Giuliano Dal Molin: Kunst als Versuch, über das Bild hinauszugehen

Giuliano Dal Molin wurde 1960 in Schio (Vicenza) geboren und lebt und arbeitet in San Vito di Leguzzano (VI). Dal Molins Ausbildungs- und Experimentierweg führte ihn zur modernen und zeitgenössischen Kunst, und 1987 fand er seine eigene Arbeitsrichtung. Seine Werke wurden für die Teilnahme an Gruppenausstellungen in der Stiftung Bevilacqua La Masa in Venedig in den Jahren 1984, 1989 und 1991 ausgewählt; 1992 hatte er eine Einzelausstellung in derselben Stiftung und 1993 war er in DETERRITORIALE auf der XLV Biennale von Venedig vertreten. Dal Molins jüngste Forschungen konzentrieren sich auf den Raum: Der Künstler sucht eine Synergie mit dem Ort, der seine Werke beherbergt, und betrachtet seine Werke sowohl in Verbindung mit dem sie umgebenden Raum als auch untereinander. Darüber hinaus stützt sich Dal Molins jüngste Produktion auf eine akribische Erforschung der Farbe, die ihren Ursprung in der Geschichte der Malerei hat. Die Erforschung der Farbe kommt auch in seinen dreidimensionalen Werken, Projekten und Zeichnungen zum Ausdruck, die das Ergebnis eines Syntheseprozesses sind, der darauf abzielt, das Überflüssige und Überflüssige zu entfernen, um der Farbe und der Form eine Stimme zu geben. Giuliano Dal Molin spricht in diesem Gespräch mit Gabriele Landi über seine Kunst anlässlich der Ausstellung in der Galerie Lia Rumma in Mailand, die bis zum 16. März zu sehen ist.

GL. Giuliano, lassen Sie uns von Anfang an beginnen. In welchen Jahren begann deine künstlerische Tätigkeit und welche Arbeiten hast du anfangs gemacht?

GDM. Ich habe sehr jung als Autodidakt Mitte der 1970er Jahre begonnen und bis fast in die 1980er Jahre hinein mit verschiedenen Sprachen experimentiert: von der figurativen Kunst, die auf verschiedene Weise aufgelöst wurde (es waren die Jahre der Transavantgarde), über die Abstraktion, die informelle Kunst, bis hin zur Arbeit an Materialien und Materie, um etwa 1988-1989 meine Ideen zu klären und meine künstlerische Karriere zu beginnen. Es handelt sich um Arbeiten auf Holz mit Metalleinlagen, kleine Reliefs, die sehr abstrakte Horizonte mit einer starken Körperlichkeit bilden. Diese frühen Arbeiten enthalten bereits einige Elemente, die ich später im Laufe der Zeit entwickelt habe: Es sind konkrete dreidimensionale Formen (fast nie echte Skulpturen), minimale Reliefverschiebungen der Oberfläche, in der die Malerei erscheint; später habe ich erkannt, dass diese Arbeiten eine starke Beziehung zu Licht, Schatten und Raum haben.

Wie hat es sich dann entwickelt?

Von diesem Moment an begann ich, das Werk mehr und mehr zu verinnerlichen. Innerhalb weniger Jahre definierte ich eine Reihe von konkaven/konvexen Formen, auf deren Oberfläche ein orthogonales Raster erschien, das die Malerei auf eine verschleierte Spur reduzierte. Mitte der 1990er Jahre taucht die Farbe wieder auf. Zunächst waren es monochrome Werke mit gesättigten Farben: Grundfarben, Komplementärfarben, Komposita, aber auch Schwarz und Weiß. Form und Farbe sind zum Leitmotiv meines Werks geworden (es besteht der Wunsch, aus der Begrenzung auszubrechen, die durch das Gemälde/Fenster, das die Geschichte umschließt, dargestellt wird, um die Form/Farbe im Raum freizusetzen), was sich in Installationen mit einem oder mehreren dreidimensionalen, für den Ort konzipierten Elementen manifestiert. Es handelt sich um Werke, in denen die Stärke der Form, die Farbbeziehungen, der bestimmte Lichteinfall und Schatten und natürlich die Beziehung zur Umgebung wichtig werden.

Gibt es beim Betrachten dieser Werke eine Versinnlichung der Form?

Ja, die Formen werden immer wesentlicher, aber ihre Oberfläche behält eine fast taktile Sensibilität und Leuchtkraft.

Wie haben Sie die Werke malerisch umgesetzt?

Von nun an wird die Farbe durch die Kombination von Pigmenten oder Acrylfarben, einem Bindemittel und Pulvern/Sanden verschiedener Art hergestellt (anfangs habe ich Gummipulver verwendet, dann bin ich zu Glasmikrokugeln übergegangen und in den letzten Jahren verwende ich fast immer Quarz- oder Marmorsand). Es ist meine Absicht, den malerischen Gestus auf ein Minimum zu reduzieren. Die Oberfläche bleibt lebendig, aber es gibt keine Zugeständnisse an die Gesten; dies verstärkt die Wesentlichkeit des Werkes. Form und Farbe werden eins, als wollte man sagen: Dieses Werk besteht aus Farbe, die Form ist Farbe.

In diesem Sinne kommt mir zum Beispiel das Werk von Yves Klein in den Sinn...

