René Magritte, Leben und Werk des großen stillen Saboteurs

René Magritte (Lessines, 1898 - Brüssel 1967), der den Spitznamen “le saboteur tranquille” (der ruhige Saboteur) erhielt, weil es ihm gelang, Zweifel an der Realität zu wecken, gilt als einer der bedeutendsten Vertreter des Surrealismus, so dass er als einer der Väter der surrealistischen Bewegung angesehen wird. Der Surrealismus, dessen Avantgarde er angehörte, ist eine künstlerische Bewegung, die in den 1920er Jahren in Frankreich entstand und sich von Anfang an alsrevolutionäre Avantgarde verstand, die über die Realität hinausging und eine neue Traumdimension betonte, die aus Träumen, Paranoia, freien Assoziationen und Wahnsinn bestand, um das Unbewusste von den mentalen Zwängen zu befreien. Zu den einflussreichsten Künstlern der Bewegung gehören neben Magritte Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray und Yves Tanguy.

Trotz der Darstellung scheinbar realistischer Sujets liegt Magrittes Größe in der Verwandlung des Alltäglichen in Illusionen und Träume, indem er ungewöhnliche Bedeutungen aufspürt und der Vernunft den offenen Kampf ansagt. Magrittes Werke gehen folglich über das Rationale hinaus und überschreiten die Schwelle des Gewöhnlichen auf humorvolle Art und Weise. “Die Wirklichkeit ist nie so, wie wir sie sehen: Die Wahrheit ist vor allem Einbildung”: Dieser berühmte Ausspruch des Malers gibt das Denken des Künstlers perfekt wieder, denn er will immer neue Formen der Suggestion der Wirklichkeit finden und gleichzeitig die Grenze zwischen Realität und Fiktion hinterfragen. Bewundert von den metaphysischen Gemälden Giorgio De Chiricos, entwickelte er eine neue Sprache, die auf der Flucht vor der Realität beruht.

Magritte ist heute vor allem für sein Werk La Trahison des Images (1928-29) bekannt , ein Gemälde, auf dem eine Pfeife abgebildet ist und eine Bildunterschrift den Satz “ceci n’est pas une pipe” zitiert, der den Betrachter zu einer tiefgründigen Reflexion darüber einlädt, was das reale Objekt wirklich ist und was Darstellung bedeutet. Wie realistisch das Objekt auch immer dargestellt wird, es ist nicht in der Lage, seine Funktion zu erfüllen, die darin besteht, geraucht zu werden, und kann daher nicht als Pfeife definiert werden. In allen Werken Magrittes geht es also um den Kontrast zwischen Realität und Fiktion, zwischen dem Rationalen und dem Irrationalen, zwischen realistischer und traumhafter Darstellung, zwischen dem Gewöhnlichen und dem Rätselhaften.

René Magritte

Leben von René Magritte

René Magritte wurde am 21. November 1898 in Lessines, einer kleinen belgischen Stadt, geboren. Seine Kindheit ist geprägt von zahlreichen Umzügen und vor allem vom Selbstmord seiner Mutter, die 1912 beschließt, sich das Leben zu nehmen, indem sie sich in den Fluss Sambre stürzt und mit einem um das Gesicht gewickelten Hemd gefunden wird. Dieses traumatische Ereignis beeinflusste die künstlerische Tätigkeit des Malers so stark, dass er in mehreren Gemälden(L’histoire centrale und Les amants) Figuren darstellte, deren Gesicht vollständig von einem weißen Schleier bedeckt war.

Nach seinem Umzug in die Stadt Charleroi verarbeitete Magritte seine Kindheitstraumata und versuchte, ein neues Leben zu beginnen. So beginnt er ein klassisches Studium und konzentriert sich später auf die Malerei. Seiner großen Leidenschaft folgend, beschloss er 1916, sich an derAkademie der Schönen Künste in Brüssel einzuschreiben, wo er von den Avantgarde-Bewegungen wie dem Kubismus und dem Futurismus fasziniert wurde. Nach Abschluss seines Studiums im Jahr 1922 heiratete er Georgette Berger, seine Lebensgefährtin seit der Schulzeit, und trat 1923 seine erste Stelle als Werbegrafiker an.

