Sechzig Jahre italienische Kunst in Carrara, von Morlotti über die Transavanguardia bis heute

Vom 5. August bis zum 30. Oktober 2022 organisiert Vôtre Spazi Contemporanei in Carrara zwei Ausstellungen (Eröffnung am 5. August um 21 Uhr) im Palazzo del Medico auf der Piazza Alberica: die Gruppenausstellung Summer Lights, kuratiert von Nicola Ricci und Federico Giannini, und die Einzelausstellung des Bildhauers Novello Finotti. Summer L ights vereint die Werke von vierundzwanzig Künstlern und ist Teil einer Ausstellungsreihe über die Tendenzen der italienischen Malerei und Bildhauerei von den 1950er Jahren bis heute, die Vôtre seit mehreren Jahren organisiert (die letzte in der zeitlichen Reihenfolge war die Ausstellung Uguali Disuguali , die zwischen November und Januar stattfand).

Ausgehend vom 70. Jahrestag der Gründung der Gruppo degli Otto (Gruppe der Acht), die einen dritten Weg zwischen Abstraktion und Realität vorschlug, während die Debatte zwischen Abstraktionisten und figurativen Künstlern tobte, zeichnetSommerlicht einige der wichtigsten Ereignisse nach, die die italienische Kunst seit 1952 beeinflusst haben, und stellt einige der wichtigsten Kunstwerke der 1950er Jahre aus.Italienische Kunst ab 1952, mit Werken von zwei Mitgliedern der Otto-Gruppe, nämlich Antonio Corpora (Tunis, 1909 - Rom, 2004) und Ennio Morlotti (Lecco, 1910 - Mailand, 1992) bis zu den frühen 2000er Jahren durch die Präsenz von Gemälden und Skulpturen, die die Forschung über Licht und Farbe präsentieren. Vom geometrischen Abstraktionismus von Piero Dorazio (Rom, 1927 - Perugia, 2005) zum Spatialismus von Turi Simeti (Alcamo, 1929 - Mailand, 2021) und Dadamaino (Edoarda Emilia Maino; Mailand, 1930 - 2004), von der gegenständlichen Malerei eines Mario Schifano (Homs, 1934 - Rom, 1998) zum Neosurrealismus eines Aldo Mondino (Turin, 1938 - 2005), von der Transavantgarde eines Sandro Chia (Alessandro Coticchia; Florenz, 1946) zum Neuen wie Salvo (Salvatore Mangione; Leonforte, 1947 - Turin, 2015) und Luigi Ontani ( Vergato, 1943), über die Nuova Scuola Romana von Piero Pizzi Cannella (Rocca di Papa, 1955), den Zitationismus von Athos Ongaro (San Donà di Piave, 1947), die Rückbesinnung auf die Tradition von Wainer Vaccari (Modena, 1949) und die(Modena, 1949) und die Ironie von Maurizio Cannavacciuolo (Neapel, 1954) bis hin zu den neueren Tendenzen, die von Künstlern wie Antonia Ciampi (Bologna, 1959), Marco Cingolani (Como, 1961), Angelo Filomeno (Ostuni, 1963), Federico Fusj (Siena, 1967) und Santiago Ydáñez (Jaén, 1967) verkörpert werden. Eine weitere Sektion ist Künstlern gewidmet, die in der Gegend von Carrara tätig sind, aber in internationalen Kontexten ausgestellt haben, wie Luciano Massari, Silvia Papucci, Roberto Rocchi, Silvio Santini und Enzo Tinarelli.

"Mit Summer Lights hat das Publikum die Möglichkeit, eine Art Anthologie von fünf Jahrzehnten italienischer Malerei und Bildhauerei zu besuchen“, so die Kuratoren Ricci und Giannini. ”Der Rundgang folgt einigen Linien, die vor genau siebzig Jahren beginnen und durch Abwandlungen, Reaktionen und Überarbeitungen bis in die heutige Zeit führen. Nach Uguali e Disuguali (Gleich und Ungleich), das sich vor allem auf Harmonien und Dissonanzen zwischen oft gegensätzlichen Sprachen konzentrierte, ist Summer Lights eher klassisch ausgerichtet, mit dem Ziel, eine kleine und notwendigerweise unvollständige Geschichte der Malerei und Bildhauerei nachzuzeichnen, um zu beobachten, wie die von den Künstlern der Vergangenheit entwickelten Sprachen von den nachfolgenden Generationen übernommen wurden".

