Venedig, im Ca' Pesaro die erste italienische Retrospektive über Arshile Gorki, den großen Vertreter des abstrakten Expressionismus

Die erste italienische Retrospektive, die Arshile Gorky (Vostanik Manouig Adoian; Khorkom, 1904 - Sherman, 1948) gewidmet ist, dem großen armenischen Künstler, der in den Vereinigten Staaten eingebürgert wurde und zu den führenden Vertretern desabstrakten Expressionismus gehört, wird vom 8. Mai bis zum 22. September 2019 in Venedig in der Ca’ Pesaro - Galleria Internazionale d’Arte Moderna gezeigt. Die Ausstellung trägt den Titel Arshile Gorky. 1904 - 1948 und zeigt achtzig Werke, die es uns ermöglichen, Gorkis Kunst umfassend zu erkunden. Von seiner Infragestellung der modernen Meister in den 1920er Jahren bis zu seinen letzten Gemälden in den 1940er Jahren findet sich in Gorkis Werk stets eine besondere Vision, die ihn neben Willem de Kooning, Jackson Pollock und Mark Rothko als eine der Schlüsselfiguren der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts auszeichnet. Gorki verließ Armenien im Alter von 15 Jahren, um in die Vereinigten Staaten zu fliehen: Er musste vor dem armenischen Völkermord fliehen und lebte in den USA zwischen Boston und New York, wo seine Kunst einen großen Erfolg feierte, der mit seinem Selbstmord im Jahr 1948 endete und ein Leben voller Zufriedenheit, aber auch Bitterkeit und persönlicher Probleme beendete.

Die Ausstellung wird von Edith Devaney, Kuratorin an der Royal Academy of Arts in London, kuratiert und in enger Zusammenarbeit mit der Arshile Gorky Foundation und Familienmitgliedern realisiert: Dank dieser Zusammenarbeit werden auch Werke zu sehen sein, die selten öffentlich ausgestellt wurden. Die Ausstellung stützt sich auch auf die Leihgaben renommierter Museen: National Gallery of Art, Washington; Tate Modern, London; Centre Pompidou, Paris; Whitney Museum of American Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; Calouste Gulbenkian Foundation, Lissabon; Diocese of the Armenian American Church, New York.

Gabriella Belli sagt: “Die außergewöhnliche Persönlichkeit Gorkis, die zum ersten Mal in Italien in einer monografischen Ausstellung zu sehen ist”, sagt Gabriella Belli, Direktorin der Städtischen Museen von Venedig, “wird noch immer im Schatten stehende Bereiche der Kunstgeschichte unseres Landes beleuchten und es uns ermöglichen, die Osmose der europäischen Malerei mit der amerikanischen Malerei, für die Gorki zweifellos einer der wichtigsten Erneuerer war, eingehend zu untersuchen”.

“Die wichtigsten Werke aus Gorkis Karriere”, fügt Edith Devaney hinzu, “werden in einer Ausstellung zusammengeführt, die es uns ermöglicht, den Wert seiner Erfahrung in der Entwicklung und Definition der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts zu bekräftigen und zu zeigen, wie sein Einfluss bis heute anhält.”

“Vor etwa einem Jahrhundert kam der junge Arshile Gorki”, erklärt Saskia Spender, die Enkelin des Künstlers, “Venedig so nahe wie nie zuvor, als das Schiff, das ihn nach Amerika bringen sollte, in Neapel anlegte. In Wahrheit war er, zumindest geistig, nie weit von der Kunst Pompejis, Paolo Uccellos und De Chiricos entfernt, die zu seinen Lieblingsvorbildern gehörten. Er liebte es, so schnell zu arbeiten wie Tintoretto, denn, wie er einmal sagte, ”wenn wir im Einklang mit unserer Zeit sind, tun wir die Dinge leichter“. Wir hoffen, dass diese Ausstellung den Besuchern den Wert von Gorkis besonderer Stellung und seiner produktiven Energie vor Augen führen wird, und wir hoffen auch, dass wir zum ersten Mal in Italien die Möglichkeit haben, sein Werk in diesem Umfang zu sehen. Gorki war ein Mann, der Grenzen und Etiketten jeglicher Art ablehnte, von seinem eigenen Namen bis hin zu kunsthistorischen Kategorien. Die Ausstellung in Venedig kann nur bestätigen, dass ein solch individueller Ausdruck nur im New York der Mitte des Jahrhunderts entstehen konnte”.

Arshile Gorky. 1904 - 1948 verfolgt die Entwicklung von Gorkis charakteristischem künstlerischen Vokabular, das aus seiner künstlerischen und intellektuellen Auseinandersetzung mit den europäischen Bewegungen resultiert, wenn auch unabhängig von deren Vorgaben. Gorki integriert die Landschaften von Paul Cézanne, die Linienführung von Ingres, die Komposition von Paolo Uccello, die Logik von Picasso und sogar die lebhaften Formen von Joan Miró. Indem er die Werke früherer Meister und moderner Künstler aufnahm und auf sie reagierte, konnte Gorki seine eigene Vision und Fantasie entwickeln. Die Ausstellung beginnt daher mit den frühen Porträts des Künstlers, einer Zeit, in der er viele Begegnungen mit aufstrebenden New Yorker Avantgarde-Künstlern wie Stuart Davis, John Graham und David Smith hatte. Dies war ein kreatives Umfeld, in dem Gorki selbst eine führende Persönlichkeit war. Ein zentrales Werk ist das Selbstporträt (um 1937), das sich auf Picassos neoklassische Porträts der 1920er Jahre bezieht. Gorkis Porträts waren nicht nur eine Form der Auseinandersetzung mit der Gegenwart (Porträts von Familienmitgliedern, engen Freunden und Gleichaltrigen), sondern auch eine Form der Hommage an die Familie, die er verloren hatte.

