Antonio Addamiano: "Die italienische Kunst hat ein großes Potenzial, wie die Mode. Aber wir schöpfen es nicht aus".

Mit der Rückkehr der Kunstmessen sind wir wieder bei der Diskussion über den italienischen Markt und die italienische Szene angelangt. Zu den Protagonisten der letzten Zeit gehört sicherlich die Dep Art Gallery in Mailand, die selbst während der Pandemie zu den aktivsten gehört und bereit ist, sich dem Publikum mit einem neuen Programm und hochwertigen Ausstellungen zu präsentieren, und das auf einem Markt (dem italienischen, aber auch dem internationalen), der sich verändert. Auf welche Weise? Wir haben darüber mit Antonio Addamiano, dem Direktor der Dep Art Gallery, gesprochen. Das Interview stammt von Federico Giannini.

FG. Dep Art ist gerade von der MiArt zurückgekehrt: Wie ist die Messe gelaufen?

AA. Sie ist gut gelaufen, denn wir haben nicht mit einer so großen und hochwertigen Publikumsresonanz gerechnet. Offensichtlich spiegeln die heutigen Messen ein wenig die Art und Weise wider, wie das Publikum an sie herantritt: Während man früher mit der Absicht auf die Messe kam, etwas zu verkaufen, geht es heute darum, das Programm der Galerie vorzustellen, neue Werke oder die eigenen Künstler zu zeigen oder über zukünftige Veranstaltungen oder vergangene Ausstellungen (und in unserem Fall Kataloge) zu sprechen. Man erwartet also nicht mehr ernsthaft, den Verkauf in wenigen Minuten und Stunden abzuschließen. Aber die Messe ist immer noch entscheidend für den Kontakt. Bei dem großen Publikum, das auf der MiArt war, muss ich sagen, dass die Bilanz positiv ausfällt.

Wie verändern sich die Messen für zeitgenössische Kunst? Sind sie noch sinnvoll, oder zumindest so, wie wir sie bisher kannten?

Sie sind sicherlich sinnvoll, sowohl für diejenigen, die wie wir einen Primärmarkt haben, als auch für den Sekundärmarkt, denn Messen sind nach wie vor der erste Treffpunkt, um Künstler zu präsentieren und ihnen nicht nur ihren Preis, sondern auch ihre Sprache und ihre Recherchen sowie die Galerie selbst mitzuteilen. Andererseits sind sie auch für Galeristen nützlich, die Sekundärvermarktung betreiben, d.h. An- und Verkauf, damit die Leute das Werk live sehen und Verhandlungen führen können, da sie eine bessere Vorstellung von ihrem Gesprächspartner haben. Darüber hinaus sind Messen auch deshalb wichtig, weil der Online-Verkauf sehr schwierig ist: Wir können nur den aktuellen Künstler oder den am besten zugänglichen Künstler verkaufen. Für alles andere sind die Messe und die Galeriearbeit von grundlegender Bedeutung. Außerdem ist eine Messe in der Stadt wie die MiArt für alle Galerien in Mailand noch wichtiger, weil die Wahrscheinlichkeit, dass das Publikum auf der Messe auch zu Ihnen in die Galerie kommt, viel größer ist (wir haben zum Beispiel diese Woche mehr oder weniger einen Termin pro Tag).

Was das Publikum und die Sammler anbelangt, haben sie nach anderthalb Jahren ohne Messen ihre Herangehensweise an den Kauf oder auch nur an die Begegnung mit dem von der Galerie angebotenen Werk verändert?

Ich habe vor allem (vielleicht auch, weil ich vom Bereich der modernen Kunst in den Bereich der zeitgenössischen Kunst gewechselt habe) eine Veränderung in der Altersgruppe festgestellt: Die Altersgruppe der Sechzig- bis Achtzigjährigen hat abgenommen, vielleicht wegen der Ansteckungsgefahr, und es gab eine neue Welle von Sammlern zwischen vierzig und sechzig Jahren, die sich oft dieser Welt genähert haben, weil sie sich während der Pandemie über das Internet informiert haben oder weil sie Zeit hatten, eine Leidenschaft für Kunst zu pflegen. Das war eine kleine Überraschung. Im Grunde haben wir einen anderen Sammlertyp gesehen, eine neue Generation. Ich kann nicht sagen, ob sie durch die Abriegelung, durch das Zuhausebleiben, durch die Information, durch die vielen Artikel über Kunst als Investition, über Kunst und Design oder auch durch die Wiederentdeckung des Zuhauses entstanden ist (viele hatten die Möglichkeit, zu renovieren oder schöne neue Möbel und sogar Kunstwerke zu kaufen), aber alle diese Elemente hatten einen starken Einfluss. Es gab sicherlich eine Krise, aber nicht für alle Sektoren, aus denen die Käufer kommen, so dass es der Kunst glücklicherweise immer gelingt, sich zu retten, weil es Nischen von Menschen gibt, die in Umgebungen arbeiten, die auch in Krisenzeiten weiter funktionieren. Im Falle der Pandemie waren die Pharmaindustrie, das Bankwesen und der Immobiliensektor drei sehr starke Sektoren in diesen anderthalb Jahren, vielleicht auf Kosten all der Kunden, die wir aus der Gastronomie und der Modebranche oder von Notaren, Anwälten und Zahnärzten hatten. Die Zusammensetzung der Klientel hat sich also geändert: Das Interesse neuer Kategorien von Arbeitnehmern ist viel größer als das der traditionellen Gruppen. Das kann man auf einer Messe feststellen, denn im Internet schickt der Kunde eine Anfrage und man antwortet, ohne den Beruf zu kennen. Persönlich sagen Ihnen die Kunden, wer sie sind, und Sie erkennen, wen Sie vor sich haben.