Die Einzelausstellung von Novello Finotti (Verona, 1939) hingegen versammelt eine Reihe bedeutender Skulpturen des Künstlers aus dem Veneto, der für seine zwischen Realität und Fantasie angesiedelten Werke bekannt ist, der mit Marmor und Bronze arbeitet und weltweit ausgestellt hat. Finotti wurde 1939 in Verona geboren und lebt und arbeitet zwischen Sommacampagna und Pietrasanta. Nach seinem Studium an der Accademia Cignaroli debütierte er 1958 im Alter von 19 Jahren mit einer Ausstellung in Assisi und nahm am III. internationalen Bronzewettbewerb teil. Internationalen Bronzewettbewerb teil. 1964 stellte er in New York aus und zwei Jahre später gab er sein Debüt auf der Biennale von Venedig, wohin er 1984 mit einer Einzelausstellung zurückkehrte. Finotti nahm auch zweimal an der Quadriennale von Rom teil (1976 und 1986). Zu seinen wichtigsten Einzelausstellungen gehören die in der Galerie Jolas in Mailand (1972), in der italienischen Botschaft in Tel Aviv, Israel (1976), in der Jolas Jackson Gallery, New York (1977), in der Galerie Berg Home, St. Gallen, Schweiz (1977) und imItalian Cultural Institute, San Francisco (1980), Palazzo Te, Mantova (1986), Galleria Marilena, Liakopoulus, Athen (1980), Galleria Forni, Bologna (1991 und 2005), Galleria Credito Valtellinese, Refettorio delle Stelline, Mailand (1995), Nardin Gallery, New York (1998), Castello Scaligero, Malcesine (2000), Abbazia di Rosazzo in Manzano.

Die beiden Ausstellungen können in den Räumen von Vôtre Spazi Contemporanei (Palazzo del Medico, Piazza Alberica 5, Carrara) vom 5. August bis zum 30. Oktober dienstags bis samstags von 17 bis 20 Uhr besichtigt werden. Die Eröffnung findet am Freitag, den 5. August um 21 Uhr statt. Die Ausstellung ist kostenlos. Informationen erhalten Sie unter der Telefonnummer +39 3384417145, per E-Mail an associazionevotre@gmail.com oder auf https://www.votrespazicontemporanei.it. Im Folgenden finden Sie den einleitenden Text zur Ausstellung von Federico Giannini.

Sommerliche Lichter

1952 war eines der grundlegenden Jahre für die italienische Kunst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Auf der Biennale von Venedig präsentierte Lionello Venturi der Öffentlichkeit und der Kritik zum ersten Mal die von ihm geförderte Gruppe der “Otto Pittori Italiani” (Acht italienische Maler), die aus einem konkreten Wunsch hervorging, den Antonio Corpora gegenüber Venturi selbst geäußert hatte: Der Wunsch, die italienische Malerei neu zu begründen, indem ein dritter Weg zwischen Abstraktion und Figuration eröffnet wird, der die starren Trennungen überwindet, die die künstlerische Debatte jener Zeit im Zaum hielten (die “Acht”, d.h. Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso, Giulio Turcato und Emilio Vedova, wollten weder als Realisten noch als Abstrakte definiert werden). Sie benutzten, wie Venturi schreiben würde, "jene Bildsprache, die von der Tradition abhängt, die um 1910 begann und die Erfahrungen der Kubisten, Expressionisten und Abstraktionisten einschließt".

Die Sprache der Gruppe, die jeden Extremismus ablehnte und die Freiheit anstrebte, sich mit Formen auszudrücken, die in der Lage waren, die Realität zu verklären, ohne sie abzulehnen oder zu verleugnen, sollte schon bei dieser ersten Ausstellung ein Erfolg werden: Es genügt, daran zu erinnern, wie Palma Bucarelli, der damalige Direktor der Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom, kurz nach der Biennale 1952 beschloss, die Sammlungen des Museums durch den Ankauf einerAlba von Corpora für 72.170 Lire (heute etwas mehr als tausend Euro) zu erwerben, die auch wegen ihrer formalen Eigenschaften ausgewählt wurde, da es sich um ein Werk handelt, “in dem sich das Farblicht über die strukturelle Anordnung hinaus ausdehnt und wie ein Sonnenstrahl in das Oberflächengitter eindringt, mit einer inneren und spontanen Dialektik, die Corpora bereits im abstrahierenden postkubistischen Kontext der Nachkriegszeit auszeichnet”. Anlässlich des 70. Jahrestages der Gründung der Gruppo degli Otto (Gruppe der Acht) ist die Ausstellung Summer Lights im Einklang mit den jüngsten Ausstellungen von Vôtre, die die Ereignisse der letzten Jahrzehnte in der italienischen Kunst, insbesondere in der Malerei und der Bildhauerei, nachzeichnen, Teil der Reihe der anthologischen Ausstellungen über die jüngste italienische Kunst imDie Ausstellung der jüngsten italienischen Kunst in der Galerie Carraresi hat zum Ziel, die Fäden eines Teils der italienischen Malereikultur zwischen den 1950er und den frühen 2000er Jahren zurückzuverfolgen, insbesondere mit einer Reihe von Gemälden, die die Erforschung von Licht und Farbe darstellen.

