Piero Manzoni, Leben und Werk des Autors von Merda d'Artista

Piero Manzoni (Soncino, 1933 - Mailand, 1963) war ein freier und provokativer Geist, ein Künstler von unerschöpflicher Energie und Kreativität, der stets versuchte, die Möglichkeiten der Kunst bis an ihre Grenzen auszuschöpfen. Mit seinem Werk sorgte der Cremoneser Künstler immer wieder für Gesprächsstoff, beeindruckte Besucher, Galeristen und Sammler und eroberte sich seinen Platz als Ikone der westlichen Kultur.

Mailand war der Schauplatz seines Lebens: Hier lernte, studierte und arbeitete der Künstler und kam mit den innovativsten Strömungen der Zeit in Kontakt, auch wenn er oft nach Albissola in Ligurien reiste, einem Ziel, das von vielen Künstlern besucht wurde. Zunächst verkehrte er mit Künstlern der Gruppe Nuclear, darunter Enrico Baj und Lucio Fontana, später mit der deutschen Gruppe Zero. Mit dem Maler Enrico Castellani verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit, die zur Gründung der berühmten Zeitschrift Azimuth und der gleichnamigen Galerie führt. Seine Kunst ist der visuelle Ausdruck einer Idee, sie ist die Geste, die von einer Präsenz zeugt; seine radikalen Intuitionen und tiefgreifenden geistigen Ausarbeitungen haben den Künstler weltberühmt gemacht.

Piero Manzoni

Biografie von Piero Manzoni

Piero Manzoni wurde am 13. Juli 1933 in Soncino, einer kleinen Stadt in der Provinz Cremona, geboren. Als Sohn von Egisto Manzoni, Graf von Chiosca und Poggiolo, und Valeria Meroni, aus der Familie der historischen Filanda Meroni, erhielt Manzoni eine aristokratische und katholische Erziehung und verbrachte seine Kindheit und Jugend zwischen Soncino und Mailand. Nach dem Abitur schreibt sich Piero 1951 an der juristischen Fakultät der Università Cattolica del Sacro Cuore in Mailand ein. In diesen Jahren entwickelt er sein Interesse für das Lesen, für Konzerte, Kino und Theater. Ab 1953 widmet er sich verstärkt der Malerei, angezogen und inspiriert von der ligurischen Landschaft von Albissola in der Nähe von Savona, wo er oft mit seiner Familie Urlaub macht. 1955 verlässt Manzoni die juristische Fakultät, um an die philosophische Fakultät zu wechseln, und zieht nach Rom, kehrt aber am Ende des Jahres nach Mailand zurück. Er begann, sich in der Mailänder Kunstszene umzusehen, indem er die Ateliers der Künstler Roberto Crippa und Giani Dova besuchte , die der von dem Kunsthändler Carlo Cardazzo geförderten und von dem Künstler Lucio Fontana initiierten Bewegung des Raums angehörten, den Manzoni wahrscheinlich durch die Freundschaft seiner Eltern kannte.

1956 schuf Manzoni Werke mit Abdrücken von Gegenständen, mit Öl und heterogenen Materialien auf Leinwand . Im selben Jahr nimmt er an der “4. Ausstellung für zeitgenössische Kunst” im Castello Sforzesco in Soncino teil, wo der Maler Papillon Fox und Domani chi sa ausstellte , die mit ihren kräftigen Tönen die Aufmerksamkeit aller Besucher auf sich zogen. In Mailand hingegen stellt er in der Galleria San Fedele aus und nimmt am “San Fedele Malereipreis 1956” teil. Mit Ettore Sordini, Camillo Corvi-Mora und Giuseppe Zecca veröffentlicht er sein erstes Plakat: Per la scoperta di una zona di immagini, das erste einer langen Reihe von Plakaten. Die ersten Gruppenausstellungen finden 1957 statt: Manzoni stellt am 15. Januar in der Galerie 17 in München aus, organisiert von Luca Scacchi Gracco mit den Künstlern Lucio Fontana, Enrico Baj, Bruno Munari, Arnaldo Pomodoro und anderen. Einige Monate später lernt er bei einer anderen Gruppenausstellung in Mailand den Künstler Dadamaino kennen, der an den Aktivitäten der von Manzoni und Enrico Castellani gegründeten ZeitschriftAzimuth mitwirkt. Am 29. Mai wird in der Galleria Pater in Mailand die Ausstellung Manzoni, Sordini, Verga mit einem einleitenden Text von Fontana eröffnet. Manzoni beginnt auch, in einem Kontext mit “historisierenden” Künstlern auszustellen, wie z. B. auf der Fünften Kunstmarktausstellung in der Galleria Schettini in Mailand.

