Arbeiten mit Ton: die Samen von Arianna Cordiviola. "Ein wunderbares Material

Arianna Cordiviola schafft seit Jahren interessante Werke aus Ton. Sie wurde 1977 in Carrara geboren, wo sie ihre künstlerische Sensibilität am Liceo Artistico Artemisia Gentileschi verfeinerte. Sie setzte ihre Ausbildung an der Akademie der Schönen Künste in Carrara fort und schloss mit einer Arbeit über japanischen Druck unter der Leitung von Prof. Giovanna Bombarda ab. Der akademische Kurs markierte den Beginn einer Reise zur Erforschung der Materie, mit besonderem Augenmerk auf Ton und tonhaltigen Materialienen. Seit diesen Jahren hat Arianna Cordiviola eine Vorliebe für die gröberen, halbfeuerfesten und feuerfesten Tonarten entwickelt, mit dem Zusatz von Oxidpigmenten oder ganz natürlichen Pigmenten, als Ausdruck der Erforschung des Materials und seiner Umwandlung. Im Jahr 2005 nahm er an der Biennale der Studenten an der Akademie der Schönen Künste in Carrara teil, eine der ersten Gelegenheiten, bei der seine Werke öffentlich ausgestellt wurden. In den folgenden Jahren konzentrierte sich seine Arbeit immer mehr auf das Experimentieren, was 2013 zur Gründung eines eigenen Ateliers und Ausstellungsraums in Sarzana führte. In diesem Interview erfahren wir mehr über seine Kunst.

NC. Was war Ihr Studiengang und wie hat er Ihre künstlerische Praxis beeinflusst?

AC. Mein Studiengang war sehr vielfältig. Ich begann mit dem klassischen Gymnasium, weil ich ein starkes Interesse an den Geisteswissenschaften hatte und diesen Aspekt des Wissens vertiefen wollte. Dann entschied ich mich für ein Studium an der Akademie der Bildenden Künste, wo ich begann, ernsthaft zu experimentieren und eine Praxis fortzusetzen, die ich schon vorher begonnen hatte: die Arbeit mit Materialienen, insbesondere mit Ton. Das Material wurde zu einem zentralen Bestandteil meiner künstlerischen Reise, und ich verwende es auch heute noch. Ich glaube, meine Leidenschaft für Ton hat tiefe Wurzeln in meiner Kindheit. Ich habe viele Jahre bei meiner Großmutter gelebt, und da es dort nicht viele Spielsachen gab, habe ich meine Zeit mit dem verbracht, was ich zur Verfügung hatte. Ich erinnere mich, dass ich bei Regen Schlamm aus Pfützen oder Behältern im Freien sammelte und ihn mit zerkleinerten Steinen oder Terrakottastücken zu kleinen Kreationen vermischte, die ich dann trocknen ließ. Meine Großmutter, die eine bescheidene und einfache Person war, ließ mir immer die Freiheit zu experimentieren, und diese Momente sind mir in Erinnerung geblieben. Von da an war meine Leidenschaft für den Umgang mit Materialienen geboren. Mein erster richtiger Keramikkurs fand statt, als ich etwa 15 oder 16 Jahre alt war. Das war der erste Schritt auf dem Weg zu einem künstlerischen Weg, den ich immer noch mit Leidenschaft verfolge.

Im Laufe der Jahre haben Sie sich mit der Verwendung von Ton und rohen, halbschmelzenden und feuerfesten Tonmaterialien befasst, die oft mit Oxid- oder Naturpigmenten gemischt werden. Was fasziniert Sie an diesen Materialienen?

Die Materialienen, die ich verwende, angefangen beim Ton, sind einfach und arm, aber gerade das macht sie so besonders. In einer Zeit wie der unseren verleiht die Aufwertung von Materialienen, die in der Natur leicht verfügbar sind, dem Kunstwerk, sei es eine Skulptur oder eine Vase, einen zusätzlichen Sinn. Die Materialienen bereichern das Werk, sie geben uns einen neuen Code zum Lesen und Interpretieren. Mich fasziniert die Idee, mit Tonen zu arbeiten, die direkt aus der Natur stammen. Es gibt viele Orte, wie z. B. alte verlassene Steinbrüche oder Flussbetten, an denen sich Ton ablagert und die man bei genauem Hinsehen finden kann. Jeder Ton hat seine eigene Identität, und mir gefällt der Gedanke, die Seele dieser Orte durch die von mir geschaffenen Werke zu erzählen. Wenn ich nach natürlichem Ton suche, nehme ich die Erfahrung des Entdeckens des Ortes mit. Das fertige Werk ist nicht nur das Ergebnis meiner Arbeit, sondern auch eine Art genius loci, die Geschichte eines bestimmten Ortes mit seiner Landschaft und Geografie. Das von mir gewählte Material verkörpert die Geschichte dieser Orte, als wäre jede Skulptur oder jedes Werk eine Erzählung über das Land, aus dem es entstanden ist.

