Man Ray: Leben, Werk und Forschung des großen Dadaisten

Man Ray, (Emanuel Radnitzky; Philadelphia, 1890 - Paris, 1976), war Maler, Fotograf und Filmregisseur. Er gilt als große und vielseitige Persönlichkeit, als Protagonist der künstlerischen Epoche der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und als Vertreter der amerikanischen Dada- und Surrealismus-Bewegung. Man Ray zog von New York nach Paris und war einer der ersten, der eine neue Sprache der Fotografie und des Films theoretisierte und sie als Instrumente der künstlerischen Gestaltung etablierte.

Die Fotografie wurde zu einem Ersatz für die Malerei, zu einer Erweiterung der figurativen Kunst. Man Ray nutzte das Medium der Fotografie sowohl im dokumentarischen Sinne, um das flüchtige Leben seiner Erfindungen und “Objekte der Zuneigung” zu bezeugen, als auch im kreativen Sinne, der die Technik in die Lage versetzt, eine neue Bildwelt zu erfinden. Sein Verständnis des fotografischen Mittels wird durch folgende Aussage gut wiedergegeben: “Ich male, was ich nicht fotografieren kann. Ich fotografiere, was ich nicht malen will. Ich male das Unsichtbare. Ich fotografiere das Sichtbare”.

Das Leben von Man Ray

Emanuel Radnitzky, besser bekannt als Man Ray, wurde am 27. August 1890 in Philadelphia in eine Familie jüdischer Abstammung geboren. Im Alter von sieben Jahren zog er nach New York, wo er seine Teenagerjahre verbrachte. Das Leben in der Stadt prägte seine fortschrittliche Einstellung zur Kunst und förderte sein Interesse an bildnerischen Medien. Im Alter von vierzehn Jahren drängten ihn zwei Highschool-Lehrer zu dieser natürlichen Neigung, so dass er sich ausgiebig im Freihandzeichnen und technischen Zeichnen übte. Auf diese Weise erwirbt Man Ray wichtige Fähigkeiten im architektonischen Zeichnen, was ihm 1920 ein Stipendium für ein Architekturstudium an der New York University einbringt. Trotzdem gab der Künstler sein Architekturstudium bald wieder auf, da er kein ausreichendes Interesse daran hatte.

Stattdessen arbeitete er als Zeitungshändler, als Zeichner in einer Werbefirma oder als Zeichner in einem Atlas- und Kartenverlag. Erfahrungen, die ihm halfen, verschiedene Techniken des Grafikdesigns zu erlernen. Er besuchte Kurse am Abendkunstinstitut des Francisco Ferrer Social Center, ebenfalls in New York: die Ideen der Umwelt, die er dort vorfand, stießen auf die volle Sympathie von Man Ray. Der Pädagoge Francisco Ferrer pflegte zu sagen, dass er “Männer braucht, die fähig sind, sich ständig weiterzuentwickeln, sich zu erneuern, stark in ihrer intellektuellen Unabhängigkeit”: Man Rays Leben war genau das, nämlich ununterbrochen auf die Suche nach neuen Ausdrucksmitteln ausgerichtet. Aus diesem Grund verstand es der Künstler stets, sich zu erneuern.

In seinen frühen Zwanzigern prägen die Begegnungen mit bereits etablierten Malern wie Robert Henri und George Bellows Man Ray entscheidend. Er löst sich von den konventionellen künstlerischen Regeln und Traditionen und überzeugt sich mehr und mehr davon, sich auf seine eigene Vorstellungskraft, seinen Mut und seine Unabhängigkeit zu verlassen und keine Angst vor eigenen Initiativen zu haben. In der Tat verfügte Man Ray bereits über ein großes technisches Geschick: Bereits 1909 war er in der Lage, Porträts in einer halben Stunde zu malen, wie das konventionelle Porträt beweist, aber auch Assemblagen zu schaffen, wie die Tapisserie von 1911. Die ersten Werke der 1910er Jahre werden im Kunstinstitut, dem Sozialzentrum Francisco Ferrer, ausgestellt, wo der Maler große Ausdruckskraft und stilistische Reife zeigt.

