Die Renaissance-Fabrik in Vicenza: eine Ausstellung mit vielen Neuerungen. Interview mit Mattia Vinco

by Ilaria Baratta , published on 26/11/2021
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Vom 11. Dezember 2021 bis zum 18. April 2022 wird die Ausstellung La Fabbrica del Rinascimento. Kreative Prozesse, Markt und Produktion in Vicenza, kuratiert von Guido Beltramini (Direktor des Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio), Davide Gasparotto (Senior Curator of Paintings am J. Paul Getty Museum in Los Angeles) und Mattia Vinco (Forscher für Geschichte der modernen Kunst an der Universität von Trient). Zum ersten Mal zeichnet eine Ausstellung die Ereignisse der Renaissance in Vicenza anhand der Werke aller großen Künstler nach, die zu dieser Zeit in der Stadt tätig waren, von Palladio bis Veronese, von Jacopo Bassano bis Alessandro Vittoria. Es gibt viele Neuerungen: Mehrere Meisterwerke, die jahrhundertelang abwesend waren, werden in der Stadt wieder vereint, zum ersten Mal reflektiert eine Ausstellung über die venezianische Renaissance die Verflechtung der drei Künste, und vieles mehr. Über all das haben wir mit dem Kurator Mattia Vinco in diesem Interview von Ilaria Baratta gesprochen.

IB. Wie kamen Sie auf die Idee zu dieser Ausstellung, die fünfzig Jahre Kunst in Vicenza, von 1550 bis 1600, zum Thema hat?

Die Ausstellung ist das Ergebnis eines gemeinsamen Projekts von Guido Beltramini, Davide Gasparotto und Mattia Vinco, mit dem wir versucht haben, die wichtigsten Momente der künstlerischen Wiedergeburt von Vicenza im 16. Der Schwerpunkt lag auf bestimmten Ereignissen, die um das Jahr 1550 stattfanden und einen echten Wendepunkt für das historische künstlerische Umfeld von Vicenza darstellten. Bislang wurde die Epoche Palladios sozusagen enzyklopädisch" erzählt. Mit dieser Untersuchung und der daraus resultierenden Ausstellung wurde jedoch beschlossen, die entscheidenden Wendepunkte für das Verständnis des betreffenden Zeitraums hervorzuheben. Diese Renaissance ist nicht nur eine historisch-künstlerische, sondern auch eine wirtschaftliche und soziale Renaissance. Aus diesem Grund haben wir mit Hilfe des Wirtschaftshistorikers Edoardo Demo und der anderen Mitwirkenden des Katalogs versucht, auf mehreren Ebenen zu arbeiten und dabei auch den historischen Kontext zu berücksichtigen, in dem sich diese Künstler bewegten, nicht zuletzt den geistigen und religiösen Kontext, da die Stadt Vicenza zu den Städten Italiens gehörte, die am empfindlichsten auf die Forderungen der Reformation reagierten.

Was war der historische und kulturelle Kontext in Vicenza in jenen Jahren?

Das wichtigste Ereignis war sicherlich der Amtsantritt von Bischof Niccolò Ridolfi im Jahr 1543. Die Pfründe waren ihm 1524 verliehen worden, aber bis zu seinem Amtsantritt vergingen fast zwanzig Jahre. Im Idealfall ist Niccolò Ridolfi ein Bindeglied zum Rom von Leo X. und Clemens VII., in dem der bedeutendste Künstler von Vicenza in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts, der Goldschmied Valerio Belli, sein Glück gefunden hatte. Ridolfi war mütterlicherseits Mitglied der Medici-Familie und stand bereits 1518 in Briefkontakt mit dem größten Humanisten von Vicenza, Giangiorgio Trissino. Man kann sagen, dass die Niederlassung von Bischof Ridolfi eine gute Beschreibung für eine Stadt der zwei Geschwindigkeiten in der Mitte des Jahrhunderts ist. Der junge Andrea Palladio wurde mit der Aufgabe betraut, die ephemeren Dekorationen für seinen Eingang zu leiten und zu entwerfen, während ihre Ausschmückung Malern anvertraut wurde, die noch aus dem späten 15. Jahrhundert stammten, mit Ausnahme von Giovanni Battista Maganza, einem Freund von Palladio selbst und dem Humanisten Giangiorgio Trissino. Kurz gesagt, die Architektur erwies sich als viel aktueller als die anderen Bereiche, und insbesondere die Malerei, gerade wegen der frühen Präsenz von Jacopo Sansovino in Venedig und Giulio Romano in Mantua, die die wesentlichen Bezugspunkte für die Ausbildung des jungen Palladio darstellten.

