Bugo: "Ich wollte Künstler auf Zeit sein. Ich erzähle Ihnen von meiner Klammer".

Sein richtiger Name ist Cristian Bugatti, er wurde 1973 in Rho geboren und wuchs in Cerano auf, und sein Künstlername ist Bugo. Jeder kennt ihn als bedeutenden Singer-Songwriter und Musiker (viele halten ihn für den Vater des italienischenIndie ), aber nicht jeder weiß, dass Bugo auch ein bildender Künstler von höchstem Niveau war, der seine Werke in wichtige Kontexte einbringen konnte. Bugos Tätigkeit als bildender Künstler hat eine bestimmte Dauer: von 2009 bis 2014. Genau fünf Jahre für eine Art Auszeit von der Musik von vorbestimmter Dauer: Bugo beschloss bewusst, sich nur fünf Jahre lang der Kunst zu widmen. Aber es war eine intensive Zeit: Seine Werke wurden auf allen wichtigen italienischen Messen ausgestellt (Artissima, Miart und Arte Fiera), waren Teil von Gruppenausstellungen in wichtigen Kontexten und an der Seite erstklassiger Künstler (z. B. im Nationalmuseum Villa Guinigi in Lucca oder im Esprit Nouveau Pavilion in Bologna), erhielten positives Feedback von Kritikern und in renommierten Zeitschriften. Darüber hinaus kann Bugo auf etwa zehn Einzelausstellungen verweisen, von denen die erste im Jahr 2009 im Museo Faraggiana Ferrandi in Novara stattfand.

Bugos Weg ist nicht jedermanns Sache: Viele Künstler träumen davon, in Galerien, Messen und Museen auszustellen, aber Bugo hat sie regelmäßig besucht. Und der Ruhm hat ihm sicher nicht geholfen: Als er seine Karriere als bildender Künstler begann, war Bugo ein Musiker mit einer großen Anhängerschaft, aber alles andere als populär. Wir haben ihn daher anlässlich seines Konzerts im Pecci Zentrum in Prato (für das Programm Pecci Summer Live 2020) getroffen und mit ihm über diese fünf Jahre künstlerischer Tätigkeit gesprochen, um den Grund für diese scheinbar so bizarre und radikale Wahl und die Gründe für seine freie und forschende Forschung zu verstehen. Das Interview stammt von Federico Giannini, Chefredakteur von Finestre sull’Arte.

Bugo (Cristian Bugatti)

