Transavantgarde: Geschichte, Entwicklungen, Künstler

Die Transavantgarde war eine künstlerische Bewegung, die inden frühen 1980er Jahren inItalien entstand und sich entwickelte und beachtliche Erfolge erzielte. Das Aufkommen dieser künstlerischen Bewegung führte zu einer Rückkehr zur figurativen Malerei eines zitathaften Typs mit neoexpressionistischen Vorfahren. Der künstlerische Ausdruck der Transavantgarde hatte immer die Vergangenheit im Blick, die sie im Sinne einer “Rückkehr zur Ordnung” wieder aufgreifen und neu interpretieren wollte.

Diese künstlerische Ausdrucksweise hatte zweifellos einen beträchtlichen Einfluss auf die italienische Kunst, aber sie fand auch auf internationaler Ebene Anklang und trug zur Wiederentdeckung der Maltechnik und des Figurativismus bei, nachdem in den 1970er Jahren die Idee, das Konzept, die Kunst dominiert hatte. In den Vereinigten Staaten zum Beispiel litt diese Tendenz unter dem Erbe der imposanten Popkultur und nahm daher ihre typischere Figuration wieder auf.

Es war der Kritiker Achille Bonito Oliva, der die Züge dieser neuen Strömung benannte, indem er sie erstmals 1979 in einem Artikel und dann 1982 in seinem Werk Avanguardia Transavanguardia ausführlicher beschrieb. Die Erfahrung der Transavanguardia war nur von kurzer Dauer, und die Gruppierung der Maler, die sich dieser künstlerischen Haltung angeschlossen hatten, war immer inoffiziell, da jeder von ihnen eine sehr eigenständige Poetik und einen eigenen Stil entwickelte. Aufgrund dieser Ausdrucksunterschiede verfolgten die Künstler ihre Karrieren getrennt, ohne dass es jedoch zu einer tatsächlichen Auflösung der Gruppe kam.

Entstehung, Formierung und Verbreitung der Transavantgarde

Mit dem Begriff Transavanguardia, der Anfang der 1980er Jahre in der italienischen Kunstszene aufkam, entstand eine neue Art von Expressionismus, der eine Rückbesinnung auf die figurative Malerei und einen Rückgriff auf die traditionellen künstlerischen Techniken der Zeichnung, Malerei und Bildhauerei bezeichnete. Technisch gesehen war die Malerei bewusst grob, stark und subversiv. Aufgrund dieses letzten Aspekts gab es andere Bezeichnungen wie schlechte Malerei und dumme Kunst, aber auch eine neue Bildmalerei, die eine Rückkehr zu Bildern und Ikonen hervorhob. In diesem künstlerischen Niedergang am Ende des 20. Jahrhunderts wurde es möglich, eine naive Ausdrucksstruktur (in der Tat stumm) mit einer postkonzeptionellen Dialektik zu verbinden. Die regressive Ladung, die der Wiederbelebung der Figurenmalerei innewohnte, erlaubte jedoch eine malerische Beugung hin zu einem direkten, expressiv unmittelbaren Stil.

Der Figur des Achille Bonito Oliva (Caggiano, 1939) verdanken wir die Erfindung des Begriffs und die Theoretisierung der Bewegung, also auch die Gründung der Gruppe, deren kritischer Leiter er war. Der Neologismus sollte auf den hybriden, transkulturellen und transhistorischen Charakter einer Sprache hinweisen, die darauf abzielte, Momente und Charaktere aus sogar sehr unterschiedlichen künstlerischen Traditionen zu vermischen. Es war vor allem ein zitierfreudiger Stil, der sich durch Nomadentum auszeichnete. Wie aus dem Begriff hervorgeht, wollte die Transavantgarde die Avantgarden überschreiten und über sie hinausgehen, um die Möglichkeit des Experimentierens zu eröffnen, wobei sie einen retrospektiven Blick aufrechterhielt, während sie neue stilistische Kombinationen und Lösungen erfand, um das bis dahin angesammelte künstlerische Erbe zu erkunden. Der Künstler der Transavantgarde konnte sich auf die verschiedenen Texte der Vergangenheit stützen und sie kombinieren, wobei er sogar auf populäre Materialien wie Comics oder Werbung zurückgriff. Dieser Prozess wurde in völliger Freiheit durchgeführt und ermöglichte es gleichzeitig, die unbewusste Komponente des schöpferischen Akts zum Ausdruck zu bringen, indem er auf den ästhetisierenden und spielerischen Aspekt des Malens zurückgriff. Aus diesem Grund kann man sagen, dass die Transavantgarde sowohl auf den Surrealismus als auch auf denExpressionismus zurückgreift.

