Sandro Botticelli, Leben und Werk des berühmten Renaissance-Künstlers

Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi; Florenz, 1445 - 1510) ist einer der symbolträchtigsten Künstler der Renaissance und insbesondere der florentinischen Renaissance, nicht nur wegen der sprichwörtlichen Schönheit seiner Göttinnen und Madonnen, sondern auch aus vielen anderen Gründen: er war ein Mann von großer Kultur (lesen Siehier mehr überseine Illustrationen zur Göttlichen Komödie), er war einer der raffiniertesten Maler seiner Zeit (obwohl er auch zu weitaus muskulöseren Gemälden fähig war, als die, mit denen sein Name im Allgemeinen in Verbindung gebracht wird), er war der Künstler, der vielleicht mehr als jeder andere den Idealen der neuplatonischen Philosophen Gestalt verlieh(lesen Sie hier mehr über die Entwicklung des Neuplatonismus im mediceischen Florenz), er war der Medici-Maler schlechthin, er konnte sein großes Talent unter Beweis stellen, indem er sich an einer Vielzahl von Themen versuchte (vom mythologischen Gemälde bis zur sakralen Szene, vom großen Altarbild bis zur kleinen Tafel für die private Andacht, vom Porträt bis zum Tondo), und er war auch ein Künstler, der sich zwischen zwei Epochen befand: Die letzten Jahre, die Jahre der religiösen Krise, waren in der Tat die Jahre des Sturzes der Medici und des Aufstiegs und anschließenden Sturzes von Savonarola. Botticelli ist auch deshalb ein Künstlersymbol der Renaissance, weil mit ihm ein bestimmtes Ideal der Renaissancekunst seinen Höhepunkt erreicht und gleichzeitig seine Parabel beendet.

Botticellis Karriere spielte sich fast ausschließlich im Florenz von Lorenzo dem Prächtigen ab: Der Künstler begann nämlich ab 1469 zu arbeiten, dem Jahr, das mit dem Beginn der Herrschaft des Magnifico zusammenfällt, der nicht nur auf politischer, sondern auch auf kultureller Ebene von großer Bedeutung war(lesen Sie hier eine eingehende Untersuchung von zehn von ihm in Auftrag gegebenen Meisterwerken), da der Magnifico ein großer Mäzen von Künstlern und Literaten war, die sich an seinem Hof versammelten und einen glühenden Kreis von Intellektuellen belebten (von Marsilio Ficino bis Cristoforo Landino, von Pico della Mirandola bis Luigi Pulci, von Poliziano bis Demetrio Calcondila, über Künstler wie Pollaiolo, Verrocchio, Ghirlandaio, Botticelli selbst, Filippino Lippi und den sehr jungen Michelangelo Buonarroti). Botticelli erlebte also den glanzvollsten Moment der florentinischen Renaissance: Das Ende der Herrschaft der Medici hätte für ihn eine tiefe Krise bedeutet, die ihn in den letzten Jahren seines Lebens dazu gebracht hätte, sich völlig neu zu orientieren und sogar seine Karriere als Künstler aufzugeben.

Sein Staffelstab wurde nur von einem einzigen bedeutenden Maler geerbt, Filippino Lippi, einem unruhigen Maler, in dem jedoch noch die Lektion Botticellis zu lesen war: Mit dem Weggang des Meisters war jedoch bereits eine Saison zu Ende, und seine Werke wurden bald vergessen. Zu der Zeit, als Botticellis Stern verblasste, leuchteten bereits Künstler wie Michelangelo, Raffael und Leonardo da Vinci hell auf, die bereits auf dem Höhepunkt ihrer Karriere standen und in der Lage waren, Trends, Geschmäcker und Ideen in ganz andere Richtungen zu lenken, als Botticelli es getan hatte. Dennoch bleibt er einer der wichtigsten Maler des 15. Jahrhunderts.

