Das neue Buch von Jacopo Veneziani, dem jungen Kunsthistoriker mit dem Versprechen der Popularisierung, wird veröffentlicht

Nach dem Erfolg seines Verlagsdebüts mit dem Buch #divulgo (ein Überblick über mehrere Jahrhunderte Kunstgeschichte anhand der Analyse einiger großer Meisterwerke) erscheint nun die zweite Publikation des jungen Kunsthistorikers Jacopo Veneziani, wiederum bei Rizzoli: Symmetrien. Die Kunst von gestern mit den Augen von heute betrachten (175 Seiten, EUR 22,90, EAN 9788891831545), in dem Veneziani Paare großer Künstler vergleicht und dem Leser überraschende und aufschlussreiche Gegenüberstellungen bietet. Der 1994 geborene Veneziani aus Piacenza ist das neue Gesicht der kunsthistorischen Popularisierung: Der Doktorand an der Sorbonne und Spezialist für das 18. Jahrhundert hat die Öffentlichkeit in den sozialen Medien zunächst durch seinen Twitter-Account gewonnen, dem fast 40 Tausend Follower folgen (@JacopoVeneziani: Jeden Tag verbreitet und kommentiert er Bilder von Kunstwerken mit dem Hashtag #divulgo, der zu einer Art Markenzeichen für ihn geworden ist). Dann zog er das Fernsehpublikum in seinen Bann, indem er eines der Gesichter der Sendung Le Parole della Settimana auf Rai3 wurde und als Juror bei Il borgo dei borghi, ebenfalls auf Rai3, mitwirkte.

Sein “Traum” ist es, in die Fußstapfen von Alberto Angela zu treten, aber man kann ohne Angst vor Widerspruch sagen, dass Veneziani den unbestrittenen König der Fernsehpopularisierung wenig zu beneiden hat. Jacopo Veneziani ist der große Hoffnungsträger der Fernsehkultur, elegant, engagiert und rigoros, und man kann nur hoffen, dass sein kometenhafter Aufstieg unaufhaltsam weitergeht: und für diejenigen, die ihn noch nicht kennen, kann das Buch Symmetrien ein guter Ausgangspunkt sein, um sich mit seinem Modus Operandi vertraut zu machen. Abgesehen von der erzählerischen Frische, die sowohl seine Fernsehauftritte als auch seine redaktionellen Produkte kennzeichnet, ist das Hauptmerkmal von Venezianis Popularisierung seine Fähigkeit, Themen zu behandeln , indem er Geschichten erzählt, ohne allzu sehr ins Anekdotische zu verfallen, und indem er die Gründe herausstellt, warum wir heute ein Kunstwerk aus der Vergangenheit betrachten und bewundern. Dies ist auch bei Symmetrien der Fall.