Parallel zu seiner Arbeit als Grafiker setzt Magritte sein Interesse an der Avantgarde fort und beschließt 1925, sich der Gruppe der Surrealisten in Brüssel anzuschließen. Sein Interesse an der Bewegung wurde durch die Entdeckung des Gemäldes Lied der Liebe von Giorgio de Chirico geweckt, dessen Fähigkeit, eine neue Art des Sehens darzustellen, die über den Schein hinausgeht, er bewunderte. Das erste surrealistische Gemälde, das er malte, war Le Jockey Perdu (1926), eine Aquarellcollage, die einen Jockey auf seinem galoppierenden Pferd zeigt, der auf Bäume in Form von Schachfiguren zuläuft: Die gesamte Szene ist von einem Vorhang umgeben, der eine szenografische Vision hervorhebt.

Ein Jahr, nachdem er sich der surrealistischen Avantgarde angeschlossen hatte, lernte Matisse André Breton kennen, eine der führenden Persönlichkeiten der Bewegung. Im Jahr 1927 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie Le Centaure in Brüssel: Die Schau war ein totaler Misserfolg, und alle einundsechzig ausgestellten Werke wurden von der Kritik heftig kritisiert. Im folgenden Jahr, 1928, beschließen er und seine Frau Georgette, nach Paris zu ziehen. Ihr Umzug nach Paris war nur von kurzer Dauer: Die Galerie La Cantaure, in der der Maler einen Vertrag hatte, schloss und die beiden beschlossen 1930, zurück nach Brüssel zu ziehen, in ein Viertel im Norden der Stadt, in die Rue Esseghem 135 in Jette. Ihre Wohnung wurde zu einem Treffpunkt und Bezugspunkt der belgischen Surrealistenbewegung. Seit 1999 wird dieselbe Wohnung als Haus-Museum zum Gedenken an den berühmten Künstler genutzt.

Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs beschloss René Magritte, mit seiner Frau erneut nach Südfrankreich nach Carcassone zu ziehen, um der Naziherrschaft zu entgehen. Diese geschichtliche Periode sollte einen großen Einfluss auf seinen Malstil haben: Zunächst experimentierte er mit einem neuen Stil “à la Renoir” oder “solar”, der sich von einem klaren Malstil mit korrekter Zeichnung zu einem Malstil mit leichteren Themen und helleren Farben entwickelte. Die solare Periode ging 1947 zu Ende und machte einer neuen Periode mit dem Namen “Kühe” Platz, in der der Maler die Konzepte der vorangegangenen Periode auf die Spitze trieb und provokante Werke voller Rebellion malte, die den Fauvismus verspotteten.

Erst in den 1960er Jahren, wenige Jahre vor seinem Tod, erlangt der Maler Berühmtheit. Dank des Aufkommens der Popkultur und der ihm gewidmeten Ausstellung im Museum of Modern Art in New York

im Jahr 1965 erlangten seine Gemälde Berühmtheit. René Magritte starb am 15. August 1967 in seinem Haus in der Rue des Mimomas in Brüssel an Bauchspeicheldrüsenkrebs.

