Sacred is: eine Ausstellung von acht jungen Künstlern zum Thema des Sakralen in der Merz-Stiftung in Turin

Von Montag, dem 18. März, bis Sonntag, dem 16. Juni 2024, zeigt die Fondazione Merz in Turin die Ausstellung Sacro è (Heilig ist), ein von Giulia Turconi kuratiertes Ausstellungsprojekt, in dem acht junge Künstler über das Konzept des “Heiligen” nachdenken, das als intime und private Manifestation beginnt und sich dann zu einer universellen und kollektiven Vision ausweitet, die eine Rückkehr zu einer gemeinschaftlichen und menschlichen sozialen Dimension nahelegt. Die Protagonisten des Ausstellungsprojekts sind die Werke von Tiphaine Calmettes, Matilde Cassani, Giuseppe Di Liberto, Lena Kuzmich, Quỳnh Lâm, Tommy Malekoff, Lorenzo Montinaro und GianMarco Porru. Der Titel der Ausstellung basiert auf einem Zitat aus dem Gedichtband Sacro Minore von Franco Arminio.

Sie beginnt mit der Installation Tutto (2018) von Matilde Cassani, die den Besucher in die Galerie einlädt und den Raum in eine Schwelle verwandelt, die es zu überschreiten gilt. Das Werk, das Teil eines Projekts für die Manifesta 12 in Palermo ist, zeigt ein rotes Tuch mit der Aufschrift “TUTTO” (alles) und regt zum Nachdenken über das kollektive Gedächtnis und Volkstraditionen an. Es verdeutlicht das komplexe System der sich entwickelnden politischen, sozialen und kulturellen Realitäten. Im ersten Raum ist die ortsspezifische Performance Sparge la morte (2022-2024) von Giuseppe Di Liberto zu sehen, die sich mit dem Thema Tod und den damit verbundenen Ritualen auseinandersetzt. In Zusammenarbeit mit Davide Di Liberto und dem Madrigalkomponisten Carlo Gesualdo erinnert das permanente Bühnenbild an die sizilianischen Fronleichnamsfeiern. In der Fondazione Merz erinnern hinterleuchtete Plastikfolien an Votivkerzen, mit Schatten von Körpern, Klängen und Stimmen, die eine dramaturgische Komposition ergeben. Weiter geht es mit Quỳnh Lâms Installation Dì tutta la verità ma dilla obliqua (2024), die von einem Gedicht von Emily Dickinson inspiriert ist und die Konzepte von Leben, Tod und Heiligkeit untersucht. Die Blumen, die neben der farbenfrohen Komposition Flowers Obscuder (2019) auf dem Boden liegen, werden zu Metaphern für die Frage nach der Bedeutung der Zeit und regen zum Nachdenken über das Leben und seine natürliche Entwicklung an. GianMarco Porru untersucht mit der Installation Uma Fonte (2023-2024) die Bedeutung des Wassers in religiösen Traditionen und reflektiert über seine Rolle als Protagonist. Das während eines Aufenthalts in Rio de Janeiro entstandene Werk simuliert einen Springbrunnen und stellt eine Verbindung zwischen der Spiritualität des Wassers und der kollektiven Architektur Brasiliens her. Die Ausstellung wird mit Skulpturen von Tiphaine Calmettes fortgesetzt, die eine vertraute Umgebung schaffen, in der der Besucher eingeladen ist, sich zu beteiligen, insbesondere in den Küchenräumen. Die aus Erde und Ton gefertigten Werke von Calmettes unterliegen dem Wandel der Zeit und befinden sich in ständiger Entwicklung. Mit Soupe primordiale (2022) platziert der Künstler das Kunstwerk in einem gemütlichen Raum, der an das Konzept der “Ursuppe” erinnert, aus der das Leben entstanden ist. Lorenzo Montinaro erforscht in C’eri (2022), einer Installation aus erloschenen blauen Kerzen aus Kirchen und dem Monumentalfriedhof in Mailand, die Erinnerung durch persönliche Erinnerungen. Diese Kerzen führen zu dem darauf folgenden Werk Untitled (Epilogue) (2024), in dem durch Verbrennung gekennzeichnete Kniende die Überreste eines Altarbildes in einer zarten Reflexion über das Schweigen ansprechen. Die Ausstellung wird fortgesetzt mit Tommy Malekoff und der Arbeit Desire Lines (2019), einem Zweikanal-Video, das die Grenze zwischen heiligem und nicht heiligem Ort anhand von Parkplätzen erforscht, die als Räume voller Möglichkeiten und ideal für Aktivierungen und Rituale angesehen werden. Lena Kuzmichs Videoinstallation Chimera (2022) hingegen erforscht queere Ökologie und nicht-binäres Leben in der natürlichen Umwelt und stellt Vorstellungen von wissenschaftlicher und ästhetischer Kreation in Frage.

