Im Castello di Rivoli erforscht eine Gruppenausstellung das Konzept der gegenseitigen Unterstützung von Mensch und Natur

Vom 31. Oktober 2024 bis zum 23. März 2025 findet im Castello di Rivoli die Ausstellung Gegenseitige Hilfe - Kunst in Zusammenarbeit mit der Natur statt, die von Francesco Manacorda und Marianna Vecellio kuratiert wird. Die speziell für den Raum der Manica Lunga konzipierte Gruppenausstellung, deren Titel auf die Thesen des russischen Philosophen Pjotr Kropotkin (1842-1921) zurückgeht, die er in seinem Essay Mutual Aid. A Factor in Evolution (Ein Faktor der Evolution) stammt, zielt darauf ab, das Konzept der gegenseitigen Unterstützung zu erforschen, indem sie die kreative Zusammenarbeit zwischen Mensch und Natur anhand der Erfahrungen von mehr als zwanzig Künstlern und ihren nicht-menschlichen Mitarbeitern untersucht, die sich seit den 1960er Jahren bis heute mit diesem Thema auseinandergesetzt haben: Maria Thereza Alves, Michel Blazy, Bianca Bondi & Guillaume Bouisset, Andrea Caretto & Raffaella Spagna, Agnes Denes, Hubert Duprat, Henrik Håkansson, Tamara Henderson, Aki Inomata, Renato Leotta, Nicholas Mangan, Yiannis Maniatakos, Nour Mobarak, Giuseppe Penone, Tomás Saraceno, Robert Smithson, Vivian Suter, Natsuko Uchino und andere.

Im Gegensatz zu Charles Darwins Theorien vertritt Kropotkin die Ansicht, dass in einem instabilen Szenario mit begrenzten Ressourcen die beste Option für das Überleben die Zusammenarbeit zwischen den Arten ist, d. h. die gegenseitige Unterstützung. Jedes Werk in der Ausstellung wird durch den Beitrag von nicht-menschlichen Elementen oder Akteuren vervollständigt oder mitgestaltet.

Die Ausstellung will uns also dazu einladen, die Trennung zwischen Kultur und Natur, zwischen Umwelt und Mensch zu hinterfragen. Mit Hilfe verschiedener Sprachen wie Video, Malerei, Ton, Installation und Skulptur will die Ausstellung Visionen erkunden, die neue Wege der Zusammenarbeit mit anderen Arten suchen. Das Ausstellungsprojekt bietet der Öffentlichkeit eine ökosystemische Vision und einen innovativen und dringenden Ansatz für wichtige Umweltfragen, die auf Koexistenz, Teilen und dem Wert der kollektiven Kreativität und Planung mehrerer Arten beruhen.

Der Ausstellungsrundgang

Die Ausstellung wird mit den imposanten Gemälden von Vivian Suter (Buenos Aires, 1949) eröffnet, die im Herzen des guatemaltekischen Regenwaldes entstanden sind. Ihre Werke tragen sichtbare Spuren der Natur, vom tropischen Regen bis zu den Spuren, die Tiere hinterlassen. Suter überlässt den kreativen Prozess seiner Umgebung und schafft so einen Dialog zwischen Kunstwerk und Natur, der das Konzept der ausschließlich menschlichen Urheberschaft in Frage stellt.

Es folgen zwei historische Kerne, die als Hommage an die vorausschauenden Praktiken von Giuseppe Penone (Garessio, 1947) und Agnes Denes (Budapest, 1931) gedacht sind. Penone, einer der Pioniere der Kunst im Dialog mit der Natur, stellt Werke aus der Serie Alpi Marittime aus, die das Ergebnis seiner künstlerischen Aktionen in den Wäldern von Garessio sind. Die Skulptur Retaining 24 Years of Growth (It will continue to grow except at that point), 1986-2010, aus einem Walnussbaumstamm gefertigt, dokumentiert die Zusammenarbeit des Künstlers mit dem Baum und veranschaulicht sein Konzept der “biologischen Zeit”, in der menschliche und natürliche Prozesse miteinander verschmelzen. Agnes Denes, eine Pionierin der Land Art, stellt zwei historische Projekte vor: Rice/Tree/Burial, 1977-2012, das die Verbindung zwischen menschlichem Handeln und Landschaft durch landwirtschaftliche und Bestattungsrituale untersucht, und die 1992 begonnene Serie Tree Mountain - A Living Time Capsule, ein monumentales Aufforstungsprojekt, bei dem 11.000 Bäumen in einem mathematischen Schema, das über die Widerstandsfähigkeit der Landschaft und das Konzept der “lebendigen Zeit” nachdenkt.

Tomás Saraceno (San Miguel de Tucumán, Argentinien, 1973) beschäftigt sich seit Jahren mit der Zusammenarbeit zwischen den Arten. Anlässlich der Ausstellung präsentiert er eine Auswahl noch nie gezeigter Werke, die er in seinem Atelier aus verschiedenen Spinnenarten hergestellt hat. Die mit Graphitstaub bestreuten Spinnennetze sind nicht nur skulpturale Elemente, sondern auch Wahrnehmungsinstrumente, die das Publikum zum Nachdenken über das stille Zusammenleben zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Lebewesen einladen.

