Elf große zeitgenössische italienische Bildhauer messen sich in Possagno mit Canova

Anlässlich des zweihundertsten Todestages von Canova hat das Museo Gypsotheca Antonio Canova beschlossen, seine Räume zu nutzen, um den Künstler durch eine Reihe von Ausstellungen zu fördern und zu feiern. Ein Parcours, der die Zeitgenossenschaft der großen Meister und ihrer Ideen mit den Interpreten unserer Zeit aufzeigt.

Die Ausstellung Antonio Canova und die zeitgenössische Bildhauerei ist Teil dieser Feierlichkeiten und erzählt von der Herausforderung einer Reihe zeitgenössischer Bildhauer, die alle mit Canova konkurrieren: Marcello Tommasi, Wolfgang Alexander Kossuth, Girolamo Ciulla, Giuseppe Bergomi, Giuseppe Ducrot, Filippo Dobrilla, Livio Scarpella, Ettore Greco, Aron Demetz, Fabio Viale und Jago.

Das von Vittorio Sgarbi konzipierte Projekt wird von Contemplazioni in Zusammenarbeit mit dem Museo Gypsotheca Antonio Canova und dank der Unterstützung von Intesa Sanpaolo realisiert.

Canova ist zweifellos der größte Vertreter der neoklassischen Kunst mit seiner Vorliebe für perfekte Symmetrien, weiche und glatte Oberflächen, feierliche und kontrollierte Posen und teilnahmslose Mienen. Er ahmte die Antike nicht passiv nach, sondern zog es vor, ihren Geist zu interpretieren, und er verschloss sich auch nicht der barocken Kunst, wie seine jugendliche Bewunderung für Bernini und Antonio Corradini zeigt.

Der aus einer Künstlerfamilie stammende Marcello Tommasi gilt als “symbolischer Erbe des Neuplatonismus des 15. Jahrhunderts”. Zwischen 1948 und 1958, als er das Atelier von Pietro Annigoni besuchte, zeichnete und malte Tommasi und wandte sich allmählich der Bildhauerei zu. Er lebte hauptsächlich in Florenz und in der Versilia und zog oft in sein geliebtes Paris. Er ist ein Meister der figurativen Kunst und arbeitet sowohl in der sakralen als auch in der profanen Kunst, wobei er sich oft von griechischen Mythen inspirieren lässt. Sein enormes Schaffen umfasst Hunderte von Werken, darunter Zeichnungen, Skizzen, Skulpturen, Gemälde und Fresken.

Der Stil von Wolfgang Alexander Kossuth ist ein kontrastreicher Stil, der gleichzeitig dem Naturalismus frönt und ihn ablehnt. Als Maler, Bildhauer, Geiger und Dirigent widmete Kossuth sein ganzes Leben der Kunst, vereinte seine Leidenschaften und machte die Figuration zur Grundlage seiner Poetik. Pathos und Theatralik gehen von den verkrümmten Körpern aus Harz oder Bronze aus, die den Gesetzen der Schwerkraft trotzen und bis an die Grenzen des Surrealen gehen; manchmal sind sie so idealisiert, dass sie an griechisch-römische Gottheiten erinnern, andere sind so ausdrucksstark, dass sie an die Realität des Alltags erinnern.

Girolamo Ciullas Mythen und Legenden sind nicht die Geschichten, die wir kennen, sondern die Träume dieser Geschichten, die seine Phantasie in neue Bilder und Geschichten verwandelt. Ciulla illustriert nicht, sondern erschafft Mythen nach seinem eigenen Bild. Er wurde in Caltanissetta geboren, und seine Verbundenheit mit seiner Heimat hat ihn dazu gebracht, einen bildhauerischen Synkretismus zu entwickeln, der sich auf die Antike, die Mythen und die italienischen, griechischen und orientalischen Archetypen bezieht. Seine Skulpturen haben jedoch nichts Nostalgisches an sich: Ciulla tritt in einen Dialog mit dem Klassizismus, indem er ein zeitgenössisches Lexikon entwickelt, um zu zeigen, dass Ideen über den Menschen und die Zeit hinaus leben.