Gegen Ende des Jahres 1957 malt er seine ersten“weißen Bilder”, zunächst mit Kreide, dann mit Kaolin und Leinwand. In den folgenden Monaten betitelt der Künstler alle seine weißen Bilder Achrome . Im Jahr 1958 setzt er die Produktion seiner berühmten Achrome fort, malt aber auch das erste Alphabet mit Tusche und Kaolin auf Leinwand. Auf der Ausstellung Fontana, Baj, Manzoni in der Galleria Bergamo in Bergamo und anschließend in der Galleria del Circolo di Cultura in Bologna stellt der Maler zum ersten Mal seine “weißen Bilder” aus.

Im Sommer 1958 unternimmt Manzoni seine erste Reise nach Holland, wo er sich mit Künstlern wie Gust Romijn und Galeristen wie Hans Sonnenberg anfreundet. In Holland findet auch seine erste Einzelausstellung unter freiem Himmel statt: Piero Manzoni Schilderijen in Rotterdam (10. bis 29. September 1958). Manzonis künstlerische Tätigkeit wird immer hektischer: Zwischen intensiver Arbeit und Studium fehlen jedoch nicht die Reisen und die langen Abende, an denen er mit Freunden trinkt und Ideen austauscht.

Im Jahr 1959 entstehen die Achromes mit genähter Leinwand. In Rom traf er Künstler und Galeristen der neuen Avantgarde wie Tano Festa, Mario Schifano und Franco Angeli sowie den Intellektuellen, Dichter und Kritiker Emilio Villa, der einen Text über Manzonis Werk schrieb. Die erste Produktion von Linee fand 1959 statt, und im September desselben Jahres wurde die erste Ausgabe der von Manzoni und Castellani gegründeten und herausgegebenen Zeitschrift Azimuth veröffentlicht. In der Zeitschrift erschienen Schriften von Intellektuellen und Kritikern wie Gillo Dorfles, es wurden Werke von Künstlern wie Fontana, Yves Klein, Jasper Johns und Robert Rauschenberg reproduziert sowie Gedichte von Edoardo Sanguineti, Nanni Balestrini und anderen. Nach dem Erscheinen der Zeitschrift mieteten Castellani und Manzoni ein Souterrain in der Via Clerici in Mailand, wo sie die Galerie Azimuth gründeten , die sie wie die gleichnamige Zeitschrift selbst verwalteten. Manzonis Stil wird provokanter: Der Künstler schafft Scultura nello spazio, eine pneumatische Kugel, die an einem Wasserstrahl hängt, sowie Fiato d’artista, von Manzoni aufgeblasene Luftballons, die versiegelt und auf einem Holzsockel befestigt werden. In der Galerie Azimuth präsentierte er eine seiner berühmtesten Performances: La consumazione dell’arte dinamica in pubblico - divorare l’arte, in der der Künstler einige gekochte Eier mit seinem Daumenabdruck signierte, die dann an das Publikum verteilt und gegessen wurden. Im Jahr 1961 begann er, lebende Skulpturen zu signieren, die dann durch Echtheitskarten “zertifiziert” wurden, und im Mai schuf er die berühmten neunzig Schachteln mit Künstlermarken, die zum ersten Mal in der Galerie Pescetto in Albissola ausgestellt wurden. Zu seinen letzten Ausstellungen gehörte die Monocroma-Ausstellung in der Galleria Il Fiore in Florenz im Januar 1963 und einige Tage später eröffnete er eine Einzelausstellung in der Galerie Smith in Brüssel. Am 6. Februar 1963 stirbt Piero Manzoni in seinem Mailänder Atelier im Alter von nur neunundzwanzig Jahren an einem Herzinfarkt.

