Von Alberto Burri bis Anselm Kiefer, eine Ausstellung über Erde und Materie in der Schweiz

Die Museen in der Schweiz sind nun dauerhaft wieder geöffnet, und die Sammlung Giancarlo und Danna Olgiati in Lugano eröffnet ihre Ausstellungssaison, indem sie der Öffentlichkeit vom 27. März bis zum 6. Juni 2021 eine thematische Ausstellung mit dem Titel Terre(Land) präsentiert. Die Ausstellung bietet eine Auswahl von zweiundzwanzig Gemälden und Skulpturen von den 1920er Jahren bis heute, die sich um den Titel “Terre” (Land) gruppieren und durch eine “materielle” Dimension verbunden sind. Die vierzehn Künstler der Ausstellung, die aus unterschiedlichen Epochen stammen und verschiedene geografische Ursprünge haben, untersuchen die Ausdrucksqualitäten der Materie mit einer Vielzahl von Ergebnissen: von der von den Farben der Erde dominierten Malerei von Zoran Mušič über die informelle Forschung im italienischen und europäischen Raum bis hin zu den “kosmischen” Materialien von Enrico Prampolini, Eliseo Mattiacci und Anselm Kiefer. Die Ausstellung präsentiert einen wichtigen Kern von Werken, von denen viele noch nie ausgestellt wurden, und bietet einen noch nie dagewesenen Blick auf die Sammlung Giancarlo und Danna Olgiati in ihrer Gesamtheit, was die künstlerische Auswahl und den Überblick betrifft.

Das Ausstellungsprojekt beginnt mit einer bedeutenden Gruppe von fünf Gemälden des in Slowenien geborenen Malers und Grafikers Zoran Mušič (Gorizia, 1909 - Venedig, 2005): Sienese Landscape (1953), Enclos primitif (E3) (1960), Motif végétal (1972), Terre d’istria (1957) und Terre dalmate (1959). Diese Werke zeugen von der kreativen Phase nach dem Umzug des Künstlers nach Paris im Jahr 1953, als sich seine Bildproduktion der Sprache des französischen Informel annäherte. Durch eine Malerei mit organischen Motiven in trockenen Tönen, die oft ins Figürliche übergeht, erzählt Mušič von einem intimen und persönlichen Universum, in dem die Erinnerung an die Länder und Erfahrungen der Kindheit des Künstlers wieder auftaucht.

Im selben Raum findet das Publikum wichtige Werke dreier italienischer Meister des 20. Jahrhunderts: Alberto Burri (Città di Castello, 1915 - Nizza, 1995), Leoncillo (Leoncillo Leonardi; Spoleto, 1915 - Rom, 1968) und Emilio Vedova (Venedig, 1919 - 2006). Sie sind die Protagonisten der Saison des Informel und stellen uns eine Poetik vor, die auf dem Eigenwert der auf ihren Urzustand reduzierten Materie beruht. Indem sie die Möglichkeit in Frage stellen, eine durch die Zerstörungen der Weltkriege verwüstete Welt darzustellen, erwecken diese Künstler eine Forschung zum Leben, die sich von der idealen und rationalen Kontrolle des Bildes zugunsten der Ausdruckskraft der Elemente (Jutesäcke, Eisen, Holz oder Plastik) und der Erde in ihrer brüchigen und klumpigen Substanz befreit. Von Burri zeigt die Sammlung einen Bianco Nero Cretto (1972), dessen zersplitterte Oberfläche, die an die Risse in der tonhaltigen Erde erinnert, das “Leiden” des dem Trocknungsprozess ausgesetzten Materials wiedergibt; eine Komposition, die die ganze Dramatik des Grande Cretto (1984-89) vorwegnimmt, den der Künstler in Gibellina auf den Trümmern der Stadt realisiert hat, die durch das Erdbeben im Belice-Tal in Sizilien 1968 dem Erdboden gleichgemacht wurde. Die Skulptur Ohne Titel (1960) offenbart den ursprünglichen kreativen Prozess, mit dem Leoncillo Steingut (ein hartes keramisches Material) verwendet, und offenbart die tiefe Identifikation des Künstlers mit dem Material selbst (“creta carne mia”, so der Künstler), während in der Skulptur Per uno spazio - 29 (1987-88) von Emilio Vedova es die gestische Aufladung der Malerei ist, die sich dem Künstler aufdrängt. In der Skulptur Per uno spazio - 29 (1987-88) von Emilio Vedova ist es die gestische Aufladung der Malerei, die sich dem Künstler aufdrängt, indem er ein anderes Material (Holz) einbezieht, das ihm eine plastisch-räumliche Qualität verleiht.

Die Begegnung mit der informellen Kunst wird im nächsten Abschnitt mit den bildnerischen Werken von zwei ihrer größten Interpreten in Europa fortgesetzt: Marrò (1958) von Antoni Tàpies (Barcelona, 1923 - 2012) und Masque de terre (1960) von Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 - Paris, 1985). Beide erforschen die Verwendung von ärmlichen Materialien wie Schutt oder Erde, die mit Ölfarbe vermischt werden, und zwar in völliger Abwesenheit von Figuration, die keinen Raum für etwas anderes als die suggestive Kraft des Rohmaterials lässt. Während Dubuffet den ursprünglichen und instinktiven Aspekt der Interaktion mit dem Material hervorhebt, schafft Tàpies ein Werk, das wie eine echte “Wand” aus Erde erscheint, die mit Zeichen und Einschnitten durchzogen ist, eine solide Präsenz, die uns einlädt, über das Material selbst hinauszugehen.

