Eine umfassende anthologische Ausstellung zu Ehren von Pietro Annigoni in Livorno. Ebenfalls zu sehen: das berühmte Porträt von Elisabeth II.

Vom 16. Dezember 2023 bis zum 15. März 2024 findet in den Kornspeichern der Villa Mimbelli in Livorno die Ausstellung Pietro Annigoni, ein Maler von großartigem Intellekt statt, kuratiert von Emanuele Barletti, gefördert von der Gemeinde Livorno und der Stiftung Livorno, unter der Schirmherrschaft der Region Toskana, in Zusammenarbeit mit der Fondazione CR Firenze und dem Beitrag und Castagneto Banca 1910. Die Ausstellung ist die größte anthologische Ausstellung, die Pietro Annigoni in den letzten zwanzig Jahren gewidmet wurde, nach der großen monographischen Ausstellung, die im Jahr 2000 im Palazzo Strozzi in Florenz stattfand.

Die Ausstellung in der Villa Mimbelli will neue Analysen und Überlegungen über den Künstler anstellen. In den mittleren Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts hielt sich Annigoni häufig in Livorno auf. Jahrhunderts besuchte Annigoni häufig Livorno. Er schätzte die Menschen dort mit ihrem offenen Temperament, aber auch den Reichtum der kulturellen Struktur, die von zahlreichen künstlerischen und literarischen Werken von großer intellektueller Tiefe belebt wird. Und er fühlte sich besonders zum Meer hingezogen. Neben dieser privat gelebten Leidenschaft für das Meer will die Ausstellung in Livorno auch eine öffentliche Dimension aufzeigen, die den Künstler populär machte. Annigoni war ein Maler von Porträts und Selbstporträts, die in seiner Jugend seine technischen und expressiven Fähigkeiten unter Beweis stellten und während seiner gesamten Karriere als Spiegel der Seele dienten. Berühmt ist sein Porträt von Königin Elisabeth II. Ein Teil der Ausstellung ist dem Porträt gewidmet, das Annigoni 1954-1955 von der damals noch jungen Königin malte und das zu einer echten Ikone des 20. Jahrhunderts geworden ist.

Schon in jungen Jahren beschäftigte sich Annigoni mit Selbstporträts. Die Ausstellung zeigt die ersten Essays, die er als sehr junger Mann anfertigte, beginnend mit dem Jahr 1927, als er gerade siebzehn Jahre alt war und bereits eine außergewöhnliche künstlerische Reife zeigte, indem er mit der Spitze eines Bleistifts zeichnete.

Neben dem Genre des Selbstporträts war es dasfamiliäre Umfeld, das den Maler umgab. In der Tat waren die engsten Verwandten ideale Vorbilder für visuelle und praktische Übungen. So waren die Eltern des Künstlers, Ricciardo Annigoni und Teresa Botti, die ersten, die Gegenstand seiner Arbeit waren, und in seinen frühen Jahren schuf er Bilder von großer formaler Perfektion und emotionaler Anziehungskraft. Vom Vater ist eine bemerkenswerte Anzahl von Porträts erhalten, darunter eines von 1928, eine von Annigonis jugendlichen Lapislazuli-Zeichnungen auf höchstem künstlerischen Niveau und eine der schönsten seines gesamten grafischen Schaffens. Daneben ist in der Ausstellung eine ebenso außergewöhnliche Bildversion von 1933 zu sehen, in der der Vater vor einem dunklen Hintergrund in einer deutlich flämisch inspirierten Atmosphäre von einer Quelle aus dem Off vollständig beleuchtet wird. Die in Amerika geborene Mutter Teresa Botti ist ebenfalls Gegenstand hervorragender Zeichnungsnachweise. Darunter befindet sich ein Porträt aus dem Jahr 1928 in Bleistift. Es gibt auch mehrere Skizzen und zwei vollendete Gemälde seines jüngeren Bruders Ricciardino, das erste in seiner Jugend, das andere in einem reiferen Moment, in der Absicht, Gitarre zu spielen. Nach seiner unmittelbaren Familie ist seine erste Liebe Anna Maggini an der Reihe, die er 1928 in Florenz kennenlernte, während er die Accademia di Belle Arti besuchte und sie am Conservatorio Luigi Cherubini Harfe studierte. Anna stand im Mittelpunkt einer besonders intensiven, aber auch widersprüchlichen Beziehung, die mit ihrer Trennung 1957 endete, nicht bevor sie dem Maler zwei Kinder schenkte, Benedetto 1939 und Maria Ricciarda 1948. Es gibt verschiedene Bilder von Anna in unterschiedlichen Techniken. Der junge Annigoni porträtiert sie in fortgeschritteneren und reiferen Momenten. Es folgt eine Reihe von teilweise unvollendeten Temperamalereien, die von Zeit zu Zeit das Gesicht einer faszinierenden Frau fixieren, von der Annigoni jedoch durch den Ausdruck ihrer Augen eine schlecht verborgene innere Qual und eine schwebende, entfernte Sinnlichkeit zu evozieren scheint. Die Porträts seiner Söhne Benedetto und Ricciarda, die 1958 bzw. 1970 entstanden sind, setzen Modelle männlicher und vor allem weiblicher Schönheit, die in den mittleren Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts zum Standard wurden. Durch die Verbreitung von Drucken und Reproduktionen hielten sie Einzug in die Häuser der einfachen Leute, zusammen mit der bezaubernden Pracht von Rossella Segreto, seiner zweiten Frau, die er 1966 an Bord des Transatlantikliners Raffaello auf dem Weg nach New York kennenlernte und 1975 heiratete.

