer Künstler zu erhöhen und ihre Möglichkeiten zum professionellen Austausch mit ausländischen Kollegen zu entwickeln. Nach diesem Prinzip hat die Stiftung das jährliche Residenzprogramm für junge Kuratoren ins Leben gerufen, das nun schon im sechzehnten Jahr stattfindet. Jedes Jahr laden wir drei Kuratoren aus den renommiertesten Kuratorenschulen der Welt ein, für drei Monate durch Italien zu reisen und Künstler in ihren Ateliers, Galerien und Museen zu besuchen. Am Ende ihrer Reise kuratieren sie eine Ausstellung mit den auf ihrer Reise ausgewählten Werken.

Worin besteht Ihrer Meinung nach der Unterschied zwischen der Tätigkeit eines privaten Sammlers, der Werke zu seinem eigenen Vergnügen sammelt, und einer Tätigkeit, die sich stattdessen der Öffentlichkeit öffnet? Und von welchen Modellen haben Sie sich inspirieren lassen?

Ich habe mich zur Gründung der Fondazione Sandretto Re Rebaudengo entschlossen, weil mich Leidenschaft, Inspiration, Neugierde auf die Zukunft, Aufmerksamkeit für die Gegenwart und vor allem der Wunsch zu teilen antrieben. Ich habe mich der Kunst als Sammler genähert, aber schon nach drei Jahren wurde mir klar, dass die persönliche und private Dimension, die für eine Sammlung typisch ist, nicht der ideale Ort ist, um das auszudrücken, was Kunst für mich bedeutet. Ich verspürte daher den Wunsch, meine Werke mit anderen zu teilen, und betrachtete die Stiftung nie als Heimat meiner Sammlung, sondern als einen Raum, in dem neue Werke und neue Ausstellungen entstehen. Wir stellen uns die Ausstellung als eine Agora vor, einen Ort zum Beobachten, Lernen, Nachdenken, Diskutieren und Ausbilden unserer Ideen. Für mich ist die Vergabe von Aufträgen für neue Werke und die Unterstützung der Karrieren und Praktiken von Künstlern das neue Mäzenatentum, an das ich fest glaube. Als ich die Stiftung eröffnete, hatte ich ganz bestimmte Modelle im Kopf: die deutsche Kunsthalle und die französische Frac. Die Kunsthalle ist ein Ausstellungsraum ohne Sammlung, eine Werkstatt, in der Künstler experimentieren und produzieren können. Die Frac hingegen sind öffentliche Sammlungsfonds, die nicht mit einem Ausstellungsraum verbunden sind, weshalb sie zu meinem Referenzmodell geworden sind. Meine Sammlung ist in der Tat eine Leihgabe der Stiftung, sie wird nicht ausgestellt, ist aber immer verfügbar.

Um noch einmal konkret auf die Stiftung zu sprechen zu kommen, welche Ausstellungen, Künstler, Kuratoren oder auf jeden Fall die Erfahrungen, die den Weg der Stiftung am meisten geprägt haben oder an die Sie sich mit Genugtuung erinnern, waren das?

Die Stiftung hat immer versucht, Künstler zu fördern und einzuladen, die die Aufmerksamkeit auf aktuelle Themen lenken und zum Nachdenken und zum Dialog anregen können. Im Jahr 2004 haben wir zum Beispiel beschlossen, unser gesamtes Programm den Frauen zu widmen, angefangen mit einer denkwürdigen anthologischen Ausstellung, die Carol Rama gewidmet war. Unter den Ausstellungen erinnere ich mich an Non toccare la donna bianca (Berühre die weiße Frau nicht), ein Kollektiv von 20 Künstlerinnen aus der ganzen Welt, eine der Etappen eines reichhaltigen Kalenders zum Thema des Weiblichen in der zeitgenössischen Kunst mit Konferenzen, Ausstellungen, Präsentationen und Debatten. Im Jahr 2008, lange vor der aktuellen Debatte über den Klimawandel, eröffneten wir Greenwashing, eine Gruppenausstellung mit 25 internationalen Künstlern. Die Ausstellung war der Höhepunkt des Umwelt-Zyklus, eines ganzen Jahres voller Ausstellungen, Treffen, Projekte und Workshops, die dem wichtigen Thema Ökologie gewidmet waren. Ich möchte noch zwei Projekte erwähnen, die mir sehr am Herzen liegen: Anlässe, bei denen die Stiftung nicht nur ausstellte, sondern die in Turin gezeigten Werke in Auftrag gab und produzierte. Mit Adrian Villar Rojas realisierten wir 2015 Rinascimento, die erste italienische Einzelausstellung des argentinischen Künstlers. Adrian Villar Rojas verwandelte die Räume in eine monumentale, ortsspezifische Installation, immersiv und voller Pathos. Vier Jahre später nahm Berlinde De Bruyckere ebenfalls den gesamten Ausstellungsraum mit einem Werk ein, monumentale Skulpturen, die unter dem Titel Aletheia gesammelt wurden.

