Marcel Duchamp, der Erfinder der konzeptuellen Kunst. Leben, Werke, Stil

Marcel Duchamp (Henri-Robert-Marcel Duchamp; Blainville-Crevon, 1887 - Neuilly-sur-Seine, 1968), französischer Maler, Bildhauer und Schachspieler, eingebürgerter Amerikaner, gilt als einer der einflussreichsten und wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Ihm ist dieKonzeptkunst zu verdanken, die aus der Intuition des so genannten Readymades entstand, d. h. Alltagsgegenstände, die zu Kunstwerken dekontextualisiert und vom Künstler selbst sorgfältig ausgewählt wurden. Manchmal handelte es sich bei den Readymades aber auch um Abwandlungen großer Meisterwerke der Vergangenheit, wie im Fall von Leonardo da Vincis Mona Lisa .

Fountain und Bicycle Wheel sind die beiden bekanntesten Ready-mades von Duchamp, die noch heute als Werke anerkannt sind, die die künstlerischen Konventionen der Zeit unterlaufen. Doch die Ready-mades waren nicht die einzige Innovation, die der französische Künstler in die Kunst seiner Zeit einbrachte. Er lehnte alle Werke ab, die die Realität abbildeten, wie etwa die der Impressionisten, und zog stattdessen einen intellektuellen Ansatz vor, der entschlüsselt werden musste und alle avantgardistischen Strömungen der letzten hundert Jahre aushebelte.

Das Leben von Marcel Duchamp

Marcel Duchamp wurde am 28. Juli 1887 in Blainville-Crevon, Frankreich, als Sohn von Eugène Duchamp und Lucie Nicolle (Tochter des Malers und Graveurs Émile Frédéric Nicolle) geboren. Die Eltern hatten insgesamt sieben Kinder, von denen eines starb, als er noch sehr jung war. Außer ihm waren drei seiner Geschwister ebenfalls erfolgreiche Künstler, nämlich der Maler und Graveur Jacques Villon (geboren als Émile Méry Frédéric Gaston Duchamp), der Bildhauer Raymond Duchamp-Villon (geboren als Pierre-Maurice-Raymond Duchamp) und die Malerin Suzanne Duchamp-Crotti.

Duchamp verbrachte einige Zeit in Amerika, insbesondere in New York. Hier kam er mit einem Künstler in Kontakt, der für sein Leben und seinen künstlerischen Weg von grundlegender Bedeutung sein sollte: dem Fotografen und Maler Man Ray. Die beiden lernten sich 1915 kennen und blieben für den Rest ihres Lebens befreundet. Zusammen mit dem französisch-spanischen Maler Francis Picabia und dem amerikanischen Fotografen Alfred Stieglitz trafen sich Duchamp und Ray in Stieglitz’ Galerie 291 und bekannten sich zu einem Geist, der dem des Dadaismus ähnlich war. Dada war eine künstlerische Bewegung, insbesondere im Bereich der bildenden Kunst, die als Reaktion auf die traumatischen Ereignisse des Ersten Weltkriegs eine Kunst propagierte, die bewusst unsinnig war und sich nicht an ästhetische und ideologische Kanons und Konventionen hielt. Schon der Name der Bewegung hatte keine Bedeutung. Die Dada-Bewegung wird häufig mit dem Namen Duchamp in Verbindung gebracht, obwohl diese Verbindung zu Dada nur wenige Jahre andauerte und vor allem in die Zeit der Jugend und der Anfänge des Künstlers fiel, so dass er sich ihr nicht offiziell anschloss, aber einige der Grundkonzepte der Dadaisten übernahm.

Im Jahr 1916 gründete Duchamp zusammen mit den Mäzenen Katherine Dreier und Walter Arensberg die Gesellschaft Unabhängiger Künstler. Er verließ die Gesellschaft aus Protest, als diese beschloss, sein Werk Fontana (1917) nicht auszustellen, da es nicht als Kunstwerk angesehen wurde.

