Die Kunst von Daniele Bacci: "Ich finde meine Freiheit in der obsessiven Wiederholung".

Daniele Bacci (Lucca, 1975) lebt und arbeitet in Lucca. Seine künstlerische Forschung konzentriert sich seit jeher auf das Paradox von Willkür und Freiheit und beschreibt eine illusorische Realität, die immer gleich ist und aus geraden Linien besteht, die unseren Blick, unseren Geist und unsere Existenz gefangen halten. Zu seinen Einzelausstellungen gehören: It’s Sunday and I have nothing to do. Non ho neanche voglia di sognare, Piano Nobile, Pistoia (2024); Permutazioni - One After Another, Artcore, Bari (2016); Il suono della conchiglia, Gedok, München (2011); Daniele Bacci, T293, Neapel (2003). Seine Arbeiten wurden auch in zahlreichen Gruppenausstellungen gezeigt, darunter: La pittura geometrica contemporanea italiana, Spazio Bedeschi, Verona (2024); Sparta (Sulla pittura in Italia), Villa Gori di Stiava, Lucca (2023); La peinture, une bonne resolution, Vis-à-vis gallery, Metz (2022); Intérieur/Extérieur, puzzle>pzzl, Ville de Thionville (2020); Non ho fatto io la sedia il tavolo il foglio la penna con la quale io scrivo..., Museo d’Inverno, Siena (2019); Heavenly Creatures, Kunsthalle, Merano (2019); Ixion, MAC, Lissone (2018); Awakening Room, The Others, Turin (2018); Schwarz-weiß-grau, Kunstraum, München (2016); Ciò Ciò che l’apparire lascia trasparire, MAC, Lissone (2014); Niente da vedere tutto da vivere, Istituto del marmo, Biennale di scultura, Carrara (2010), Z4 marginal zone, Villa Ockenburgh, Den Haag (2008); Luogo/nonluogo=nuovo luogo, Fondazione Antonio Ratti, Como (2003). In diesem Gespräch mit Gabriele Landi spricht Bacci über seine Kunst.

GL. Für die meisten Künstler stellt die Kindheit das goldene Zeitalter dar, in dem sich die ersten Anzeichen einer gewissen Neigung, zur Kunstwelt zu gehören, abzeichnen. War das auch bei Ihnen der Fall?

DB. Ich hatte als Kind nicht den Blitz auf dem Damaskusweg zur Kunst. Das einzige Künstlerische, an das ich mich aus dieser Zeit erinnere, ist das Zeichnen von Objekten, die ich erfunden und mit Lego gebaut habe. Ich half mir mit kariertem Papier, um die Erhebungen, die Fassaden der Objekte zu skizzieren, damit ich einen Plan hatte, um sie wieder aufzubauen, wenn sie zerstört waren. Da ich nicht wusste, wie man axonometrisch, geschweige denn perspektivisch zeichnet, füllte ich im Alter von acht oder zehn Jahren Blätter mit diesen Bildern, die ich dann in einer Schublade verschlossen hielt. Vielleicht ist das der Grund, warum ich schon immer eine Vorliebe für Architektur und geometrisches Zeichnen hatte. Die Malerei faszinierte mich in meinen frühen Zwanzigern, als ich zwar an der Fakultät für Architektur eingeschrieben war, aber meine Tage hauptsächlich an der Akademie der Schönen Künste verbrachte, wo ich einige Freunde und ehemalige Klassenkameraden vom Kunstinstitut traf, die dort eingeschrieben waren. So begann ich, die Schule von Professor Gianfranco Notargiacomo und Stefano Rogai zu besuchen, und wurde von der Luft, die man dort atmete, gefangen genommen: eine anarchische Luft. Die Tür zu diesem Klassenzimmer stand immer offen, man konnte ungestört eintreten, hineinschauen und sich in Ruhe unterhalten. Meine Liebe zur Malerei im engeren Sinne entstand also im Grunde genommen, weil ich in der Architektur den Galgen gemacht habe. Diese Malschule wurde unter anderem auch von Sisley Xhafa, David Casini, Gianluca Malgeri, Silvia Papucci und später von Michael Rotondi besucht.

Hatten Sie, wie viele, eine erste künstlerische Liebe?