Die Erfahrung der Ottos sollte nur von kurzer Dauer sein: der Weggang von zwei führenden Vertretern, Morlotti und Vedova, sollte bereits 1954 das Ende der Gruppe bedeuten. Vor allem Morlotti hatte die Ottos verlassen, um sich den “letzten Naturalisten” unter der Ägide von Francesco Arcangeli anzuschließen, die von der Absicht beseelt waren, die Natur, verstanden in ihrem reinsten physikalischen Wesen als Element “im reinsten Sinne des Physischen”, wieder in den Mittelpunkt des künstlerischen Handelns zu stellen. Die reine physische Essenz eines Elements, “das man ansieht, atmet, fühlt, leidet, noch bevor man es in Worte fasst”, wie Arcangeli selbst in dem im selben Jahr in Paragone veröffentlichten Essay Gli ultimi naturalisti schrieb. Auf der anderen Seite setzt die abstrakte Malerei ihre Experimente fort: Nach der Erfahrung von Forma 1, die den Formalismus als “einziges Mittel, um den dekadenten, psychologischen und expressionistischen Einflüssen zu entkommen” anerkannte, gehörte Piero Dorazio, der im Alter von gerade einmal zwanzig Jahren zu den Unterzeichnern derDer erst zwanzigjährige Piero Dorazio, der zu den Unterzeichnern des Manifests gehörte, in dem es hieß, dass “die Form Mittel und Zweck” sei, blieb auch nach der Auflösung der Gruppe im Jahr 1951 bei seinen Positionen und setzte den Weg der geometrischen Abstraktion fort: Die Malerei sollte für Dorazio nichts anderes als sich selbst darstellen, und der in Rom geborene Künstler blieb dieser poetischen Absicht stets treu, auch wenn er seine Forschungen zu Kompositionen und Farben variierte, die in den 1960er Jahren dazu tendierten, gitterartige Strukturen zu bilden, um das Vorhandensein eines Raums zu suggerieren, und die später miteinander in Dialog traten, um immer stärkere Licht- und Schattenkontraste zu erzielen. In denselben Jahren gewinnen in Italien die Forschungen der Spatialisten um Lucio Fontana an Boden, die, getragen von einer innovativen und radikalen Poetik und einem klaren theoretischen Rahmen, die Weltkunst unterwandern, indem sie das Werk als “eine Summe von physischen Elementen, Farbe, Klang, Bewegung, Zeit, Raum, die eine physisch-psychische Einheit bilden, wobei die Farbe das Element des Raums, der Klang das Element der Zeit und die Bewegung sich in Zeit und Raum entwickelt” (so im Technischen Manifest des Spatialismus von 1951): Die grundlegenden Dimensionen der Existenz kommen in den Werken der Raumkünstler zusammen, die in Summer Lights von Turi Simeti vertreten werden, dem Autor einer “dreidimensionalen Malerei”, die in der Lage ist, die übliche Wahrnehmung der Malerei zu stören undDadamaino (Edoarda Emilia Maino), der Ende der 1950er Jahre in Mailand mit seinen Volumi debütierte, die als Erben von Fontanas Concetti spaziali (Raumkonzepte ) die Leinwand als Objekt betrachteten, als monochrome Form, die in der Tiefe ihrer physischen Dimension erforscht werden sollte.

In den 1960er Jahren nahm die Antwort auf die abstrakte und informelle Poesie drei verschiedene Wege, von denen der glücklichste, in den Worten von Maurizio Fagiolo dell’Arco, “eine Kunst ist, die sich dem Objekt, dem Symbol, der Realität zuwendet: eine ’neue Objektivität’, die so aufmerksam wie eh und je auf die Abdrücke der Stadt und des menschlichen Raums achtet”. Zu dieser neuen Objektivität, die einige Berührungspunkte mit der Pop Art aufweist, die seit der Biennale von Venedig 1964 die Aufmerksamkeit der ganzen Welt auf sich zieht, gehört Mario Schifano, ein Künstler, der zwischen Malerei und Fotografie vermittelt, d.h. ein Maler, der “vom fotomechanischen Bild nicht die akribische und wahrheitsgetreue Wiedergabe von Details übernimmt, sondern, im Gegenteil, die Unmittelbarkeit und Schärfe”. Neben die von Schifano vertretene objektive Malerei stellt Fagiolo dell’Arco die programmatische Kunst und die neosurrealistische Kunst: Letztere fand einen ihrer originellsten Vertreter in der Figur von Aldo Mondino, einem vielseitigen Künstler, der im Laufe seiner Karriere sogar radikale Veränderungen in der Poetik vollzog (als er sich gegen Ende der 1980er Jahre den orientalischen Kulturen näherte und begann, die berühmten Teppiche und Derwische herzustellen).

