Die Golinelli-Stiftung erweist ihrem Gründer die Ehre. Zu sehen sind Werke aus seiner vielseitigen Sammlung

Die Golinelli-Stiftung ehrt ihren Gründer, den Unternehmer und Philanthropen Marino Golinelli, mit der Ausstellung I preferiti di Marino. Kapitel I, die bis zum 2. Juni 2024 im Golinelli Zentrum für Kunst und Wissenschaft in Bologna zu sehen ist, zeigt vierzig Werke bedeutender moderner und zeitgenössischer Künstler aus der privaten Kunstsammlung von Marino Golinelli: eine Gelegenheit, Gemälde, Siebdrucke, Installationen und Fotografien von international bekannten Künstlern zum ersten Mal aus der Nähe zu betrachten.

Diese Werke spiegeln den engen Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft wider, der der facettenreichen Persönlichkeit, der wissenschaftlichen Neugier und der Leidenschaft für die Kunst von Golinelli selbst entspricht. Mit einem multidisziplinären und multikulturellen Ansatz hat Golinelli zusammen mit seiner Frau Paola über 700 Werke aus allen Teilen der Welt, von Afrika bis Asien, zusammengetragen und dabei die großen Hauptstädte der zeitgenössischen Kunst, von Frankfurt bis Basel, von New York bis Mumbai, über einen Zeitraum von dreißig Jahren durchquert.

Zu sehen sind Werke der Meister der Avantgarde des 20. Jahrhunderts wie Giacomo Balla und Kasimir Malewitsch sowie Werke der bedeutendsten Künstler der internationalen Gegenwartskunst wie David Hockney, Tony Oursler, John Baldessari, Lucy und Jorge Orta, Ronald Ventura, Bjarne Melgaard, Warren Isensee, Terence Koh, Chen Ke, Sandeep Mikherjee und Alfred Haberpointner. Hinzu kommen Werke von führenden Vertretern der italienischen Kunstszene wie Emilio Isgrò, Nicola Samorì, Alberto Di Fabio, Loris Cecchini, Giorgio Celiberti, Davide Nido und Giuseppe Santomaso sowie Fotografie mit Werken von Candida Höfer, Maurizio Galimberti und Giovanni Bortolani.

“I preferiti di Marino ist eine weitreichende Initiative, ein Mosaiksteinchen, das zwischen Kunst, Wissenschaft und Innovation den Projektweg und die Arbeit der Stiftung und des Opificio ausmacht”, so Andrea Zanotti, Präsident der Fondazione Golinelli. “Die Ausstellung wird nur die erste Etappe eines Ausstellungsprojekts sein, das in den kommenden Jahren dem Publikum des Zentrums für Kunst und Wissenschaft die Möglichkeit bieten wird, durch kritische Lektüre und unterschiedliche Perspektiven den Reichtum des kulturellen Erbes und der multidisziplinären Vision von Marino Golinelli zu würdigen. Diese Ausstellungen”, erklärt Zanotti, “werden auch die Realisierung von Bildungswegen ermöglichen, die mit dem Bildungsangebot, das das Opificio Golinelli Schülern aller Altersgruppen zur Verfügung stellt, übereinstimmen, eine wertvolle Gelegenheit, den STEAM-Lehrplan zu integrieren, der bereits in unserer Marino Golinelli School of Ideas eingeführt wurde”.

Die Ausstellung ist in fünf Abschnitte unterteilt: Von der Idee zur Materie; Von der Idee zum Objekt; Von gestern zu morgen; Funktion und ihre Negation; Projektion der Gegenwart in die Zukunft.