Pietro Annigoni hatte eine sehr enge Beziehung zum Meer, vor allem zum Fischfang und noch mehr zum Segeln. Er hatte ein altes Fischerboot, La Bimba, gekauft, mit dem er gerne entlang der toskanischen Küste bis nach Ligurien segelte. Die Ausstellung bietet autobiografische Einblicke, sowohl direkt als auch vermittelt durch andere Künstler. So finden wir La Bimba, die im Sommer 1959 in Richtung Portovenere segelt, oder kleine, früh gemalte Tafeln, die die Küste der Versilia bei Tonfano dokumentieren, die Annigoni vor allem in seinen letzten Lebensjahren gerne aufsuchte. Annigoni liebte das stürmische Meer, wie zum Beispiel in Partenza (Aufbruch) von 1935 zu sehen ist, einem Gemälde mit deutlicher Inspiration aus dem siebzehnten Jahrhundert, auf dem eine Gruppe von Booten mit ausgebreiteten Segeln einer rauen See gegenübersteht. Das Gemälde Mareggiata von 1971 stellt dagegen das Drama eines nächtlichen Schiffbruchs dar, das durch eine Lichtquelle, die wahrscheinlich von der Fackel eines Retters gespeist wird, in Anlehnung an bestimmte flämische Darstellungen betont wird. Der Turm von Calafuria durfte in seinem Repertoire nicht fehlen. Die geheimnisvolle Insel schließlich, die für Annigonis frühe künstlerische Reife steht, spiegelt präzise ikonografische Zitate wider, wie die Toteninsel von Arnold Böcklin.

Ein Teil der Ausstellung ist stattdessen den Schaufensterpuppen gewidmet, ein anderer dem Atelier: Während seiner langen künstlerischen Laufbahn hatte Annigoni mehrere Ateliers, in denen er seinen Beruf ausübte. Die Tatsache, dass der Maler seinen Arbeitsplatz immer wieder dokumentiert hat, ist bezeichnend für die zentrale Bedeutung, die dieser Raum in Annigonis Leben hatte. An diesem Ort ist Annigoni der absolute Herr seiner selbst, an dem er sich mit den Erfahrungen und Schwierigkeiten der Arbeit misst, aber auch mit einer intimen schöpferischen Freude, die nur ihm gehört.

Über Annigonis Verhältnis zur sakralen Dimension, der ganze Freskenzyklen in einigen der wichtigsten Zentren des katholischen Glaubens in Italien realisiert hat, wurde viel diskutiert. Flavia Russo fasst in ihrem Essay im Katalog und in der Auswahl der Ausstellung die Begriffe mit den Worten des Künstlers selbst zusammen: “Ich bin wie viele heute, ein Mann ohne die Gabe des Glaubens, aber ich bin ein Nostalgiker für Gott. Ich glaube, dass (auch wenn ich ein Kind antiklerikaler Wut bin) die Sehnsucht nach einem bestimmten und geoffenbarten Glauben an das Göttliche tief in meinem Geist verwurzelt ist und einen wesentlichen, wenn auch widersprüchlichen Charakterzug definiert, der sich in meinem Handeln als Mensch und als Künstler widerspiegelt”. “Die Sehnsucht nach Gott”, betont Russo, "ist ein Gefühl, das sein ganzes Leben durchdringt und ihn dazu bringt, nach Gelegenheiten und Orten zu suchen, die ihn diesem fehlenden Geschenk näher bringen können. Für Annigoni ist die Kunst nicht nur ein Ausdrucks-, sondern auch ein Erkenntnismedium. Das Malen von sakralen Themen ist daher eine Gelegenheit, den Protagonisten der Offenbarung zu begegnen, die er so weit weg empfunden hat. Die großen Freskenzyklen in kirchlichen Räumen wie der Abtei von Montecassino oder der Basilica del Santo in Padua ermöglichen es dem Meister außerdem, sich einem größeren Publikum zu präsentieren und die häuslichen Räume zu verlassen, in die ihn die Porträtmalerei oft verbannt hatte. Die Gemälde mit sakralen Themen verdeutlichen die Universalität von Annigonis Werk, verstärken die Verbindung zur Tradition und eröffnen eine Dimension der kompositorischen Phantasie, die ihm am Herzen lag. Die Ausstellung will die Möglichkeit eines emotional starken Kontakts mit den religiösen Themen bieten, in denen die Aufmerksamkeit des Malers für die Vergangenheit und ihre ikonographischen Modelle erkennbar ist, die uns aber auch eine intimere, introspektive Interpretation eröffnen, in der sich Zweifel und Überlegungen mit den Widersprüchen der Gegenwart auf der Suche nach einer möglichen Erlösung verflechten.