Das Thema des Zusammenlebens zwischen den Arten steht im Mittelpunkt der Arbeit von Künstlern wie Maria Thereza Alves (São Paulo, Brasilien, 1961), deren Ziel es ist, Repräsentationsräume für unterdrückte menschliche und nichtmenschliche Stimmen und Gemeinschaften zu schaffen. Die in der Ausstellung gezeigte Serie von Aquarellen, die das Ergebnis einer von der Künstlerin initiierten Studie über bedrohte Arten in der piemontesischen Landschaft ist, steht in diesem Kontext. Der Gedanke der Zuflucht steht auch im Mittelpunkt der Poetik von Hubert Duprat (Nérac in Lot-et-Garonne, Frankreich, 1957), wo die Interaktion mit der nicht-menschlichen Welt in seiner Zusammenarbeit mit Trichoptera realisiert wird, Insekten, die Schutzgehäuse aus kostbaren, vom Künstler zur Verfügung gestellten Materialien wie Perlen, Gold und Steinen bauen.

Weiter geht es mit Nour Mobarak (Kairo, 1985) und seiner Skulpturenserie Gods’ Facsimiles, 2023, in der das Myzel des Pilzes Trametes versicolor direkt auf das Material einwirkt und die Skulpturen in lebende Organismen verwandelt, die mutieren, sich zersetzen und wieder neu zusammensetzen. Das Werk evoziert den Mythos der Nymphe Daphne, um die Vergänglichkeit der Materie und den natürlichen Zyklus von Leben und Tod zu untersuchen.

Der japanische Künstler Aki Inomata (Japan, 1983) erforscht mit seinem Werk How to Carve a Sculpture (2018) die Beziehung zwischen Natur und Technik, ausgehend vom Verhalten des eurasischen Bibers. Inspiriert von der für das Tier typischen Art, Dämme zu bauen, präsentiert Inomata eine Reihe von Skulpturen, die von Hand und mit einer automatischen Schneidemaschine hergestellt werden und an die komplexen Holzarchitekturen der von den Tieren erzeugten Dämme erinnern. Auch Tamara Henderson (New Brunswick, Kanada, 1982) beschäftigt sich mit den meist stillen und verborgenen Prozessen der Natur. In ihrem Werk Worm Affair, 2023, können die Besucher den Geräuschen lauschen, die Lumbricus terrestris beim Ausgraben und Umwandeln von Materie erzeugt, um an die Zyklen von Zersetzung und Regeneration zu erinnern, die das Leben erhalten.

Danach stellt das Duo Andrea Caretto & Raffaella Spagna (aktiv seit 2002) das Werk Être galet (Ein Kieselstein sein), 2011, aus, das aus einer Untersuchung des Flusses Rhone hervorgegangen ist, wo die Künstler synthetische und natürliche Materialien sammeln, die von der Strömung umgewandelt werden. Diese “künstlichen Kiesel” erzählen von der Spannung zwischen menschlichen Eingriffen und der natürlichen Kraft des Flusses, während die interaktive Installation Sensitive Stones. Project for an Experiential Lithotheque (2023) lädt das Publikum ein, einen von den Künstlern geschliffenen Stein mit in die Museumsbibliothek zu nehmen.

Michel Blazy (München, 1966) konzentriert sich auf die Erforschung von Prozessen wie dem Zerfall und der Metamorphose organischer Materie. Im Castello di Rivoli zeigt er Le lâcher d’escargots (Die Freisetzung von Schnecken), 2009, eine Umweltinstallation, in der der Künstler Schnecken auf einem Teppich wandern lässt, der Spuren hinterlässt, die an die Kreuzungen der abstrakten Malerei erinnern.

Das Thema der Nachhaltigkeit und der Widerstandsfähigkeit von Ökosystemen steht im Mittelpunkt der Arbeit von Nicholas Mangan (Geelong, Australien, 1979), der die Auswirkungen des Klimawandels auf das Great Barrier Reef untersucht. In der Arbeit Core-Coralations, 2022-2023, reflektiert Mangan über die Veränderungen, die Korallen infolge steigender Meerestemperaturen durchlaufen, während die Skulptur Sarcophagi (Sarcophagi), 2023, ein Leichenhaus aus gebleichten Korallenskeletten simuliert, das die Fragilität mariner Ökosysteme symbolisiert.