Das Leben des Sandro Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, später Botticelli genannt, vielleicht in Anlehnung an den Spitznamen seines Bruders Giovanni (der wegen seiner Beleibtheit Botticello" genannt wurde), wurde 1455 in Florenz in der Via Nuova als Sohn des Ledergerbers Mariano di Vanni Filipepi und seiner Frau Smeralda geboren. Wahrscheinlich wurde er von seinem Bruder Antonio, einem gelernten Goldschmied, in die Kunst eingeweiht. Im Jahr 1459 wurde er Schüler von Filippo Lippi, mit dem er an den Fresken im Dom von Prato zusammenarbeitete. Nachdem Filippo Lippi 1466 nach Spoleto gegangen war, wechselte Sandro in die Werkstatt von Verrocchio und schuf um 1467 die Madonna della Loggia, eines seiner ersten bekannten Werke. Im Jahr 1470 eröffnete er seine eigene Werkstatt und im selben Jahr erhielt er seinen ersten öffentlichen Auftrag, die Figur der Fortezza für das Tribunale della Mercanzia: dies ist auch sein erstes dokumentiertes Werk. Zwei Jahre später wird der 15-jährige Sohn von Filippo Lippi, Filippino, Sandros Mitarbeiter. Im selben Jahr tritt der Künstler in die Compagnia degli Artisti di San Luca ein. Im Jahr 1474 schuf er ein weiteres öffentliches Werk, eineAnbetung der Könige für den Palazzo Vecchio, die verloren gegangen ist. Im selben Jahr hielt er sich in Pisa auf, wo er die Leitung der Fresken des Camposanto von Benozzo Gozzoli übernahm, den Posten aber nach kurzer Zeit wieder verließ. Im darauffolgenden Jahr wurde er mit den Entwürfen für die hölzernen Intarsien des Studiolo von Federico da Montefeltro im Herzogspalast von Urbino beauftragt, und etwa im selben Jahr führte er dieAnbetung der Könige aus, die in den Uffizien aufbewahrt wird.

Im Jahr 1477 gab Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici sein großes Meisterwerk, die Primavera, in Auftrag. Es ist nicht bekannt, wann Sandro das Werk vollendete, vielleicht um 1482. Im Jahr 1480 wurde er von der Familie Vespucci (dieselbe Familie wie die berühmte Simonetta Vespucci, die oft als Muse Botticellis bezeichnet wird: diese Geschichte stammt jedoch aus dem 19. Jahrhundert und ist nicht bewiesen, mehr dazu hier) beauftragt, den Heiligen Augustinus für die Kirche von Ognissanti zu schaffen. Im Jahr 1481 erhielt er von Papst Sixtus IV. den Auftrag, einige Fresken in der Sixtinischen Kapelle zu malen, zusammen mit anderen großen Künstlern der Zeit: Domenico Ghirlandaio, Cosimo Rosselli, Luca Signorelli und Bartolomeo della Gatta. Um 1482 malte er die Madonna des Magnifikats , die in den Uffizien aufbewahrt wird. Um 1484 malte er die Geburt der Venus.

Das Klima in Florenz änderte sich 1489, dem Jahr, in dem Girolamo Savonarola mit seinen Predigten begann: Sandro war sehr beeindruckt. Im Jahr 1492 starb Lorenzo der Prächtige: Dies war der Beginn von Sandros künstlerischem Niedergang und er trat in eine Phase des Mystizismus ein, die auch auf die Predigten Savonarolas zurückzuführen war. In diesem Klima malte er um 1495 die Verleumdung des Apelles, woraufhin er 1501 sein letztes Werk ausführte: die Mystische Geburt, die auch sein einziges datiertes und signiertes Werk ist. Im Jahr 1504 gehörte er der Kommission an, die über die Aufstellung von Michelangelos David beraten sollte, während er 1505 in die Compagnia di San Luca aufgenommen wurde. Sandro Botticelli stirbt am 17. Mai 1510 in Florenz. Er ist in der Kirche von Ognissanti begraben.