Die Werke der Künstler stehen im Dialog mit Arbeiten von Mario Merz und Marisa Merz sowie einer Vorführung des Films Teorema von Pier Paolo Pasolini. Dieser Zyklus von acht Veranstaltungen, der vom 23. März bis zum 16. Juni 2024 in der Fondazione Merz stattfindet, untersucht die verborgene Sakralität und die menschliche Sterblichkeit. Die Ausstellung wird von der Regione Piemonte unterstützt, mit Dank an die Stadt Turin und Kuhn & Bülow. Die Fondazione Merz präsentiert außerdem vom 21. März bis 12. Mai 2024 eine beispiellose Weiterentwicklung der von Agata Polizzi kuratierten Ausstellung Giorni Felici?, die derzeit in den Räumen des ZAC-Pavillons in den Cantieri Culturali alla Zisa in Palermo gezeigt wird. Das neue Ausstellungsprojekt, das im Rahmen des ZACentrale-Projekts realisiert wird, trägt den Titel Giorni felici? quello che succede, quello che può accadere und greift die kreativen Sprachen auf, die von Yuri Ancarani, Per Barclay, Joanna Piotrowska, Genuardi/Ruta und Chen Zhen in der Ausstellung Giorni Felici? ins Spiel gebracht wurden, und löst eine Entwicklung aus, die neue Überlegungen und kreative Experimente im Werk von Silvia Giambrone und der neuen, von Francesco De Grandi im Dialog mit dem Ausstellungsparcours konzipierten Lunge ermöglicht.

“Der Schwerpunkt liegt auf der Dimension des Heiligen, die in der grandiosen Fähigkeit zu finden ist, das Wunder der Existenz und ihre unterirdische Poesie im Alltag zu erkennen. Mit den ausgestellten Werken wollen wir zu einer alltäglichen, kleinen Heiligkeit zurückkehren, die zu einem neuen Ausgangspunkt wird, um unseren Blick auf die Welt zu erneuern, die zunehmend von Hass, Wut und Gleichgültigkeit überwältigt zu sein scheint”, erklärt die Kuratorin Giulia Turconi.

Anmerkungen zu den Künstlern

Tiphaine Calmettes (Ivry-sur-seine, Frankreich, 1988)

Das künstlerische Schaffen von Tiphaine Calmettes umfasst Skulpturen, Installationen und Performances, die sich mit der Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umgebung, einschließlich unbelebter Formen, beschäftigen. Diese Analyse erfolgt über die Symbolik der Nahrung, ein Grundbedürfnis, das eine gegenseitige Abhängigkeit zwischen den verschiedenen Lebensformen schafft. Indem sie sich auf Studien in Anthropologie und Geschichte bezieht, konzentriert sie sich auf unsere verschiedenen Arten, in der Welt zu sein, und darauf, wie diese durch die Wiederbelebung vergessener Praktiken und vergessenen Wissens überdacht werden können; sie bezieht sich oft auf überlieferte, mythologische Geschichten und kollektive Praktiken.

Matilde Cassani (Domodossola, Italien, 1980)

Matilde Cassani bewegt sich an der Grenze zwischen Bildender Kunst und Architektur und interessiert sich für Designobjekte, Installationen, Displays, visuelle Kommunikation und Untersuchungen von Räumen und Architekturen, die auf die performative Dimension abzielen. Ihre Praxis konzentriert sich auf die räumlichen Implikationen des kulturellen Pluralismus in der zeitgenössischen westlichen Stadt: Grundlegend für ihre Forschung sind kulturelle Unterschiede als Motiv für Stadtdesign, kollektives Gedächtnis, volkstümliche Traditionen und die Untersuchung von Ritualen als echte archäologische Ausgrabungen, aus denen Objekte, Rekonstruktionen von Umgebungen und Gesten hervorgehen, die in einem anderen Licht erzählt werden sollen.

Giuseppe Di Liberto (Palermo, Italien, 1996)

Giuseppe Di Liberto, ein bildender Künstler, erforscht eines der unbekanntesten und geheimnisvollsten Themen der Menschheit, den Tod. In seinen Werken untersucht er die Rituale und Dynamiken, die sich um ihn drehen, und konzentriert sich dabei auf die sozialen, kulturellen und politischen Aspekte, die in der zeitgenössischen, insbesondere der westlichen Tradition zu erkennen sind. Seine künstlerische Praxis ist nicht auf einen einzigen formalen Weg beschränkt, sondern entwickelt sich je nach den verschiedenen Ausdrucksbedürfnissen des Werks, wobei er hauptsächlich auf die Skulptur zurückgreift. Der Installationsraum ist somit als integraler Bestandteil des Werks selbst konzipiert und wird zum Medium, durch das eine Beziehung zwischen den einzelnen Elementen hergestellt wird.

