Eine umfassende Retrospektive des zeitgenössischen Malers Sean Scully im MAMbo

Vom 22. Juni bis 9. Oktober 2022 präsentiert das MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna in der Sala delle Ciminiere A Wound in a Dance with Love, eine umfassende Retrospektive von Sean Scully (Dublin, 1945), einem der größten Vertreter der zeitgenössischen Malerei.

Die von Lorenzo Balbi in Zusammenarbeit mit der Kerlin Gallery in Dublin kuratierte Ausstellung basiert auf der von Dávid Fehér kuratierten und vom Museum der Schönen Künste - Ungarische Nationalgalerie in Budapest organisierten Ausstellung Sean Scully: Passenger - A Retrospective(14. Oktober 2020 - 30. Mai 2021), die anschließend im Benaki Museum in Athen gezeigt wurde. Nun kommt sie in einer für das MAMbo neu gestalteten Version nach Bologna. Damit ist der Künstler nach 26 Jahren wieder einmal Protagonist einer Einzelausstellung in Bologna: 1996 war es die Galleria d’Arte Moderna, die ihm eine Ausstellung in der Villa delle Rose widmete.

Scullys Kunst vereint sowohl eine umfassende Kenntnis der Werke antiker und zeitgenössischer Meister als auch eine einzigartige Sensibilität, wenn es darum geht, visuelle und emotionale Anregungen aus den Tatsachen der Realität zu ziehen. Die Ausstellung in Bologna zeigt 68 Werke, darunter Ölgemälde, Acrylbilder, Aquarelle, Zeichnungen und eine Monumentalskulptur, um die ständige Dialektik zwischen diesen beiden grundlegenden Komponenten des Werks des Künstlers zu verdeutlichen und eine über fünfzigjährige Schaffensgeschichte nachzuvollziehen.

Von den ersten figurativen Experimenten der 1960er Jahre über die minimalistischen Werke der 1970er Jahre bis hin zu den aktuellen Arbeiten wird A Wound in a Dance with Love die wichtigsten Entwicklungen einer Praxis dokumentieren, die stets mit ihren eigenen Annahmen übereinstimmt und sich im Laufe der Zeit auch in Bezug auf emotionale Erfahrungen und existenzielle Entwicklungen wie Zuneigung und Trauer stark verändern kann.

Im Eröffnungsraum werden zwei monumentale Gemälde auf Aluminium zu sehen sein, What Makes Us Too (2017) und Uninsideout (2018 - 2020), in denen mehrere wiederkehrende Elemente des Werks der Künstlerin kontrastierend zusammenkommen: die Dreiteilung, das Einfügen von “Einschüben”, die Verwendung von Streifen im Gegensatz zu orthogonalen Mustern und monochromen Elementen, der Wechsel von farbigen Flächen und anderen in Schwarz und Weiß.

Im Mittelschiff der Halle beginnt die Ausstellung mit Fort #1 aus dem Jahr 1978, einer rigorosen Synthese aus Landschaftsvorschlägen und dem früheren Backcloth von 1970, dem Jahr, in dem Scully seine Entschlossenheit, sich der Abstraktion zuzuwenden, bereits voll ausgereift hatte. In Backcloth lotet der Künstler die Möglichkeit, das Raster als einziges kompositorisches Modul zu verwenden, mit einer dichten Reihe von Überlagerungen bis zum Äußersten aus und versucht eine Annäherung an Jackson Pollocks Dripping durch eine paroxysmale Verwendung der typischen Muster von Piet Mondrian. In Crossover Painting #1 von 1974, das sich im selben Raum befindet, wird die kompositorische Textur lockerer, während die chromatische Textur verfeinert erscheint.

Als Nächstes ist die Skulptur Opulent Ascension (2019) zu sehen, ein monumentales Beispiel für die jüngsten Umsetzungen der Intuitionen des Künstlers im dreidimensionalen Maßstab. Er selbst erklärt: "Ich habe Opulent Ascension aus Filz gemacht. Filz: ein Material, das in die Existenz gepresst wird, nicht aus einer Linie gewebt. Meret Oppenheim nahm eine Tasse und eine Untertasse und kleidete sie mit Tierfell aus, wodurch sie unbrauchbar wurden. Sind sie damit zur Kunst geworden? Eine mit Fell ausgekleidete Tasse und Untertasse müssen ein Kunstwerk sein, weil sie seltsam sind und weil ich seit Jahrzehnten darüber nachdenke. Kann die Haut von irgendetwas, von irgendeinem Wesen, von irgendeinem Gegenstand, so übermächtig sein, dass sie definiert, was es ist? So sehr, dass alles Innere dem Äußeren untergeordnet wird. Ich liebe diese Frage. Denn ich kann sie nie beantworten" (Sean Scully, New York, 9. März 2020).

Auf beiden Seiten von Opulent Ascension werden mehrere eindeutig landschaftlich inspirierte Werke aus der Serie Landline zu sehen sein, darunter die seinem zweiten Sohn Oisín gewidmeten Werke Oisín Green (2016) und Oisín Sea Green (2016) sowie das Triptychon Arles Nacht Vincent (2015), eine Hommage an Vincent van Gogh, und im Hintergrund Black Square (2020), inspiriert von Kazimir Malevic.

Im Seitenflügel wird The Bather (1983) zu sehen sein, inspiriert von einem Gemälde von Henri Matisse, das nur intuitiv durch eine Palette und eine lebendige Lichtwiedergabe hervorgerufen wird. Mit diesem Gemälde leitet der Künstler die Versöhnung der Forschungen von Matisse selbst, Piet Mondrian und Mark Rothko ein, die zu den erklärten Inspirationsquellen für seine Malerei gehören.