Der Stil und die Hauptwerke von Sandro Botticelli

Sandro Botticellis Karriere begann unter dem Einfluss seiner Meister, vor allem Filippo Lippi und Verrocchio, wie die Madonna della Loggia, eines seiner frühesten bekannten Werke, zeigt. Aus dem Unterricht von Filippo Lippi stammen die Anmut, die Lyrik und die Vorliebe für ausgeprägte Umrisse: dies sind Elemente, die Botticelli überarbeitete, neu interpretierte und zu wahren “Markenzeichen” seiner Malerei machte. In der Madonna der Loggia sind auch Anklänge an den Unterricht von Verrocchio zu erkennen, insbesondere die realistische Wiedergabe bestimmter Details, wie die Verzierungen der Gewänder und der Architektur: Verrocchios Kunst war eine der naturalistischsten in Florenz zu jener Zeit und basierte auf einer lebendigen, realistischen Darstellung (ein Begriff, der natürlich mit der Epoche abgewogen werden muss), die auf Details achtete.

Noch bevor er sich der mythologischen Malerei widmete, für die er allgemein bekannt ist, zeichnete sich Botticelli in der Tat durch seine religiöse Kunst aus. DieAnbetung der Könige, die in den Uffizien aufbewahrt wird, ein Meisterwerk aus der Zeit um 1475, das von dem Bankier Gaspare Zanobi del Lama in Auftrag gegeben wurde und in dem auch ein wahrscheinliches Selbstporträt von Sandro Botticelli (der blonde junge Mann rechts im goldenen Kleid) zu erkennen ist, ist das Gemälde, mit dem der Maler definitiv die Gunst der Medici gewann (der Auftraggeber gehörte zumGefolge der Medici). Es ist in der Tat ein Werk, das die Rolle, das Prestige und die Macht der Herrschaft und der Familie, die sie regierte, hervorhebt (in der Prozession der Heiligen Drei Könige zeigt Botticelli nämlich auch Porträts einiger Mitglieder der Familie Medici). Berühmt sind auch die Madonnen von Sandro Botticelli, und in diesem Sinne ist eines der besten und berühmtesten Beispiele die Madonna des Magnificat, die sich ebenfalls in den Uffizien befindet (sie hat ihren Namen von dem Hymnus, dem Magnificat, den die Madonna auf das Buch schreibt, das ihr die beiden Engel überreichen). Man beachte das Detail des Jesuskindes, das seinen Arm über den seiner Mutter legt, um sie beim Schreiben zu führen und sie noch stärker in diese Vereinigung mit der Gottheit einzubeziehen. Es handelt sich um einen Tondo von großer Eleganz, Schönheit und Raffinesse, der schon damals ein großer Erfolg war: Die anmutigen Gesichter der Figuren, der kontemplative Ausdruck des Jesuskindes, der Ausdruck der Madonna, die in das Schreiben des Incipits des Magnificat vertieft ist, der Reichtum und die Feinheit der Verzierung der Gewänder, der Krone, der Goldverzierungen, der Kalligraphie, mit der der Hymnus geschrieben ist, der Landschaft hinter den Figuren, die geschickte Verwendung von Umrissen, die kostbaren Farben zeugen ebenso wie die Beharrlichkeit des Unterrichts von Lippesca von der Eleganz und der Akribie des Künstlers bei der Ausarbeitung jedes einzelnen Details. Es ist außerdem eines der ersten Werke, in denen der Künstler Anzeichen der mystischen Krise zeigt, die ihn später, nach dem Sturz der Medici, überwältigen sollte.

