Feindselig gegenüber dem Stil. Die Kunst von Mario Consiglio, wie er sie erzählt

Der umbrische Künstler Mario Consiglio wurde 1968 in Maglie (Lecce) geboren und lebt und arbeitet zwischen Berlin und Perugia. Er debütierte Ende der 1980er Jahre und verfeinerte dann seine eigene Sprache, indem er mit verschiedenen Techniken arbeitete und viel mit Lycra experimentierte, dem Material, mit dem er seine “gepolsterten Bilder” schuf, die seine bekannteste und meistgeschätzte Produktion darstellen. Er ist Absolvent der Akademie der Schönen Künste in Urbino und verdienter Akademiker der Akademie der Schönen Künste “Pietro Vannucci” in Perugia. Er hat in zahlreichen privaten und öffentlichen Räumen in Italien und im Ausland ausgestellt, darunter: Grimmuseum (Berlin), Trolley Gallery (London), Galleria Carbone (Turin), Galleria Seno (Mailand), Palazzo Bricherasio (Turin), Centro Pecci (Prato), Galeria Villena (Havanna), Studio Visconti (Mailand), Galleria Pio Monti, (Rom), Studio La Città (Verona), Museo Laboratorio (Città Sant’Angelo, Pescara), MACRO (Rom), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin), Gran Central Terminal (New York), Art in Perpetuity Trust (London), British Institute (Rom), Spiral Hall (Tokio), Art Basel, Palazzo Reale (Neapel), Flash Art Mueseum (Trevi, Perugia), CIAC (Foligno, Perugia), Rare Ofiice (Berlin), Fondazione Querini Stampalia (Venedig), White Spider Col Condesa (Mexico City), Nolias Gallery (London). In diesem Interview mit Gabriele Landi erzählt er uns von seiner Kunst.

GL. Für die meisten Künstler ist die Kindheit das goldene Zeitalter, in dem sich die ersten Anzeichen für eine gewisse Neigung, zur Kunstwelt zu gehören, zeigen. War das auch bei Ihnen der Fall?

MC. Ich war sechs Jahre alt, als ich bei einem Abendessen mit Freunden meiner Eltern, bei dem ich mich wahrscheinlich gelangweilt habe, anfing, einen Elefanten mit Brotkrümeln zu modellieren, und die Gastgeberin war über das Ergebnis überrascht und bat mich, ihr eine Kuh zu machen, und das war einfach, dann ein Eichhörnchen, und das habe ich auch gemacht, dann drehte sie sich mit den Skulpturen in der Hand zu meiner Mutter um und verkündete, dass sie einen Künstlersohn habe. Das hat mir meine Mutter erzählt, ich erinnere mich nur an den brennenden Kamin mit meinen kleinen Opern darauf und an eine lachende Frau. Ich glaube jedoch, dass der Anstoß von meinem Vater kam, der in seiner Freizeit mit einigen Freunden zu Maestro Rossi ging, einem “exotischen” Maler, der in Afrika gelebt hatte. Wir waren Mitte der 1970er Jahre in Città di Castello, Burri war in Mode, und mein Vater und seine Freunde malten mit verbrannten Kunststoffen, aus denen sie Motive gewannen, die, wenn ich heute daran zurückdenke, interessant waren, zwischen Soutine und Burri würde ich sagen. Ich war zu jung für das Feuer, also malte ich Landschaften auf Leinwand, die mir Meister Rossi gab. Mein Vater nahm mich mit in die Albizzini-Stiftung, wo ich in freier und experimenteller Kunst unterrichtet wurde. In den schwarzen Plastiken von Burri sah ich Höhlen mit Fledermäusen und geheimnisvolle Orte, all das faszinierte mich.

Welche Studien haben Sie gemacht?