Auf diesen Spuren und unter dem neuen Label Transavanguardia bewegten sich die fünf italienischen Künstler, die der Kritiker Bonito Oliva 1979 in seinem Artikel in “Flash Art” (Nr. 92-93) nannte: Enzo C. 92-93) genannten fünf italienischen Künstler: Enzo Cucchi (Morro d’Alba, 1949), Mimmo Paladino (Paduli, 1948), Sandro Chia (Alessandro Coticchia; Florenz, 1946), Francesco Clemente (Neapel, 1952), Nicola de Maria (Foglianise, 1954), die die Ablehnung einer ideologisierten und politischen Kunst und die Ablehnung eines linearen Fortschrittskonzepts teilten, wie es für die historische Avantgarde und den postmodernen Menschen typisch war.

Aus der Untersuchung der Poetik dieser Autoren ergibt sich ein besonderes Interesse an der Figur und dem Werk des metaphysischen Künstlers Giorgio de Chirico, der als erster eine aus der Kunstgeschichte stammende Ausdruckssprache verwendete. Um die Produktion der Künstler der Transavantgarde zu erklären, verwendet Achille Bonito Oliva die Metapher des “Sehenden Blinden”: Demnach zertrümmert der Künstler die Linsen, die seine Vision einheitlich machen. Er sieht sich also mit einem fragmentarischen, kaleidoskopischen Blick um. Auf diese Weise ist er in der Lage, entfernte Elemente zu erfassen und versucht, sie zu einem Prinzip des Gleichgewichts und der Harmonie zurückzubringen. Der Künstler der Transavantgarde hatte also eine misstrauische Haltung gegenüber der Geschichte, er schlug keine chronologisch identifizierbaren Modelle vor, sondern überschritt kulturelle und geografische Grenzen, um seine eigene, völlig willkürliche Bildsprache zu schaffen, in die er autobiografische Erfahrungen und Erinnerungen einfügen konnte.

Indem die Transavantgarde die dem Kunstwerk innewohnende Konzeptualität transzendierte, nahm sie die Anregungen der Arte Povera und der Konzeptkunst auf. Der Kritiker Achille Bonito Oliva bemühte sich von Anfang an, die Unterschiede zwischen der Bewegung, deren Theoretiker er war, und den vorherrschenden künstlerischen Strömungen der italienischen Szene hervorzuheben. Trotz der bewussten Distanzierung lassen sich einige Gemeinsamkeiten erkennen, insbesondere mit der Arte Povera. Tatsächlich haben die fünf vom Kritiker genannten italienischen Künstler alle direkte Erfahrungen mit diesen Arbeitsweisen gemacht oder zumindest in engem Kontakt mit den führenden Vertretern dieser Strömungen gearbeitet. In prägender Hinsicht handelte es sich um einen entscheidenden kulturellen Austausch, und es war nur natürlich, dass sie im weiteren Verlauf ihrer Laufbahn von diesen Einflüssen geprägt wurden. Darüber hinaus war die Werbemaßnahme des Kritikers Germano Celant mit der von Oliva für die Transavantgarde vergleichbar: beide sind als Initiativen zu sehen, die darauf abzielen, sich als Neuheit, als avantgardistische Lösung mit eigenem Charakter, durchzusetzen.