Botticellis Name wird jedoch hauptsächlich mit der Geburt der Venus und der Primavera in Verbindung gebracht. Die Primavera, die ältere der beiden (sie wurde 1477 von Lorenzo di Pierfrancesco de Medici, dem Cousin des Magnifico, bei Botticelli in Auftrag gegeben), zeigt mehrere Figuren, die nach der traditionellen (wenn auch nicht humanistisch akzeptierten) Identifizierung: Lesen Sie hier eine ausführliche Studie über einen neueren alternativen Vorschlag) sind, von links Merkur, die drei Grazien, Venus und Amor, der Wind Zephyrus, die Nymphe Cloris und schließlich Flora, d. h. Cloris, die sich nach ihrer Vereinigung mit Zephyrus verwandelt hat (Flora ist die Personifizierung des Frühlings selbst), alle in einem üppigen Garten, in dem botanische Experten etwa zweihundert verschiedenePflanzenarten identifiziert haben(lesen Sie hier eine ausführliche Studie über die Pflanzenarten im Frühling). Das Gemälde stellt das Reich der Venus dar, das auf der Grundlage eines ikonografischen Programms beschrieben wird, das vielleicht von Poliziano auf der Grundlage von Texten klassischer Autoren, vor allem Horaz und Ovid, ausgearbeitet wurde. Sandro Botticelli gehörte nämlich zu einem Kreis von Intellektuellen, die am Hof des Magnifico tätig waren, die in verschiedenen Bereichen, von der Kunst über die Literatur bis hin zur Philosophie, tätig waren und die durch neuplatonische Ideale verbunden waren. In einem Brief an den Kommissar der Primavera empfahl der Philosoph Marsilio Ficino, sich von der Venus inspirieren zu lassen, der Verkörperung des Ideals der Humanitas, auf dem der gesamte Humanismus beruht. Diese von Ernst Gombrich formulierte Interpretation würde dem Gemälde einen pädagogischen Zweck zuschreiben, da Lorenzo di Pierfrancesco zum Zeitpunkt der Auftragsvergabe vierzehn Jahre alt war, und dies würde auch die anderen Figuren erklären, denn Venus-Humanitas erhebt den Menschen von den Sinnen, symbolisiert durch das Trio auf der rechten Seite, um ihn durch die Vernunft, d. h. die drei Grazien, zur Kontemplation zu führen, symbolisiert durch Merkur. Charles Dempsey zufolge steht der Frühling hingegen für nichts anderes als für die Jahreszeit selbst: Zephyrus, Chloris und Flora symbolisieren den Monat März, Venus, Amor und die Grazien den Monat April und Merkur den Monat Mai. Andere Gelehrte vermuten, dass der Frühling ein Symbol für die pax medicea ist: Florenz erlebte zu dieser Zeit eine Zeit des Friedens, und die Medici träumten davon, diesen so lange wie möglich zu verteidigen. Nach Erwin Panofsky schließlich könnte das Gemälde eine Allegorie der spirituellen Liebe sein, während die Geburt der Venus nach Ansicht desselben Gelehrten ein Symbol für dieirdische Liebe ist.

Die Geburt der Venus stammt möglicherweise aus dem Jahr 1484 und wurde ebenfalls für Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici angefertigt: Obwohl das Werk allgemein als “Geburt” der Venus bekannt ist, handelt es sich nicht um die Geburt der Göttin im engeren Sinne, sondern um die Ankunft auf der der Göttin heiligen Insel Zypern nach ihrer Geburt. Auch hier ist das Thema von Ovids Metamorphosen und einer modernen Interpretation inspiriert, die wahrscheinlich von Poliziano angeregt wurde. Wie der Frühling ist auch die Geburt der Venus ein Gemälde ungewissen Datums, dessen Bedeutung sich uns entzieht: Es ist daher Gegenstand verschiedener Interpretationen. Panofsky zufolge stellt das Gemälde die irdische Liebe dar: Die nackte Venus befindet sich in der Mitte der Komposition in der Pose der Venus pudica (also ein klassischer Bezug) und steht auf der Muschel, während links Zephyrus und Chloris unter einem vom Frühlingswind getragenen Rosenregen ankommen, während die Figur auf der rechten Seite, die der Göttin den schönen Mantel mit Blumen überreicht, eine der Stunden ist, die in der griechischen Mythologie die Jahreszeiten verkörpern, und das wäre insbesondere der Frühling. Wie im Falle des Frühlings könnte die Venus auf das Ideal der Humanitas anspielen und damit die Philosophie von Marsilio Ficino widerspiegeln: Insbesondere die Nacktheit der Göttin würde auf die Reinheit der Seele verweisen. Einige spekulieren, dass Sandro Botticelli stattdessen die Venus Anadiomene (“aus dem Meer geboren”, ein Attribut der Göttin), ein Werk des griechischen Malers Apelles aus der klassischen Antike, reproduzieren wollte. Eine christliche Interpretation sieht das Gemälde als die Geburt der Seele aus dem Wasser der Taufe. Eine andere Interpretation sieht in der Geburt der Venus eine Darstellung der Liebe, wobei Leidenschaft, Sinnlichkeit und Erotik durch das Paar auf der linken Seite und Keuschheit durch die Ora symbolisiert werden, die die Nacktheit der Göttin schützen will, die ihrerseits sowohl Sinnlichkeit als auch Keuschheit verkörpert, da sie nackt ist, aber gleichzeitig ihre Scham bedeckt. Die Geburt der Venus ist außerdem eines der wenigen Gemälde von Sandro Botticelli, die auf Leinwand statt auf Tafelbild gemalt wurden, dem im 15. Jahrhundert am häufigsten verwendeten Medium.