Die Ausstellung wird, ohne chronologische Abfolge, mit einer Hommage an den italienischen Bildhauer Arturo Martini (Treviso, 1889 - Mailand, 1947) fortgesetzt. Die kleinformatige Skulptur aus feuerfester Erde Violoncellista (um 1931) steht in der höchsten Phase seines Schaffens, die er selbst als “singende Periode” bezeichnete, als er den ersten Preis für Bildhauerei auf der ersten Quadriennale in Rom (1931) erhielt und mit einem Soloraum zur Biennale in Venedig (1932) eingeladen wurde. An der Wand und im Dialog mit Martinis Skulptur befindet sich die bemalte Gipsarbeit Deux oiseaux (1926) von Max Ernst (Brühl, Deutschland, 1891 - Paris, 1976), die zwei Jahre nach der Gründung der surrealistischen Bewegung in Paris entstand. Mit einzigartigem technischem Erfindungsreichtum entwickelt Ernst eine raffinierte Komposition, in der man vage Vogelformen erkennen kann, die aus heterogenen Material- und Farbtexturen hervorgehen. Obwohl fast ein Jahrhundert später entstanden, suggeriert die Skulptur Belle du vent (2003) von Rebecca Horn (Michelstadt, 1944), die aus zwei von einem Motor angetriebenen vulkanischen Steinelementen besteht, eine ebenso traumhafte und surreale Atmosphäre. In einer symbolischen Sprache kombiniert die deutsche Künstlerin mechanische Geräte und organische Materialien, um Themen wie die Natur in ihrem zyklischen Verlauf, das Vergehen der Zeit und die menschliche Existenz zu untersuchen. Unter den zeitgenössischen Künstlern zeigen der Deutsche Markus Lüpertz (Reichenberg, 1941) und der Kolumbianer Gabriel Sierra (San Juan Nepomuceno, 1975), die in der Ausstellung mit dem Gemälde Ulysses II (2011) bzw. der Wandarbeit Ohne Titel (2014) vertreten sind, zwei unterschiedliche Arten, sich mit dem Begriff der Materie auseinanderzusetzen: Die erste, indem sie ihn in einer rein bildlichen Dimension evoziert, während die zweite, indem sie dreidimensionale Objekte mit starken architektonischen Konnotationen zusammenstellt, die die kontingenten Raum-Zeit-Koordinaten untergraben.

Die Ausstellung schließt mit einem Kapitel, das den “kosmischen” Materialien gewidmet ist, und zwar durch die Werke von Enrico Prampolini, Eliseo Mattiacci und Anselm Kiefer. Vier Werke von Enrico Prampolini (Modena, 1894 - Rom, 1956), einem eklektischen und originellen Vertreter des italienischen Futurismus, werden vorgestellt: Die beiden berühmten polymateriellen Werke Automatismo polimaterico C (1940) und Automatismo polimaterico F (1941) drücken eine lyrische und spirituelle Vision der Realität aus, die der Künstler selbst als “kosmischen Idealismus” bezeichnete. Durch die polymaterielle Ausarbeitung will Prampolini “über die Grenzen der irdischen Realität hinausgehen” und die Geheimnisse des Kosmos erforschen. Während in diesen Werken die Produktionsprozesse und biologischen Rhythmen der Natur evoziert werden, überwiegt im folgenden Jahrzehnt die Vorstellung von der Materie als einer noch nie dagewesenen außerbildlichen und illusionslosen Realität, wie in den beiden polymateriellen Werken Apparizioni bioplastiche (1954) und Composizione S6: zolfo e cobalto (1955) zu sehen ist. Das Thema der Beziehung des Menschen zum Kosmos prägt das gesamte Schaffen des märkischen Künstlers Eliseo Mattiacci (Cagli, 1940 - Fossombrone, 2019). Der Autor selbst nennt “den Himmel, den Kosmos, die Unermesslichkeit des Unendlichen” als seine Inspirationsquellen. Die beiden hier ausgestellten Werke Spazio meteoritico (Meteoritischer Raum, 1984) und Esplorare (Erforschen, 2003) repräsentieren gut die rätselhafte Strenge, mit der Mattiacci sein visuelles Universum durch die originelle Verwendung von Metallen formuliert, “lebendigen” Materialien, die in der Lage sind, Energieaustausch und neue räumliche Beziehungen zu aktivieren. Das große Gemälde Eridanus (2004) von Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) schließlich ist von der kosmischen Astronomie inspiriert: Die von der Geometrie des Sternbilds durchzogene Himmelskugel, aus der ein bleiernes U-Boot herausragt, unterstreicht die Reflexion des Künstlers über die Beziehung zur jüngsten Geschichte der deutschen Nation.

Die neue Ausstellung in der Sammlung Giancarlo und Danna Olgiati will einen Überblick über die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts bieten, die das unverzichtbare Bedürfnis des Menschen, sich mit der Erde in ihrem physischen und metaphysischen Sinn auseinanderzusetzen, hervorheben kann: dem Ort des Ursprungs, der Entwicklung und des Endes eines jeden Menschen. Alle Informationen zur Ausstellung finden Sie auf der Website der Olgiati Collection.

Im Bild: Alberto Burri, Bianco Nero Cretto (1972; Acrovinyl auf Cellotex, 76,5 x 101,5 cm)

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