Am 17. Februar 1913 wurde die Internationale Ausstellung für moderne Kunst, die so genannte Armory Show, eröffnet, die erste öffentliche Präsentation der fortschrittlichsten europäischen Kunst. Für Man Ray ist diese Ausstellung ein neuer Ausgangspunkt, der ihn kurzzeitig in die kubistische Malerei einführt; vor allem aber bestätigen die Kontakte, die er dort knüpft, die Richtung, die er eingeschlagen hat. 1915 war die Freundschaft mit den Künstlern Marcel Duchamp und Francis Picabia entscheidend für die Entwicklung seiner künstlerischen Perspektive. 1916 experimentiert Man Ray mit der Malerei mit dem Areographen, einer neuen Technik, die er zu seiner Produktion von Collagen und Assemblagen hinzufügt. Im selben Jahr kommt er in Kontakt mit der um sich greifenden dadaistischen Bewegung, die 1916 im Cabaret Voltaire in Zürich ihren Ursprung hat und mit geringer Verzögerung nach Amerika gelangt. Vor allem zwei Ereignisse kennzeichnen Man Rays wachsende Beteiligung an den Aktivitäten der Avantgarde.

1916 gründete er zusammen mit Marcel Duchamp die Society of Independent Artistis und präsentierte sich auf der Forum Exhibition of Modern American Painters in den Anderson Galleries mit Invention Dance. Im Ausstellungskatalog betonte Man Ray in einer Erklärung, dass er der Intelligenz und der Fantasie höchste Bedeutung beimaß. 1917 malt Man Ray seine für lange Zeit letzten Ölgemälde: Coffee Machine und Narcissus sind die bekanntesten.

Seine wachsende Freundschaft mit Marcel Duchamp führte dazu, dass er sich immer weniger ausschließlich der Malerei widmen wollte: “Ich wollte etwas Neues finden, etwas, das es mir erlauben würde, ohne Staffelei, Farben und alle anderen Werkzeuge des traditionellen Malers auszukommen. Als ich die Airbrush entdeckte, war das eine Offenbarung: Es war wunderbar, ein Bild malen zu können, ohne die Leinwand auch nur zu berühren; das war eine reine Kopfarbeit” (Man Ray).

Die Kritik, die er nach seinen ersten beiden Einzelausstellungen in der Galerie Daniel (1915) erhielt, war harsch und feindselig. Als Zeugnis dieser schmerzhaften geistigen Krise schuf er 1917 den Suizid. Zwischen 1918 und 1922 nimmt der Künstler seine intensive Forschungstätigkeit wieder auf: Es ist eine Zeit, in der er sich sehr frei fühlt und seine Bemühungen darauf ausrichtet, sich von der Malerei zu lösen. In der Zwischenzeit drehten sich die Aktivitäten des New Yorker Dadaismus hauptsächlich um ihn: Gemeinsam mit Duchamp veröffentlichte er 1921 “New York Dada”, aber er neigte dazu, sich in dieser Erfahrung allein wahrzunehmen. Nur er war Amerikaner, während Duchamp und Picabia Franzosen waren. Da die Amerikaner dazu neigen, alles abzulehnen, was sich nicht als amerikanisches Produkt präsentiert, und folglich auch der dadaistischen Sprache misstrauen, erkennt Man Ray, dass"Dada nicht in New York leben kann". Er erkannte auch, dass es an der Zeit war, umzuziehen, damit er sich als Künstler weiter so entwickeln konnte, wie er es wollte. Duchamp reiste Anfang 1921 nach Europa, und Man Ray zögerte nicht, ihm zu folgen. In Paris war ihm der Ruf eines Verteidigers des dadaistischen Geistes in New York vorausgegangen, weshalb die Dadaisten bereit waren, ihn aufzunehmen. Im Juli 1921 landet er in Le Havre in der Normandie, bereit, der ikonoklastischen Revolution zu folgen, die bereits seit drei Jahren im Gange ist. Bald darauf, im Jahr 1924, veröffentlicht der Essayist André Breton das erste surrealistische Manifest. Man Ray kommt also nach Frankreich, als sich der Dadaismus dem Ende zuneigt und sich der Surrealismus im Umfeld von Breton herauskristallisiert: In diesem Umfeld wird er der erste surrealistische Fotograf.