Das Klima der Spannung, das nach dem Sturz der Medici in Florenz herrschte, spiegelt sich in einem allegorischen Werk wider, das in den Uffizien aufbewahrt wird, der Verleumdung des Apelles, obwohl nicht bekannt ist, auf wen genau es sich bezieht, d.h. es ist nicht bekannt, wer der Verleumder ist: einige denken, es könnte Botticelli selbst sein, andere denken, es könnte einer seiner Freunde sein, aber auf jeden Fall könnte es ein Gemälde sein, das im politischen Kontext von Savonarolas Florenz entstanden ist. Apelles, ein Maler, der der Überlieferung zufolge die Verleumdung in Begriffen darstellte, die später von Botticelli aufgegriffen wurden, wurde angeblich verleumdet und reagierte auf seine Verleumder, indem er ein allegorisches Gemälde schuf. Bei der Erstellung des Gemäldes stützte sich Botticelli auf schriftliche Quellen und Rekonstruktionen, insbesondere auf eine Beschreibung von Leon Battista Alberti in seinem Werk De Pictura, die wiederum von dem griechischen Autor Luciano stammt. Botticelli hält sich getreu an die Geschichte: Von rechts beginnend wird der König, der gewöhnlich als König Midas identifiziert wird, auf dem Thron mit Eselsohren dargestellt, ein Attribut, das seine Unwissenheit unterstreicht. Die beiden Frauenfiguren, die dem König ins Ohr flüstern, sind die Unwissenheit und der Argwohn, während der Verleumder der junge Mann ist, der von der Frauenfigur, die eine Fackel in der linken Hand hält, an den Haaren gezogen wird: Letztere ist die Verleumdung, und die Fackel könnte entweder ein Symbol für ihre Wut oder für die falsche Liebe zur Wahrheit sein. Die Figuren, die Calumny die Haare frisieren, sind Fraud und Insidiousness, was bedeutet, dass Calumny äußerlich den Anschein erweckt, die Wahrheit zu sagen, weil er gut aussieht. Der hässliche Mann in Lumpen, der ihre Hand hält und den König bittet, gehört zu werden, ist Livor, der Calumny also anführt. Die Reue (von anderen auch als Buße bezeichnet) wird als alte Frau dargestellt, die sich unter langen, abgenutzten schwarz-weißen Gewändern verbirgt und zur Wahrheit aufblickt, die nackt ist und zum Himmel schaut, als wolle sie sagen, dass die Gerechtigkeit von dort kommen wird. Es handelt sich um ein symbolträchtiges Werk voller klassischer Zitate (Statuen und Reliefs, die vielleicht sogar ironisch auf Szenen der Gerechtigkeit anspielen), das sich durch eine akzentuierte Dynamik und eine gewisse Spannung auszeichnet: Es ist ein Gemälde, das sozusagen eine klare Trennung zwischen dem “Medici”-Botticelli und dem Botticelli seiner späten Reifezeit markiert.