Die Beziehung zwischen Annigoni und der weiblichen Welt, die für ihn eine vorrangige Inspirationsquelle darstellt, ist ein Akt der Liebe und eine “Mission” durch eine Welt der kompositorischen und psychologischen Forschung. Die Auswahl der Werke, die in der Ausstellung gezeigt werden, ist eine breit gefächerte Artikulation von Absichten, wobei der Schwerpunkt auf Studien über die Natur des weiblichen Körpers liegt, die Akte, die der Maler seit seiner Jugend mit einer starken dynamischen Ausdruckskraft ohne falsche Bescheidenheit beschreibt, mit dem Ziel, ihre Körperlichkeit und Schönheit auch in ihrer sinnlichsten Komponente hervorzuheben, von den Skizzen der ersten Absicht bis zu den organischeren Posen.

Pietro Annigoni war in der Lage, das Thema der Landschaft entsprechend den verschiedenen visuellen und inneren Modulationen, die seine lange menschliche und künstlerische Laufbahn kennzeichneten, abzulehnen. Für ihn war die Landschaft eine Beobachtung des Lebens. Aus diesem Ansatz heraus konnte Annigoni ein umfangreiches Repertoire an Bildern schaffen, die das Ergebnis seiner persönlichen Grand Tour waren, die er auch später noch fortsetzte, wenn auch unter Nutzung der bequemen und modernen Transportmittel, die ihn in den mittleren Jahrzehnten des 20. Aus der Landschaft, die er beobachtete und erlebte, schöpfte er wichtige Anhaltspunkte für die Realisierung großer kompositorischer Installationen wie Fresken. Aber er kultivierte auch die Vorliebe und das Vergnügen, oft in Gesellschaft von Freunden und Schülern, kleine Ansichten en plen air von einer Staffelei aus in der Umgebung von Florenz zu malen, um die zahlreichen Anfragen von Menschen zu erfüllen, die eines seiner Werke besitzen wollten.

In der Ausstellung wurde auch ein Vergleich zwischen Giorgio de Chirico und Pietro Annigoni vorgeschlagen. De Chirico war zweiundzwanzig Jahre älter als Annigoni, der ihn immer mit Respekt betrachtete und in seiner frühen Reife etwas von ihm beeinflusst wurde. Zu den ausgestellten Werken gehören die Gegenüberstellung von Selbstporträts der beiden Künstler sowie Stillleben in unkonventionellen Raumkompositionen und Ansichten von hohen ummauerten Gärten, die an das klassische Bild des hortus conclusus erinnern.

Es gibt auch einen besonderen Bezug zu Ferruccio Mataresi, der achtzehn Jahre jünger als Annigoni war: Er war Annigonis Schüler und Freund und teilte mit ihm, noch vor der gemeinsamen figurativen Vision, einen ähnlichen freien und offenen Geist. Der Kurator dieser Sektion, Fabio Sottili, stellt eine bedeutende Auswahl von Mataresis Werken vor, von denen einige echte Meisterwerke sind, wie Der Metzger oder das Porträt des Baritons Checchi, das in der Ausstellung direkt Annigonis Cinciarda gegenübergestellt wird. Wie Annigoni widmete sich auch Mataresi mit Talent und Professionalität den Techniken des Zeichnens und Malens und hinterließ Stillleben in Tempera-Grasa und Ansichten von Leghorn in Aquarelltusche sowie Porträts in Sanguiné oder Tusche, die von seiner künstlerischen Militanz zeugen, die im Kontakt mit Annigoni, aber auch im Jahrhundert der großen Labron-Tradition gereift ist.

Sanguinisch ist eine der von Pietro Annigoni am häufigsten verwendeten Techniken, die mehr oder weniger zeitgleich mit der Entstehung der großen Freskenzyklen zwischen den späten 1930er und den 1980er Jahren entwickelt wurde, vom Kloster San Marco in Florenz bis zur Basilica del Santo in Padua. Diese eignet sich insbesondere für das Studium der menschlichen Figur aufgrund der Vielseitigkeit des Einsatzes von Pointen und Schattierungen, die darauf abzielen, große und warme volumetrische Hintergründe auf mittelgroßen und großen Blättern zu schaffen, die es ermöglichen, die Proportionen im kompositorischen Raum auch mit Hilfe der Quadrettatura richtig zu messen. In dieser von Luca Leoni kuratierten Sektion wird eine minimale Auswahl von Beispielen präsentiert, die eine artikulierte Finalisierung von Themen hervorheben sollen, insbesondere das hier ausgestellte seltene senile Selbstporträt in Rötel aus den frühen 1980er Jahren.

Die Ausstellung ist freitags, samstags und sonntags von 10 bis 13 Uhr und von 16 bis 19 Uhr geöffnet.

Eintritt frei.

Infos: 0586/824606 - 824607; infomuseofattori@comune.livorno.it

Eine umfassende anthologische Ausstellung zu Ehren von Pietro Annigoni in Livorno. Ebenfalls zu sehen: das berühmte Porträt von Elisabeth II.

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