René Magritte, La trahison des images (1928-1929; Öl auf Leinwand, 63,5 x 93,98 cm; Los Angeles, Los Angeles County Museum of Art)

René Magritte, Le Jockey perdu (1926; Collage, Aquarell, Bleistift und Tinte auf Papier; New York, Museum of Modern Art)

Magrittes Stil und Hauptwerke

Obwohl er der surrealistischen Bewegung angehörte, gibt es in Magrittes Malerei charakteristische Elemente, die seine Einzigartigkeit hervorheben: Seine Malerei wird auch als “malerischer Illusionismus” bezeichnet, da sie eine klassische, gewöhnliche, zweidimensionale Realität abbildet, indem sie mehr mit dem Konzept als mit der Malerei spielt. Er verwandelt das Reale in das Surreale und lässt der Phantasie des Betrachters viel Raum. In den unglücklichen Nachkriegsjahren experimentiert er mit anderen Maltechniken “in der Art von Renoir”, einem Stil, der Leichtigkeit ausstrahlt und die Paranoia und das Infragestellen der vorangegangenen Jahre hinter sich lässt: Die Palette wird reicher an hellen, lebhaften Farben und lässt die Düsternis hinter sich. Diese Periode war jedoch nur ein Medium, das 1947 seiner “vache” (Kuh) Periode Platz machte, in der er die Gedanken und Darstellungen der französischen Fauves in einer satirischen und ironischen Tonart kritisch überarbeitete. Die beiden experimentellen Perioden waren nur von kurzer Dauer, und bald darauf kehrte Magritte zur Malerei in seiner gewohnten Weise zurück.

In dem Gemälde Die Liebenden von 1928 stellt Magritte zwei Figuren im Vordergrund dar, deren Gesichter von einem weißen Schleier bedeckt sind, wahrscheinlich in Erinnerung an ihre Mutter, die durch Selbstmord starb und mit einem um ihr Gesicht gewickelten Hemd in der Sambre gefunden wurde. Der weiße Schleier hindert die beiden Liebenden daran, sich zu küssen und miteinander zu kommunizieren, so dass sie nicht zu erkennen sind. Das Gemälde vermittelt eine Atmosphäre der Sehnsucht: Die geschickte Farbwahl, wie im Fall des roten Kleides der weiblichen Figur, das an den Tod erinnert, unterstreicht die Unruhe des Bildes. Das Bild verweist zweifellos auf Giorgio de Chiricos berühmtes Gemälde Hektor und Andromache (1931) , in dem Hektor und Andromache als Schaufensterpuppe im Moment der Begrüßung kurz vor dem Zweikampf gegen Achilles dargestellt sind. Die Analogie ist sowohl auf formaler als auch auf konzeptioneller Ebene sichtbar, da die Unmöglichkeit, sich zu lieben, auch auf dem letztgenannten Gemälde zu erkennen ist (“Es gibt ein Interesse an dem, was verborgen ist und was das Sichtbare uns nicht zeigt”, erklärt der Künstler selbst. “Dieses Interesse kann die Form eines ausgesprochen intensiven Gefühls annehmen, eine Art Konflikt, würde ich sagen, zwischen dem verborgenen Sichtbaren und dem scheinbar Sichtbaren”).

Zu Magrittes berühmtesten Werken gehört Golconda von 1953: Der Titel erinnert an die gleichnamige Stadt in Indien, die durch den Kontrast zwischen dem immensen Reichtum der Stadt und der Armut ihrer Bewohner in die kollektive Vorstellung eingegangen ist. Wie alle Werke Magrittes bietet auch dieses eine kritische Vision, die dem Betrachter Raum lässt, seine eigene Interpretation zu hinterfragen. Das Werk zeigt eine Reihe von Männern in einer statischen Pose in der Luft in typisch bürgerlicher Kleidung (Jackett, Krawatte, Bowlerhut), die wir auch in anderen berühmten Gemälden wie The Son of Man (1964 ) oder in

Mr. und Mrs. Wilbur Ross (1966) wiederfinden, die sich nur durch die unterschiedliche Mimik unterscheiden. Im Hintergrund sind typische belgische Hausdächer und ein klarer Himmel zu sehen, der den größten Teil der Szene einnimmt. Die Vielzahl der Männer in der Szene deutet auf eine kritische Haltung des Künstlers gegenüber der Homologation hin. Obwohl der klare Himmel ein Gefühl der Ruhe vermittelt, steht die Menge der anwesenden Männer in starkem Kontrast dazu und erzeugt ein beunruhigendes Gefühl.