Mariana (1991) zeigt die typischen “Einschübe”, die aus Leinwänden bestehen, die mit kontrastierenden Motiven bemalt und physisch in Gehäuse eingebettet sind, die in den Körper des Gemäldes geschnitzt sind, während Long Light (1998), das bereits Teil der ständigen Sammlung des MAMbo ist, eine Probe der Reflexionen über das Licht ist, die den nachfolgenden Werken des Zyklus Wall of Light vorausgehen, inspiriert durch die sorgfältige Beobachtung von leuchtenden Mutationen auf Wandoberflächen, die zunächst in Mexiko und dann in verschiedenen Teilen der Welt gesehen und fotografiert wurden: Zwei besonders intensive Werke sind Wall of Light White Tundra (2009), eine Leihgabe der Galleria d’Arte Moderna in Turin, und Wall Light Zacatecas (2010). In diesem Teil der Ausstellung sind weitere neuere Werke zu sehen, die sich alle durch eine eigene, unverwechselbare Handschrift auszeichnen. Ein weiteres, von Vincent van Goghs Gemälde inspiriertes Werk, Vincent (2002), ist hier zu sehen, während Empty Heart (1987) an eine der dramatischsten Perioden im Leben des Künstlers erinnert, die durch den Tod seines ersten 19-jährigen Sohnes Paul geprägt war.

Ein letzter Raum ist dem jüngsten und wichtigsten Wendepunkt in Scullys Schaffen gewidmet: der Rückkehr zur figurativen Malerei, mit der sich der Künstler in seinen Anfängen kurz beschäftigt hatte.

Die Gemälde der Serie Madonna, die zwischen 2018 und 2019 entstanden sind, zeigen die Frau und den Sohn des Künstlers, die mit Sand spielen, und bringen ein Thema ans Licht, das Scully schon immer am Herzen lag: die Mutter mit ihrem Kind. Ein Motiv, das in der Tat immer wieder denselben “Einschüben” zugrunde liegt, die in seinem Werk so häufig vorkommen und die in dem Gemälde, das die Ausstellung abschließt, wieder auftauchen und sich an einer permanenten selbstreflexiven Praxis orientieren: Figure Abstract and Vice Versa (2019), ein Diptychon, in dem die Figur des spielenden Oisín auf der rechten Seite ein Gegengewicht in der in horizontale Bänder unterteilten Tafel auf der linken Seite findet, während ein symmetrisches Zusammenspiel eines Teils jeder Leinwand in der anderen den Schlüssel zur Interpretation eines Gemäldes bietet, das sich an die Realität hält und sich auf die Erforschung seiner eigenen konstituierenden Mittel konzentriert.

Die Ausstellung wird ergänzt durch eine Auswahl von Papierarbeiten, die jede Entwicklungsphase von Scullys gesamter Karriere begleiten, sowie durch ein Filmprogramm: Sean Scully: Set in Stone, 2008, Regie: Michael Doyle; Sean Scully: Why This, Not That? 2009, Regie: Michael Doyle; Sean Scully: Art Comes From Need, 2010, Regie: Hans Andreas Guttner; Sean Scully: There are no certainties in my paintings, 2011, Regie: Laurence Topham und Michael Tait; The drawing out of the Eleuthera paintings, parts I and II, 2017 und 2018, Regie: Sean Scully; A tour of Sean Scully’s studio by Oisín Scully, 2020, Regie: Oisín Scully.

Anlässlich seiner Retrospektive in Bologna wird Sean Scully dem MAMbo ein Werk schenken, das dann in die Sammlungen des Museums aufgenommen wird: Aix Wall 4 (2021).

Der Künstler hat außerdem beschlossen, Giorgio Morandi mit der Ausstellung von zwei Werken in den Räumen des Museo Morandi zu huldigen: Cactus (1964), das zur frühen figurativen Phase des Künstlers gehört, ein Werk, das zwar einige der im Titel genannten Pflanzen genau darstellt, aber bereits charakteristische Züge seiner späteren abstrakten Forschung aufweist und dessen Thema für Scully einen einzigartigen symbolischen Wert hat, da der Kaktus für ihn eine Pflanze ist, die “unzerstörbar und bewundernswert” ist. Das zweite Werk ist das Diptychon Two Windows Grey Diptych (2000), das sich nahtlos in die seltenen Spätwerke des Bologneser Meisters einfügt.

A Wound in a Dance with Love gehört zu den Ausstellungen im Rahmen von Bologna Estate 2022, dem von der Stadt Bologna und der Metropolitanstadt Bologna - Bologna-Modena Tourist Territory - geförderten Veranstaltungsprogramm.

Während der Eröffnung am Dienstag, den 21. Juni um 18.30 Uhr findet im Foyer des Museums ein Konzert des Meistergitarristen Lorenzo Biguzzi statt, das in Zusammenarbeit mit der Fondazione Accademia Internazionale di Imola “Incontri con il Maestro” veranstaltet wird und für diesen Anlass konzipiert wurde. Ein öffentliches Gespräch mit Sean Scully findet am Mittwoch, den 22. Juni um 18 Uhr im Konferenzraum des Museums statt.

Bild: Sean Scully, A Wound in a Dance with Love, Installationsansicht (MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, 2022). Foto von Ornella De Carlo

Eine umfassende Retrospektive des zeitgenössischen Malers Sean Scully im MAMbo

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