Hat sich in Bezug auf die Nationalität etwas geändert? Gab es ein internationales Publikum auf der MiArt oder war es hauptsächlich ein italienisches Publikum?

Es gab viel weniger internationales Publikum: Während es früher 70 % Italiener und 30 % Ausländer (hauptsächlich Amerikaner, Asiaten und Europäer) waren, ist das Verhältnis jetzt 90:10. Und 10 % waren Schweizer, Deutsche und ein paar Franzosen.

Könnte die Tatsache, dass in der Woche nach der MiArt die Art Basel stattfand, einen Einfluss darauf gehabt haben?

Nein, denn bei der Art Basel (ich war am Montag dort) hatte ich das gleiche Gefühl: viele Leute, die aus verschiedenen Teilen Europas kommen, weil es immer noch sehr kompliziert ist, aus den USA oder Asien umzuziehen. Letztendlich sind Sie alle aus Ihrem eigenen Land und den Nachbarländern gekommen. Dann gibt es in jedem Land viele Veranstaltungen, so dass man zumindest in diesem Jahr froh ist, seine eigene Messe besuchen zu können. Hinzu kommt, dass jede nationale Messe (ob italienisch, englisch, französisch, chinesisch, amerikanisch, schweizerisch) immer auch ein Angebot an internationalen Künstlern hat, eine kosmopolitische Vision fehlt nie. Das italienische Publikum kann nach Mailand kommen und ein breites Angebot vorfinden. Viele unserer Galerien haben mehrere ausländische Künstler, und man muss nicht mehr ins Ausland fahren, um sie zu treffen. Auch hier hat sich viel verändert, denn noch vor zehn Jahren waren auf der MiArt überwiegend italienische Künstler vertreten.

In Italien gibt es drei große Messen (Artissima in Turin, MiArt in Mailand und Arte Fiera in Bologna), natürlich jede mit ihrer eigenen Identität und ihren Besonderheiten: ist das ein Vorteil für die Branche oder kann es auch ein Nachteil sein?

Es ist ein Vorteil, weil die Szene sehr vielfältig ist: Es gibt drei große Messen, zwei weitere, neuere und hochwertige nationale Messen (die in Verona und die in Rom, die gerade ins Leben gerufen wird) und etwa zehn Messen, die sich an ein lokales Publikum und kleine Sammler richten. Meiner Meinung nach ist das als Kalender mehr als ausreichend. Lokale Messen verschaffen kleinen Galerien Sichtbarkeit, auch weil das Verhältnis der Ausgaben für sie 1:10 ist. Für einen Stand auf einer ’kleinen’ Feria gibt man etwa 2.000 Euro aus; auf einer größeren Messe braucht man 20.000. Ich habe junge Leute Anfang zwanzig getroffen, die sich einen Namen machen wollten: Sollen wir ihnen sagen, dass sie nicht auf lokalen Messen ausstellen sollen? Ich selbst habe so angefangen. Wenn man sie ’lesen’ kann, sind solche Messen eine gute Schule. Man hat niedrige Teilnahmegebühren, trifft die ersten Sammler (und manchmal auch die ersten ’Schlauen’) und wird geschult. Sie bieten den Künstlern keine große Sichtbarkeit, da die Teilnahme an einer zweitrangigen Messe weniger Möglichkeiten bietet, aber für einen jungen Menschen, der Erfahrungen sammeln will, ist es von Vorteil. Die drei Messen in Turin, Mailand und Bologna verschaffen dem Künstler eine größere Sichtbarkeit und dienen somit sowohl dem Künstler als auch der Galerie, denn sie sind unumgängliche Veranstaltungen für hochkarätige Sammler und etablierte Kuratoren.

Was die Dep Art betrifft, so haben wir gesagt, dass Sie auf der Messe einen Richtungswechsel von der Moderne zur Gegenwart erlebt haben. Warum diese Entscheidung?