FG. Sie sind relativ spät, im Alter von sechsunddreißig Jahren, zum bildenden Künstler geworden. Es ist vielleicht eine offensichtliche Frage, aber es wäre sehr interessant zu wissen, was Sie dazu veranlasst hat, die Musik für einen Moment beiseite zu legen und mit verschiedenen Ausdrucksformen zu experimentieren. Denn das ist eine Erfahrung, die nicht jeder machen kann, und soweit ich weiß, habe ich noch nie von solchen Erfahrungen gehört.
B. Ich habe es immer als Klammer bezeichnet, weil es in der Tat eine Klammer in meiner künstlerischen Laufbahn war: An einem bestimmten Punkt wurde mir klar, dass die Sprache der zeitgenössischen Kunst für mich geeignet sein könnte, da ich ein Mensch bin, der nicht malen kann und dem es an besonderen technischen Qualitäten fehlt. Es ist ein bisschen wie in der Musik: Ich habe ein stimmliches Medium, das meiner Meinung nach im Bereich der Normalität liegt, aber ich betrachte mich nicht als klassischen Künstler. Als ich 1999 nach Mailand zog, war eines der ersten Dinge, die mir in dieser Welt auffielen, Maurizio Cattelans La nona ora: Ich glaube, damit fing alles an. Ich hatte mich nie für Kunst interessiert, und ich stamme auch nicht aus einer Künstlerfamilie oder mit künstlerischen Interessen. Die Musik selbst kam auf ungewöhnliche, nicht-traditionelle Weise in mein Leben, ohne einer Familientradition zu folgen. Das Gleiche gilt für die Kunst: Ich kann sagen, dass ich 2003, als ich 30 Jahre alt war, zum ersten Mal ein zeitgenössisches Kunstwerk live gesehen habe. Ich kannte einige Künstler, angefangen mit Andy Warhol, die mich viel mehr faszinierten als die alten Maler oder diejenigen, die mehr an die klassischen Sprachen gebunden waren, aber ich hätte nie gedacht, dass ich anfangen würde, diese Welt zu besuchen und einen Teil meiner Karriere darauf aufzubauen. Irgendwann im Jahr 2008 wurde ich dann zu einer Ausstellung in Novara eingeladen, und ich erinnere mich, dass ich etwas skeptisch war, sogar dem Kurator Marco Tagliafierro sagte ich, dass... ich nicht wüsste, wie man etwas macht! Aber nicht nur das: Ich wollte auch nicht als einer der vielen Musiker durchgehen, die, wenn sie Ausstellungen machen, die üblichen Zeichnungen oder impressionistischen Landschaftsbilder zeigen, Dinge, die ich nicht mag. Tagliafierro gefiel jedoch meine Art, mich auszudrücken, und ich verdanke es ihm, dass ich in diese Welt eintreten und meine Werke zum ersten Mal ausstellen konnte, und zwar im Museo Civico Faraggiana Ferrandi in Novara: Aber was mich am meisten freute, war nicht so sehr die Ausstellung selbst, sondern die Möglichkeit, dass der Kurator mich dazu bringen konnte, eine Reise in die zeitgenössische Kunst anzutreten, und zwar für mich, der ich außerdem noch Musiker bin. Und das ist keine Selbstverständlichkeit, denn solche Aktionen sind immer riskant, und ich selbst war nicht ganz überzeugt, ich hatte Angst, dass die Kritiker meine Arbeit niedermachen würden. Als ich meine ersten Werke ausstellte, insbesondere die gefiederte Büste, waren die Reaktionen positiv und ermutigten mich, den Weg fortzusetzen.

Ein Weg, der nur fünf Jahre gedauert hat, und zwar ganz bewusst. Ich glaube, dass diese Entscheidung selbst ein Kunstwerk ist. Aber es gab viele Werke auf diesem kurzen Weg, und alle waren interessant. Was hat Sie dazu veranlasst, diese Erfahrung zu beginnen und zu beenden und dabei schon von Anfang an zu wissen, wie lange sie dauern würde?
Als ich anfing, sagte ich mir: ’Ich möchte versuchen, ein Künstler auf Zeit zu sein’. Die Grundannahme ist, dass man oft hört, dass man als Künstler geboren wird: Das glaube ich nicht. Was mich betrifft, so denke ich, dass ich ein Künstler geworden bin. Und als ich einer wurde, dachte ich auch, dass ich es nur für eine begrenzte Zeit tun würde, in diesem Fall fünf Jahre: Ich habe mir also eine feste Zeit gegeben, einen Zeitraum, in dem ich zwischen 2009 und 2014 mit der Musik kürzer getreten bin, um mich ganz der bildenden Kunst zu widmen, in dem ich meine Werke in mehreren Ausstellungen gezeigt habe, in denen viele Sammler sie gekauft haben. Und zu dieser Zeit habe ich davon gelebt.