Weitere Gemeinsamkeiten sind die Kritik am darwinistischen Positivismus und am Fortschrittsgedanken, die Offenheit, die dem Konzept der Ungewissheit und der Komplexität zugeschrieben wird , die Bedeutung, die der Tradition und dem Handwerk beigemessen wird, sowie der Anti-Intellektualismus. Die allgemeine Ablehnung der früheren künstlerischen Produktion koexistierte also mit der Wiederbelebung traditioneller Techniken. In nur wenigen Jahren gelang es den fünf Vertretern, beachtliche Marktanteile zu erreichen und zu Pionieren zu werden, die von Künstlern aus allen Teilen der Welt nachgeahmt wurden. Es ist jedoch etwas schwierig, die gemeinsamen Merkmale der Künstler der Transavanguardia-Bewegung zu identifizieren. So zeichnete sich Nicola de Maria als ein vorwiegend abstrakter Maler aus, während Sandro Chia und Francesco Clemente eine vorwiegend figurative Linie anstrebten. Eine große Innovation der Transavanguardia lag in der Gleichgültigkeit, mit der sich die Künstler ausdrückten: Das Medium war nicht wichtig, was wirklich zählte, war die Freiheit, von einer Technik zur anderen zu wechseln.

1982 pflegte die italienische Transavanguardia eine Korrespondenz mit der deutschen Kunstszene und nahm zusammen mit den Neuen Wilden (für italienische Kritiker: Nuovi Selvaggi) an der Documenta Kassel 7 teil. Bei letzteren handelte es sich um eine Gruppe junger Künstler aus verschiedenen deutschen Städten, die das körperliche Vergnügen am Akt des Malens im expressionistischen Stil à la Die Brücke einte - ein Stil, mit dem sie ihre Wahrnehmung der Realität zum Ausdruck brachten.

Für einen internationalen Blick lassen sich weitere Komponenten ausmachen, die mit der Transavantgarde in Verbindung gebracht werden können. Die bereits erwähnte deutsche neo-expressionistische Strömung mit den Künstlern Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Georg Baselitz, Markus Lüpertz und A. R. Penck. Es handelt sich um eine schnelle und beunruhigende Malerei, die sich von der französischen Situation mit Gérard Garouste unterscheidet, die eher auf die italienische Transavanguardia oder den amerikanischen Pop-’Graffitismo’ verweist. Im Gegensatz zur Arte Povera, die Italien lange Zeit in der internationalen Kunstszene vertrat, hörte die Transavanguardia bald auf, sich als Gruppe zu bewegen.

Der beträchtliche Mangel an sprachlicher und poetischer Homogenität führte unweigerlich dazu, dass die Künstler autonome Wege einschlugen, was unweigerlich zu einer Verknappung des künstlerischen Phänomens und zur Inkonsistenz der Vereinigung führte.

Exponenten und Stile der Transavantgarde

Im Zuge der Auflösung der Transavanguardia-Gruppe führten die Wechselfälle einiger Mitglieder zu einer autonomen Arbeit. Vor allem Enzo Cucchi schien ein zunehmender unabhängiger Erfolg begünstigt zu werden. Der Künstler lässt sich von der deutschen figurativen Tradition inspirieren, wie das Bild Paesaggio barbaro (Barbarenlandschaft ) (1983) zeigt, ein Gemälde mit dichter Farbe, das mit dunstigen, säuerlichen Farben spielt.

In Cucchis Malerei sind die Gesichter und Figuren deformiert und stehen in engem Zusammenhang mit bestimmten bildnerischen Lösungen des deutschen Expressionismus: In Inebriated Music (1982) strecken sich die Figuren in einer energischen Bewegung aus und schaffen eine dunkle und intensive Komposition. Enzo Cucchi erfand sein eigenes Figurenrepertoire und setzte sich über die Regeln des Anstands hinweg. Er komponiert seine Bilder mit zahlreichen Techniken, von der Malerei bis zur Zeichnung, von der Skulptur bis zum Künstlerbuch. Cucchis Bilder schockieren und laden den Betrachter ein, in die Vision des Künstlers von der Realität einzutauchen.

Mimmo Paladino hingegen bewegt sich zwischen dem Figürlichen und dem Abstrakten und nimmt immer wieder Bezug auf die Sprache und den semantischen Bereich des Mythos. Er durchwandert die Tradition und die entferntesten Kulturen, ohne sich jemals wirklich dem Exotismus hinzugeben: seine Kunst ist eine Verunreinigung zwischen Symbolen und organischen Formen, zwischen natürlichen Formen und anthropomorpher Figuration. Der Künstler ist der archaischen Bedeutung des Zeichens nachgegangen und hat sie ganz natürlich in seine postmoderne Vision eingefügt. In Giardino chiuso (Geschlossener Garten), 1982, hat er das Motiv deshortus conclusus aus der mittelalterlichen ikonographischen Tradition übernommen, wo es sowohl in heidnischen als auch in religiösen Kontexten auftaucht. In diesem Werk bleibt der symbolische Wert eines geschützten Ortes erhalten, der durch die archaische Sprache, die Paladino verwendet, vermittelt wird.