Ich habe viele gehabt. Einige habe ich im Laufe der Zeit verraten und andere sind nach Momenten des Vergessens wieder zurückgekehrt. Sicherlich war Umberto Boccioni, zusammen mit dem Futurismus, eine meiner ersten Lieben. Ich habe schon immer viel geplündert, und viele meiner Arbeiten, wenn nicht sogar alle, enthalten präzise Bezüge zu einer Vielzahl von Künstlern, Architekten, Dichtern und Schriftstellern.

Welche Studien haben Sie gemacht?

Ich habe ein reguläres Studium absolviert. Ich habe am Kunstinstitut Passaglia" in Lucca Architekturdesign studiert, und es war ganz logisch, dass ich mich an der Fakultät für Architektur der Universität Florenz einschrieb. Danach habe ich, wie bereits erwähnt, die Akademie der Schönen Künste in Florenz besucht und mich dort eingeschrieben.

Gab es wichtige Begegnungen während Ihrer prägenden Jahre?

Es gab viele Begegnungen in diesen Jahren, und viele waren wichtig. Besonders in Erinnerung bleiben wird mir die Begegnung mit Richard Nonas in der Stiftung Antonio Ratti in Como im Rahmen des Fortgeschrittenenkurses für Bildende Kunst. Er war und ist ein Künstler, aber vor allem ein menschlicher, aufrichtiger und authentischer Mensch. Das war seine Lektion. Und sie hat sicherlich auch meine Herangehensweise an den Raum verändert. Nonas war beeindruckt von einem Video von mir, Corner, in dem eine Person auf einem Stuhl sitzt und in die Ecke des Raumes schaut. Oberflächlich betrachtet schien er sich nicht zu bewegen, aber erst bei genauerem Hinsehen konnte man eine frenetische und obsessive Bewegung seiner Beine erkennen. Als ich mich mit ihm verglich und über Raum und Ort, die Themen seines Kurses, nachdachte, führte ich eine Aktion durch, bei der ich in einem Spalt der Kirchenapsis eingesperrt war, die Türen ließen sich nicht öffnen, weil sie verschlossen waren, während ich versuchte, in andere Räume zu gelangen. Diese Erfahrung half mir zunächst, aufrichtig auf andere zuzugehen, den Raum um mich herum zu verstehen und zu lesen. Außerdem wurde das Seil, mit dem die Türen verschlossen wurden, von Nonas gebunden, weshalb ich es im Atelier immer noch eifersüchtig bewache.

Abgesehen davon, dass sie ein wichtiger Teil Ihrer Ausbildung ist, wie hat sich die Architektur in Ihrer Arbeit niedergeschlagen?

Ich habe Architektur schon immer geliebt, um einen Satz von Gio Ponti zu zitieren. Was mich schon immer an der Architektur und auch an der Stadtplanung fasziniert hat, ist das Gefühl der Freiheit, das sie repräsentieren möchte und das sie zu verbreiten versucht, die Zwänge und Beschränkungen, die sie stattdessen festlegt und organisiert. Schulen, Universitäten, Kolonien, Büros, Fabriken und Städte sind so gestaltet, dass sie Unabhängigkeit vermitteln, aber letztendlich einengen und isolieren. Da ich kein Architekt bin, habe ich begonnen, das zu stehlen, was mich an den Meistern faszinierte: Indem ich die architektonischen Formen darstellte, die ich wollte und die mir helfen konnten, zu sprechen, zu sagen, was ich dachte und worüber ich nachdachte, und indem ich über die Zwänge nachdachte, die die Gesellschaft uns auferlegt, begann ich, Schulgebäude darzustellen. Die abgebildeten Gebäude sind in den 1920er, 1930er und 1940er Jahren entworfen oder gebaut worden. Ich habe mich für die Architektur des Rationalismus entschieden, weil sie in einer Zeit entstanden ist, die von Nationalismus und totalitären Regimen geprägt war, die versuchten, einen neuen Menschen zu formen. Aber die Situation ist heute gar nicht so anders. Pier Paolo Pasolini sagte 1974 in einem Interview in Anlehnung an die vom faschistischen Regime angestrebte Stadt Sabaudia, dass es die Konsumzivilisation sei, der es gelungen sei, die Homologation zu vollziehen, die der Faschismus nicht geschafft habe. Hier habe ich versucht, diese Worte zu bearbeiten und sie als Leuchtfeuer zu erhalten.