Bei Ihren Werken stehen handwerkliche Fähigkeiten und traditionelle Materialienen wie Ton im Mittelpunkt. Wo endet Ihrer Meinung nach die Arbeit des Handwerkers und wo beginnt die des Künstlers? Wie greifen die beiden Rollen in Ihrer Praxis ineinander?

In meiner Praxis gibt es eine Komponente, die ich als stark handwerklich geprägt empfinde. Wenn ich hauptsächlich an der Drehbank arbeite, zum Beispiel bei der Herstellung von Vasen, erlebe ich den Prozess als eine Form der Meditation. Es ist eine sehr manuelle Arbeit, die Konzentration und Geduld erfordert und mich in einen Zustand großer Ruhe versetzt. Diese handwerkliche Dimension ist für mich ein wesentlicher Bestandteil meines künstlerischen und kreativen Ansatzes. Neben diesem Aspekt gibt es eine weitere Komponente meiner Arbeit, die ich als eher skulptural betrachte. Die Formen, die ich schaffe, sind oft sehr stilisiert, synthetisch und essentiell, fast rein, und sind von natürlichen Formen inspiriert.

Wie wichtig ist es für Sie, dass das von Ihnen gewählte Material nicht nur visuell, sondern auch auf einer sensorischen Ebene kommuniziert?

Der Tastsinn ist eines der grundlegenden Merkmale meiner künstlerischen Forschung, denn obwohl der erste Eindruck eines Werks visuell ist, ist das Sehen nur der Anfang. Natürlich betrachten und kodieren wir das Werk mit den Augen, aber es gibt einen Moment, in dem ein signifikanter Übergang durch die Berührung stattfindet. Zusätzlich zum Lesen des Werks mit den Augen kommt der Tastsinn ins Spiel, der es uns ermöglicht, Unvollkommenheiten, Details und Materialunterschiede wahrzunehmen. All diese Elemente, wie z. B. unterschiedliche Korngrößen oder Einschlüsse von Gestein oder Sand, erzeugen unterschiedliche taktile Empfindungen. Manche Materialienen sind glatt und seidig, wie bestimmte Tone, und sie zu streicheln ist ein Vergnügen, das ein Gefühl des Wohlbefindens vermittelt. Für mich ist das Berühren von Materialienen befriedigend und schafft auch eine tiefe Verbindung auf emotionaler Ebene, ich könnte es ein Gefühl der Beruhigung und des Komforts nennen.

In Ihren Werken erforschen Sie die Beziehung zwischen Form, Material und Natur. Was hat Sie dazu inspiriert, riesige Samenskulpturen zu schaffen?

Der Dialog entstand aus einer tiefen Verbindung zwischen meiner introspektiven Seite und der Seite, die mit der Natur zu tun hat. Vor Jahren verspürte ich das Bedürfnis, eine innere Synthese auszudrücken, eine Form, die sowohl symbolisch und heilig als auch essenziell ist. Ich fand diese Synthese in einfachen Formen und insbesondere in der Form von Samen. Ich erinnere mich besonders gut an eine Reise nach Irland vor vielen Jahren, auf der mir ein Samen wegen seiner faszinierenden Form besonders auffiel. Trotz des Eindrucks, den es damals bei mir hinterließ, entwickelte ich nicht die Idee einer künstlerischen Gestaltung. Erst mit der Zeit wurde diese Form zu einer Skulptur. Erst als ich erkannte, dass dies die richtige Form war, nahm ich die Arbeit wieder auf. Ich begann also mit Zeichnungen, Skizzen und fertigte später kleine Samen-Skulpturen an, jede mit etwas anderen und größeren Formen. Von da an begann eine echte Suche, sowohl materiell als auch formal, immer inspiriert von der Natur. Jede Reise wird für mich zu einer Gelegenheit, neue Formen in der Natur zu beobachten und zu erfassen, ein Prozess, den ich weiter erforsche und entwickle.

Was bedeuten Samen für Sie? Warum sind sie oft in Ihren Skulpturen zu sehen?