Piero Manzoni, Domani chi sa (1956; Öl und Wachs auf Masonit, 89,5 x 69,5 cm; Privatsammlung)

Piero Manzoni, Achrome (1958; Kaolin auf Leinwand, 50 x 30 cm; Genua, Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce)

Piero Manzoni, Alphabet (1958; Fotolithographie, 50 x 35 cm)

Piero Manzoni, Unendlich lange Linie (1960; Holzzylinder und Papieretikett, 15 x 4,8 cm; New York, Metropolitan Museum)

Die Hauptwerke und der Stil von Piero Manzoni

Die Werke von Piero Manzoni beeindruckten und provozierten von Beginn seiner Karriere an die unterschiedlichsten Kommentare. Die provokative und entweihende Natur des Künstlers begleitete ihn tatsächlich sein ganzes Leben lang. Die beiden frühen Werke Papillon Fox (1956) und Domani chi sa (1956), die er auf der “IV Fiera Mercato. Ausstellung für zeitgenössische Kunst” vorstellte, zeigen zweideutige Töne, die jedoch bei den Besuchern auf großes Interesse stießen. In diesen frühen Werken ist die Haltung des Künstlers surrealistisch, d.h. psychoanalytische Prinzipien, expressive und gestische Automatismen, die auch im Einklang mit der Bewegung der Nuklearkunst stehen, der sich der Künstler 1957 anschließt. Das Jahr 1957 war für den Künstler besonders wichtig, da es sich als ein Jahr großer künstlerischer Experimente, aber auch der Infragestellung bestimmter Prinzipien und Methoden darstellte. War der figurative Aspekt in den ersten Werken noch leicht präsent, so näherte sich der Cremoneser Maler 1957 immer mehr materiellen, “abstrakteren” Konzepten an, bis er schließlich am Ende des Jahres mit seinen berühmten weißen Monochromen ankam. Die “weißen Bilder” des Malers sollten erst 1959 den Namen Achrome erhalten. Die Prämissen von Achrome waren der “Raum der Freiheit” oder die “authentische und unberührte Zone”, die im Text seines ersten Manifests Für die Entdeckung einer Zone der Bilder angekündigt wurde. Die Achrome wurden von dem Maler auf systematische Weise realisiert, wobei er heterogene Materialien und Techniken verwendete. Die verschiedenen verwendeten Materialien ermöglichten es ihm, das Konzept der “Genese” des Kunstwerks und ganz allgemein des Kunstmachens weiter zu erforschen. Das Werk illustriert weder ein bestimmtes Thema noch verweist es auf etwas außerhalb des Rahmens, sondern istselbstreferenziell . Das Ziel des Künstlers war es, das Werk von jeglichem narrativen Inhalt zu befreien, und durch den Verzicht auf Farbe wurde das einzige Thema des Gemäldes zur Materie .

Der Künstler suchte auch nach universellen Zeichen, was ihn 1958 zur Schaffung seines ersten Alphabets veranlasste. Das Werk wurde mit Tusche auf Leinwand geschaffen und wiederholt die Buchstaben “abcd” in drei parallelen Spalten, die unpersönlich, objektiv und kalt sind. Das Projekt der Suche nach universellen Zeichen nimmt eine organischere Form an, als er 1962 acht Feststellungstabellen im Format einer Mappe" ausarbeitet, in der sechzig nummerierte Exemplare mit acht Fotolithografien erscheinen, die von Vanni Scheiwiller herausgegeben werden und ein Vorwort von Vincenzo Agnetti enthalten. Linea wurde von Manzoni als eine seiner wichtigsten Entdeckungen betrachtet. Die erste Linea entstand im Frühjahr 1959 und besteht aus einem dunklen rechteckigen Blatt, auf das eine dunkle Linie gezeichnet ist. Ab Sommer 1959 fertigte er Linien auf Papierrollen an, die dann aufgerollt und zu Zylindern geschlossen wurden, auf denen ein Etikett mit der Länge, dem Datum und der Signatur des Künstlers angebracht wurde. Dies waren die ersten Werke, die aus der Zweidimensionalität der Malerei ausbrachen. In der Arbeit Line of Infinite Length (1960), die in der Galerie Azimut ausgestellt ist, zeigt das Etikett auf dem Zylinder die Länge der vom Künstler geschaffenen Linie in Zentimetern an, aber die Linie existiert nicht, da sie ein reines Konzept ist. Die Besucher der Ausstellung kauften nicht die Linie, sondern die Idee . Wie der Künstler selbst in dem Text Libera dimensione (Freie Dimension) sagte: “Komposition der Form, Formen im Raum [...], all diese Probleme sind uns fremd: eine Linie kann nur sehr lang gezogen werden, bis ins Unendliche [...]. Die einzige Dimension ist die Zeit”. Die 7200 m lange Linie wurde 1960 geschaffen und anschließend in einem zylindrischen Behälter aus Zink und Blei versiegelt. Nach den Absichten des Künstlers war dies der erste Teil einer langen Reihe von Linien, die in den größten Städten der Welt vergraben werden sollten und deren Gesamtsumme dem Erdumfang entsprechen sollte. Dies war der extreme Versuch des Künstlers, der Kunst die Möglichkeit zu geben, sich von der Leinwand zu lösen, die Möglichkeit einertotalen Ausdehnung .