Das Buchcover

Die Vergleiche zwischen sogar scheinbar sehr weit entfernten Künstlern (hier sind alle Paare: Masaccio und Lucio Fontana, Caspar David Friedrich und Mark Rothko, Paolo Uccello und Marcel Duchamp, Louise-Élisabeth Vigée Le Brun und Egon Schiele, James Abbott McNeill Whistler und Piet Mondrian, Johannes Vermeer und René Magritte, Rosso Fiorentino und Henri Matisse, Gustave Caillebotte und Edward Hopper, der Meister des Triumphs des Todes und Pablo Picasso, Francisco Goya und Hilma af Klint) sind nicht die Spielereien eines gelangweilten Gelehrten, sondern werden von einem hochrangigen theoretischen Rahmen untermauert, den Veneziani in seiner Einleitung explizit darlegt. In den Ohren vieler Gelehrter“, so Veneziani, ”ist die Behauptung, ein Fresko von Beato Angelico erinnere an Jackson Pollocks Dripping, eine Verirrung, die der Behauptung gleichkommt, Julius Cäsar sei durch einen Schuss getötet worden. Wie wäre es stattdessen, wenn man einmal versuchen würde, die Werke der Vergangenheit zu betrachten, “ohne so zu tun, als ob man die Wege ignorieren würde, die die Kunst späterer Jahrhunderte eingeschlagen hat”? Veneziani zitiert Georges Didi-Hubermann (der als erster Beato Angelico und Jackson Pollock gegenüberstellte), der feststellte, dass “es nicht nur unmöglich ist, die Gegenwart zu verstehen, wenn man die Vergangenheit ignoriert”, sondern dass “es notwendig ist, die Gegenwart zu kennen (sich auf sie zu verlassen), um die Vergangenheit zu verstehen und ihr bereits die richtigen Fragen zu stellen”. Vor Didi-Hubermann, so Veneziani weiter, “hatte der deutsche Kunsthistoriker Carl Einstein die Notwendigkeit betont, all jene positivistischen, evolutionären und teleologischen Modelle aufzugeben, die der historischen Analyse von Bildern oft zugrunde liegen, und Walter Benjamin hatte erklärt, er wolle ”den allzu glänzenden Mantel der Geschichte abstreifen“, um ”die darunter liegende Haut, das verborgene Fleisch der Dinge zu enthüllen". Angeregt durch die Arbeiten von Didi-Hubermann, Einstein, Aby Warburg und anderen hat Veneziani versucht, das Risiko des Anachronismus einzugehen, ohne sich jedoch in “wahnwitzigen subjektiven Interpretationen” zu ergehen, warnt er, “indem er es als Dreh- und Angelpunkt benutzt, um noch nie dagewesene Vergleiche anzustellen und so zu versuchen, neue Blickwinkel auf die Kunst von gestern und heute zu erschließen”. Der Grund für diese Operation? Um die Entwicklung der Kunst in der Vergangenheit zu verstehen und gleichzeitig bestimmte Aspekte der alten Werke zu berücksichtigen, die mit Hilfe der Künstler des 20.

Jahrhunderts auftauchen. Der Ausgangspunkt ist der Vergleich zwischen Masaccio und Fontana: So wie Masaccio die dritte Dimension in der Malerei eroberte und das “Fenster zur Welt” öffnete, das 1435 in Leon Battista Albertis De Pictura theoretisiert wurde, wollte Fontana eine neue Raumauffassung entwickeln, indem er die Abstände zwischen dem Objekt und dem Raum aufhob und den Betrachter durch den Schnitt in die Realität zurückholte, indem er sich nicht auf die Darstellung des Raums beschränkte, sondern ihn mit Löchern und Schnitten versah, die den Betrachter in eine neue Dimension führen konnten. “Über die übliche Ebene der Malerei hinauszugehen”, schreibt Veneziani, “bedeutete, in die Leere einzutauchen, eine Flugbahn ins Unbekannte zu zeichnen, wie die, die Apollo 11 im Juli 1969, zehn Monate nach dem Tod des Künstlers, eingeschlagen hat, um die ersten Menschen auf den Mond zu bringen”. Masaccio und Fontana sind also durch die Revolutionen verbunden, die sie beide auslösten, indem sie die Vorstellung vom Raum, wie sie bis zu dem Moment, als ihr Stern den Himmel der Kunst kreuzte, verstanden wurde, radikal erneuerten. Bei Friedrich und Rothko hingegen liegt die Gemeinsamkeit in der Haltung: In dem Bild Mönch am Meer des deutschen Künstlers sehen wir einen Mönch in kontemplativer Haltung vor einer leeren Landschaft, die durch die “Überlagerung eines schmalen Landstreifens, des tückischen Wassers eines Bio-Meeres und eines immensen grauen, wolkenverhangenen Himmels konstruiert wurde, drei horizontale Hintergründe, die einen Schritt von der Abstraktion entfernt sind und fast die Malerei von Mark Rothko vorwegzunehmen scheinen”. Friedrichs Malerei lässt die Landschaft zu einem Ort werden, an dem sich die Innerlichkeit des Malers und die des Betrachters treffen: Bei Rothko geschieht mehr oder weniger das Gleiche, da der litauisch-amerikanische Künstler über die Idee des “Vermittlers” (die Figur des Mönchs) hinausging, um “uns selbst zum Mönch vor dem Meer zu machen, der in kontemplativer Stille steht, als ob wir einen Sonnenuntergang oder eine mondhelle Nacht betrachten”, schrieb der Kunsthistoriker Robert Rosenblum.