Das Saatgut steht für mich für einen tiefen Kern, eine Verbindung zu etwas Ursprünglichem. Es besteht eine starke Verbindung zum Thema der Geburt, denn es trägt eine umfassende Symbolik in sich, die mit den Phasen des Lebens zusammenhängt: Geburt, Tod und Wiedergeburt. Diese Zyklizität hat also eine tiefe Bedeutung, weil sie an eine ständige Transformation erinnert. Das Samenkorn ist eine Form, die ich als einen inneren Ort empfinde, fast einen Nicht-Ort, und die für mich eine animale Dimension darstellt. Es ist, als ob ich versuche, einem tiefen Gefühl, das mit dem intimsten Teil des menschlichen Wesens verbunden ist, eine greifbare Form zu geben. Obwohl sich die Werke mit menschlichen Themen befassen, sind sie auch von einem Gefühl der Sakralität beseelt. Durch den Prozess der Vereinfachung der Formen versuche ich, das Überflüssige zu entfernen, um zum Wesentlichen vorzudringen. In diesem Prozess wird die Subtraktion zur Bereicherung, und die Synthese der Formen führt mich zu einer größeren Wesentlichkeit. Der kreative Akt ist für mich eine ständige Suche nach einem Gleichgewicht zwischen innerer Komplexität und formaler Einfachheit, und jedes Werk ist das Ergebnis dieses tiefgreifenden Dialogs.

Enthalten die Werke, die Sprossen enthalten, also eine Botschaft über die Zeit?

Sicherlich haben sie eine ähnliche Funktion wie die Formen von Brutkästen, auch weil sie, wie wir schon sagten, den Aspekt des Wartens widerspiegeln. Ich stelle mir gerne vor, dass dieser Prozess der Inkubation mit der Zeit zu einer Transformation führt, als ob die Samen zerbrechen und eine neue Form aus dieser Spaltung hervorgeht: eine Form, die ihren eigenen Weg, ihre eigene Natur und ihre eigene Entwicklung hat und dann wieder zu einem Samen wird.

Wie viele Arbeitsstunden benötigen Sie für Ihre Arbeiten?

Ton erfordert eine andere Herangehensweise als andere Materialienen, was vor allem an seinem handwerklichen und künstlerischen Charakter liegt. Wenn man zum Beispiel auf einer Töpferscheibe arbeitet, kann man in relativ kurzer Zeit Formen wie Vasen oder Gefäße herstellen. Aber auch wenn das Modellieren schnell geht, folgt der gesamte Prozess einem nicht linearen Zeitplan, denn es gibt verschiedene Phasen, die beachtet werden müssen. Ton zum Beispiel hat seinen eigenen Zeitplan: Nach dem Modellieren muss er mehrere Phasen des Trocknens, Schrumpfens und Brennens durchlaufen. Zwischen den einzelnen Schritten müssen Pausen eingelegt und gewartet werden. Im Gegensatz zu Materialienen, die eine kontinuierliche Arbeit ermöglichen, wie z. B. Holz, muss Ton langsam ruhen und trocknen, um Schäden zu vermeiden. Er muss warten, bis er sein Wasser verloren hat, bevor er gebrannt werden kann, und erst dann kann das eigentliche Brennen stattfinden, das in verschiedenen Arten von Öfen und bei unterschiedlichen Temperaturen erfolgen kann. Trotz dieser Wartephasen lässt sich Ton aufgrund seiner Plastizität und Formbarkeit wunderbar bearbeiten, er ist viel einfacher als härtere Materialienen wie Stein. Gleichzeitig erfordert er jedoch Sorgfalt und Geduld, da er nicht gezwungen oder verformt werden kann. Man muss ihm bei seinem natürlichen Umwandlungsprozess folgen.

Werden Sie sich in Zukunft weiter mit dem Thema Saatgut beschäftigen oder haben Sie auch neue Projekte im Sinn?

Im Moment habe ich das Bedürfnis, die zentralen Formen meiner Arbeit zu öffnen und weiterzuentwickeln, obwohl ich glaube, dass der Ton, der mir immer so viel gegeben hat, mir weiterhin die Möglichkeit bietet, neue Wege zu gehen. Es ist ein lebendiges Material, das zu ständiger und langsamer Forschung anregt, ein Prozess, der mich immer noch tief fasziniert. Obwohl ich mich in neue Richtungen bewege, fühle ich mich im Moment von dem langsamen Rhythmus und den Transformationen angezogen, die dieses Material mir ermöglicht zu erleben. In Zukunft möchte ich diese Art von Sprache ausweiten und vielleicht andere Materialienen erforschen. Für den Moment bleibe ich offen für alle Möglichkeiten, die mir diese Forschung und Neugier bieten.

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