Können Sie diese Arbeiten näher erläutern?

Die Architekturen sind Karteikarten, aber gleichzeitig sind es völlig ausradierte Landschaften. Die Architekturen sind in der Tat in ein milchig-weißes Titan getaucht. Die Gemälde sind sehr essenziell und zeichnen sich durch Farbvariationen im Graubereich aus, die die verschiedenen Oberflächen der dargestellten architektonischen Formen hervorheben. Die Sujets sind architektonische Volumen, die von jeglicher Infrastruktur befreit sind und zu minimalen und reinen Formen werden. Diese architektonischen und strengen Formen heben sich auf der Leinwand ab und wirken wie fremde und bedrohliche Objekte. Der Innenraum ist völlig eingeschlossen und bereit zu explodieren, was den Zwang und das Streben nach Freiheit unterstreicht. Mein gesamtes Werk, nicht nur die Architektur, spricht von der Beziehung zwischen dem Wachstum und der Existenz des Individuums und der von der Gesellschaft auferlegten Enge. In der Installation Controlled revolution wurde ein Gemälde, das den Velasca-Turm darstellt, hoch oben an der Wand angebracht, um den Effekt der Ehrfurcht und die Kontrolle, die die Architektur täglich auf die Stadt ausübt, zu reproduzieren. Dies wurde durch das Wurzelmuster an der Wand und am Boden unterstrichen, das die Rippen der tragenden Struktur des Wolkenkratzers verlängerte. Ein Lichtdesign, das den Betrachter umgibt und einschließt.

Hat die Zeichnung eine Bedeutung für Sie?

Die Zeichnung ist ein Medium, das ich schon immer benutzt habe, und ich benutze es, wann immer ich es brauche. Ich habe es immer geliebt, auch wenn ich es nicht in großem Maßstab eingesetzt habe. Für die Architektur-Serie wird sie zu einem grundlegenden Element, um mein Denken zu entwickeln. Die Zeichnungen von kleinen Sträuchern, die direkt auf die Wand gezeichnet werden, kontrastieren mit den Gemälden der strengen, monolithischen Architektur. Bilder von Bäumen, die scheinbar in die Höhe ragen, aber nur dank eines Stocks, der sie stützt, so sind.

Welche Rolle spielt das Licht in Ihrem Werk?

Das Licht ist für den Maler, also für die Farbe und die Farben, sicherlich von grundlegender Bedeutung. Ich verwende oft metallische Acrylfarben, die durch Lichteinwirkung verblassen und sich verändern, wodurch die Darstellung in Bewegung gerät. Das Licht wird somit zu einem integralen Bestandteil des Werks.

Ihr Werk ist eine sehr seltene Malerei, die fast durch Subtraktion entsteht: Können Sie Ihren Arbeitsprozess beschreiben?

Ich weiß nicht, was Sie mit verdünnt meinen, vielleicht, dass es einen Eindruck von Unsterblichkeit und Raffinesse vermittelt? Vielleicht das Fehlen von Pinselstrichen? Letztlich ist mein Werk einfach. Ich trage die Farbe mit dem Pinsel auf, auf der Suche nach einem scheinbaren Mangel an Geschicklichkeit, immer um meine Recherche zu präzisieren. Ich habe meine Malerei immer als rigoros und etwas klösterlich empfunden. Obwohl ich Acryl- und Vinylfarben verwende, geht meine Malerei langsam vonstatten, das Auftragen der Farbe braucht Zeit, verbunden mit Pausen und Warten.

Welche Bedeutung haben die Farben für Sie und wie wählen Sie die Kombinationen aus?

Die Wahl der Farben ist wichtig, um nicht zu sagen grundlegend: Sie sind eine Reflexion über Gesellschaft, Architektur und Landschaft. Meine Projekte sind eine Synthese aus diesen Themen und den Beziehungen und Impulsen, die sich aus dem Kontext ergeben, in dem ich lebe. Sie sind Beispiele für meine Spaziergänge. Die Auswahlarbeit beginnt außerhalb des Ateliers und setzt sich dann im Inneren fort. Ich wähle die Bilder aus, die ich gesammelt habe, oder ich klammere mich an die Impulse und meine Erinnerungen, ich wähle einige Farben aus und beginne dann mit einer weiteren Sortierung der Farbtöne zu malen.