Ja, das waren viele Einflüsse. Natürlich ändern sich im Laufe der Zeit die Interessen, so dass man auf verschiedene Dinge stößt. Ich erinnere mich zum Beispiel, dass ich in den 1990er Jahren viel Kapoor angeschaut habe. Ich erinnere mich, dass er diese Löcher mit blauer Farbe gemacht hat, die zufällig die gleiche war, die auch Klein benutzte!

Gibt es in Ihrer Arbeit eine spirituelle Spannung?

Ja, das ist die Absicht. Natürlich ist es eine säkulare Spiritualität, ich versuche, über das Bild hinauszugehen. Es ist der Wunsch, mit meiner Arbeit einen neuen Raum zu schaffen, einen Ort, an dem man sich selbst finden kann.

Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lia

Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lia

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Foto mit freundlicher Genehmigung der

Foto mit freundlicher Genehmigung der

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Gibt es offensichtlich auch eine Spannung zum Dialog? Ist in diesem Sinne der Dialog mit dem Raum, in dem Sie Ihre Arbeit platzieren, auch ein Mittel zum Austausch, zur Begegnung?

Ja, das ist eine wesentliche Dimension des Kunstschaffens. Abgesehen davon, dass es ein persönliches Bedürfnis ist, muss die Kunst nach außen gehen, den Blicken der Menschen begegnen; wenn es keine solche Begegnung gibt, die meine Art der Kommunikation ist, ist es schwierig zu glauben, dass das Werk einen Sinn hat. Daher ist es wichtig, wo und wie man das Werk ausstellt und wie man die Umgebung im Verhältnis zur Person gestaltet.

Welches Verhältnis haben Sie zur Geometrie, denn ich sehe, dass die Formen, die Sie verwenden, mit ihr verwandt sind?

Von Natur aus habe ich eine Abneigung gegen Regeln, gegen Berechnungen, gegen alles, was vorherbestimmt ist. Mit der Zeit habe ich jedoch erkannt, dass diese Elemente das Rückgrat meiner Arbeit sind. Ich habe auch erkannt, dass die Geometrie eine Rolle spielt, denn die Formen, die ich konstruiere, haben mit der Welt der Zahlen zu tun, mit dem Messen... Ein wichtiger Aspekt ist die Konstruktion der Werke, die ich selbst herstelle (Zeichnung/Design/dreidimensionale Konstruktion). In allen Fällen sind es Emotionen und Sensibilität, die mich leiten und mich zum Werk führen.

Wie wichtig sind Licht und Rhythmik in Ihrem Werk?

Das Licht ist bei dreidimensionalen Arbeiten immer entscheidend, weil es sie stärkt und ihnen Leben einhaucht (wenn das Licht natürlich ist, verändert sich die Sicht auf das Werk ständig). Bei Werken, die aus mehreren Elementen bestehen, wird die Rhythmik sowohl durch die Struktur als auch durch die Farbkombination bestimmt. Das sind die Werke, die es mir ermöglichen, das Bedürfnis nach Synthese, nach Wesentlichkeit zu erleben und gleichzeitig die Farbe in komplexeren Kompositionen freizusetzen.

Apropos Farbe: Mir scheint, dass Sie der Tradition, der Malerei der Vergangenheit, insbesondere der tonalen Malerei Ihrer Heimat Venetien, eine besondere Aufmerksamkeit schenken.

Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lia

Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lia

Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lia

Foto mit freundlicher Genehmigung der Galerie Lia

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Ja, früher habe ich mich mehr mit zeitgenössischen Künstlern beschäftigt, heute mehr mit der Kunst der Vergangenheit. Wenn ich die Werke von Bellini, Tizian und Lotto sehe, habe ich das Gefühl, dass sie eine unerschöpfliche Inspirationsquelle sind (allein der Gedanke daran, wie sie mit Farben umgegangen sind, ist etwas Außergewöhnliches). All dies ist für mich eine große Hilfe und ein Trost.

Ich sage Ihnen das nicht aus Schmeichelei, sondern weil es in dem, was ich sehe, ganz konkret spürbar ist...

Ich danke Ihnen! Das ist etwas, das ich mag, diese Verbindung mit unserer Geschichte, unserer Vergangenheit, mit der Kunst, die vor uns kam, die irgendwie hilft und der Arbeit Unterstützung und Vitalität verleiht, oder zumindest glaube ich das gerne...

Ich habe gesehen, dass du vor ein paar Jahren eine Ausstellung in einem Kloster in der Nähe deines Geburtsortes Schio gemacht hast, und der Dialog mit dem Raum und dem Ort scheint mir sehr stark zu sein!

Diese Intervention rührt von einer emotionalen Verbindung her, die ich zu diesem Ort habe. Es war auch aus menschlicher Sicht eine sehr interessante Erfahrung. Ich hatte die Möglichkeit, Räume zu betreten, die normalerweise nicht für die Öffentlichkeit zugänglich sind, und die völlige Freiheit, Werke zu schaffen, die im Dialog mit diesem heiligen Ort stehen.

In gewisser Weise haben Sie den Ort durch diese Intervention wiederbelebt; es scheint mir, dass eine sehr intime Form des Dialogs zwischen Ihrer Intervention und den Artefakten, Werken und Zeichen im Inneren des Klosters hergestellt wird...

Ich würde sagen, ja, die Werke stehen im Dialog mit dem Raum und dem Gefühl der Spiritualität, das von diesem Ort ausgeht.

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