Nach dem Gymnasium in Cortona ging ich nach Urbino. Claudio Boccolacci, ein abstrakter Maler mit einer Leidenschaft für Drachen, der an der Akademie lehrte, hat mich überzeugt. Ich traf ihn in der Nähe von Ginezzo, in den Bergen von Cortona, als er eine Falle für eine Viper baute. Er war mit einer Ape50 aus Urbino angereist, es habe lange gedauert, erzählte er mir. Er hatte noch nie einen Autoführerschein gemacht. Wir freundeten uns an, ich zeigte ihm meine Zeichnungen, und er sagte mir, dass ich Künstler werden könnte, also machte ich die Prüfung in Urbino und bestand sie. Von einem klassischen Gymnasium an eine Avantgarde-Akademie wie Urbino katapultiert zu werden, war etwas Unwirkliches. Ich spürte, wie der Daimon wuchs, ich hatte ein Ziel, Tod oder Ruhm, ich würde ein Künstler sein.

Gab es wichtige Begegnungen während Ihrer Ausbildung?

Die Malerei in Urbino war eine wunderschöne psychiatrische Abteilung. Der erste Freund war Davide Banda, mit dem ich noch heute zusammenarbeite. Er war der Beste, das hat sogar Pier Paolo Calzolari gesagt, es stimmte also. Banda weigerte sich, ein Künstler zu sein, er fand die Kommerzialisierung der Kunst unlogisch. Wir haben alle versucht, ihn umzustimmen, aber es gab keinen Weg. Andererseits schrieb er immer brillante Gedichte, die er nie veröffentlichen wollte, und fertigte erstaunliche Zeichnungen an, vor allem die, die er in den 1990er Jahren in Indien machte. Ich könnte ein ganzes Buch über ihn schreiben, aber ich will nur sagen, dass er mein Zimmergenosse in allen vier Häusern war, aus denen wir in jenen Jahren rausgeworfen wurden. Ein weiterer Bruder, der uns leider vor elf Jahren verlassen hat, war Andrea Di Marco, ein Maler aus Palermo, ebenfalls ein Mitbewohner und Mitwanderer. Wir vermissen Andrea sehr, sein Tod war für uns alle ein Trauma. Dann haben wir uns mit Antonio Paoloni angefreundet. Wir brauchten eine Weile, um das Eis mit ihm zu brechen, weil er sehr introvertiert ist, aber dann wurden wir unzertrennliche Freunde. Di Marco ärgerte Paoloni oft, der sich wie ein Tier auf ihn stürzte und ihn verfolgte, wobei er manchmal mit stumpfen Gegenständen nach ihm warf; ein Sketch, der oft wiederholt wurde. Heute ist Paoloni nicht nur ein hervorragender Designer, sondern auch einer meiner besten Freunde und Mitarbeiter seit dreißig Jahren; ohne ihn gäbe es die meisten meiner Arbeiten nicht... also danke, Pablo. Weitere Mitglieder der Band waren Fulvio Di Piazza und Rocco Dubbini: ihre Auftritte auf Partys sind unvergesslich. Dann war da noch Giorgio Piantini aus Arezzo, ein sehr sympathischer Toskaner, der uns immer begleitete. Wir hatten auch ein ausgezeichnetes Verhältnis zu den Professoren der Akademie wie Umberto Palestini, Cristina Marabini, Claudio Boccolacci, Gian Ruggiero Manzoni, Omar Galliani, Elio Marchegiani, Pino Mascia, Christian Cassar, Sergio Monari, Pier Paolo Calzolari, Sergia Avveduti, Sebastiano Guerrera und anderen. Sie alle haben zu unserer Ausbildung beigetragen, und jeder von ihnen hat uns etwas beigebracht, gerade weil sie so unterschiedlich waren. Was den Bekanntheitsgrad angeht, stand Pier Paolo Calzolari natürlich an erster Stelle, und einen Professor zu haben, den wir ein Jahr lang in Büchern studiert hatten, verlieh uns eine gewisse Spannung. Der Lehrer war ehrfurchtgebietend, es gab wenig zu scherzen und eine Menge zu lernen. Seine Stimme strahlte Energie, künstlerische Überzeugung und politische Kraft aus. Er unterstützte unsere Berufe voll und ganz und erzählte uns von seinem ’68er. Impazza angel artist", eines seiner historischen Werke, war eines unserer Mottos.