Die Ausstellung wird mit einer Reflexion über die Wechselwirkungen zwischen der Natur und dem kreativen Prozess fortgesetzt, beginnend mit den malerischen Werken von Yiannis Maniatakos (Flomochori Mani, 1935 - Athen, 2017). Seit 1967 praktiziert der Künstler Unterwassermalerei in den Tiefen der Ägäis, eine Form der Zusammenarbeit zwischen Malerei und Meer. Die Beziehung zwischen künstlerischem Ausdruck und chemischen Prozessen steht im Mittelpunkt von Source and Origin, Lecce Stone, 2024, von Bianca Bondi & Guillaume Bouisset (Johannesburg, 1986; Madrid, 1990), einer Installation aus Erde, Salz und Halobakterien aus den Salinen der Camargue. Die Alobakterien, die für ihre Rolle bei der fortschreitenden Dekontaminierung der Umwelt durch den Abbau von Schwermetallen bekannt sind, verwandeln das Werk in einen lebenden Organismus in ständiger Entwicklung, dessen Farbe und Zusammensetzung sich im Laufe der Zeit verändern.

Renato Leotta (Turin, 1982) präsentiert mit seiner Serie Gipsoteca (2012 - heute) Gipsabgüsse, die die Bewegungen des Meeres an der Mittelmeerküste aufzeichnen und ein sensibles Abbild der Naturkräfte schaffen. In der Arbeit Self-Portrait of Plankton, 2023, nutzt Leotta die Biolumineszenz, die von marinen Mikroorganismen ausgeht, um eine fotografische Spur zu erzeugen, die Kunst und Naturphänomene in einem Dialog zwischen Licht und Wasser miteinander verwebt.

Die Praxis von Natsuko Uchino (Kumamoto, Japan, 1983) konzentriert sich auf Prozesse der Partizipation und Nachhaltigkeit: Sie präsentiert eine eigens für diese Ausstellung geschaffene Umgebung mit natürlichen Materialien wie Erde, Reisig, Teilen von Bäumen und Bienenwachs, in der Momente der Begegnung mit dem Publikum stattfinden, die dem Teilen von Kefir und anderen Formen gemeinsamer Rituale gewidmet sind. Henrik Håkansson (Helsingborg, Schweden, 1968) versucht ebenfalls, die Distanz zwischen Mensch und Natur zu verringern, indem er eine neue Auftragsarbeit vorschlägt, die den Korridor von Bruce Nauman neu interpretiert. Håkanssons Korridor wird für den Menschen unzugänglich gemacht und stattdessen durch die Präsenz der Vegetation aktiviert, die zum Protagonisten des Werks wird und sich endlos spiegelt.

Ein Schwerpunkt ist dem Werk von Robert Smithson (Passaic, New Jersey, 1938 - Amarillo, Texas, 1973) gewidmet, das sich mit Themen wie Entropie, Zeit und der Interaktion zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Kräften befasst. Zu diesem Anlass wird die Fotoserie Overgrown Structure, 1971, gezeigt, die der Künstler in den 1970er Jahren in Florida aufgenommen hat und die noch nie in Europa ausgestellt wurde. Sie zeigt die für die Bevölkerung dieser Gebiete typische Praxis, Pflanzen durch Netze und Vorhänge vor extremer Hitze zu schützen.

Der Rundgang gipfelt in der immersiven Installation The sun eats her children, 2023 von Precious Okoyomon (London, 1993), in der ein tropisches Gewächshaus Schmetterlinge und giftige Pflanzen in einer surrealen Landschaft beherbergt. Das Werk, das an Geschichten von Sklaverei und Widerstand erinnert, verwandelt die natürliche Umgebung in ein kraftvolles Symbol für Stärke und Regeneration und vermischt dystopische und historische Elemente.

Mutual Aid - Art in Collaboration with Nature" erstreckt sich auch auf die Cerruti Collection, in der die erste Episode der Interferenze-Reihe zu sehen sein wird. Das Programm des Castello di Rivoli fügt sich in einer hypertextuellen Verbindung in das Gefüge der Villa Cerruti ein, die sowohl ihre gegenseitige Abhängigkeit als auch ihre Gemeinsamkeiten und Unterschiede hervorhebt. Werke von Henrik Håkansson, Renato Leotta und Natsuko Uchino werden in den Räumen der Sammlung Cerruti platziert, um einige noch wenig erforschte Aspekte derselben zu beleuchten.

Um die Auswirkungen des Projekts auf die Umwelt so gering wie möglich zu halten, hat das Museum für den Transport der Werke Lösungen bevorzugt, die keinen Flugtransport vorsehen. Aus diesem Grund wird das bildhauerische Werk von Nicholas Mangan erst nach der Eröffnung der Ausstellung installiert, da das Museum mit dem Künstler den Seetransport gewählt hat, der sich stark verzögert hat. Außerdem wurden vor Ort hergestellte Ausstellungsrepliken verwendet, wobei recycelte und wiederverwertbare Materialien und Energie eingesetzt und Experten für das Wohlergehen aller beteiligten Tierarten konsultiert wurden.

Alle Informationen: https://www.castellodirivoli.org/

Im Bild: Michel Blazy, Le lâcher d’escargots (Der Schneckenauswurf), Detail (2009). Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Art: Concept, Paris. © Michel Blazy

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