Sie wird im Titel als die “Fabrik der Renaissance” bezeichnet. Die Bedeutung dieser Stadt zu jener Zeit wird durch die Anwesenheit einiger der größten italienischen Renaissancekünstler in Vicenza belegt, die auch Beziehungen zu anderen wichtigen Realitäten unterhielten. Welches waren die wichtigsten und welchen Beitrag leistete jeder von ihnen zur Kunst in Vicenza?

1551 (oder vielleicht schon 1547) kam Alessandro Vittoria, ein Bildhauer aus dem Trentino, der sich bereits in Venedig niedergelassen hatte, um sich der Werkstatt von Jacopo Sansovino anzuschließen, in die Stadt, um einige Räume im Palazzo Thiene, einem von Andrea Palladio entworfenen Gebäude, zu dekorieren. Vittoria brachte eine völlig neue Sensibilität in seine Stuckarbeiten ein, die auf Primaticcios Erfahrungen in Fontainebleau beruhte, und eine Neuinterpretation des Lexikons von Michelangelo in einer dekorativen Tonart. 1552 malte Paolo Veronese einige Fresken, die leider verloren gegangen sind, in einem anderen palladianischen Palast, dem von Iseppo Porto, dem Ehemann von Livia Thiene, dessen großartiges Porträtpaar er ebenfalls malte; außerdem wurde der Vicentiner Architekt Palladio 1549 beauftragt, die Basilica Palladiana (Ausstellungsort) zu restaurieren und neu zu gestalten und den Palazzo Chiericati zu entwerfen, der mit seinem von Säulen getragenen Portikus vielleicht die größte Neuheit seiner Sprache darstellt. In der Provinz Vicenza schließlich, in Bassano, entdeckte Jacopo da Ponte in jenen Jahren die Kunst von Parmigianino wieder, ganz parallel zu Veronese und Vittoria.

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Der Künstler, der das Gesicht von Vicenza am stärksten veränderte, war Andrea Palladio, der sich in seiner Architektur an der Antike orientierte. Welchen Beitrag leistete Palladio für die Stadt Vicenza und welche Beziehung hatte die Stadt zur Antike?

