Die Fondazione Prada präsentiert eine Ausstellung, die den vorbereitenden Zeichnungen und Storyboards für Filme gewidmet ist

Die Fondazione Prada präsentiert vom 30. Januar bis 8. September 2025 in den Räumen des Osservatorio in der Galleria Vittorio Emanuele II in Mailand die Ausstellung A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema .

Osservatorio ist der Raum der Fondazione Prada, der dem Experimentieren mit visuellen Sprachen und der Erforschung möglicher Berührungspunkte und Überschneidungen zwischen Technologie und verschiedenen kulturellen Ausdrucksformen gewidmet ist. Es ist eine Plattform für freies Denken, offen für die Reflexion über die verschiedenen künstlerischen und medialen Sprachen und ihre Auswirkungen in einem sich ständig weiterentwickelnden kulturellen und sozialen Kontext.

Die von Melissa Harris kuratierte Ausstellung untersucht den komplexen kreativen Prozess, der der Entstehung eines Films vorausgeht, indem sie Storyboards und andere Materialien wie Moodboards, Zeichnungen und Skizzen, Scrapbooks und Notizbücher, kommentierte Drehbücher und Fotografien untersucht. A Kind of Language umfasst mehr als tausend Elemente, die zwischen 1930 und 2024 von mehr als 50 Autoren wie Regisseuren, Kameraleuten, Künstlern, Grafikern, Animatoren, Choreographen und anderen an der Film- und Videoproduktion Beteiligten geschaffen wurden.

Georges Méliès war einer der ersten Regisseure, der für seine Fantasy- und Science-Fiction-Filme, darunter das Meisterwerk Die Reise zum Mond(Le voyage dans la lune, 1902), auf detaillierte Vorzeichnungen zurückgriff, um Szenen zu entwerfen. Die Ursprünge des Storyboards gehen jedoch auf den Beginn des 20. Jahrhunderts zurück und sind mit der Entwicklung der Animation verbunden. Ab den 1930er Jahren beauftragten die Fleischer Studios und Walt Disney Productions und später in den 1940er Jahren die United Productions of America Künstler mit der Erstellung von Sketchsequenzen und anderen visuellen Elementen während der Entwicklung der Handlung und der Figurenentwicklung. A Kind of Language enthält Zeichnungen von Betty Boop, Popeye, Mr. Magoo, Pinocchio, Schneewittchen und Mickey Mouse in Walt Disneys Avantgarde-Klassiker Fantasia (1940) sowie andere berühmte Figuren aus frühen Animationsfilmen. In diesen Jahren wurde das Storyboard zu einem grundlegenden Instrument bei der Entwicklung von Kinofilmen, vom Zeichentrickfilm bis zum Realfilm, eine konkrete und systematische visuelle Darstellung des Ablaufs der Geschichte. Jahrzehnte später ist das Storyboard nach wie vor der Wegbereiter für Animationsprojekte, wie die in der Ausstellung gezeigten vorbereitenden Zeichnungen von Hayao Miyazaki und Studio Ghibli zeigen.

Melissa Harris erklärt: "Für viele ist das Erstellen von Storyboards ein wesentlicher Bestandteil des Prozesses. Die visuelle Darstellung einer Szene und die anschließende Definition ihres Verlaufs kann dem Filmteam dabei helfen, über die Beziehungen zwischen den Figuren nachzudenken, sich vorzustellen, wie sich die Erzählung entwickeln soll, oder zu verstehen, wie sich das Wesen einer bestimmten Sequenz am besten vermitteln lässt. Es kann auch dazu beitragen, Probleme zu korrigieren, z. B. wenn etwas bei einer Figur oder einer körperlichen Interaktion nicht ganz überzeugend erscheint, und den Schauspielern eine visuelle Referenz bieten. Auf technischer Ebene können Storyboards dem Regisseur dabei helfen, die effektivsten Winkel für die Beleuchtung und das Filmen zu bestimmen oder die beste Art und Weise für Überblendungen und Spezialeffekte zu finden.