Der erste Abschnitt Von der Idee zur Materie, der als eine Art Vorraum gedacht ist, der den Besucher in den Ausstellungsparcours einführt, beginnt mit Interior Projection #13 (2014) von Paolo Cavinato, einem Künstler aus Mantua, der Werke schafft, die sich mit der Strenge der Perspektive, dem Austausch von Blicken und Standpunkten und der Beziehung zwischen dem Endlichen und dem Unendlichen beschäftigen. Die Perspektive steht auch im Mittelpunkt der Fotografien von Candida Höfer, die sich als “Anthropologin der Architektur” bezeichnet. Ihr Blick richtet sich auf die Räume des Sozialen, auf Theater, Museen, Bibliotheken, die trotz ähnlicher Merkmale nie gleich sind. Zwei Arbeiten porträtieren die Biblioteca Comunale dell’Archiginnasio in Bologna (2006): Großaufnahmen, in denen einige charakteristische Merkmale der Poetik von Candida Höfer zu erkennen sind, wie die ausschließliche Verwendung von natürlichem Licht, die metaphysische Atmosphäre des von menschlicher Anwesenheit entleerten Raums, die Kristallisierung einer fernen Vergangenheit, eingerahmt von frontal dargestellten Architekturen. In der ersten Abteilung ist auch die große Skulptur Immortal Hunting (2015) von Ronald Ventura zu sehen, einem der führenden Vertreter der philippinischen Kunstszene. Das Werk zeigt einen geflügelten Mann mit einem silbernen Körper, der kopfüber auf einem Bett aus Blättern und Brombeeren liegt. Die Ikonographie verweist auf die mythologische Figur des Ikarus: eine Allegorie des modernen Menschen, der durch Wissenschaft und Technologie den Willen manifestiert, seine eigenen Grenzen zu überwinden.

Die zweite Sektion Dall’idea all’oggetto (Von der Idee zum Objekt ) stellt die Definition von Design in Bezug auf die Konzepte von Funktion und Funktionalität in Frage. Protagonisten sind die Werke von Giacomo Balla und Kasimir Malewitsch, zwei Meistern der Avantgarde des 20. Jahrhunderts: der Farbserigrafie Progetto per piano da tavolo (1920) und der Terrakotta-Skulptur Grande linea di velocità (1922) des Ersteren, dem Dynamischen Suprematismus Nr. 57 (1916) des Letzteren. Hinzu kommen zwei Gemälde des deutschen Künstlers Andreas Hildebrandt, Material und Erzberg (2008). Hildebrandt kombiniert menschliche Figuren, Architekturen und geometrische Formen zu Landschaften, in denen die Zeichen des menschlichen Eingriffs und die malerische Geste des Künstlers immer offensichtlich sind. Den Abschluss der Sektion bildet Untitled (2003) des 2020 verstorbenen Malers, Fotografen, Architekten und Performer John Baldessari. Das Werk besteht aus zwei Tapetenmodulen, die scheinbar unähnliche Elemente (eine Nase und Popcorn, Glühbirnen und Kartoffeln) isolieren und einander gegenüberstellen, um ungewöhnliche formale visuelle Beziehungen zu schaffen.

Die dritte Sektion Da ieri a domani (Von gestern bis morgen ) soll die Vielfalt der Interessen, den Eklektizismus und die Weltanschauung von Marino Golinelli darstellen. Zu sehen sind daher zwei fotografische Porträts, Golinelli und Bärenportal (2015) und Marino Infinito (2018), des Fotografen und bildenden Künstlers Giovanni Bortolani, einem Schüler von Bruno Munari, der sich auf Werbe- und Editorialfotografie spezialisiert hat. Marino und Paola ist ein fotografisches Mosaik aus vierzig Farbpolaroids des international bekannten Fotografen Maurizio Galimberti. Über die gesamte Ausstellung verteilt sind Werke italienischer und ausländischer Künstler zu sehen. Zu den ersten gehören Prova d’artista (1977) des venezianischen Malers Giuseppe Santomaso; È giallo (2003) von Davide Nido; Untitled (2007) des Malers Alberto di Fabio, der für seine Werke bekannt ist, in denen er die Verbindung von Kunst und Wissenschaft untersucht, indem er das unendlich Große mit dem unendlich Kleinen vermischt. Das Werk erinnert an die großräumige Struktur des Universums: ein Netz kosmischer Fäden aus dunkler Materie. Amnesiac und Oroborus sind die Titel zweier Werke von Nicola Samorì aus dem Jahr 2008, in denen sich der Künstler aus Forlì vom Porträt entfernt, indem er von einem skulpturalen Modell ausgeht: Während im ersten Bild die ursprüngliche Skulptur mit großer Treue reproduziert wird, werden im zweiten Gemälde Materialanwendungen auf der Leinwand hinzugefügt, wie Gips, Erde, Klebstoff, die ein materielles Subderma entstehen lassen, das die Form degeneriert. Die Beziehung zwischen Kunst, Wissenschaft und Technologie, mit Verweis auf die unendlichen Möglichkeiten der Genetik und Molekularphysik, steht im Mittelpunkt der Forschung des amerikanischen Künstlers Shane Hope. Drei ausgestellte Werke des Künstlers aus dem Jahr 2007 beziehen sich auf das Leben und den Ursprung der Welt: Spekulativernacular Folk-Flock of an Eco-Exo Envirornamental; Ornamentally Handicapped-Clipped Atomolecularly Manufactured?; Collablobject-Oriented Algorithmically Cracked-Out Carbon Nanotubes on Free-Range Script-Tangled Docking Decoy Proteins and Clipping Planes. Von den fortschrittlichsten Technologien gehen wir zu den traditionellen Medien über, wie David Hockneys Zeichnung Untitled (1993), ein Porträt, das der englische Maler der Modedesignerin Celia Birtwell widmet, Melgaard Bjarnes Ölgemälde Untitled (2006) und das Diptychon Untitled (Blue) und Untitled (Yellow) der Amerikanerin Isensee Warren aus dem Jahr 2003. Die Werke der Malerin Ieva Mediodiva hingegen führen den Besucher in eisige, ätherische Abgründe, in denen unkörperliche Wesen schweben. Zwei Werke werden ausgestellt: Blue Cephalopod (2000), das mit seinen blauen und hellblauen Farbtönen, die wie Sepia-Tintenflecken wirken, an die Faszination des Meeres erinnert, und E.V.A. (2002), das eine gedehnte Atmosphäre, eine fremde Welt suggeriert, in der sich der Blick verliert.