Weil ich in dem Bereich der Messe sein wollte, in dem sich die Kollegen mit dem Primärmarkt befassen, wo der Galerist eng mit dem Künstler oder seiner Stiftung zusammenarbeitet. In der Moderne ist das Profil des Kunden besser vorbereitet, da es eine Dynamik der Kunst als “Investition” gibt: In meinem Fall hätten die Kunden gewusst, dass Werke von Cruz-Diez oder Biasi einen Wert von 140-200.000 Euro haben. In diesem Fall gibt es keinen Überraschungseffekt beim Kunden, weil er sich des Kalibers der Künstler am Stand bewusst ist. Bei den Zeitgenossen mussten wir erklären, wer ein italienischer Meister wie Biasi ist. Aber das war es wert. Und dann gibt es noch eine weitere Überlegung: In der modernen Abteilung haben sowohl De Bellis als auch Rabottini nie aktuelle Werke von Künstlern ausgestellt, sondern nur bis zu den 1990er Jahren. Das hat uns bei Wolfram Ullrich lange Zeit benachteiligt: Obwohl er für uns der wichtigste Künstler ist, der auf Ausstellungen erfolgreich ist, weil er einen unglaublichen Charme in Person hat, repräsentieren ihn die Werke aus den 1990er Jahren nicht vollständig, sie sind überholt. Der kuratorische Wechsel bei dieser Ausgabe der MiArt 2021 hat es mir ermöglicht, Ullrich mit Werken auszustellen, die sowohl seine Entwicklung von 2000 bis heute bezeugen, als auch mit Werken, die speziell für diese Veranstaltung entworfen wurden.

Was sind heute die größten Schwierigkeiten für eine italienische Galerie für zeitgenössische Kunst?

Sicherlich das Steuersystem, das wir in Italien haben. Im Vergleich zu anderen Ländern werden Galerien für zeitgenössische Kunst in Italien nur wenig begünstigt, zumindest in vier Bereichen: Einfuhrumsatzsteuer, SIAE, Mehrwertsteuer auf Verkäufe und Kunstbonus. Keines dieser vier Elemente erleichtert die zeitgenössische Kunst in Italien, weshalb so viele Galerien im Ausland ansässig sind, wo es nur weniger Transaktionen bedarf, um die Vorteile zu nutzen. Stellen Sie sich die Werke der internationalen “Großen” vor: 10 % Einfuhrzoll statt 5 % wie in anderen Ländern und 22 % Mehrwertsteuer machen die Italiener auf einem globalisierten Markt nicht wettbewerbsfähig. Der Kunstbonus ist nur für Museen und Renovierungen gedacht und hilft daher auch nicht den jungen Künstlern. Dies sind die Initiativen des Nationalen Verbands der Galerien für moderne und zeitgenössische Kunst gegenüber der Regierung. Gewähren Sie wenigstens eine! Denn sonst gibt es keine Zukunft, und das ist eine Schande. Wir haben in Italien eine sehr hohe Qualität an Künstlern, vielleicht eine der besten der Welt. Und ich hoffe, dass die Regierung uns früher oder später wenigstens ein Signal geben wird. Ich sage nicht, dass sie alle vier Probleme, die ich aufgezeigt habe, lösen soll, aber zumindest eines. Denn wir entfernen uns immer mehr von den internationalen Realitäten. Ich war letzten Dienstag in Paris: Da kann man wirklich eine ganz andere Entwicklung sehen, bei den Vorschlägen, bei der Größe der Galerien, bei der Zahl der Mitarbeiter. Hier werden wir nur durch die Fähigkeit der Galeristen (es gibt viele gute!) und die große Qualität der Künstler gerettet. Wir haben ein unglaubliches unausgeschöpftes Potenzial, und ich verstehe nicht, warum die Institutionen nicht begreifen, dass es ausreichen würde, unseren Nachbarn nachzueifern. Wir müssen nicht etwas Neues erfinden. Selbst bei den Mitteln zur Unterstützung von Künstleraufenthalten, Preisen und neuen Generationen besteht kein wirkliches Interesse an der Förderung solcher Vorschläge. Es wird viel Wert auf die Unterstützung von Museen gelegt - was gut ist, denn wir haben ein einzigartiges Museumsangebot in der Welt - und für die meisten Menschen macht es mehr Sinn, Pompeji oder das Kolosseum zu finanzieren, als das private oder das Jugendkunstsystem. Aber es geht eine Generation mit unglaublichem Potenzial verloren. Der Anreiz, den diese großen öffentlichen Kulturstätten schaffen, ist unbestritten, aber der einer großen Galerie ist es nicht weniger. Wir Galeristen sind der Mode sehr ähnlich: Wir könnten ein sehr hohes Niveau erreichen, ein Sektor sein, der in der Lage ist, Besucher aus dem Ausland anzuziehen. Ich spreche nicht nur von Käufern, sondern von einem Publikum, das Italien dank der zeitgenössischen Kunstgalerien entdeckt und sich in sie verliebt. Es scheint jedoch, dass die ministerielle Führung daran nicht interessiert ist. Ganz zu schweigen von der Schwierigkeit des Exports, dem einzigen Punkt, in dem wir uns zwischen Kunstgalerien, Auktionshäusern, Philatelisten, Antiquitätenhändlern und Designgalerien einig sind. Es wäre an der Zeit, das Ausfuhrgesetz zu erneuern, das derzeit den Umlauf von Kunstwerken, auch von nicht historischer Bedeutung, einschränkt. Das Umfeld beginnt einen wirtschaftlichen Wertverfall zu befürchten: Wenn man seine Künstler nicht mehr in der ganzen Welt verkauft, sondern sich ausschließlich auf den italienischen Markt konzentriert, sinken die Preise automatisch, weil die internationale Kundschaft verloren geht, was zu einer Abwertung des Werks auf dem Markt führt. Aus meiner Sicht muss dieses Problem hervorgehoben werden.