Storyboards haben einen doppelten Zweck: Einerseits stellen sie die kreative Vision des Regisseurs dar, wie sie vom Storyboard-Ersteller interpretiert wird, wenn sie nicht mit dem Regisseur selbst übereinstimmt, und andererseits begleiten sie manchmal die technische Umsetzung des Films. Storyboards können als eine echte Sprache betrachtet werden, die ein Konzept oder ein Drehbuch integriert und ausarbeitet. Sie stellen die vorläufige Visualisierung der Ideen und Visionen des Regisseurs vor Beginn der Dreharbeiten dar, unabhängig davon, wer der Autor ist. Als flexible und sich ständig weiterentwickelnde Werkzeuge vereinfachen sie die gemeinsame Nutzung eines Arbeitsschemas, das für die Koordinierung der Aktivitäten der verschiedenen Fachleute am und außerhalb des Drehorts nützlich ist. Diese Materialien haben eine kommunikative und praktische Funktion, sie sind dazu gedacht, kopiert, weitergegeben, konsultiert und verändert zu werden, und sind selten als Einzelstücke konzipiert. Ihre Rolle ist in den verschiedenen Phasen der Filmproduktion von grundlegender Bedeutung: von der Vorproduktion, in der sie die Ideen des Regisseurs visualisieren, über die Produktion, in der sie als Leitfaden für die Organisation der Dreharbeiten dienen, bis hin zur Postproduktion, in der sie zum Schnitt und zum Einsatz von Spezialeffekten beitragen.

Das Design der Ausstellung, das von Andrea Faraguna vom Architekturbüro Sub in Berlin entworfen wurde, ist vom Storyboard inspiriert, dem Ausgangspunkt der Filmproduktion und einem Werkzeug für die Komposition und Kommunikation des Prozesses. Die Ausstellung konzentriert sich auf die Rolle dieses Werkzeugs für das Kino und präsentiert und interpretiert die Arbeitsumgebung von Storyboard-Künstlern neu, indem sie sie in eine räumliche Erfahrung übersetzt. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Tische, die von Zeichentischen inspiriert sind. Jeder Tisch ist einem bestimmten Film gewidmet, dessen visuelle Erzählung in Form einer Abfolge von Szenen präsentiert wird, die aus der Nähe betrachtet werden können. Um die räumliche Darstellung zu verstärken, ist jedem Tisch ein entsprechendes, umgedreht von der Decke hängendes Element zugeordnet. Zusammen bilden sie einen trichterförmigen visuellen Effekt, der eine durchgehende 40 cm breite Horizontlinie schafft, die den Besucher durch die Ausstellung führt. Diese Perspektive rahmt den Blick auf die Kuppel der Galleria Vittorio Emanuele II jenseits der Glasfenster des Observatoriums ein und stellt eine Verbindung zwischen den Innenräumen und der historischen Architektur Mailands her. Im Grundriss erinnert die Anordnung der Tische an die sequentielle Struktur eines Kinofilms. Die räumliche Organisation soll einen fließenden und dynamischen Rhythmus erzeugen, der die Besucher durch die Ausstellung führt, als ob sie sich durch die Bilder eines Films bewegen würden. Diese Progression ermöglicht es dem Publikum, die Storyboards nicht nur als statische Bilder, sondern als integrale Elemente der Filmerzählung zu erleben.

Eines der Hauptziele von Storyboards und anderen visuellen Hilfsmitteln für das Filmemachen ist es, den Sinn des Ortes zu definieren, wie z. B. die Zeichnung der sich teilenden Wasser des Roten Meeres in Cecil B. DeMillesDie zehn Gebote (1956) oder die Studien des Art Directors Max Douy von 1975 für die Kulissen von Dune, einer Adaption des Science-Fiction-Romans, die Alejandro Jodorowsky drehen sollte, aber unvollendet blieb. In anderen Fällen deutet eine Folge von Zeichnungen einen Schauplatz an, wie etwa Edgar Clements aufwendige Storyboards für Alejandro González Iñárritus düstere KomödieBardo, falsa crónica de unas cuantas verdades (Bardo, falsche Chronik einiger weniger Wahrheiten, 2022). Storyboards, Fotografien, andere grafische Elemente und Notizen können die Art und Weise andeuten, wie das “Gefühl” des Ortes ausgedrückt und verarbeitet wird, vor allem wenn der Schauplatz eine Schlüsselrolle spielt, wie im Fall von Wim Wenders’ lyrischem und existenziellem FilmDer Himmel über Berlin(1987). Regisseure wie Martin Bell und Agnès Varda oder die Künstlerin Carrie Mae Weems haben Fotografien sowohl als visuelle Referenzen als auch als integrale Bestandteile ihrer jeweiligen Werke verwendet: Ward 81 Voices (2023), Salut les Cubains (1964) und Leave! Leave Now! (2022).

In anderen Fällen sind Storyboards von grundlegender Bedeutung, um die Identität der Filmfiguren zu definieren, wie z. B. bei der unvergesslichen Protagonistin von Pier Paolo Pasolinis Mamma Roma (1962), die von Anna Magnani gespielt wird, oder bei den sechs Metamorphosen von Bob Dylan in I’m Not There (2007) von Todd Haynes, die beiden Frauenfiguren, die in der entscheidenden Szene von Persona (1966) von Ingmar Bergman verschmelzen, und die fünf Lissabonner Schwestern in Sofia Coppolas DebütfilmThe Virgin Suicides (1999).