Ein eigentümlicher Aspekt von Duchamps Persönlichkeit war die Schaffung von Pseudonymen und Alter Egos, unter denen er verschiedene Werke signierte. Insgesamt sind drei bekannt, von denen das erste eine weibliche Figur war, für die er den Namen Rrose Sélavy wählte. Er suchte bewusst einen jüdischen Namen, um sich von der katholischen Religion abzugrenzen, konnte aber keinen männlichen Namen finden, der ihn überzeugte, so dass er sich für einen weiblichen Namen entschied und die Rolle einer Frau spielte. Der Name ist ein Wortspiel, das phonetisch an die Redewendung “eros, c’est la vie” erinnert, und das doppelte r am Anfang ist beabsichtigt, um ein Wortspiel mit “arroser la vie” zu bilden. Schließlich waren Wortspiele bei Duchamp sehr beliebt und er verwendete sie sehr häufig. Ein weiteres sehr berühmtes Alter Ego von Duchamp war R. Mutt, eine Abwandlung des Namens “Mott”, der von der Firma stammt, die die Urinale herstellte, die der Künstler für einige berühmte Werke verwendete. Der Name war auch eine Anspielung auf den damals populären Comic “Mutt and Jeff”. Der Buchstabe R. stand für Richard, der das englische Wort “Rich” (reich) enthält und damit die Armut abwehren sollte. Duchamp erfand auch einen Scherz für Journalisten, denen er erklärte, dass sich hinter dem Pseudonym eine Freundin von ihm in Männerkleidung verbarg, deren Telefonnummer er sogar weitergab, indem er sie als die von Mutt ausgab. Ein letztes bekanntes Pseudonym war Marchand du sel, das aus Duchamps Gesprächen mit dem Kunsthistoriker Michel Sanouillet hervorging.

Der Künstler lebte lange Zeit in Paris, mit Ausnahme des Zeitraums zwischen 1918 und 1923, als er nach Buenos Aires zog.

Ab 1923 verlangsamte Duchamp seine künstlerische Tätigkeit zunehmend und widmete sich zehn Jahre lang fast ausschließlich dem Schachspiel. Er erreichte in dieser Disziplin ein sehr hohes Niveau und wurde sogar Kapitän der französischen Mannschaft , die an der Schacholympiade teilnahm (er nahm an allen Ausgaben von 1928 bis 1933 teil, sein bestes Ergebnis war der achte Platz im Jahr 1933). 1942 war er in New York, wo er beschloss, sich dauerhaft niederzulassen. 1954 heiratete er Alexina “Teeny” Sattler Matisse, die ihm bis zum Schluss zur Seite stand. Er starb am 2. Oktober 1968 in Neuilly-sur-Seine und wurde auf dem Friedhof von Rouen beigesetzt. Auf seinem Grab ist eine von ihm selbst verfasste Grabinschrift zu lesen: “D’ailleurs c’est toujours les autres qui meurent” (“Auf der anderen Seite sind es immer die anderen, die sterben”).

Der Stil und die Werke von Michel Duchamp

Duchamps frühe Werke sind hauptsächlich malerisch und entstanden vor 1912; insgesamt sind etwa 50 Werke bekannt. Zu dieser Zeit war Duchamp 25 Jahre alt. Die Inspiration für diese Werke kam vom Impressionismus und der Gruppe der Fauves, wie man an den Werken Luftströmung auf dem Apfelbaum in Japan, Junger Mann und Mädchen im Frühling und Kaffeemühle, alle von 1911, sehen kann. Das Niveau dieser frühen Werke war sehr hoch.

Im Jahr 1912 begann er jedoch, Werke anderer Art zu malen, die tiefgründige Studien der Dynamik darstellten, nämlich Akt beim Herabsteigen der Treppe Nr. 2, Der Übergang von der Jungfrau zur Braut und Braut. Diese Werke scheinen vom Futurismus beeinflusst zu sein, aber Duchamp hatte kaum Kontakte zu dieser Bewegung, so dass die Pioniere der Chronophotographie , Étienne-Jules Marey und Eadweard Muybridge, die Grundlage seiner Forschung bilden. Im Gegensatz zu den Futuristen ging es Duchamp jedoch nicht um die Wiedergabe ein und desselben Augenblicks aus verschiedenen Blickwinkeln, sondern um die Darstellung der Bewegung als aufeinanderfolgende Momente, die nacheinander dargestellt werden, bis sie unendlich werden. Diese Werke wurden auf dem Salon des Indépendants abgelehnt, da die Meinung weit verbreitet war, sie seien eine Verhöhnung des Kubismus. Die anderen Gemälde dieser Zeit sind Variationen desselben Themas, wie Die Schokoladenmühle (1913) oder Zeichnungen und Studien für Das große Glas, das Werk, das später den Wendepunkt in Duchamps Kunst markierte.