Gorki ging dazu über, kubistische Themen und Strukturen mit surrealistischen Inhalten und Techniken zu verbinden, insbesondere durch die Isolierung und Ausarbeitung biomorpher Formen in seinen Landschaften und Stillleben der 1930er Jahre. Die Zeichnungsserie Nighttime, Enigma und Nostalgia stellt einen Schlüsselmoment in der Entwicklung der Abstraktion des Künstlers dar, dessen Vokabular durch Motive vervollkommnet wird, die sich aus seiner Auseinandersetzung mit dem Kubismus und dem Surrealismus ergeben. Die Zeichnung spielte eine grundlegende Rolle in Gorkis Praxis, sie prägte seine Ideen und ging fast jedem Gemälde voraus. Gorkis Schaffen wird in der Ausstellung durch die Präsentation von Arbeiten auf Papier erkundet, die den gesamten Verlauf seiner Karriere dokumentieren.

In den 1940er Jahren kam Gorki in Kontakt mit den Surrealisten, darunter André Breton, Wifredo Lam, Max Ernst und Roberto Matta. Diese neuen Bekanntschaften trugen zur Entwicklung des Automatismus und des Unterbewusstseins in seinen Bildern bei. Werke wie Apple Orchard (ca. 1943 - 1946) zeugen nicht nur von seinem Können und einer neuen präzisen und fließenden Linienführung, sondern auch von einem veränderten Ansatz. Gorkys Werk wurde durch die Rückbesinnung auf die Natur weiter belebt, die in den Sommern 1942-1945, die er in Connecticut und auf der Crooked Run Farm in Virginia verbrachte, gefestigt wurde. Während dieser Zeit, die er nicht in seinem Atelier oder in New Yorker Museen verbrachte, konnte er universelle Symbole und Motive aus der Beobachtung herauslesen. Gorki untersuchte botanische und biologische Formen genau und übersetzte die visuellen Metaphern, die er in der Natur sah, in neue metamorphe Formen, die seine innerste Psyche zum Ausdruck bringen konnten.

Das letzte Kapitel der Ausstellung konzentriert sich auf die letzten Meisterwerke wie The Liver is the Cock’s Comb (1944), One Year the Milkweed (1944) und Dark Green Painting (um 1948). In diesen Werken werden Gorkis instinktive Symbole in ein persönliches Vokabular wiederkehrender phantastischer Formen umgewandelt, die, wie Clement Greenberg 1947 feststellte, zu “einigen der besten modernen Gemälde, die je von einem Amerikaner geschaffen wurden”, führen. Der Künstler verarbeitete in diesen Werken suggestive Kindheitserinnerungen, seine tiefe Verbundenheit mit der Natur und die Komplexität und Widersprüche seiner eigenen Existenz. Gorkis unverwechselbare Sprache (eine Mischung aus eigener Energie und Empathie, Unterbewusstsein und abstrakter Bildsprache) macht ihn zu einem Vorreiter des Abstrakten Expressionismus in Amerika. Gorki lebte in einer außergewöhnlichen Epoche historischer und kultureller Umwälzungen, die durch eine noch nie dagewesene Völkerwanderung während der beiden Weltkriege gekennzeichnet war und auf die der Aufstieg New Yorks als Kunsthauptstadt gegenüber Paris folgte. Dieser historische Kontext wird in der Ausstellung durch Archivmaterial dokumentiert, das von der Arshile Gorky Foundation zur Verfügung gestellt wurde, und umreißt nicht nur die Chronologie von Gorkys Leben, sondern auch die Ereignisse dieser Zeit, die sein Leben tiefgreifend beeinflussten. Das Werk des Künstlers hat Generationen von Künstlern nachhaltig beeinflusst, insbesondere Willem de Kooning, Cy Twombly, Helen Frankenthaler und Jack Whitten. Die Ausstellung umfasst auch einen Film unter der Regie von Cosima Spender, der Enkelin des Künstlers, der eine Reihe zeitgenössischer Künstler zu Wort kommen lässt, um über Gorkis Leben, Werk und Vermächtnis nachzudenken, sowie bisher unveröffentlichtes Filmmaterial des Künstlers.

Zur Ausstellung erscheint ein illustrierter Katalog mit Essays der Kuratoren (Edith Devaney und Gabriella Belli) und von Saskia Spender, mit Texten auf Englisch und Italienisch. Weitere Informationen finden Sie auf der Website des Ca’ Pesaro.

Im Bild: Arshile Gorky, Year the Milkweed (1944; Öl auf Leinwand, 94,2 x 119,3 cm; Washington, National Gallery of Art, Ailsa Mellon Bruce Fund) © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.

Quelle: Presseinformation

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