Wie kam es zu der Idee, an gepolsterten Bildern zu arbeiten?

Von meinem Haus in Brufa aus kann man Assisi und den Berg Subasio sehen, den mystischen Ort, an den sich der Heilige Franziskus zurückzog. Es hat eine weiche Form und das Design erinnert an die Linien von Burris Cellotex, die ich immer als umbrische Landschaften interpretiert habe. Ich stellte mir darin archäologische Ausgrabungen, Funde, Tunnel und Verstecke vor, die ich mit zweidimensionaler Malerei darzustellen versuchte. Ich schuf auf Leinwänden Gefäße für die Fundstücke, die ich mit Stoff umwickelte und dann mit Wachs und Pigmenten tränkte. Zu dieser Zeit faszinierten mich die enthaupteten Tiere von Pino Pascali, die Buckligen von Burri und die Extroflexionen von Castellani und Bonalumi. Dann kam die Zeit der Transavanguardia und der römischen Schule und aus Amerika kamen die Bilder von Jean-Michel Basquiat, Schnabel und Mike Kelley. Es schien, als hätte die Malerei nichts mehr mit der Mythisierung dieser jungen Giganten zu tun, und ich hatte das Bedürfnis, etwas Einzigartiges, Wiedererkennbares zu erfinden, das mich unabhängig machen würde. Indem ich viel mit Moosgummi experimentierte und hart arbeitete, entdeckte ich diese Technik, die ich im Laufe der Jahre immer wieder verwenden sollte. Ich kann also sagen, dass alles von der hypnotischen Energie von Subasio und der Summe meiner visuellen Erfahrungen bis dahin herrührt.

Wann und wie hast du Guido Carbone kennen gelernt und welche Erinnerungen hast du an ihn?

1995 nahm ich an einer Gruppenausstellung in Mondovì im Piemont mit Künstlern aus Cortona teil, wo ich Professor Mantovani kennenlernte, der an der Albertina-Akademie lehrte und mir sagte, dass ich unbedingt nach Turin fahren müsse, um meine Werke einigen wichtigen Galeristen zu zeigen, die er kenne, und dass er den Termin mit ihnen selbst vereinbaren würde. Meine Werke sahen auf Fotos nicht gut aus, also musste ich sie in echt zeigen, und so schmiedete ich einen teuflischen Plan mit einem befreundeten Maler aus Asti, Fabio Ballario. Während ich mich im Büro mit dem Galeristen unterhielt, sollte er die Werke schnell in der Galerie abliefern. Ich lud also die Werke ins Auto, verließ Perugia, holte Ballario in Asti ab und wir fuhren nach Turin. Die Termine waren bei Bertaccini, Paolo Tonin und Guido Carbone. Der Plan funktionierte bei Paolo Tonin, der mir bald eine Gruppenausstellung vorschlug, dann bei Bertaccini, wo ich zum ersten Mal Luca Beatrice traf, der mir etwas vorschlug, aber meine Aufmerksamkeit galt Carbone, diesem kultigen Galeristen, von dem schon seit einiger Zeit die Rede war, ein schwieriger Typ, sagten sie mir, ein harter Typ, der nicht wusste, wie er reagieren sollte. Er war im Büro, er war nervös, vielleicht beschwipst und fragte mich, wo das Buch sei, ich sagte, dass ich es nicht habe und dass ich die Werke mitgebracht habe, was ihn sofort verärgerte und er fragte mich, wo diese Werke seien, “in der Galerie”. Ich sage es ihm, und er steht nervös auf und geht in die Richtung, Ballario hatte schon alles aufgebaut, Guido sieht die Werke und ist begeistert, er fragt mich, ob ich einen Spritzer möchte, ich akzeptiere, dann ruft er einen seiner Sammlerfreunde an und ich höre ihn sagen, dass es etwas Interessantes gab. Ich hatte es geschafft. Carbone verliebte sich in meine Arbeit und beschützte mich mit aller Macht, er war ein echter Talentsucher, er hatte Gespür und er liebte und verstand Kunst. Er war ein Galerist und ein Vater, er beriet mich und erwartete immer mit experimentellem Mut Weiterentwicklungen von meinen Arbeiten. Wir waren eine Familie mit Laura Viale, seiner Partnerin, Stefano Pisano, Pierluigi Calignano, Maria Bruno, Francesco Lauretta und anderen. Als Guido starb, fühlten wir uns alle verloren, wir hatten unseren künstlerischen Vater verloren, der für uns gekämpft hatte.