Lena Kuzmich (Wien, Österreich, 1998)

Lena Kuzmich ist eine nicht-binäre und multidisziplinäre Künstlerin. Ihr Werk ist ein fließender Remix aus fotografischen Fragmenten und Videos aus Pop- und Subkulturen, mit denen sie alternative Visionen der Gesellschaft skizziert. Fantasievolle Landschaften, hybride Darstellungen des Körpers und Technologie werden zu einem Portal jenseits von Vorstellungen und Vorurteilen über die Welt und unsere Identität in ihr. In seiner Praxis sammelt der Künstler Inhalte aus Wissenschaft, Kunst, Gesellschaftstheorie, Popkultur, Subkulturen und historischen Mythen, um durch den Einsatz verschiedener Bearbeitungssoftware collagenartige Welten zusammenzustellen.

Quỳnh Lâm (Saigon, Vietnam, 1988)

Quỳnh Lâm ist eine interdisziplinäre Künstlerin mit einem Hintergrund in Architektur. Zu ihren Forschungsinteressen gehören Traumata nach Konflikten, rekonstruierte Erinnerungen und verdrängte Identitäten. Im Rahmen von konzeptionellen und archivarischen Projekten hat sie ein vielfältiges Werk in den Bereichen Performance, Video, Malerei und Installation geschaffen, das die Spannungen zwischen persönlicher und kollektiver Erinnerung beleuchtet, insbesondere im Hinblick auf ihre Erfahrungen als Vietnamesin in ihrem Heimatland und im Ausland.

Tommy Malekoff (Virginia, USA, 1992)

Tommy Malekoff setzt in seinen Arbeiten Video und Fotografie ein, um Inselwelten und dislozierte Phänomene in der amerikanischen Landschaft zu thematisieren. Der Einsatz von Video ermöglicht es ihm, die Welt außerhalb seines eigenen Raums zu zeigen, indem er sie den Menschen auf eine Weise präsentiert, wie sie sie noch nie zuvor gesehen haben, denn der Künstler glaubt, dass viele Dinge surrealer sind, als sie erscheinen. Seine Videos konzentrieren sich daher auf unterbrochene oder manipulierte Ökologien und fangen oft Momente ein, in denen das konkrete Leben der Abstraktion weicht.

Lorenzo Montinaro (Taranto, Italien, 1997)

Der bildende Künstler Lorenzo Montinaro beschäftigt sich in seiner Forschung mit dem Thema Erinnerung. In den letzten Jahren wählte er als Ausgangspunkt alte Grabsteine, die von Steinmetzen in der Nähe von Friedhöfen geborgen wurden: Er nimmt sie und radiert einen Teil der Inschriften in einem langsamen, rituellen Meißelverfahren aus. Die von ihm geschaffenen Epitaphien bringen Montinaros intime Beziehung zum Tod und seinen Facetten zum Ausdruck, wobei er einen metasprachlichen Diskurs führt. Ziel seiner künstlerischen Praxis ist es nicht, eine Angst auszutreiben, sondern vielmehr einen Weg zur Reflexion zu eröffnen und sein Werk von Zeit zu Zeit als Teil einer Art erweiterten und konstanten Selbstdarstellung zu erkennen.

GianMarco Porru (Oristano, Italien, 1989)

GianMarco Porru ist ein bildender Künstler, der sich in seinen Installationen, Filmen und Fotografien mit den Kulturen und synkretistischen Mythologien des Mittelmeerraums auseinandersetzt und dabei ständig zwischen Vergangenheit und Gegenwart wechselt. Ein Dialog zwischen Volkstraditionen, lokalen Erzählungen und zeitgenössischer visueller Kultur. In seiner jüngsten künstlerischen Forschung betrachtet er Sardinien als spekulatives Territorium, um eine kritische Neuinterpretation der Idee des Authentischen, Archaischen und Reinen als problematisches Phänomen der Darstellung des kulturellen Erbes zu aktivieren. In ihren Arbeiten sind astrologische Mysterien mit individuellen Mythologien, Glaubensvorstellungen und Formen des Gemeinschaftswissens verwoben.

Mit freundlicher Genehmigung des

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Sacred is: eine Ausstellung von acht jungen Künstlern zum Thema des Sakralen in der Merz-Stiftung in Turin

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