Im Gegensatz zu Verona oder Pola gibt es in Vicenza nur wenige antike Überreste, obwohl das römische Theater von Berga im 16. Jahrhundert besser zu erkennen war als heute. Die Beziehung der Stadt zur Antike ist also eher konzeptionell als physisch, man könnte sagen, ähnlich wie das Interesse eines Petrarca oder eines Dondi dell’Orologio an den materiellen Aspekten des antiken Lebens: es ist kein Zufall, dass Bücher wie Leonardo Portos De sestertio (1520), die erste Studie über antike Münzen, und Giulio Barbaranos Promptuarium (1569) veröffentlicht wurden. Diese Spannung, die Antike “wiederzubeleben”, findet ihre erste Konkretisierung mit der Berufung von Giulio Romano in die Stadt durch den Stadtrat und, wie gesagt, mit der Aufstellung der ephemeren Apparate für Ridolfis Einzug, bestehend aus Triumphbögen, antiken Tempelpronaos, Obelisken, Kolossalstatuen und Hell-Dunkel-Malereien. Dieses ephemere Vicenza “all’antica” nimmt die Richtung von Palladios Tätigkeit in den folgenden Jahrzehnten vorweg, die sich der Umwandlung der “alten Sitten” der gotischen Gebäude seiner Stadt in öffentliche und private Gebäude nach dem Vorbild der Architektur des antiken Roms widmet. In den folgenden Jahrzehnten scheint es, als ob der Festapparat aus Holz und Stuck versteinert und dauerhaft wird, und dies ist ein Schlüssel zur Erklärung, warum Palladios Bauten in Vicenza deutlich figurative Merkmale aufweisen, echte sprechende Architekturen mit ihren Geschichtstafeln, Stuck und Statuen, die im Veneto des 16. Jahrhunderts beispiellos sind. Das Olympische Theater, das letzte Werk Palladios, das nach seinem Tod im August 1580 unvollendet blieb, scheint ein unumgängliches Ziel zu sein. Die Struktur der Bühne ist triumphal, sprechend, beherrscht von Flachreliefs der Geschichten des Herkules und von den Statuen der Akademiker, die in altmodischer Kleidung gekleidet sind, um sich als Römer darzustellen.

Wie ist die Ausstellung aufgebaut und welche Aspekte wollen Sie besonders hervorheben?