Das symbolische Werk des späteren Botticelli ist die Mystische Geburt, datiert 1501 (es ist das einzige datierte und signierte Werk Botticellis), das in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Das Datum und die Unterschrift finden sich in der griechischen Inschrift, die das Gemälde begleitet und auf die Ereignisse jener Jahre anspielt, einschließlich eines ausdrücklichen Hinweises auf dieApokalypse des Heiligen Johannes. Das Gemälde ist vielleicht eine Allegorie des Friedens, auf den auch die von den fliegenden Engeln gehaltenen Olivenzweige anspielen, die durch die Ankunft Christi auf der Erde entstanden sind. Es ist ein grundlegendes Werk, denn es ist das malerische Manifest dieser Phase von Botticellis Karriere: ein Gemälde, das alle seine Ängste in sich trägt, die auf den Einfluss der Predigten Savonarolas zurückzuführen sind, ein Gemälde, das auch einen gewissen Archaismus aufweist (die Madonna zum Beispiel ist größer als die anderen Figuren, auf unrealistische Weise: eine typische Art der hierarchischen Darstellung in der mittelalterlichen Malerei). Es ist ein Gemälde, das von Mystik und Unruhe durchdrungen ist, das Werk eines Malers, dessen Karriere gerade im Niedergang begriffen war, als andere große Künstler wie Leonardo und Michelangelo begannen, sich zu etablieren.

Wo man die Werke von Sandro Botticelli sehen kann

Um die Kunst Sandro Botticellis kennenzulernen, muss man unbedingt nach Florenz reisen, wo seine größten Meisterwerke zu finden sind. Die bekanntesten befinden sich in den Uffizien, wo die Geburt der Venus, die Primavera, die Madonna des Magnificat, die Madonna der Loggia, dieAnbetung der Könige, Pallas und der Kentaur, die Festung, die Rückkehr der Judith nach Bethulia und einige andere zu sehen sind. Werke wie die jugendliche Madonna mit Kind und zwei Engeln und Johannes dem Täufer und die Madonna des Meeres können in der Accademia-Galerie bewundert werden, während imPitti-Palast das Bildnis eines jungen Mannes und das Bildnis einer jungen Frau aufbewahrt werden, und ebenfalls in Florenz kann man den Heiligen Augustinus in seinem Arbeitszimmer in der Kirche von Ognissanti sehen. Weitere italienische Museen, in denen Werke von Botticelli aufbewahrt werden, sind die Museen des Palazzo Farnese in Vicenza (der Tondo mit der Madonna mit Kind und dem Heiligen Johannes dem Täufer), die Akademie von Carrara in Bergamo (das Porträt von Giuliano de’ Medici), das Museum Poldi Pezzoli in Mailand (die Madonna mit dem Buch und die Klage über den toten Christus, letztere gehört zu den grundlegenden Werken des späten Botticelli) und die Pinacoteca Ambrosiana in Mailand (die Madonna des Pavillons).

Nicht jeder weiß, dass Sandro Botticelli auch die Sixtinische Kapelle mit Fresken bemalt hat: Dort, wo man normalerweise Michelangelo sieht, kann man an den Seitenwänden auch drei Szenen von Botticelli bewundern, nämlich die Prüfungen des Moses, die Bestrafung der Rebellen und die Prüfungen Christi. Zu den Museen im Ausland, die Werke von Botticelli besitzen, gehören die National Gallery of Art in Washington, die Gemäldegalerie in Berlin, die National Gallery in London (wo sich zwei Meisterwerke befinden, Venus und Mars und die Mystische Geburt), der Prado in Madrid (wo sich drei der vier Episoden der Geschichte von Nastagio degli Onesti befinden), der Louvre, das Philadelphia Museum of Art, das Isabella Stewart Gardner Museum, das Rijksmuseum in Amsterdam, die Eremitage in St. Petersburg und das Fogg Art Museum (die Symbolische Kreuzigung).

Sandro Botticelli, Leben und Werk des berühmten Renaissance-Künstlers