In La Trahison des Images (1926-1966) zeigt Magritte die Darstellung einer Pfeife, die klar, präzise und mit viel Liebe zum Detail gezeichnet ist. Diese Figur wird von einer Bildunterschrift begleitet, auf der steht: “ceci n’est paso une pipe” (“dies ist keine Pfeife”). Auch hier unterstreicht Magritte die von ihm verwendete Sprache. Später wird er sagen: “Wer würde es wagen zu behaupten, dass das Bild einer Pfeife eine Pfeife ist? Wer könnte die Pfeife in meinem Bild rauchen? Keiner. Deshalb ist es keine Pfeife”. Der Künstler nimmt also eine ironische Haltung ein, die vor allem darauf abzielt, beim Betrachter des Werks Fragen aufzuwerfen. Wie Magritte erklärt, ist das, was wir auf der Leinwand sehen, nur eine Darstellung, und als solche kann das dargestellte Objekt seine primäre Funktion, nämlich geraucht und benutzt zu werden, nicht erfüllen. Mit diesem Werk eröffnet Magritte eine Debatte zwischen realem Objekt und Darstellung, die auch heute noch Fragen aufwirft und sich als zeitgemäß erweist. Einige Künstler hinterfragen denselben Gegensatz: Joseph Kosuth zum Beispiel schenkt in Una e Tre Sedie (Ein und drei Stühle ) der Sprache dieselbe Aufmerksamkeit, indem er das Foto eines Stuhls, eines realen und benutzbaren Stuhls, neben der Wörterbuchdefinition von Stuhl abbildet und so den Begriff des Stuhls in Frage stellt. La Trahison des Images ist auch deshalb wichtig, weil es Magritte als Vorläufer der Konzeptkunst ausweist.

The Human Condition II (1935) wiederum ist die zweite Version des gleichnamigen Gemäldes: beide gehören zu der Serie “When in the painting”. Wie in der ersten Version steht auch in diesem Gemälde eine Staffelei, auf der eine Leinwand liegt, die eine Landschaft darstellt, die mit der Landschaft im Hintergrund verschmilzt und so den Eindruck von Kontinuität vermittelt. In der ersten Version des Gemäldes ist eine typische Landschaft auf dem Lande dargestellt, während in der zweiten Version eine typische Meereslandschaft abgebildet ist. Indem er mit Kontrasten und optischen Effekten spielt, untersucht Magritte erneut, wie schon in La Trahison des Images , das Verhältnis zwischen Darstellung und Wirklichkeit und hinterfragt, was wirklich ist. Nach der Fertigstellung des Werks schrieb der Maler: “Ich habe vor ein Fenster, das man von einem Zimmer aus sieht, ein Gemälde gestellt, das genau den Teil der Landschaft darstellt, der auf dem Gemälde nicht zu sehen ist. So verbarg der im Gemälde dargestellte Baum den wirklichen Baum dahinter, außerhalb des Zimmers. Er existierte für den Betrachter sozusagen gleichzeitig in seinem Kopf, als innerhalb des Zimmers im Gemälde und außerhalb in der realen Landschaft. Und so sehen wir die Welt: Wir sehen sie als außerhalb von uns, obwohl wir sie nur als mentale Repräsentation in unserem Inneren erleben”. Magritte setzte seine Forschungen auch in der Folgezeit fort, wie das Werk Die Pyrenäenburg von 1959 beweist, ein Auftragswerk des Rechtsanwalts Harry Torczyner, der das Thema des Gemäldes auswählte. Das Bild zeigt einen großen Felsen, auf dem sich eine Burg befindet: Der große Felsen ist in der Luft schwebend dargestellt, als ob er schwerelos wäre, mit einer Meereslandschaft im Hintergrund, die den Kontrast zwischen Leichtigkeit und Schwere betont. Die Härte des Gemäldes wird auch vom Maler selbst bestätigt, der in einem Brief an den Auftraggeber feststellt: “Es ist nicht frei von Strenge, ja Härte”. Alles scheint in der Schwebe zu sein, nicht nur der Fels, sondern auch die Zeit.