Die Ausstellung ist in drei Abschnitte gegliedert: Der erste, bereits erwähnte, ist der künstlerischen Wiedergeburt der Stadt um 1550 gewidmet. Der Besucher lernt sofort die Persönlichkeiten (Mäzene und Künstler) kennen, die ihn auf dieser Reise begleiten werden. Unter den Mäzenen haben wir diejenigen ausgewählt, die uns am bedeutendsten erschienen: in erster Linie das Ehepaar Porto, das mit der Leihgabe der Leinwand mit Iseppo Porto aus den Uffizien und Livia Thiene aus dem Walters Art Museum in Baltimore zum ersten Mal in Vicenza zusammenkommt. Ihnen zur Seite steht ein weiteres berühmtes Paar aus Vicenza, das Ehepaar Gualdo di Giovanni Antonio Fasolo von der Pinacoteca Civica di Palazzo Chiericati, um auf diese Weise das allzu oft vergessene lokale Erbe aufzuwerten. Die vier Künstler, die die Wiedergeburt der Stadt symbolisieren, werden unmittelbar danach mit Werken von höchster Qualität vorgestellt: die außergewöhnliche Leihgabe derSalbung Davids aus dem Kunsthistorischen Museum in Wien von Paolo Veronese, die im Hintergrund ein Gebäude zeigt, das an die palladianische Basilika erinnert; die erste antike Büste von Alessandro Vittoria, die den Juristen Giovanni Battista Ferretti aus Vicenza darstellt, ein Auftrag, der ihm von Daniele Barbaro anvertraut wurde, der kurz darauf Palladio und Veronese mit ihrem Meisterwerk, der Villa in Maser, beauftragte; dieAnbetung der Hirten von Jacopo Bassano, die uns zeigt, wie er sich in diesen entscheidenden Jahren die parmesanische Kunst aneignete; ein Modell des Palazzo Chiericati, ein revolutionäres Werk von Andrea Palladio, das 1550 in Auftrag gegeben wurde. Im zweiten Teil werden einige wichtige Themen des Schaffensprozesses dieser vier großen Künstler, die das Gesicht der Stadt und der Region Vicenza veränderten, untersucht: Wir sehen, wie Palladio die Antike in seinen Projekten untersucht; wie Bassano einen Stich von Agostino Veneziano aus dem “Spasimo di Sicilia” für seinen Christus mit dem Kreuz im Fitzwilliam Museum in Cambridge verwendet; wie Veronese, ausgehend von einer Zeichnung von Parmigianino, eines seiner Meisterwerke, die Madonna mit Kind und Heiligen in der Pinacoteca di Palazzo Chiericati, zum Leben erweckt. Auch hier handelt es sich um ein bedeutendes Werk des städtischen Erbes, das dank der Leihgabe der Zeichnung des großen emilianischen Künstlers durch das Teylers Museum in Haarlem zweifellos in einem neuen Licht erscheinen wird. Das Thema des kreativen Prozesses wird aber auch unter dem Gesichtspunkt des Übergangs vom Projekt zum fertigen Werk untersucht. Aus diesem Grund wird es interessant sein, die Zeichnungen von Veronese und Palladio, die als ein System von kontinuierlichen Varianten konzipiert sind, und die Zeichnungen von Jacopo Bassano, die sich auf eine einzige Figur konzentrieren und in der so genannten Pastorale (“Das weiße Pferd” ) im Museum der Schönen Künste in Budapest verwendet werden, näher zu betrachten. Ein neues Merkmal der Ausstellung ist die Konzentration auf Skizzen und Modelle, ein neues Instrument, das von den Künstlern des 16. Jahrhunderts sowohl aus inneren als auch aus äußeren Gründen der Gestaltung verwendet wurde, die mit der Präsentation vor Kunden zusammenhingen. Schließlich wurde der kreative Prozess auch auf der gegenüberliegenden Seite untersucht, nämlich bei der Reproduktion. In der Renaissance und allgemein in der vorromantischen Epoche wurde dem Begriff der Originalität keine allzu große Bedeutung beigemessen. Der Fall wird durch die beiden Anbetungen der Heiligen Drei Könige aus dem Barber Institute of Fine Arts in Birmingham und dem Kunsthistorischen Museum in Wien veranschaulicht: beides Meisterwerke höchster Urheberschaft von Jacopo Bassano und gleichzeitig Repliken derselben Idee. Eine weitere Vertiefung ist der Bedeutung des Zeichnens nach Skulpturen gewidmet, einem unverzichtbaren Werkzeug, um die dreidimensionale Darstellung eines Objekts zu erlernen: In einem sehr theatralischen und suggestiven Rahmen wird das Porträt eines Künstlers von Palma il Giovane aus dem Museum von Birmingham, dessen Hintergrund von antiken, damals sehr berühmten Skulpturen geprägt ist, die von venezianischen Künstlern als Modelle verwendet wurden, von denselben Marmoren, Gipsabgüssen und Zeichnungen umgeben sein, die auch im Gemälde dargestellt sind. Der dritte Teil ist hingegen eine umfassende Reflexion über den Kunstmarkt und vor allem über die Kosten der Kunst in der Renaissance: Heute neigen wir dazu, die Bedeutung des Rohmaterials bei der Bewertung eines Kunstwerks zu unterschätzen, die absolut größer ist als bei der zeitgenössischen Kunst. Man denke nur an die digitalen Werke, die auf den letzten Auktionen alle Rekorde brechen! Das war in der Renaissance nicht der Fall. Anhand einiger gut dokumentierter Werke aus dem Rechnungsbuch der Werkstatt von Bassano haben wir versucht, sie mit anderen, heute weniger beachteten Werken zu vergleichen, wie dem Bergkristallkreuz von Valerio Belli aus den Vatikanischen Museen, dem Wandteppich von Andrea Schiavone nach einem Entwurf für die Basilica Marciana usw., aber auch mit den antiken römischen Marmoren aus der Sammlung Bevilacqua in Verona, damals wahrscheinlich die bedeutendste auf dem venetischen Festland. Das Ergebnis war überraschend. Um nur ein Beispiel zu nennen: Eines der faszinierendsten venezianischen Gemälde im Louvre, Jacopo Bassanos Porträt zweier an einen Baumstamm gebundener Hunde, kostete einen lächerlichen Betrag, nur weil es ein kleines Gemälde mit wenigen Figuren war.

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Welche Neuerungen bietet die Ausstellung? Ein wenig beachteter Aspekt, den diese Ausstellung präsentieren will, hat gerade mit dem Kunstmarkt zu tun. Können Sie diesen Aspekt näher erläutern?