Ebenfalls 1921 hatte Man Ray seine erste Ausstellung in der Librairie Six, die dem Schriftsteller Philippe Soupault gehörte. Hier stellte er sein berühmtes Werk Cadeau aus, das sich heute in einer Privatsammlung befindet. Es folgten jedoch schwierige Zeiten, eine Zeit der Krise für die Avantgarde im Allgemeinen. Man Ray wendet sich der Fotografie zu, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen: Er hat in Paris großen Erfolg dank seiner Fähigkeiten als Fotograf, insbesondere als Porträtist. Prominente Künstler seiner Zeit posierten vor seiner Linse, darunter Gertrude Stein, die berühmte Schriftstellerin und Kunstkritikerin.

Auch auf dem Gebiet der Fotografie konnte er der Versuchung nicht widerstehen, sich selbst zu erneuern", und experimentierte: 1921 erfand er die Rayographie, ein fotografisches Verfahren, das er zufällig entdeckte und das durch direkten Kontakt auf einem empfindlichen Film realisiert wurde, ohne dass eine Kamera erforderlich war. Während des gesamten Jahrzehnts von 1920 bis 1930 beschäftigt sich Man Ray mit der Fotografie und den von ihm geschaffenen “Objekten der Zuneigung”, um sie als Vorwand für unkonventionelle Fotografien zu nutzen. Im Jahr 1925 nahm er zusammen mit den Künstlern Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró und Pablo Picasso an der ersten surrealistischen Ausstellung in der Galerie Pierre in Paris teil.

Trotz seines Engagements für die Fotografie und die Objekte nimmt sich Man Ray jeden Tag ein paar Stunden Zeit für die Malerei. Mit dem Erfolg, den er um 1929 hatte, malte er morgens und fotografierte am Nachmittag im Atelier. Seine wichtigsten Pariser Gemälde entstehen in zwei kurzen Perioden, 1932-24 und 1938-39. Mitte der 1930er Jahre widmete er auch viel Zeit dem Zeichnen, eine Tätigkeit, die er liebte und von der er selbst sagte: “In diesen Zeichnungen träumen meine Hände”. Les mains libres ist eine Publikation von 1937, in der die meisten surrealistischen Traumzeichnungen gesammelt sind.

Man Ray illustriert Träume, die sich in einigen Fällen sogar als Vorahnung erweisen: Der Traum vom 3. September 1936 zeigt im Hintergrund eine Uhr, die drei Uhr anzeigt. Genau drei Jahre später, am 3. September 1939, brach der Zweite Weltkrieg aus. Infolge des Konflikts musste Man Ray 1940 aus Paris fliehen, da sich in ganz Europa nationalistische antisemitische Bewegungen ausbreiteten.

Aus diesem Grund kehrte er nach New York zurück und zog nach Los Angeles, wo er am College Fotografie und Malerei unterrichtete, ohne sein künstlerisches Schaffen vollständig zu unterbrechen. Nach dem Krieg kehrt er nach Paris zurück und malt und fotografiert weiter. Er kehrte gelegentlich nach Amerika zurück und war 1975 in Italien, um seine Fotografien auf der Biennale von Venedig auszustellen. Sein Zuhause war jedoch in Frankreich, im Pariser Stadtteil Montparnasse, wo er bis zu seinem Tod am 18. November 1976 lebte. Auf seinem Grabstein, der sich heute auf dem Friedhof desselben Viertels befindet, steht “Unbekümmert, aber nicht gleichgültig”.