Die Skulptur von Giuseppe Bergomi stellt die figurative Forschung als Antwort auf das konzeptuelle, minimalistische und poveristische Temperament der 1970er Jahre wieder in den Vordergrund. Bergomi rückt den strengen Sinn für eine Körperlichkeit, die sowohl technische Disziplin als auch poetische Forschung ist, wieder in den Mittelpunkt. Seine neuen Skulpturen folgen der langen Furche, die sein umfangreiches Werk bereits gezogen hat, und suchen gleichzeitig einen neuen Dialog mit der Materie, insbesondere mit Keramik und Mosaik, die er benutzt, um Themen und Formen zu erneuern, die ihm am Herzen liegen, wie Porträts von Badenden und liegenden Figuren. Seine Werke, die auf diese Weise unberührt und unantastbar sind, erreichen eine Absolutheit, die der Realität zu widersprechen oder sie aufzuheben scheint, die aber gerade aus dieser tiefen Identifikation mit der Realität resultiert.

Berninis Erbe ist Giuseppe Ducrot. Ein origineller Künstler, der zu unvorhersehbaren Erfindungen fähig ist. Ein antiker Bildhauer, der seine Bemühungen und seine Arbeit dort fortzusetzen scheint, wo Gian Lorenzo Bernini aufgehört hat; und so kann er mit einer wackeligen Form, mit einem außergewöhnlichen Geschmack für Details und einer entsprechenden Ausführungskapazität in einer Kirche einen Kandelaber, eine Kanzel oder einen Altar einfügen, der von der Geschichte geweiht scheint. Und diese Fähigkeit ist für einen Bildhauer äußerst selten.

Filippo Dobrilla ist ein wenig exzentrisch, ein wenig verrückt, er hat einen Riesen in der Größe von Babel - ein Symbol für die Liebe eines Mannes zur Größe der Welt - in den Bauch der Apuanischen Alpen gemeißelt, er blieb wochenlang unter Wasser und schlug seinen Meißel mit einem Hammer auf den nackten, monolithischen Fels. Er kennt den Stein tief in seinem Inneren, er studiert ihn in seinem Innersten. Instinktiv weiß er, wie er seine Setzungen, seine Reinheit, seine kristallinen Verse erkennen kann, denn er hat diese Orte erlebt wie kein anderer unter den Bildhauern.

Zu den genialsten und grausam ironischsten Bildhauern unserer Zeit gehört Livio Scarpella, der eine morbide homosexuelle Bildsprache verfolgt, die von unbewussten “bösen Buben” beherrscht wird, die Saba, Penna, Pasolini bezaubert hätten und die er uns mit selbstgefälliger Virtuosität und erhabener Natürlichkeit vorführt. Die Sünde, ohne Reue und mit Selbstgefälligkeit, ist der Geisteszustand, in dem er sich bewegt, verstört, aber euphorisch, schlechte Gedanken verfolgend und darstellend, die sich in Stilfreuden, in luziferische Schönheiten, in unaussprechlichen und unverzeihlichen Unfug verwandeln. Sein Geist ist dionysisch, seine Form apollinisch. Die Synthese ist perfekt gelungen. So, wie in diesen Vergleichen, seine Neuinterpretation der Geschichte.

Ettore Greco, ein Bluesman des Tons, erzählt von seiner Beziehung zum Material in Analogie zu der eines Gitarristen, der eine Melodie improvisiert: Seine Finger bewegen sich über die Skulptur ohne eine vorher festgelegte Partitur, sondern in einem Akt der Schöpfung, der immer spontan ist und als Endziel die Empfindung anstrebt. Der Bildhauer aus Padua, der sich entschieden hat, der figurativen Tradition treu zu bleiben, ist in der Lage, den Menschen so zu erklären, wie er ist, jenseits der Zeit, weil er ihn annimmt, ohne ihn zu beurteilen. Seine Skulpturen sind eine Hymne an die Menschheit.