Die Untersuchung dieser und vieler anderer ähnlicher Beispiele kann helfen, die methodischen Unterschiede zwischen dem europäischen und dem amerikanischen Kino zu verstehen. Während die in Europa hergestellten Storyboards im Allgemeinen einen eher künstlerischen und handwerklichen Ansatz verkörpern, sind die Produktionen und Materialien der Übersee-Industrie das Ergebnis einer eher auf Effizienz und Produktivität ausgerichteten Vision.

Während fast alle Storyboards bis zu einem gewissen Grad dazu dienen, die Handlung eines Films zu erklären oder voranzutreiben, zeigen einige, die oft von Filmnotizen begleitet werden, den Verlauf der Handlung Bild für Bild auf, wie z. B. die Storyboards für Bernardo Bertoluccis Piccolo Buddha (1993); die Storyboards des Regisseurs Tan Chui Mui für Barbarian Invasion(Ye man re ru qin, 2021); J. Russell Spencer für Charlie ChaplinsThe Great Dictator(1940); Pablo Burattis Zeichnungen für Pedro Almodóvars Julieta (2016); und Terry Gilliams Zeichnungen fürFear and Loathing in Las Vegas (1998) undThe Man Who Killed Don Quixote (2018). Dieses Gefühl der Progression wird in den Animatics verstärkt, animierten Storyboards, die Ton und Bewegung integrieren und so auch das Timing einer Szene andeuten. Buratti verwendete diese Technik für die Horror-TV-Serie Thirty Deniers(30 Monedas, 2020-23) unter der Regie von Álex de la Iglesia. Jay Clarke und Edward Bursch arbeiteten mit Wes Anderson zusammen und entwickelten dieses Werkzeug für The Grand Budapest Hotel (2014).

Storyboards und vorbereitende Zeichnungen haben manchmal die Qualität von Kunstwerken, wie im Fall von Satyajit Rays naturalistischen Tuschezeichnungen für den Klassiker The Lament on the Path(Pather Panchali) von 1955. Der Regisseur Jia Zhang-Ke untersuchte die künstlerische Dimension dieser Materialien mit der Dreikanal-Videoinstallation Telling from the Images, in der er die kreative Entwicklung seines eigenen Films Caught by the Tides (2024) in verschiedenen Stadien erforscht: von den Originalbildern über den Schnitt bis hin zur Endfassung. In den letzten Jahrzehnten seines Schaffens, von Histoire(s) du cinéma (1988-98) bis zu seinem letzten Spielfilm Le livre d’image (2018), hat Jean-Luc Godard Ideen, die er auf Storyboards oder in Sammelalben festgehalten hat, dank einer originellen collagistischen und essayistischen Herangehensweise ins Kino übertragen, die eine “Formulierung von Momenten” hervorbrachte und Fragen zur Bildproduktion, Kunst, Religion, Repräsentation und zum Recht aufwarf.

Kommentierte Storyboards, Zeichnungen und Diagramme werden auch in Musik- und Tanzfilmen verwendet, wie z. B. in Stop Making Sense, dem Konzertfilm der Talking Heads unter der Regie von Jonathan Demme aus dem Jahr 1984, oder in dem gemeinschaftlichen und experimentellen Projekt Torse (1976) des Choreografen Merce Cunningham und des Videokünstlers Charles Atlas. Die Ausstellung untersucht die Verbindung von choreografischer Bewegung und filmischem Prozess, indem sie Matthew Barneys Zeichnungsserie Choreographic Suite präsentiert, die eine entscheidende Phase in der Konzeption der Choreografie des Chors in seinem Meisterwerk Cremaster 1 (1996) dokumentiert.

Das zweite Kapitel von A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema wird von November 2025 bis Januar 2026 bei Prada Rong Zhai in Shanghai zu sehen sein. Die Ausstellung in Mailand wird von einer illustrierten Publikation in der Reihe Quaderni begleitet, die von der Fondazione Prada herausgegeben wird und einen Text der Kuratorin Melissa Harris sowie einen visuellen Essay von Sub enthält.

Für weitere Informationen besuchen Sie bitte die offizielle Website der Fondazione Prada.

Die Fondazione Prada präsentiert eine Ausstellung, die den vorbereitenden Zeichnungen und Storyboards für Filme gewidmet ist

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