René Magritte, Die Liebenden (1928; Öl auf Leinwand, 54 x 73 cm; New York, Museum of Modern Art)

René Magritte, Golconda (1953; Öl auf Leinwand, 81 x 100 cm; Houston, Menil Collection)

René Magritte, Der Zustand des Menschen (1933; Öl auf Leinwand, 100 x 81 cm; Washington, National Gallery of Art)

René Magritte, Das Pyrenäenschloss (1959; Öl auf Leinwand, 200 x 145 cm; Jerusalem, Israel Museum)

Wo man Magrittes Werke sehen kann

Um die Gemälde des Meisters zu bewundern und die Orte zu besuchen, an denen er sich aufhielt und lebte, gibt es keine bessere Stadt als Brüssel, die belgische Hauptstadt, in der der Künstler den größten Teil seines Lebens mit seiner Frau verbrachte. Die Website visit.brussels/de/ schlägt einen Rundgang vor, der ganz im Zeichen des Malers steht. Die von der Website empfohlenen Stationen sind: das Magritte-Museum (in dem zahlreiche Werke des Künstlers ausgestellt sind), La Fleur en Papier Doré (ein von der Bewegung frequentiertes Kunstcafé), Greenwich (ein historisches Café, in dem Magritte mit seinen Freunden Schach spielte), das House-Museum (das berühmte Haus des Künstlers), der Friedhof von Shaerbeek (die Ruhestätte von Magritte). Der größte Teil der Werke des Künstlers wird im Magritte-Museum am Place Royale in Brüssel aufbewahrt. Ab 1984 beschloss der Chefkurator der Königlichen Museen der Schönen Künste in Belgien, dem Maler einen Raum zu widmen. 2005 wurde beschlossen, ein eigenes Museum auf dem Place Royale zu gründen, da die Zahl der erworbenen Werke zunahm und mehr Platz benötigt wurde. Es wurde 2009 eröffnet, und bis heute sind rund 250 Werke des Meisters zu sehen.

Das Haus-Museum in der Rue Esseghem 135 in Brüssel war, wie bereits erwähnt, ein wichtiger Ort im Leben des Malers, seiner Frau, aber auch der gesamten Gruppe der Surrealisten. Nachdem die Ehefrau Georgette ihren Besitz bei Sotheby’s versteigert hatte, dauerte es einige Zeit, bis das Haus so rekonstruiert werden konnte, wie es bewohnt war. Mit Hilfe von Fotos und Aussagen von Personen, die in dem Haus gelebt haben, wurde die Einrichtung von 1993 bis 1999 rekonstruiert. Das gesamte Haus-Museum gilt als Hommage an den Maler.

Es gibt viele Museen in der Welt, die Werke von René Magritte aufbewahren. In Italien gibt es jedoch nur sehr wenige Gemälde von ihm. Das berühmteste “italienische” Gemälde von Magritte ist wahrscheinlich Die Stimme der Winde, ein Gemälde von 1931, das sich in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig befindet. Weitere Werke von ihm befinden sich in der Pinacoteca Civica in Savona (wo La confidenza capitale aufbewahrt wird) und im Palazzo Maffei in Verona. In Frankreich befinden sich seine Werke im Centre Pompidou in Paris, wo eines seiner Hauptwerke(Der geheime Doppelgänger) aufbewahrt wird, während mehrere Werke in amerikanischen Museen aufbewahrt werden: Das LACMA in Los Angeles bewahrt La trahison des images auf, mehrere seiner Gemälde befinden sich im MoMA in New York, und weitere Werke von Magritte befinden sich in der National Gallery in Washington.

René Magritte, Leben und Werk des großen stillen Saboteurs

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