Verwenden Sie die Farben so, wie Sie sie kaufen, oder mischen Sie sie zusammen?

Meine Arbeit ist rational und rationalistisch, und ich verwende handelsübliche Farben direkt aus der Dose oder Tube, ohne zu mischen oder zu lasieren. Ich habe immer Acryl- und Vinylfarben bevorzugt, weil sie leicht aufzutragen sind und weil sie meine Forschung unterstützen.

Früher oder später, so glaube ich zumindest, müssen sich alle Künstler mit Schwarz abfinden... und Sie?

In diesen fünfundzwanzig, dreißig Jahren der Malerei habe ich einige schwarze Bilder gemalt. Nicht viele, nur die, die nötig waren. Das letzte Bild Maybe one morning going into a glass air im Jahr 2023, das eine Abstraktion eines Gesichts darstellt, war das erste Bild, das das Projekt meiner letzten Einzelausstellung eröffnete. Es ist Teil der Serie Nothing Special: Es ist eine kleine und völlig dunkle Leinwand, die wie ein Monochrom aussieht, aber im Inneren in vier dreieckige Räume unterteilt ist, die nur bei genauem Hinsehen erkennbar sind. Vier helle Linien, die durch die Verklumpung von Pigmenten entstehen.

Die Größe der Streifen, die Sie malen, ist immer gleich: Wodurch wird sie bestimmt?

Wie ich bereits gesagt habe, ist mein Werk ein rationales Werk. Ausgehend von der Idee der Homologation habe ich mich dafür entschieden, das Bild in 5 cm breite Streifen zu unterteilen, um die gesamte Fläche des Bildes zu bedecken. Die Wahl der Leinwände wird in der Tat nur durch die einfachsten auf dem Markt erhältlichen Größen bestimmt. Ich habe mich für bestimmte Formate entschieden, auf denen mein Werk auf organischere Weise Gestalt annimmt. Diese Regelmäßigkeit, diese grafische Form ist in meinem Werk immer präsent gewesen. In meiner ersten Einzelausstellung in der Galerie T293 in Neapel war zum Beispiel eine wandfüllende Fotografie eines Pappelhains zu sehen, eines von Menschenhand angelegten Waldes für die Holzproduktion: Die Bäume stehen in gleichem Abstand zueinander, um das Wachstum jeder einzelnen Pflanze zu optimieren und zu erleichtern, perfekt vertikale Bäume ohne jede Art von Unvollkommenheit. Dieses Bild unterscheidet sich nicht von den Streifen, die ich gestern gemalt habe.

Achten Sie besonders auf die Größe der Leinwände, auf denen Sie malen? Interessieren Sie sich für den Goldenen Schnitt und alle Aspekte, die er mit sich bringt?

Die Dimensionen der Leinwände werden nur von denjenigen bestimmt, die am meisten verkauft werden. Alle Serien außer der Architektur-Serie haben eine bestimmte Größe. Da ich Künstler wie Judd, Baer, Truitt, McCracken, Carrino und Flavin sehr schätze, habe ich es immer verstanden und bevorzugt, meine Arbeit in Modulen zu entwickeln. In der obsessiven Wiederholung von Strukturen kann ich meine Freiheit finden. Der Goldene Schnitt? Er hat mich schon immer fasziniert, aber ich habe ihn nie explizit genutzt.

Wie gehen Sie bei einer Ausstellung vor? Wie wichtig ist die Beziehung, die zwischen den verschiedenen Werken entsteht, die Sie zusammen ausstellen wollen?

Ich habe meine Arbeit immer als ein einziges Werk verstanden. So stehen alle Werke in Wechselwirkung und Dialog miteinander, um meine Beobachtungen, Gedanken und Obsessionen zu beschreiben. Ich betrachte meine Werke als zeitgenössisch in dem Sinne, dass sie alle zur gleichen Zeit für mich entstanden sind. Für mich gibt es keine früheren oder späteren Werke, auch wenn sie chronologisch gesehen in weit auseinander liegenden Jahren entstanden sind. Der Raum der Ausstellung ist wichtig, deshalb sind einige Werke besser geeignet als andere.