Bugo, Ohne Titel (2009; Gips, Glas, Sägemehl, Federn, 31 x 56 x 33 cm)

Und haben Sie vor, diese Klammer irgendwann wieder zu öffnen?
Nein, im Moment betrachte ich diese Phase als abgeschlossen. Es ist ein abgeschlossenes Kapitel. Und diese Vorstellung, die Räume der zeitgenössischen Kunst betreten zu haben und sie dann wieder zu verlassen, amüsiert mich sehr. Man kann natürlich nie sagen, dass man etwas endgültig beendet hat, ich weiß nicht, was in der Zukunft passieren wird, es könnte ja sein. Aber jetzt betrachte ich mich nicht mehr als bildende Künstlerin. Seit 2014... habe ich aufgehört. Obwohl ich auch Anfragen hatte, wollten einige Sammler weiterhin meine Werke kaufen und drängten mich deshalb, neue zu produzieren. Aber ich habe nein gesagt. Ich wollte einfach ein Tabu brechen.

Gehen Sie noch auf Ausstellungen, Museen, Messen?
Nicht so sehr. Ich bleibe auf dem Laufenden, was mir gefällt. Aber das gilt auch für die Musik. Ich bin kein großer Musikkenner, ich habe meine eigene Vorstellung von Künstlern und Sängern und lasse mich vom Moment mitreißen, ich bin nicht besessen davon, zu wissen, wer die neuesten oder beliebtesten Künstler sind. Mich interessiert vor allem das Schaffen.

Apropos die wichtigsten Künstler: Wenn ich Sie bitten würde, jemanden aus der Antike zu nennen, der Ihre Kunst inspiriert hat, welche Künstler würden Sie nennen?
Caravaggio war schon immer einer meiner Lieblingskünstler. Es mag abgedroschen klingen, weil Caravaggio heute zu einem modischen Namen geworden ist, den jeder mag, aber was oft übersehen wird, ist die Tatsache, dass Caravaggio, auch wenn er heute als antiker Künstler betrachtet wird, zu seiner Zeit so zeitgenössisch war, wie es nur möglich war: Seine Sprache war eine Sprache des Bruchs, so wie die Sprache eines Dan Colen heute sein könnte, um ein Beispiel zu nennen. Ein weiterer “klassischer” Künstler, der mich inspiriert, ist René Magritte. Es gibt jedoch auch Künstler der alten Kunst, die ich sehr schätze, aber wenn ich mich ausdrücken muss, da ich weder Maler noch Bildhauer bin, habe ich festgestellt, dass mir einige zeitgenössische Sprachen geholfen haben, mich auszudrücken, auch wenn ich fast nichts mache. Normalerweise entstehen meine Werke aus einer Skizze, aus einer Idee, und ich bitte um Unterstützung, um sie zu verwirklichen.

Ihre Sprache verweist aber auch auf die großen “Bruch”-Künstler, wie Sie sie genannt haben: Ich denke an die von Ihnen erwähnte gefiederte Büste, ich denke an die bärtigen Kinder, an die Performance Sento tutti gli occhi addosso.
Oft weiß selbst ich nicht, was meine Werke bedeuten. Das ist so, wie wenn mich die Leute fragen, was Casalingo, eines meiner Lieder, bedeutet. Ich möchte einfach nur eine Idee ausdrücken: im Falle des Liedes die Tatsache, dass ’zu Hause sein etwas Spektakuläres ist’. Aber ich mag es, wenn andere das Werk oder den Song interpretieren, denn ich mag die Vorstellung, dass jemand anderes sich eines meiner Werke zu eigen macht. Davon abgesehen fühle ich mich nicht im Widerspruch zu anderen Arten, Kunst zu machen, auch nicht zu klassischeren Sprachen. Selbst scheinbar unvereinbare Sprachen können sehr gut parallel laufen. Denken Sie nur an Cattelan selbst, dessen Werk voll von Zitaten aus der antiken Kunst ist. Wir haben das Glück, in einer Zeit zu leben, in der selbst die immateriellste zeitgenössische Kunst und Kunstformen, die am weitesten von den traditionellen Ausdrucksmitteln wie Malerei oder Bildhauerei entfernt sind, in die Kunstgeschichte einbezogen werden können, und das fasziniert mich sehr, vor allem, wenn man an diejenigen denkt, die sich wie ich nicht als “Techniker”, als akademische Künstler betrachten. Das Gleiche gilt für die Musik: Denken Sie nur daran, dass ich viele Kritiker habe, die sagen, ich könne nicht singen. Und sie haben Recht! Denn ich bin der Erste, der es sagt: Ich bin kein Sänger, ich bin jemand, der sich ausdrücken will. Also gebe ich mein Bestes, und seit 20 Jahren kann ich diese Idee zu meinem Beruf machen.