Die so genannte Rückkehr zur Malerei, die die 1980er Jahre nach einem Jahrzehnt, das von derArte Povera, der Konzeptkunst, dem Minimalismus, dem Neo-Dadaismus, der Land Art und der Body Art geprägt war, erschütterte - Tendenzen, die seine Forschung an den Rand des öffentlichen und kritischen Interesses gedrängt hatten.Das Interesse der Öffentlichkeit und der Kritiker an den Forschungen derjenigen, die mit Leinwänden und Pinseln arbeiteten, führte auch in Italien zu neuen Gärungen, die zur Bestätigung reaktionärer Phänomene wie der Transavantgarde von Achille Bonito Oliva führten, die 1979 eine Gruppe vonSandro Chia (in der Ausstellung mit einem denkenden Paar und einem schlafenden Mann vertreten), Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Nicola De Maria, Marco Bagnoli und Remo Salvadori auswählte, um der Öffentlichkeit eine Kunst vorzuschlagen, die in der Lage ist, “zu ihren inneren Motiven zurückzukehren, zu den konstitutiven Gründen ihrer Arbeit, zu ihrem Ort schlechthin, der das Labyrinth ist, verstanden als ’Arbeit im Inneren’, als eine kontinuierliche Ausgrabung innerhalb der Substanz der Malerei” (so leitete Bonito Oliva den Artikel La Transavanguardia italiana ein, mit dem er die Gruppe 1979 vorstellte). Obwohl sich die Bewegung ohne eine gemeinsame formale Poetik präsentierte, teilte sie einige grundlegende Elemente, wie Subjektivismus, Eklektizismus und die Überschreitung der Avantgarde (daher der Name) durch eine Kunst, die auf Handlichkeit, Überraschung, dem inneren Antrieb des Künstlers und folglich auf dem Fehlen einer grundlegenden Ideologie beruht. Im Mittelpunkt des Werks von Sandro Chia steht die menschliche Figur, die durch eine neoexpressionistische Sprache interpretiert wird, die auf der Verwendung von Linien und Farben beruht, die sich durch große Kühnheit, Ungestüm und eine starke Wirkung auf den Betrachter auszeichnen. Ein Jahr später, 1980, gründet ein anderer Kritiker, Renato Barilli, die Gruppe Nuovi-Nuovi, die sich von der Avantgarde und dem Radikalismus der Transavanguardia abwendet und sich für eine postmoderne Vermittlung zwischen Vergangenheit und Gegenwart entscheidet, zwischen der Aufarbeitung der Kunstgeschichte durch eine ausgeprägte Zitierweise und der Ausarbeitung von Bildern, die durch das Medium der Fotografie gewonnen werden: “Von der Explosion zur Implosion”, schreibt Barilli im Katalog der Ausstellung Ten Years Later , die die Gründung der Gruppe einleitete, “von der Projektion in die Zukunft zur Wiedergewinnung der Vergangenheit, von der Flucht aus den heiligen Hallen der Kunst zum Eintauchen in das Herz des am meisten geschützten und anerkannten Museumssystems”. Als Vertreter der Nuovi-Nuovi präsentiert Summer Lights Werke von Salvo und Luigi Ontani: Während ersterer sich mit Werken einen Namen machte, die offen die große Kunst der Vergangenheit zitierten, bevor er zu einer Landschaftsmalerei überging, die sich durch lebendige Farben und extreme grafische Einfachheit auszeichnete, ging Ontani von Tableaux vivants aus und bewegte sich dann kontinuierlich zwischen Malerei, Skulptur, Mosaik und Fotografie, wobei er eine spielerische und respektlose Poetik entwickelte, die aus der Antike und der Moderne schöpft und die postmoderne Neigung zur Aneignung und Wiedererschaffung voll zum Ausdruck bringt. Die Figuren von Wainer Vaccari, Athos Ongaro und Maurizio Cannavacciuolo bewegen sich in demselben Klima der “Rückkehr zur Vergangenheit”, wenn auch mit sehr unterschiedlichen Ergebnissen: Vaccari orientiert sich an der Kunst der Vergangenheit (insbesondere an der Renaissancemalerei, dem Symbolismus und der Neuen Sachlichkeit), um eine ferne, beunruhigende und zeitlose Malerei zu schaffen, Ongaro präsentiert sich von Anfang an mit einer Kunst, die sich dem frechsten Eklektizismus verschrieben hat, während Cannavacciuolo sich mit seinen ausgefeilten Werken präsentiert, die verschiedene narrative Ebenen unter komplexen und verschlungenen Plots verbergen, auch auf formaler Ebene. Neben der Transavantgarde, den Nuovi-Nuovi und den Künstlern, die sich mit keiner Bewegung identifizieren, aber durch die Originalität ihrer Sprache auffallen, entstand in den 1980er Jahren eine weitere Gruppe, die Neue Schule. eine weitere Gruppe, die Neue Römische Schule, angeführt von Bruno Ceccobelli, Gianni Dessì, Giuseppe Gallo, Nunzio, Piero Pizzi Cannella (letzterer in der Ausstellung) und Marco Tirelli, eine der letzten wichtigen Bewegungen der italienischen Kunst: Die Nuova Scuola Romana (auch “Schule von San Lorenzo” genannt), die 1984 mit der Ausstellung “Ateliers” im Pastificio Cerere in Rom offiziell ins Leben gerufen wurde, knüpfte an die Römische Schule der 1920er Jahre an, die von Scipione, Mario Mafai und Antonietta Raphaël, mit der Idee, über die Konzeptkunst und die Arte Povera hinauszugehen und nicht nur zu den handwerklichen Fertigkeiten und den traditionellen Künsten zurückzukehren, sondern zur Sensibilität desDer Künstler wird, wie Patrizia Ferri schreibt, zum Träger einer “glokalen” Bedeutung, in der “eine zentrifugale und eine zentripetale Tendenz, die Aufmerksamkeit für das Gedächtnis und die Ausweitung auf eine globalere und gemeinsame Dimension der künstlerischen Erfahrung, aufeinandertreffen”. Eine globale und gemeinsame Dimension der künstlerischen Erfahrung, im Lichte einer Nüchternheit, die von der analytischen Forschung geerbt wurde, im Gegensatz zu einem wilden Internationalismus und mehr Erfolg, sowohl in Bezug auf die Marktzahlen als auch auf die ästhetischen Werte".