Interessieren Sie sich für die Idee der Inszenierung der Werke?

Wenn Sie mit “Inszenierung” die Art und Weise meinen, wie ich meine Werke installiert haben möchte, würde ich mit Ja und Nein antworten. Bei einer der letzten Gruppenausstellungen, an der ich teilgenommen habe, wurde ich vom Kurator kontaktiert, weil ihm während der Installation eine Diskrepanz zwischen den zugesandten Bildern und dem Installationsplan aufgefallen war. Die Gemälde waren anders angeordnet. Ich erklärte, dass ich mir meine Bilder immer frei vorgestellt habe. Die farbigen Bänder haben in der Tat keine wirkliche Richtung. Die Fotos der Werke sind nur eine Hypothese eines wahrscheinlichen Platzierungsvorschlags. Es ist plausibel, dass einige Werke eher vertikal als horizontal angeordnet sind, aber die Möglichkeit, das Gemälde auf die eine oder andere Weise zu platzieren, ist nicht ausgeschlossen. Das ist sogar genau das, was ich anstrebe!

Der Titel ist wie eine zusätzliche Farbe, sagte Duchamp: ist das auch bei Ihnen so?

Als ich mit dieser Arbeit begann, stellte ich mir immer Titel für meine Werke vor, aber ich schloss sie für das eher missbräuchlich verwendete ’ohne Titel’ aus. Ich glaubte, auf diese Weise der bildlichen Darstellung auf der Leinwand mehr Vertrauen und Wirksamkeit zu verleihen. Die ’untitled’ Werke erhielten nur einen Hinweis auf die Installation oder Ausstellung, in der sie ausgestellt wurden. Und es kam vor, dass dieselben Werke, die in verschiedenen Ausstellungen gezeigt wurden, nach dem einfachen “ohne Titel,...” den Titel wechselten. In den letzten Jahren habe ich jedoch viel häufiger über die Titel meiner Werke nachgedacht. Auch weil ich meine Arbeit nie als kalt und kalkuliert, sondern eher als poetisch empfunden habe. Zum Beispiel in meiner letzten Einzelausstellung It’s Sunday and I have nothing to do. Ich will nicht einmal träumen, die ich in Pistoia im Piano Nobile abgehalten habe. Die Titel der Werke, die der Reihe nach gelesen wurden, ergaben ein Gedicht, einen Spaziergang durch die ausgestellten Bilder, die eine einzige Installation bildeten. Das gesamte Projekt regt zum Nachdenken über unser tägliches Leben an.

Wenn Sie malen, arbeiten Sie dann immer nur an einem Bild oder arbeiten Sie an mehreren gleichzeitig?

Ich habe immer an mehreren Werken und verschiedenen Serien gleichzeitig gearbeitet. Tatsächlich habe ich, wie bereits erwähnt, jedes meiner Werke als austauschbar definiert. Die Serien sind alle offen, auch wenn einige auf Stand-by bleiben, wie es bei den Architekturen der Fall ist. Andere werden mit der Zeit ergänzt, bleiben aber meiner Annahme treu.

Wie wichtig sind die Kategorien Zeit und Raum in Ihrem Schaffen?

Der Raum war für mich immer ein Element der Beziehung zwischen dem Individuum und der Architektur. Zwei Kategorien, die in den letzten Jahren in meiner Arbeit immer präsenter geworden sind. Früher habe ich über Zeit und Raum nachgedacht, aber ich glaube, das hat sich nicht so entwickelt, wie ich es wollte. Der Wendepunkt war 2020 für alle Ereignisse, die sich ereigneten. Die Werke, zusammen mit den Titeln, schlossen und öffneten gleichzeitig mein Werk. Ich habe schon immer gerne alles gelesen, ich bin ein besessener Leser und liebe es, mich mit Büchern zu umgeben, in ihnen zu blättern, sie zu genießen, Zitate und Sätze zu stehlen. All das hat dazu beigetragen, dass meine Arbeit ein größeres Bewusstsein für Zeit und Raum entwickelt hat.