Ihre frühen Werke waren sehr farbenfroh und zeitaufwändig. Hatten Sie damals Assistenten, die mit Ihnen zusammenarbeiteten?

Um diese Arbeiten zu machen, brauchte man Hilfe, es gab eine Nachfrage, also nahm ich Assistenten mit. Marco Brinci war mein historischer Assistent, mindestens zehn Jahre lang in meinem Atelier. Er war sehr erfinderisch und hat viel gearbeitet. Er erfand Maschinen mit Staubsaugern, um Schaumgummi zu formen, was den Arbeitsprozess erheblich beschleunigte. Mein Vater nannte ihn Archimedes. Brinci hatte ein Jurastudium absolviert, zog es aber immer vor, selbständig und kreativ zu arbeiten. Er interessierte sich für Spezialeffekte beim Film, Robotermechanik und Materialien wie Harze und Fasern. Er hatte ein Atelier mit einer Stahltür, die sich öffnen ließ wie die des Raumschiffs Star Trek, natürlich von ihm selbst gebaut. Nachdem er mit mir fertig war, verwirklichte er seinen Traum, für das Kino zu arbeiten, indem er mit dem Studio Stivaletti in Rom zusammenarbeitete. Wir sind immer noch gute Freunde. Es gibt aber auch externe Mitarbeiter, die schon seit Jahrzehnten mit mir zusammenarbeiten, wie Gianni für die Lackierung und Roberto für den Laserschnitt oder meine Lycra-Verkäufer, wir sind nach so vielen Jahren der Zusammenarbeit ein bisschen wie eine große Familie.

Wie hat sich Ihr Weg nach dieser ersten Phase entwickelt?

Nach jahrelanger Anwendung dieser Technik und der Entwicklung vieler Themen im Jahr 2005 gehe ich zu Lacken mit geometrischen Themen wie Targets, Rinks, Run-Doms und Cages über. Ich hatte meine erste Retrospektive im Palazzo Della Penna in Perugia, wo ich meinen bisherigen Weg präsentierte und das Publikum auf meine neue abstrakt-geometrische Periode vorbereitete. Kurz darauf präsentierte ich Cage bei Carbone.to, Hubble in der Seno Gallery und Rinks &Targets in der Trolley Gallery in London, und hier begann mein Bedürfnis, andere Ausdrucksmöglichkeiten zu erkunden. London war ein Traum, und der Besuch der Galerie gab mir die Möglichkeit, wichtige Künstler zu treffen und die Galerien des East End zu besuchen, die damals sehr in Mode waren. Die Briten inspirierten mich sehr in meinem Wandel, diese Mischung aus Viktorianismus und Anarchie war unwiderstehlich. Kurz darauf hatte ich eine doppelte Einzelausstellung in Mailand, Spariamo bang diventare invisibili in der Galleria Seno und im Studio Visconti, und Tutti gli insetti vengono da un altro pianeta in Havanna auf Kuba in der Galleria Villena, wo meine Überzeugung, etwas zu verändern, ernsthaft Fuß zu fassen begann, vor allem, nachdem ich die Ateliers der einheimischen Künstler besucht hatte, wo ich unglaubliche Werke sah, die zum Nulltarif und mit erhabenen Techniken hergestellt wurden. Ein großes Lob an die Kubaner, ein kultiviertes und in den Künsten gebildetes Volk. Ich schließe den abstrakt-geometrischen Zyklus auf dieser wunderbaren Insel, dem letzten revolutionären Widerstand auf dem Planeten, um sofort eine Flucht aus Italien zu planen und nach Berlin zu gehen, wo es die größte Künstlergemeinschaft der Welt gibt, und in dieser fantastischen Stadt, in der mich niemand kennt, kann ich endlich in völliger Freiheit neue Ausdruckswege erforschen.