Summer Lights untersucht die Art und Weise, in der verschiedene Künstler, die in den 1960er Jahren oder kurz danach geboren wurden, die verschiedenen Sprachen der italienischen Kunst ausgearbeitet haben. Zu den Künstlern, die auf die Vergangenheit zurückblicken, gehören Angelo Filomeno, der die Technik der Stickerei mit Verweisen auf antike Themen und Sujets anwendet (das Publikum wird in der Ausstellung eine seiner großen Seidenvanitas finden), Santiago Ydáñez, ein Spanier, der lange in Italien tätig war und sich durch seine ausdrucksstarken Porträts des italienischen Künstlers auszeichnet. und Marco Cingolani, der seinen eigenen, einzigartigen und äußerst originellen Weg zwischen Neoexpressionismus und Abstraktionismus gefunden hat, indem er seine Grammatik auf den fast virtuosen Einsatz von Farbe gründet. Auf der anderen Seite stehen Künstler wie Federico Fusj, der von der ständigen Spannung beseelt ist, auch entfernte Ausdrucksformen miteinander zu verschmelzen, um das Potenzial der Materie zu erforschen, und Antonia Ciampi, deren Forschung von dem Wunsch geleitet wird, Berührungspunkte zwischen dem Menschen und dem Kosmos zu finden, auf der Seite der Abstraktion.

Eine Hommage an die Künstler, die aus Carrara stammen oder in der Gegend von Carrara tätig sind, beschließt die Ausstellung, um einen Dialog zwischen den Werken einiger wichtiger Vertreter der lokalen Kunstkultur (die jedoch in internationalen Kontexten ausgestellt haben) und denen des historischen Weges von Summer Lights zu eröffnen. Die stillen Erden von Luciano Massari, die sich mit einem Dadamaino-Volumen messen, die farbenfrohen Explosionen von Silvia Papucci, die Experimente von Roberto Rocchi mit Marmor und LEDs, die klaren und geschwungenen Formen von Silvio Santini und die zeitgenössischen Mosaike von Enzo Tinarelli zeigen, dass das Panorama von Carrara weiterhin eine lebendige und konstante Dynamik aufweist.

Sechzig Jahre italienische Kunst in Carrara, von Morlotti über die Transavanguardia bis heute

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