Duchamp war ein Künstler, der stets in regem Austausch mit der Kunstkritik stand und Hinweise und Anregungen zur Entschlüsselung seiner Werke gab. Er gab auch zahlreiche Interviews, in denen er persönliche Theorien und Überzeugungen über Kunst und Malerei darlegte. Zu seinen berühmtesten Aussagen gehörte die über die Malerei früherer Jahre und Jahrhunderte, die er als “retinal” ablehnte. Mit “Netzhautmalerei” meinte er all jene Gemälde, die der Ästhetik Vorrang vor dem Inhalt einräumten, insbesondere durch die Überhöhung der ursprünglichsten Instinkte. Seine Worte zur Begründung des Konzepts lauten: “Ich war an Ideen interessiert, nicht nur an visuellen Produkten. Ich wollte die Malerei wieder in den Dienst des Geistes stellen [...] Tatsächlich war bis vor hundert Jahren alle Malerei literarisch oder religiös: Sie stand im Dienst des Geistes. Im letzten Jahrhundert ist diese Eigenschaft nach und nach verloren gegangen. [...] Die Malerei sollte nicht nur retinal oder visuell sein; sie sollte sich mit den grauen Zellen unseres Verstandes beschäftigen [...] Die letzten hundert Jahre waren retinal. Sogar die Kubisten waren retinal”.

Dies ist der ideologische Kontext, in dem Duchamp zu seiner berühmtesten und größten Innovation kommt, dem Ready-made. Seiner Überzeugung folgend, dass Kunst und Malerei eine konzeptionelle Sichtweise bevorzugen sollten, hatte Duchamp die Intuition, alltägliche Gegenstände auszuwählen, sie aus ihrem Kontext herauszunehmen und sie als Kunstwerke zu präsentieren. Der Mehrwert des Künstlers bestand darin, dass er verschiedene Objekte durchsuchte, um dasjenige zu finden, das sich am besten für die Präsentation als Kunstwerk eignete. Das erste bekannte Ready-made war das Fahrradrad (1913), das im Übrigen ein Symbol der Kontinuität mit der Suche nach Bewegung war, die er kurz zuvor in seinen Gemälden dargestellt hatte. Duchamp produzierte mehrere Ready-mades, darunter das bekannte Fontana (1917), das unter dem Pseudonym R. Mutt signierte Pissoir. Das Werk wurde nie ausgestellt, da man es nicht als Kunstobjekt betrachtete. In den 1950er Jahren wurde es jedoch neu bewertet und hatte erneut Erfolg, so dass Duchamp Kopien anfertigte, die er an verschiedene Museen schickte. In denselben Jahren widmete er sich einer anderen Art von Ready-made, nämlich der Retusche berühmter Werke. Berühmt ist seine Neuinterpretation der Mona Lisa von Leonardo da Vinci, die er auf einer fotografischen Reproduktion des Gemäldes anfertigte, der er einen Schnurrbart auf der Oberlippe verpasste und der er den Titel L.H.O.Q . gab. (1919). Dieses Werk wurde als ein Manifest gegen den Konformismus interpretiert, das sich speziell gegen eines der allgemein bekannten künstlerischen Meisterwerke richtete. Die Absicht war nicht, das Gemälde oder den Künstler zu verunglimpfen, sondern die Heuchelei derjenigen aufzuzeigen, die Kunst nur dann schätzen, wenn sie von anderen als schön oder wertvoll bezeichnet wird.

In der Zwischenzeit hatte Duchamp mit der Arbeit an einem anderen Werk begonnen, das sich als grundlegend für sein Schaffen erweisen sollte: Das große Glas, das er als "das wichtigste Einzelwerk, das ich je gemacht habe" bezeichnete. Er begann 1915 mit der Arbeit daran und gab ihr zunächst den Titel The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, also Die von ihren Junggesellen entblößte Braut. Das Werk besteht aus zwei großen Glasplatten, in deren Inneren sich Staubkörner, Bleidrähte und bemalte Metallfolien befinden. Die obere Platte wurde als “die Braut” interpretiert, dargestellt durch ein kleines, äußerst schlankes Element und begleitet von einer Wolke, die wahrscheinlich ihre Gedanken darstellt. Die untere Platte hingegen besteht aus “den Junggesellen”, winzigen schwarzen Figuren, die an typisch männliche schwarze Gewänder erinnern und ein Karussell umkreisen. Es handelt sich um insgesamt neun Figuren, die die verschiedenen Identitäten der Junggesellen darstellen (Kürassier, Gendarm, Lakai, Pagen, Wächter, Priester, Leichenbestatter, Bahnhofsvorsteher, Polizist). Sie sind auch als “Friedhof der Trachten und Uniformen” bekannt. Schließlich gibt es einen Mechanismus, der als Wassermühle interpretiert wurde und aus Scheren, Sieben und einer Maschine besteht, die etwas mahlt, wahrscheinlich Schokolade, was eindeutig das Verlangen symbolisiert.