Seit wann gibt es die Schriftbilder?

Die gepolsterten Schriftzüge begannen in Berlin mit Speed, und bald darauf machte ich Escape, das ich in der Einzelausstellung im Grimmuseum We don’t need enemies präsentierte. Eigentlich habe ich schon in den 1990er Jahren Schriftzüge verwendet, ich habe noch einen ’Shit’-Schriftzug von ’94, den ich nie präsentiert habe. Allerdings habe ich 2014 mit dem ersten Date on Fire damit begonnen, sie noch eindringlicher zu gestalten. Damals habe ich mir die Arbeiten von Christopher Woll angesehen und über die kommunikative Kraft von Boettis Wandteppichen nachgedacht, also habe ich nach Phrasen gesucht, die sowohl auf formaler Ebene funktionieren, aber vor allem auch eine kommunikative Wirkung haben... das war nicht einfach.

Woher stammen die Phrasen oder Slogans, die Sie in diesen Werken verwenden?

Das ist genau der Grund, warum ich eine Zusammenarbeit mit Davide Banda begonnen habe, der meiner Meinung nach einer der interessantesten Dichter überhaupt ist. Bella la folla, Il sole non ama Berlino, Quando vivo faccio finta di niente, Mario cammina come se fosse in spiaggia, Mai Ali, jeder, der einen guten literarischen Gaumen hat, versteht, dass wir es mit einem neuen Phänomen der zeitgenössischen hermetischen Poesie zu tun haben. Ich habe das Glück, mit ihm zu arbeiten. Es gibt auch meine Sätze Gib dir selbst Feuer, Feind des Stils, Was du von mir denkst bist du, aber er ist besser.

Ich habe den Eindruck, dass diese Werke im Vergleich zu den ersten radikaler sind, sowohl was den Inhalt als auch die Farbwahl betrifft?

Das kommt auf das Werk und die Stimmung an. Die visuelle Wirkung ist sicherlich weniger jugendlich im Vergleich zu den frühen Werken, die mit mehr oder weniger denselben Techniken entstanden sind, aber manchmal haben sie die gleiche Ironie und den gleichen Zynismus wie damals. Ich war schon immer hin- und hergerissen, ob ich die Leute erschrecken oder zum Lachen bringen soll. Ich unterscheide immer noch, ob ich tragische oder ironische Kunst mache. In der Malerei bin ich definitiv tragischer, aber ich habe auch viel Spaß dabei. Dann gibt es noch die Werke wie die Totenköpfe, Fiori di Pino und die Pistolen, die ich bei Spazio Rivoluzione in Palermo präsentiere und die Sammlerstücke sind, die auf meine frühen Werke zurückgehen.

Glauben Sie, dass Politik und Poesie zusammengehen können?

Auf jeden Fall. Poesie ist politisch, wenn sie von Menschlichkeit spricht, aber auch, wenn sie Gefühle über die Natur ausdrückt, so dass sie zu einem ökologischen, politischen Gedanken wird, wenn sie leidenschaftlich vom Leben eines anderen Volkes erzählt, was man als Inklusivität, Neugierde und Offenheit gegenüber anderen Kulturen bezeichnet, ist sie politisch.

In welche anderen Richtungen entwickelt sich Ihre Arbeit?

Im Grunde genommen führe ich seit vielen Jahren mehrere Zyklen durch, von denen einige sofort abgeschlossen sind, andere aber wiederkehren, wie zum Beispiel die Zeichnung, die ich schon immer praktiziert habe, aber auch die großformatige Malerei, dann gibt es all die fotografischen Arbeiten, gemalte Schriftzüge, Tierskulpturen, Polstermöbel, Tauchen, Videos, usw. Ich habe bisher viel geschaffen, ein großes Glück, dass ich die Möglichkeit hatte, mich auszudrücken, und ich hoffe, dass ich noch eine ganze Weile weitermachen kann, es gibt so viel zu sagen, und bis mir die Ideen ausgehen, mache ich weiter.

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