Im darauffolgenden Jahr schuf Paladino La virtù del fornaio in carrozza (Die Tugend des Bäckers in der Kutsche), ein Ölgemälde auf Leinwand, in dem die Dargestellten von einer magischen, mondähnlichen Atmosphäre umgeben sind. Die Figuren sind durch einige wenige wesentliche Striche definiert, wie es in den primitiven Kulturen und im frühen deutschen Expressionismus der Fall war. Diese mischen sich mit einer fantastischen und zugleich monströsen Bildsprache.

In der Wiederbelebung und Kombination von Bezügen zu verschiedenen Kulturen und Momenten der Kunstgeschichte sticht das Werk von Sandro Chia hervor. Der Künstler zeichnet sich durch eine transgressive, gewalttätige Bildvision aus. Sein Universum besteht aus anti-heroischen Sujets und einem Michelangelo-ähnlichen Sinn für Monumentalität, der oft im Kontrast zur Bedeutung der Komposition steht. 1982 schuf er das Werk Zattera temeraria, in dem er das berühmte historische Gemälde des französischen Malers Théodore Géricault, Das Floß der Medusa(1818-19), neu interpretierte. Chia bot eine ironische Neuinterpretation der klassischen Aktfiguren. Die kräftigen Torsi stehen in starkem Kontrast zu den lockeren Pinselstrichen, die mit einer flüssigen Linie geführt werden, die die Szene herunterspielt. In Sinfonia incompiuta (1980) steht eine Figur in der Mitte der Szene, die dem Betrachter den Rücken zuwendet, während sie eine Partitur ausstößt, als wäre es ein physiologischer Instinkt.

Francesco Clemente (Neapel, 1952) hat sich intensiv mit seiner eigenen Subjektivität auseinandergesetzt und seine eigene Innerlichkeit unter verschiedenen Aspekten in seinen Werken wiedergegeben. In seiner Produktion werden die für die Transavantgarde typischen Konzepte des fragmentarischen Blicks und des Nomadentums sowohl als Gegenstand der Darstellung als auch als Untersuchung der Möglichkeiten künstlerischer Techniken verstanden. In dem 1982 entstandenen Werk The Circle of Milarepa, das zu einer Serie von zwölf Gemälden gehört, stellt Francesco Clemente ein Thema dar, für das er sich von einer orientalischen Tradition inspirieren lässt. Die Gesichter tragen seine persönlichen Vorschläge für die Figur eines buddhistischen Mönchs. Die Oberfläche des Werks ist vollmundig und besteht aus mehreren Farbschichten. In den vielen Schichten der Bildmaterie kann man eine Interpretation der Prüfungen erahnen, die der Mönch während seines irdischen Lebens als Einsiedler zu bestehen hatte.

Nicola De Maria war der Künstler, der sich am meisten der Architektur und der Erforschung des Raums zuwandte. Er schuf große Wandgemälde, Umgebungen, in denen der Betrachter gezwungen ist, sich zu bewegen und die frontale Konfrontation mit dem Werk zu verlieren. Die Poesie und das Schreiben standen bei ihm im Vordergrund. 1986 schuf er Five or Six Broken Spears in Favour of Courage and Virtue (Fünf oder sechs zerbrochene Speere zu Gunsten von Mut und Tugend), ein Werk, mit dem der Künstler einen Raum des Museums für zeitgenössische Kunst im Schloss Rivoli in Turin, einem Gebäude mit starker historischer Konnotation, vollständig bedeckt. Über dieses Detail hinaus hat De Maria die Wände in verschiedenen Farben gestrichen, um den Raum auf einzigartige und einnehmende Weise zu charakterisieren.

Transavantgarde: Geschichte, Entwicklungen, Künstler

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