Nach den Lines entwickelte Manzoni weitere “dreidimensionale” Werke wie Corpi d’aria (1959), die er “pneumatische Skulpturen” nannte. In einer Holzkiste befanden sich ein weißer Luftballon, der aufgeblasen werden sollte, und ein Stativ, auf das die Luftskulpturen gestellt wurden, zusammen mit einer Anleitung. Ähnlich war der Fiato d’artista (1960), ein vom Künstler selbst aufgeblasener Ballon. Die Werke wurden für je 30.000 Lire verkauft. Die Ballons wurden direkt vom Künstler in Anwesenheit des Käufers aufgeblasen, wobei die Ausführung des Werks im Preis inbegriffen war, und der Wert variierte je nach der Menge des in den Ballon gefüllten Atems. Die Figur des Künstlers steht im Mittelpunkt: Die Essenz, in diesem Fall der Atem, wird in dem Moment, in dem entschieden wird, dass es sich um Kunst handeln muss, selbst zur Schöpfung. Was zählt, ist also die Signatur des Autors und nicht das Werk selbst. Dies war die Idee, die Manzoni in all seinen Werken ironisch und provokativ kritisierte.

In der Galerie Azimut präsentierte Manzoni 1960 eine seiner beiden berühmtesten “Performances”, nämlich Consuming the public’s dynamic art, devouring art, bei der er den Besuchern gekochte Eier zum Verzehr anbot, die der Künstler mit dem Fingerabdruck seines Daumens “signiert” hatte. Das Werk scheint ein ritueller Akt der Gemeinschaft und des Konsums zwischen Künstler, Werk und Publikum zu sein. Es gibt mehrere Interpretationen der Performance. Die erste basiert auf einer mystisch-religiösen Interpretation und konzentriert sich auf den symbolischen Charakter des Essens sowie auf den rituellen und sakralen Aspekt des Ereignisses. Die zweite Interpretation basiert auf dem Verzehr des Eies als potenzielle Negation der Kommodifizierung des Kunstwerks. Die zweite Lesart erlaubt es uns, die Performance des Künstlers als eine besondere Form der Anfechtung des offiziellen Kunstsystems zu verstehen. Eine Variante ist Egg Sculpture (1960), Eier mit der Schale und dem Fingerabdruck des Künstlers, die in einer kleinen Holzkiste aufbewahrt, nummeriert und mit Watte gefüllt werden, als wären sie eine Reliquie. Manzoni war jedoch noch nicht zufrieden, für ihn musste die Kunst total sein, es genügte ihm nicht, aus der Leinwand “herauszukommen”, jetzt musste die Kunst leben, und so signierte der Künstler ab Januar 1961 Menschen als Kunstwerke. Von der Performance Lebende Skulpturen gibt es viele Fotos, die das Ereignis dokumentieren. In diesen wertvollen Dokumenten signiert Manzoni Menschen, die dann mit Aufklebern versehen werden, die ihre Kunstfertigkeit bescheinigen. Der rote Aufkleber bedeutet, dass die Person bis zu ihrem Tod eine lebende Skulptur sein wird, der violette Aufkleber ist ähnlich wie der rote, aber gegen eine Gebühr, der gelbe zeigt an, dass nur ein Teil des Körpers eine lebende Skulptur ist, während der grüne bedeutet, dass die Person nur in bestimmten Positionen und Haltungen eine Skulptur sein wird. Die letzte Person, die unterzeichnete, war Umberto Eco.