Jacopo Veneziani

Ein anderer Vergleich, ein anderes Thema: Der Dialog zwischen Louise-Élisabeth Vigée Le Brun und Egon Schiele spielt sich auf demSelbstporträt ab. Die französische Künstlerin machte ausgiebig Gebrauch vom Selbstporträt, das in ihrer Kunst zu einem Mittel wird, um “die Gedanken einer Künstlerin auf die Leinwand zu bringen, die (die den turbulenten Übergang von der Monarchie zum modernen Staat am eigenen Leib erfuhr)”, schreibt Veneziani, “nicht einen Augenblick lang aufhörte, ihr Frausein, ihre Mutterschaft und ihr Malersein in Frage zu stellen”. In ähnlicher Weise nutzte Schiele regelmäßig das Medium des Selbstporträts, um sich in einer sich verändernden Welt zu orientieren: Auf diesem Gebiet stellt Veneziani die Verbindung zwischen den beiden Künstlern her, die durch ein Jahrhundert getrennt sind. Und etwa hundert Jahre trennen auch Francisco Goya und Hilma af Klint: So wie Goya versuchte, die tiefsten Abgründe des menschlichen Wesens (das Böse, die Gewalt, die Negativität) zu erforschen, so wollte die schwedische Malerin in ebenso unerforschte Welten vordringen, um zu versuchen, das darzustellen, was man nicht sehen kann, und nahm damit die Forschungen von Künstlern wie Wassily Kandinsky und Paul Klee vorweg, die als Pioniere derabstrakten Kunst gelten (neuere Studien haben gezeigt, dass Hilma af Klint einige Jahre vor Kandinsky zur Abstraktion gelangte).

Jedes Kapitel von Symmetries präsentiert dem Leser passende Zitate von Kunsthistorikern und Kritikern, die sich mit den von Veneziani besprochenen Künstlern befasst haben, und am Ende des Buches findet man eine unentbehrliche Bibliographie für weitere Studien zu den Themen des Buches: Hinter Jacopo Venezianis Popularisierung steht eine traditionelle und akkurate Quellenarbeit, die letztlich zu einem jugendlichen Produkt führt, das das Publikum mit einer klaren, nicht abenteuerlichen Darstellung zu fesseln vermag, die sich streng an den Kanon der wissenschaftlichen Popularisierung hält und sich dem Leser mit Schwung, ohne Vereinfachungen (oder, schlimmer noch, Trivialisierungen) anbietet, aber mit der Fähigkeit, auch traditionell schwierige Künstler zugänglicher zu machen (wie Paolo Uccello, Mondrian, Fontana und Rothko selbst), um eine “alternative” Kunstgeschichte zu schreiben (für das Publikum, aber nicht für die Wissenschaftler, da sie sich auf die wissenschaftliche Literatur stützt), die zudem, im Fall von Symmetrien, die Logik des “Mögens” von Künstlern vermeidet. Ein Autor, Jacopo Veneziani, der, wenn er diesen Weg weiterverfolgt, noch lange von sich reden machen wird und (darauf würden wir wetten) bald zu einem der bekanntesten Namen der Öffentlichkeit gehören wird.

Das neue Buch von Jacopo Veneziani, dem jungen Kunsthistoriker mit dem Versprechen der Popularisierung, wird veröffentlicht

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