In diesem Zusammenhang wollte ich Sie bitten, über die Aktion zu sprechen, die Sie jeden Tag auf Facebook durchführen: Seit mehreren Jahren posten Sie jeden Morgen etwa zur gleichen Zeit das Bild von Bill Murray aus dem Film Groundhog Day,wie er um 6.00 Uhr morgens aufwacht .

GroundhogDay ist eine Komödie, die ich sehr liebe, und Bill Murray finde ich einfach fantastisch. Die Idee von Routinen, die schwer zu durchbrechen sind, die täglichen Rhythmen, die sich immer wiederholen, sind immer Teil dessen, was ich mit Kunst und insbesondere mit Malerei zu verifizieren versuche. Die Veröffentlichung begann am 3. Februar 2021. Das sind mehr als 1.400 Veröffentlichungen desselben Bildes. Die mit dem Beitrag von Facebook durch Erinnerungen exponentiell ansteigen. Das ist meine Arbeit: über die Zeit, über die Wiederholbarkeit, über den Zwang, täglich dieselben Handlungen zu wiederholen, über die Zwänge und Verpflichtungen, die uns die Gesellschaft, die Arbeit und die Freizeit auferlegen. Die Wahl der sozialen Netzwerke lag auf der Hand: Sie wurden geschaffen, um Menschen die Möglichkeit zu geben, sich wieder zu treffen, und sind zu einem virtuellen Ort geworden, an dem die Menschen ihre Frustrationen abladen. Umberto Eco sagte in einer Diskussion über soziale Medien, dass “sie Legionen von Schwachköpfen das Recht geben, zu sprechen... die das gleiche Recht haben wie ein Nobelpreisträger”. Und so lag es für mich nahe, diese Plattform nicht für onanistische Zwecke zu nutzen, sondern um diese Monotonie zu unterstreichen. Dieselbe Idee findet sich in der Gemäldeserie The Days of the Past and the Others to Come: Ähnlichkeiten, die sich wiederholen.

Erzählen Sie mir von den Rändern Ihrer Bilder, die im Gegensatz zur Oberfläche oft Spuren der Arbeit tragen.

Ich habe schon immer politisch gedacht, und die Malerei ist es für mich auch. Es ist die Suche nach Freiheit, nach der eigenen Individualität und nach der Befreiung von der Last der Normierung. Es gibt eine Passage in einem Gedicht von Eugenio Montale, in der es heißt: “...suche nach einem zerbrochenen Glied im Netz...”. Hier, mit meiner Kunst, suche ich dieses Loch. Die Arbeit an den Rändern ist von grundlegender Bedeutung, denn dort wird die rigorose, unkorrumpierte und entschlossene Haut auf der Vorderseite widerlegt. Und in diesem seitlichen Raum, dem Rand, wo die Farbe entweicht, verschwenderisch wird und tropft, der Pinselstrich schmutzig wird und sich entlädt, genau dort, habe ich immer gedacht, liegt die Arbeit. In der Tat glaube ich, dass meine Arbeit in der Unvollkommenheit verweilt und nicht auf der Suche nach Untadeligkeit ist. Oft scheinen die Bilder auf den ersten Blick perfekt zu sein, und einige sind es vielleicht auch, aber wenn man sie genau betrachtet, kommen kleine Ungenauigkeiten zum Vorschein, Leinwände und Rahmen, die nicht perfekt sind, denn das ist es, was die Gesellschaft ist: ein Film der Perfektion, der etwas verdecken will, das nicht makellos ist. Es ist eine Haut, die versucht, Unterschiede zu ersticken. Und der Rand wird dann grundlegend, denn dort liegt die Suche nach der eigenen Freiheit.

Was ist Ihre Vorstellung von Schönheit?

Ich finde Schönheit nicht grundlegend für das, was ich tue. Ich denke, dass die Reflexionen und Überlegungen, die das Werk bei den Betrachtern und Betrachterinnen auslöst, viel wichtiger sind. Welchen Standpunkt vertreten Sie zu Ihrer Arbeit? Es gibt keine Position. Ich habe mir meine Arbeit nie anders vorgestellt als mich selbst.

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