Die dritte Sektion stellt ein Novum dar, denn die Bedeutung der Kunstwerke wird durch die “Visualisierung” ihres sozialen und wirtschaftlichen Wertes ergänzt. Diese graphisch unterhaltsam und ansprechend gestaltete Übersicht ist das Ergebnis einer wirtschaftsgeschichtlichen Studie über die damalige Gesellschaft, die von Edoardo Demo mit Hilfe von Giulio Ongaro durchgeführt wurde. Um den Wert von Kunstwerken in der vorindustriellen Gesellschaft, d. h. in einer Gesellschaft, die mit der unseren kaum vergleichbar ist, extrem zusammenzufassen, wurde als Vergleichsgröße eine weit verbreitete Ware wie das “mezanotto”-Schwein, d. h. ein Schwein mit einem mittleren Wert von etwa 3 Dukaten, herangezogen. Auf diese Weise wird es möglich sein, verschiedene Arten von Gegenständen, ein Buch, ein Hemd usw., schnell mit Kunstwerken zu vergleichen und sofort zu verstehen, wie sie damals bewertet wurden.

Welches sind die wichtigsten ausgestellten Werke?

Es gibt viele wichtige Leihgaben, und es wäre falsch, wenn eine Institution nur einige davon nennen würde. Es genügt zu sagen, dass die Museen, die unserem Projekt ihr Vertrauen geschenkt haben, zu den wichtigsten der Welt gehören. Sicherlich wird die Ausstellung eine einmalige Gelegenheit bieten, wie wir schon sagten, die Porträts von Herrn und Frau Porto aus den Uffizien und der Walter Art Gallery in Baltimore zu sehen, die zum ersten Mal nach Vicenza gebracht wurden; die beiden Anbetungen der Heiligen Drei Könige von Bassano aus Birmingham und Wien, ’identische’ Meisterwerke, Seite an Seite zu sehen. Unter diesen Werken verdient jedoch die Skizze der Judith mit dem Kopf des Holofernes aus dem Soumaya-Museum in Mexiko-Stadt besondere Erwähnung, auf die uns Xavier Salomon, stellvertretender Direktor der Frick Collection in New York, großzügig hingewiesen hat. Es handelt sich um ein Werk, das seit langem bekannt ist, aber aufgrund seines Standorts von der Wissenschaft weitgehend vergessen wurde. Die Möglichkeit, es im Vergleich zu dem monumentalen Gemälde im Palazzo Rosso in Genua zu betrachten, wird es uns sicherlich erlauben, unsere Kenntnisse über Paolo Veronese, einen der größten Künstler des Veneto des 16.

Abschließend möchte ich drei Gründe nennen, warum das Publikum die Ausstellung sehen sollte.

Ein erster Grund, der trivial erscheinen mag, ist die Tatsache, dass zum ersten Mal in einer Ausstellung über die venezianische Renaissance ein enger Dialog zwischen den drei Künsten - Architektur, Malerei und Bildhauerei - zu sehen ist. Etwas Ähnliches war nur mit der Ausstellung The Genius of Venice 1500-1600 in den Jahren 1983-1984 versucht worden, ohne dass Architekturzeichnungen in den Sälen der Royal Academy of Arts in London gezeigt wurden. Zweitens wird es möglich sein, dem kreativen Prozess dieser großen venezianischen Künstler auf den Grund zu gehen und die Berührungspunkte und Unterschiede in ihrer Art des Erfindens zu bewundern. Und schließlich, und das ist vielleicht das Wichtigste, werden Sie ein größeres Bewusstsein für die Kosten und den Wert der Kunst in der damaligen Gesellschaft entwickeln, als wir es heute kennen. Es handelt sich jedoch nicht nur um eine rein wirtschaftliche Analyse, sondern auch um eine Betrachtung der Kunstwerke als wertvolle Zeugnisse des sich im Laufe der Jahrhunderte verändernden Geschmacks.

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