Das jüngste “Kapitel” in der Geschichte der Stiftung ist der Parco d’Arte della Collina di San Licerio.

Der Kunstpark Sandretto Re Rebaudengo befindet sich in Guarene, im Roero, auf dem Hügel von San Licerio, nicht weit vom Palazzo Re Rebaudengo, dem historischen Sitz der Stiftung seit 1997. Zwischen den Reihen eines jungen Nebbiolo-Weinbergs und einem üppigen wilden Wald pflanzen wir ortsspezifische Skulpturen und Installationen von italienischen und ausländischen Künstlern. Gegenwärtig stehen die permanenten Werke von Ludovica Carbotta, Manuele Cerutti, Carsten Holler, Mark Handforth, Marguerite Humeau, Wilhem Mundt und Paul Kneale im Dialog mit dem Hügel. Für diesen besonderen Ort hat der Künstler Mark Handforth zwei große Bänke aus dem Holz einer Zypresse geschaffen, die seit mehr als hundert Jahren auf dem Hügel wächst und natürlich gefallen ist. Das Werk könnte ein Beispiel für eine Kreislaufwirtschaft sein. Der Park ist ein Schnittpunkt von Kunst und Natur, ein öffentlich zugänglicher Ort in einem außergewöhnlichen physischen und vom Menschen geschaffenen Gebiet, das zum Unesco-Kulturerbe gehört. Wir haben viele Bäume gepflanzt, um den Ort zu pflegen und gleichzeitig einen Beitrag zum Umweltschutz und zur CO2-Eliminierung zu leisten.

Eine letzte Frage zum Thema Mäzenatentum. Vor zwei Jahren haben Sie in der zweiten Ausgabe unserer Zeitschrift “Finestre sull’Arte on paper”, in der es genau um das Thema Mäzenatentum ging, erklärt, dass “der Kunstbonus einige Probleme aufwirft, die gelöst werden sollten, wie zum Beispiel der Ausschluss von Privateigentum von den möglichen Spendenobjekten”. Hat sich die Sensibilität (der Institutionen, aber auch des Publikums) gegenüber der zeitgenössischen Kunst in den letzten zwei Jahren, auch angesichts der Umwälzungen, die die Pandemie in der Welt der Kunst mit sich gebracht hat, auch nur geringfügig verändert?

Ich habe schon immer fest an die öffentlich-private Zusammenarbeit geglaubt. Es gibt viele mögliche Formen der Synergie und viele Bereiche, an denen man arbeiten kann. Unter anderem halte ich die Unterstützung der jüngeren Generationen für absolut entscheidend: In den letzten Jahren konnten sie auf die Aktivitäten und die Finanzierung des Italienischen Rates zählen. Auf privater Seite möchte ich die wertvolle Erfahrung des Comitato Fondazioni Arte Contemporanea erwähnen, in dem 17 Stiftungen zusammengeschlossen sind, die aus der Leidenschaft privater Sammler entstanden sind, mit öffentlich zugänglichen Räumen, die im ganzen Land vertreten sind. Ich bin davon überzeugt, dass es an der Zeit ist, den Kunstbonus auf private Stiftungen auszudehnen, damit auch Einrichtungen wie die unsere zu den Begünstigten gehören können. Diese Maßnahme könnte vielen privaten Einrichtungen helfen, die tagtäglich für die Öffentlichkeit arbeiten, um Künstler zu unterstützen, Bildung und Ausbildung zu bieten, mit einer ähnlichen Rolle wie die der Museen. Ich schließe mit der Hoffnung, dass die zeitgenössische Kunst eine größere Sichtbarkeit und Aufmerksamkeit erhält und zunehmend Teil der öffentlichen Debatte wird. Dies wäre ein wichtiges, lebenswichtiges Zeichen für ein Land, das seine Identität über Jahrhunderte hinweg auf der Kunst aufgebaut hat.

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