Eine Ausstellung in der Galleria Borghese beleuchtet die Beziehung zwischen Rubens und der antiken Skulptur

Die Galleria Borghese präsentiert vom 14. November 2023 bis zum 18. Februar 2024 die Ausstellung The Touch of Pygmalion. Rubens und die Skulptur in Rom, kuratiert von Francesca Cappelletti und Lucia Simonato, die Teil des größeren Projekts Rubens! La nascita di una pittura europea, das in Zusammenarbeit mit der Fondazione Palazzo Te und dem Palazzo Ducale di Mantova realisiert wurde.

Die römische Ausstellung zeigt fast fünfzig Werke aus einigen der bedeutendsten Museen der Welt, darunter das British Museum, der Louvre, das Metropolitan Museum in New York, die Morgan Library, die National Gallery in London, die National Gallery in Washington, das Prado Museum und das Rijksmuseum in Amsterdam. Die in acht Sektionen gegliederte Ausstellung will den außergewöhnlichen Beitrag von Rubens an der Schwelle zum Barock zu einer neuen Auffassung von der Antike und den Begriffen des Natürlichen und der Nachahmung hervorheben, wobei der Schwerpunkt auf der Neuartigkeit seines Stils liegt und darauf, wie das Studium von Modellen eine weitere Möglichkeit für eine neue Bildwelt darstellt. Aus diesem Grund berücksichtigt die Ausstellung nicht nur die italienischen Werke, die sein leidenschaftliches und uneingeschränktes Studium antiker Vorbilder dokumentieren, sondern auch seine Fähigkeit, Vorbilder aus der Renaissance neu zu lesen und sie mit denen seiner Zeitgenossen zu vergleichen, um neue Aspekte und Genres zu erkunden.

Im 17. Jahrhundert wurde Rubens von seinen Zeitgenossen als einer der größten Kenner der römischen Antike angesehen. Rubens belebte in seinen Erzählungen den Stoff, den er in seinen Porträts verwendete. So werden Marmor, Reliefs und berühmte Beispiele der Renaissancemalerei unter seinem Pinsel ebenso lebendig wie die Überreste der antiken Welt. Ein Beispiel dafür ist die berühmte Statue des Spinario, die Rubens zunächst in Rötel und dann mit roter Kohle zeichnet, wobei er die Pose aus zwei verschiedenen Blickwinkeln einnimmt. Die Zeichnung scheint eher nach einem lebenden Modell als nach einer Statue angefertigt worden zu sein, so dass einige Gelehrte annehmen, dass der Maler einen Jungen in der gleichen Pose wie die Skulptur verwendet hat. Die Anwesenheit von Malern und Bildhauern in der Stadt, die bei ihm in Antwerpen gelernt hatten, wie Van Dyck und Georg Petel, oder die im Laufe ihrer Ausbildung mit seinen Werken in Berührung gekommen waren, sorgte dafür, dass seine Modelle einer Generation italienischer Künstler zugänglich waren, die nun daran gewöhnt waren, die Antike im Lichte zeitgenössischer Bildbeispiele und auf der Grundlage eines erneuerten Naturstudiums zu betrachten. Unter ihnen Bernini: Seine in den 1920er Jahren entstandenen bürgerlichen Gruppen interpretieren berühmte antike Statuen wie denApollo von Belvedere neu, um ihnen Bewegung zu verleihen und Marmor in Fleisch zu verwandeln, wie in der Vergewaltigung der Proserpina.

“In diesem Wettstreit zwischen den beiden Künsten musste Rubens gegenüber Bernini als Verfechter einer extremen Bildsprache auftreten, mit der er konfrontiert wurde: für das intensive Studium der Natur und für die Darstellung der Bewegung und der ’Pferde in der Levade’, die von Vincis Grafiken angeregt wurden und die der neapolitanische Bildhauer in seinen senilen Marmorwerken mit der gleichen Leonardesken ’Wut des Pinsels’ angehen würde, die Bellori dem Antwerpener Meister zuerkennt; und schließlich auch für seine Porträts, bei denen das Bildnis den Dialog mit dem Betrachter sucht, so wie es bei den Büsten Berninis geschieht, für die der gelungene Ausdruck ’sprechendes Abbild’ geprägt wurde”, so die Kuratorin Lucia Simonato.

Die Ausstellung zielt darauf ab, die umstrittene Beziehung zwischen Berninis Meisterwerken und dem rubensianischen Naturalismus zu beleuchten, wie dies auch bei anderen frühen Skulpturen des Künstlers der Fall war, z. B. bei der vatikanischen Charité im Grabmal von Urban VIII, die von europäischen Reisenden bereits im späten 18. In diesem figurativen Kontext beschleunigte die rechtzeitige Verbreitung von Drucken nach Rubens’schen Druckvorlagen den Dialog in den 1730er Jahren und führte zu Verlagsgeschäften wie der Galleria Giustiniana, in der antike Statuen endgültig zum Leben erweckt wurden - ein Effekt, der von der Kritik bereits als Pygmalion bezeichnet wurde.

“Jahrhundert ein Anziehungspunkt für nordeuropäische Künstler, ist das Rom von Rubens zwischen dem Pontifikat der Aldobrandini und dem der Borghese der Ort, an dem man die Antike wieder studieren kann, deren Meisterwerke der Malerei mit der Darstellung der Aldobrandini-Hochzeit im Jahr 1601 bekannt zu werden beginnen”, so Francesca Cappelletti, Direktorin der Galleria Borghese und Kuratorin der Ausstellung. “Dies ist der Moment von Annibale Carraccis Galerie Farnese und Caravaggios Contarelli-Kapelle, der eine ganze Generation verblüfft. Mit den Augen eines jungen ausländischen Malers wie Peter Paul Rubens betrachten wir noch einmal die Erfahrung von anderswo, wir versuchen, die Rolle des Sammelns und insbesondere der Sammlung Borghese als treibende Kraft hinter der neuen Sprache des europäischen Naturalismus zu rekonstruieren, die die Forschung von Malern und Bildhauern in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts vereinte”.

Bild: Pieter Paul Rubens, Zwei Studien eines Jungen aus dem Spinario (1601-1602; Rötel auf Papier, 26,1 x 36 cm, London, British Museum) © The Trustees of the British Museum

Eine Ausstellung in der Galleria Borghese beleuchtet die Beziehung zwischen Rubens und der antiken Skulptur

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