1923 ließ Duchamp das Werk bewusst "endgültig unvollendet" und hinterließ der Nachwelt eines der meist diskutierten und faszinierendsten Werke der zeitgenössischen Kunst. Das Werk wurde während des Transports beschädigt, aber Duchamp wollte es nicht reparieren, weil er damit die Identität des Kunstwerkes als träges Ding akzeptierte. Duchamp wollte dieses Werk nie als “Gemälde” bezeichnen, sondern nannte es eine “Landmaschine” und bezeichnete es auch als “lustige Physik”.

Duchamps letztes bekanntes Werk trägt den Titel Étant donnés (1969) - Gegeben werden: 1. Der Wasserfall, 2. die Gasbeleuchtung - eine große Umweltinstallation, die aus einer Holztür mit zwei Gucklöchern besteht, die man nur sieht, wenn man sich dem Werk nähert, und durch die man eine Szene bewundern kann, in der sich eine nackte weibliche Figur aus Leder, die eine brennende Öllampe hält, von einer natürlichen Landschaft abhebt. Der Titel wurde aus einigen Notizen zu Das große Glas abgeleitet und ist das Gegenstück zu diesem, denn während in Das große Glas die Realität überhaupt nicht präsent war, ist sie hier voll und ganz vorhanden, ein Faktor, der für Duchamps notorische Ablehnung der “retinalen”, realistischen Kunst charakteristisch ist. Diese Wahl wurde damit begründet, dass er einen Verbindungspunkt zwischen der inneren und der äußeren Welt des Menschen finden wollte.

Duchamp arbeitete über zwanzig Jahre lang an diesem anspruchsvollen Werk, wobei er allen vorgaukelte, er habe die Kunst verlassen, um sich dem Schach zu widmen. Nur seine Frau wusste von seinem Projekt. Der Künstler verfasste eine Gebrauchsanweisung, die im Philadelphia Museum rekonstruiert werden sollte, wo sie noch heute aufbewahrt wird. Schließlich gibt es noch die Werke, die unter dem Pseudonym Rrose Selavy signiert sind, nämlich Belle Haleine - Eau de Voilette (1920), ein Parfümflakon, Fresh Widow (1920) und Pourquoi ne pas éternuer? von 1921.

Wo sind die Werke von Marcel Duchamp zu sehen?

Duchamps Werke sind in Museen in Europa und den USA zu sehen, wo der Künstler selbst einige Zeit lebte. In Paris, genauer gesagt im Centre Pompidou, einem berühmten Ausstellungsort für Avantgardekunst, ist eines der berühmtesten Ready-made-Werke, Fontana (1917), erhalten. Mehrere bekannte Werke von Duchamp befinden sich im Museum of Art in Philadelphia, USA. Dazu gehören Nude Descending the Stairs No. 2 (1912), The Large Glass (1915-1923) und Étant donnés (1969).

Ebenfalls in den Vereinigten Staaten können Sie Bicycle Wheel (1913) und Fresh Widow (1920) im MOMA - Museum of Modern Art in New York bewundern. Erwähnenswert ist auch, dass L.H.O.Q . (1919) Teil einer amerikanischen Privatsammlung ist und Pourquoi ne pas éternuer? (1921) sich im Israel Museum befindet.

In Italien befinden sich zwei Werke von Duchamp in der Peggy Guggenheim Collection in Venedig (ein Akt von 1911-1912 und eine Schachtel im Koffer von 1941), während ein Junges Mädchen und ein Mädchen im Frühling (1911) in der Arturo Schwarz Collection in Mailand aufbewahrt werden. Mehrere Werke aus dieser Sammlung wurden zusammen mit anderen berühmten Meisterwerken in einer großen Ausstellung in der GNAM - Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom im Jahr 2013 präsentiert, um den hundertsten Jahrestag der ersten jemals geschaffenenKonfektionsware zu feiern.

Marcel Duchamp, der Erfinder der konzeptuellen Kunst. Leben, Werke, Stil

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