Die vierte Sektion Funktion und ihre Negation stellt Künstler vor, die sich mit der Definition von Funktion auseinandersetzen und diese widerlegen. Mit Formiche italiane (1994) und Aristotele (2002) will Emilio Isgrò mit seinen berühmten Radierungen die Autorität und Funktionalität des Wortes in Frage stellen. Auch zwei Skulpturen sind zu sehen: Mela, eine Keramikarbeit des friaulischen Künstlers Giorgio Celiberti, und Il Sole (1975), eine Holzskulptur des Tischlers Giuseppe Rivadossi. Der Titel des Werks, das in der vom Künstler bevorzugten Technik der ineinandergreifenden Assemblage geschaffen wurde, gehört zur Serie Custodie und verweist auf die erzeugende Kraft der Natur, deren wesentliches archetypisches Element die Sonne ist. In dieser Abteilung sind auch zwei große Installationen zu sehen: Rainbow Trusses (2009) des Mailänder Künstlers Loris Cecchini besteht aus einem Sockel, der an Konstruktionselemente aus dem Baugewerbe erinnert und durch eine Sammlung von Objekten maritimen Ursprungs wie Muscheln, Korallen, Seeigel und Fischmandibeln bereichert wird. Ein Werk, das durch die Gegenüberstellung der Eleganz natürlicher Elemente mit der starren Brutalität künstlicher Elemente auf das Konzept der Bioarchitektur verweist; Untitled (White Light #1) hingegen ist ein Werk von Terence Koh aus dem Jahr 2006: eine groß angelegte Installation, in der Koh in Glasvitrinen Objekte ausstellt, die direkt aus den Träumen und Geheimnissen seines Geistes zu stammen scheinen. Die Sektion schließt mit Beautiful Fruits (2003) des chinesischen Künstlers Chen Ke.