Cristian Bugatti, Sento tutti gli occhi addosso (2010; Aufführung)

Cristian Bugatti, Bärtiges Kind (2010; Fotografie, 24 x 17 cm)

Viele Künstler beklagen in dieser historischen Phase die Abwesenheit des Staates, oder zumindest ist es üblich zu sagen, dass der Staat wenig für die zeitgenössische Kunst tut. Sie, der Sie als bildender Künstler und Musiker in dieser Situation leben, was sagen Sie dazu?
Ich bin nicht sehr auf dem Laufenden, was die Unterstützung des Staates für die Kunst angeht, sowohl für die alte als auch für die zeitgenössische, aber es ist jedenfalls nicht so, dass der Staat jemals viel für die Kunst getan hätte. Außerdem ist der Staat für mich ein Thema, das mir in Bezug auf den Begriff “Kunst” fremd ist. Wir verwenden oft das Wort “Kultur”, ein Begriff, der mir sehr missfällt, ich finde ihn missbraucht: Was die zeitgenössische Kunst betrifft, so denke ich, dass wir heute nicht sagen können, ob ein bestimmtes Werk zu dem gehören kann, was wir “Kultur” nennen, denn das sind historisch zu bewertende Prozesse. Ob ein Kunstwerk Kultur ist, werden wir meiner Meinung nach erst in vielen Jahren sagen können. Ich finde zum Beispiel Kunst, die sich dem Geschmack oder den Trends anpasst, sicher nicht interessant. Um auf den Punkt zurückzukommen: Wenn wir darüber nachdenken, was der Staat für die Kunst tut, müssen wir uns zunächst fragen, ob die Krise, in der wir uns heute befinden, nur eine Wirtschaftskrise ist, oder ob es sich nicht vielmehr auch um eine Kulturkrise, eine Krise der Ideen handelt. In der Geschichte gab es immer wieder Perioden mit schweren Wirtschaftskrisen, in denen große Künstler aufblühten. Als Künstler hätte ich also keine besonderen Probleme an dieser Front. Denn ich glaube, dass die Hauptbeschäftigung von Künstlern darin besteht, zu schaffen, unabhängig von den Bedingungen. Selbst in Zeiten extremer Not kann ein Künstler große Kunstwerke schaffen.

Nutzen Sie also die Gelegenheit eines schwierigen historischen Moments, um zu schaffen. Abschließend, da Sie die kulturelle Krise erwähnt haben: Glauben Sie, dass wir uns in einer guten Zeit für Kunst und Musik befinden?
Da ich von Natur aus enthusiastisch bin, lebe ich meine Zeit mit viel Enthusiasmus. Ich habe Spotify oder ähnliche Tools nie verteufelt, ich liebe Vinyl genauso wie Streaming, ja ich schätze mich sogar glücklich, weil ich beides haben kann, Vinyl und Streaming (was es früher nicht gab). Meiner Meinung nach leben wir in einer sehr kreativen und interessanten Zeit, sowohl in der Musik als auch in der bildenden Kunst: Ich bin fest davon überzeugt, dass Kunst und Kreativität nie wirklich in die Krise geraten. Es ist der Umriss, der in der Krise ist, aber der Künstler macht immer Kunst, ein Musiker kann ein Lied komponieren, auch wenn er der letzte Mensch auf Erden ist, die Kreativität ist dem Menschen angeboren, und das ist es, was zählt. Kreativität ist wie das Atmen: Wir können nicht ohne sie auskommen.

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