Wie kommt Dep Art aus diesen achtzehn Monaten der erzwungenen Blockade heraus?

Wir haben uns darauf konzentriert, die digitale Abteilung mit dem in den letzten zehn Jahren vorhandenen Material zu vervollständigen und zu implementieren und es interaktiv zu machen. Wir hatten bereits eine gute Basis dank unserer sozialen Plattformen (vor allem Instagram, Facebook und vor allem YouTube, wo wir bereits präsent waren), und wir konnten sie umsetzen, indem wir zwei Techniker (einen Videomacher und einen Cutter) und zwei weitere Personen in die Galerie einstellten, die für die Übersetzung des Materials zuständig waren, um es so international wie möglich zu machen. In der Zwischenzeit haben wir ein sehr gutes Galerieprogramm durchgeführt, wir haben schöne Ausstellungen und Kataloge produziert, und jetzt sind wir wieder an der Schnittstelle zur Ausstellung. Wir hatten einen Rückgang der Einnahmen, aber das entsprach einem Rückgang der Kosten, denn in der Galerie machten die Messen 70 Prozent der jährlichen Ausgaben aus. Wir hatten also eine positive Bilanz, gepaart mit einem personellen Zuwachs: Es gab viel Zeit, um zusammen zu sein, als Team zu arbeiten und eine wichtige inhaltliche Entwicklung zu haben. Es war eigentlich keine so schlechte Zeit für uns. Für Künstler, deren Arbeiten einen Blickkontakt erfordern, war es schon schwieriger: Offensichtlich haben nicht alle Künstler die gleichen Ergebnisse im Web. In unserem Fall hat Wolfram Ullrich, der erste Künstler in Bezug auf Verkäufe in direkten Situationen, spürbar abgenommen, da er nur auf die Betrachtung über digitale Plattformen verweisen konnte.

Abschließend: Welche Pläne haben Sie für die unmittelbare Zukunft?

Wir werden bald die Ausstellung von Imi Knoebel eröffnen, einem großen internationalen Künstler, der in Düsseldorf lebt und arbeitet und seit 30 Jahren nicht mehr in Mailand war (seine letzte Ausstellung fand 1991 im PAC statt). Es ist mir eine große Freude und Ehre, dass wir die Gelegenheit hatten, diesen zweiten Traum von mir zu verwirklichen (der erste war Carlos Cruz-Diez vor zwei Jahren). Die Pandemie verursachte eine Zeit der Stagnation, in der viele wichtige internationale Künstler (wie Imi Knoebel) eine unvermeidliche Verlangsamung erfuhren, so dass es möglich war, ihm unsere Ausstellung in der Galerie zu unterbreiten und einen fruchtbaren und ehrlichen Dialog zu führen. Die Tatsache, dass mein Vorschlag in einer schwierigen Zeit zu ihm kam, wurde von ihm sehr geschätzt: Ich bin nach Basel gereist, um ihn zu treffen, gerade weil wir auch verstehen wollten, wie glücklich er mit diesem Projekt war, um einen Treffpunkt zu schaffen, und er brachte seine Freude und Überzeugung zum Ausdruck. Die Zusammenarbeit mit einer jungen Galerie, die diese Zeit hinter sich hat und eine der Galerien von morgen sein kann, ist für ihn von großem Interesse: die sorgfältige Kuratierung der Layouts und die Herausgabe der Kataloge, die jede Ausstellung begleiten, hatten sicherlich ihr Gewicht. Am 7. Oktober geht es also los und wir freuen uns darauf.

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