Die majestätische Installation Orta Water - Purification Station (2005) des Duos Lucy+Jorge Orta führt den Besucher zum Herzstück der Ausstellung, einer Zusammenfassung der in der Ausstellung präsentierten künstlerischen Forschung. Ein großes Boot mit einem symbolischen System zum Sammeln, Filtern und Reinigen von Wasser erinnert uns daran, dass der Zugang zu Trinkwasserquellen und die Verschmutzung von Stauseen ein ernstes Problem darstellen. Ein weiterer Künstler, der die Grenze zwischen Kunst und Wissenschaft überschreitet, ist der indischstämmige Sandeep Mukherjee, der sich auf Industrietechnik spezialisiert hat. Als Leinwand für seine Werke verwendet Mukherjee Duralene, eine Polymerfolie, die eine breite Palette von Variationen im Material erzeugt und es undurchsichtig oder durchscheinend macht. Ein großer Teil seiner Kunst, wie z. B. Untitled (2011), wird von einer Neugier für Übergangsräume angetrieben: Seine Bilder scheinen sich von organischen Formen, mikroskopischen Visionen von Viren, Bakterien und organischem Gewebe inspirieren zu lassen. Die Ausstellung wird mit einem zweiten Werk von Ronald Ventura fortgesetzt, das die Aufmerksamkeit auf die Widersprüche der globalisierten Welt lenkt. Home Theatre, Supper (2010) ist eine mehrschichtige Installation, die aus zwei Hauptteilen besteht: Im oberen Teil befindet sich ein Gemälde, das eine warme und gemütliche, modern eingerichtete Umgebung zeigt, in der ein Mega-Bildschirm steht, auf dem Bilder einer Überschwemmung in einem armen Land übertragen werden; im unteren Teil befindet sich eine Skulptur, die in einen alten Fernseher eingebaut ist: Wie in einem postmodernen Krippenspiel versammelt sich eine Familie zum Abendessen und verzehrt Konserven, ohne sich um die Tragödien zu kümmern, die sie umgeben. Ventura verwendet zwei sehr unterschiedliche Techniken, die jedoch dasselbe Paradoxon unterstreichen: die Oberflächlichkeit einer Konsumgesellschaft, die den Kontakt zu ihren Wurzeln, Traditionen und ihrem Gemeinschaftssinn verloren hat. Inc (2003) des US-amerikanischen Künstlers Tony Oursler ist ein Werk, das sich mit dem Thema der emotionalen Notlage befasst. Der Künstler ist bekannt für seine Videos, die auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, oft kugelförmige Oberflächen oder Stoffpuppen, die sich in sprechende Subjekte verwandeln. Die Mimik, die geflüsterten Worte und die Bewegungen der Augen und des Mundes regen bei den Besuchern automatische mentale Identifikationsprozesse an und wecken ein Gefühl der Entfremdung. Den Abschluss der Ausstellung bildet der Österreicher Alfred Haberpointner, der mit Holz arbeitet, um so genannte Wandobjekte zu schaffen, wie Zentralisation - Diptychon (2015): ein Paar Fichtenholzplatten, die mit ihrem vertikalen Format und ihrer Platzierung an der Wand sowohl die Qualitäten der Malerei als auch die der Skulptur mit ihrer Dreidimensionalität aufweisen. Das Holz ist in kleinen, regelmäßigen Segmenten geschnitzt, die zu einem perspektivischen Zentrum hin konvergieren; diese Behandlung der Oberfläche, die durch eine Farbschicht ergänzt wird, öffnet sich durch den Lichteinfall für die Interaktion mit der Umgebung und dem Blick des Betrachters. Die Ausstellung endet mit einem fotografischen Porträt von Marino Golinelli, signiert von Giovanni Bortolani, 2065, die Zukunft ist da.

Ein Kalender mit Veranstaltungen zur Popularisierung der Wissenschaft, interaktiven Aktivitäten und Laborexperimenten, die sich an Kinder, Mädchen und Jungen im Alter von 4 bis 13 Jahren und ihre Familien richten, begleitet die Ausstellung während ihrer gesamten Öffnungszeit. Alle Veranstaltungen, die an den Wochenenden stattfinden, ermöglichen es den Teilnehmern, die ausgestellten Werke aus der Nähe kennen zu lernen und den Austausch zwischen Kunst, Wissenschaft und Technologie zu vertiefen, der Marino Golinelli so am Herzen liegt. In Zusammenarbeit mit der Bildungsabteilung der Peggy Guggenheim Collection sind auch zahlreiche Bildungsangebote für Schulen geplant. Für Informationen: mostra@fondazionegolinelli.it

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft der Region Emilia-Romagna und der Stadtverwaltung von Bologna.

Marinos Lieblinge. Kapitel I kann dienstags bis freitags von 11 bis 19.30 Uhr besucht werden; samstags, sonntags und an Feiertagen von 10 bis 20 Uhr (einschließlich 31. März, 1. und 25. April, 1. Mai und 2. Juni). Montags geschlossen. Eintritt frei.

Alle Informationen finden Sie unter www.ipreferitidimarino.it.

Die Golinelli-Stiftung erweist ihrem Gründer die Ehre. Zu sehen sind Werke aus seiner vielseitigen Sammlung

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