1961 schuf er Basi magiche (Magische Sockel): ein hölzernes Podest, das einen Gegenstand oder eine Person zu einem Kunstwerk werden lässt, solange der Gegenstand oder die Person auf der Struktur steht. 1961 gelangte Manzoni zu einer radikalen Intuition, mit der er den Begriff der Kunst an seine Grenzen brachte. Es handelt sich um einen Quader von einem Meter mal achtzig Zentimetern, der auf dem Kopf stehend die Inschrift Socle du monde, - socle magique no.3 de Piero Manzoni - 1961 - Hommage à Galileo trägt. Dies ist der Sockel, der mit dem nach unten gerichteten Sockel und der umgedrehten Inschrift den Globus, die Menschen, die Kultur und die Natur aufnimmt , die zu einem Kunstwerk werden. Eines der provokantesten und beunruhigendsten Werke Manzonis ist schließlich die berühmte Merda d’artista (Scheiße des Künst lers) (1961), die nach Fiato d’artista (Atem des Künstlers) und Consumazione delle uova (Verzehr von Eiern) fast einem natürlichen biologischen Prozess folgt: Der Maler “verdaut” das Ganze. Das Werk wurde im Mai 1961 in neunzig nummerierten Exemplaren verpackt. Es ist das Werk, das Manzonis Bekanntheitsgrad als provokanter und schändlicher Künstler am meisten beeinflusst hat. Über der Schachtel befindet sich ein Etikett mit der Aufschrift “Künstlerscheiße”. Nettoinhalt 30 gr. In seinem natürlichen Zustand konserviert. Hergestellt in Italien". Auf der Oberseite der Dose stehen die Nummer und die Unterschrift des Künstlers. Die wichtige konzeptionelle Passage ist die Verkaufsbescheinigung, wonach der Wert des Werks dem Tageswert von Gold pro Gramm entsprechen muss. Die Serie ist somit eine kritische Reflexion über den Konsum und die Kommerzialisierung der Kunst und allgemeiner über die kapitalistische Konsumgesellschaft. Piero Manzoni hinterfragte den Sinn der künstlerischen Forschung, die Rolle des Künstlers, aber auch die des Publikums und trug mit seiner stets äußerst provokanten Kunst zur Erneuerung der italienischen Kunstszene bei.

Piero Manzoni, Air Bodies (1959; gemischte Medien, verschiedene Dimensionen; Barcelona, MABCA)

Piero Manzoni, Artist’s Breath (1960; Ballon, Seil, Bronze und Holzsockel, 35 x 180 x 185 mm; London, Tate Modern)

Piero Manzoni, Ei-Skulptur Nr. 29 (1960; Tusche auf Ei, Holzkasten, 5,7 x 8,2 x 6,7 cm; Privatsammlung)

Piero Manzoni, Künstlerscheiße Nr. 3 (1961; Metallkasten, 4,8 x 6,5 cm; Privatsammlung)

Wo sind die Werke von Piero Manzoni zu sehen?

Die 2008 in Mailand gegründete Fondazione Piero Manzoni bietet die Möglichkeit, zahlreiche Werke des Malers zu besichtigen, und fördert die historisch-kritische Forschung über den Künstler, indem sie Kataloge, Fotografien, Einladungen und wertvolle Dokumente aufbewahrt. Darüber hinaus arbeitet die Stiftung mit der Gagosian Gallery zusammen.

In der Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom sind die Achromes aus den 1960er Jahren zu sehen. In Mailand sind in der Fondazione Prada und im Museo del Novecento die Achrome (1958-1959) bzw. Uovo scultura n.34 (1960) zu sehen. Ein Exemplar von Merda d’artista (Scheiß des Künstlers ) (1961) wird ebenfalls im Museo del Novecento in Mailand aufbewahrt. HEART: Das Herning Museum für zeitgenössische Kunst in Dänemark besitzt eine große Sammlung von Piero Manzonis Werken, darunter mehrere Achromes, Linea lunga 7200 m (1960) und Socle du monde (1961) und Merda d’ artista (1961). Im MoMa (Museum of Modern Art, New York) ist die berühmte Kiste mit dem Scheiß des Künstlers (1961) zu sehen, ebenso in der Tate Modern in London, im Centre Georges Pompidou in Paris und in mehreren anderen Museen, die Exemplare besitzen.

Piero Manzoni, Leben und Werk des Autors von Merda d'Artista

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