Das Werk des Südtiroler Künstlers Aron Demetz ist seit jeher auf die Verwandlung der Materie ausgerichtet, in einer nachdenklichen Auseinandersetzung mit der klassischen Kunst, die darauf abzielt, neue Ausdrucksformen der Plastizität zu definieren. Lebensgroße menschliche Figuren aus Holz, Bronze und Gips, mit Harz überzogen, verkohlt und wild ausgefranst, stehen in seinem Atelier. Was die Kunst von Aron Demetz auszeichnet, ist die subtile Kommunikation seiner menschlichen Figuren mit dem Betrachter: Sie scheinen ihn zu mustern, es ist fast lästig, sie anzuschauen. Aron Demetz gehört zu den prominentesten Bildhauern der internationalen Szene, was ihn aber nicht von seiner Ruhe abhält: Er verlässt Gröden nicht, denn diese Landschaft ist Teil seiner Kunst.

Fabio Viale reproduziert Meisterwerke der abendländischen Kunst mit schwindelerregender Präzision und setzt damit die bekannte Tradition der kopierenden Bildhauerwerkstätten fort. Wie damals, so auch bei Viale, gewinnt das Thema der Kopie an Qualität, dank der durchdachten Wahl des Themas und der Darstellung des bildhauerischen Könnens, und vor allem dank der Geste der zeitgenössischen Neuinterpretation. Fabio Viale ist nicht müde geworden, mit den Möglichkeiten des Marmors zu experimentieren, um Objekte originalgetreu nachzubilden, die unser Verstand einem ganz anderen Material zuordnet. Dank seiner außergewöhnlichen technischen Fertigkeiten ist es ihm gelungen, Materialfiktionen zu schaffen, die in Bezug auf Ausführung, Farbe und Textur so glaubwürdig sind, dass sie beim Betrachter den unbändigen Wunsch wecken, sie zu berühren, um sich von ihrer wahren Natur zu überzeugen. Hier erscheint das Werk von Viale als ein anregendes Oxymoron: Was edel und ewig erscheint, ist das Ergebnis einer geschickten Täuschung, während das, was uns als einfaches Produkt der Gegenwart in handelsüblichen Materialien erscheint, in Wirklichkeit aus der edelsten und ewigsten aller Substanzen geformt ist.

Jago ist ein Künstler mit einer vielseitigen Anziehungskraft, über den viel gesprochen wurde. Seine Kunst aus dem Netz hat es bis in den Vatikan geschafft, der eine Büste für Seine Heiligkeit in Auftrag gegeben hat. Das Porträt des Papstes und seine anderen Werke zeugen von einer Disziplin, die im 20. Jahrhundert nur wenige Künstler an den Tag gelegt haben. Jago bearbeitet Marmor, als wäre er Knetmasse oder Gips. Seine Werke werden buchstäblich lebendig dank der winzigen Details, die er modellieren kann, vor allem, wenn er Gesichtsfalten und Hautfalten nachbildet.

Die Ausstellung inszeniert einen Nahkampf zwischen der zeitgenössischen Bildhauerei und der neoklassischen Bildhauerei von Antonio Canova, nicht im Namen der Nachahmung, sondern in der bildhauerischen Suche nach dem “wahren Fleisch” - dem, was der Künstler wiederum in den Werken des großen klassischen Meisters Phidias bewundert.

Für weitere Informationen besuchen Sie bitte die offizielle Website des Museo Gypsotheca Antonio Canova.

Im Bild: Fabio Viale, Venus italica (2016). Privatsammlung

Elf große zeitgenössische italienische Bildhauer messen sich in Possagno mit Canova

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