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Man Rays Hauptwerke und Stil

1908 war Man Ray sehr beeindruckt von den Aquarellen des Bildhauers Auguste Rodin, die er in der 291 Gallery in New York ausgestellt sah. Dort fand er die Freiheit, die er für seinen eigenen künstlerischen Ausdruck suchte. Ähnlich erging es ihm im März 1911, als er die Aquarelle von Paul Cézanne sah, die ihn ebenfalls faszinierten. Man Ray schaute auch auf die Alten Meister: Rembrandt, Frans Hals. Doch von all diesen Künstlern, deren Genialität er zwar bewundert, lässt er sich nur wenig beeinflussen, da seine Bewunderung nie in den Wunsch mündet, sie nachzuahmen, sondern er sie lediglich als ideale Vorbilder betrachtet, die ihn inspirieren.

Von den Formen des Porträts, eines Gemäldes von 1909, in dem er den akademischen Vorgaben folgte, entfernte er sich bald. Bereits 1910 hatte er sich in Stillleben mit Teekanne von ihnen distanziert. Die von ihm eingeschlagene Richtung führte dazu, dass er sich an der Collage und der Assemblage versuchte: So entstand 1911 sein erstes abstraktes Werk, Tapestry, das aus Leinwandmustern aus der Schneiderei seines Vaters zusammengesetzt war. Entschlossen, seinen Weg weg von der Malerei fortzusetzen, wendet er sich dem Studium anderer Werkzeuge zu, darunter dem Areographen: Indem er sich auf dieses Medium konzentriert, schafft er eine physische Distanz zwischen dem Werkzeug und der Leinwand. Das war etwas, was er immer versucht hat, um eine metaphysische Essenz zu erfassen, ohne auf direkten Kontakt zurückzugreifen.

1917 schuf er den Selbstmord, eine Anspielung auf die geistige Krise, die er nach dem Scheitern der amerikanischen Ausstellungen erlitt. Selbstmord ist ein Werk, das auch an eine performative Dimension erinnert: Er montiert die Leinwand auf eine Staffelei und stellt ein Gewehr dahinter auf, das auf die Leinwand gerichtet ist. Man Ray stellt sich vor die Staffelei und zieht an einer Schnur, die den Abzug betätigt, um sich mit dem Thema Selbstmord auseinanderzusetzen, das die Künstler dieser Zeit schon immer beschäftigt hat. 1918, immer noch mit dem Areographen, komponiert er Die Tänzerin an der Schnur begleitet sich selbst mit ihren Schatten. Man Rays Leidenschaft für den Jazz und das Musical zeigt sich 1919 in Werken wie Jazz und Seguidilla, einem spanischen Musical.

Auf seiner krampfhaften Suche nach alternativen Medien, um seine Bindung an die Malerei auf Leinwand weiter zu lockern, kaufte er 1914 seine erste Kamera. Auch hier beschloss er, ein Experimentator zu werden, ein Pionier, der die Art und Weise, wie er über Fotografie denkt, revolutioniert. So porträtiert er in Amerika verschiedene Künstler aus dem Milieu, in dem er sich aufhält. Um 1920 verewigt er seinen Freund Marcel Duchamp, der sich als Rrose Sélavy verkleidet. In diesen Aufnahmen wird die Figur Duchamps aufgehoben und in seiner eigenen Identität vervielfältigt. Dem Porträt wird die traditionelle Funktion der Feierlichkeit der Person abgesprochen. Es handelt sich um eine künstlerische Zusammenarbeit zwischen den beiden Freunden, die zu jener Zeit eine große Verbundenheit ausdrückt: Duchamps Kunst wird durch die Fotografien von Man Ray verewigt, die für Duchamps Idee ein notwendiges künstlerisches Medium darstellen.

Die Freundschaft zwischen den beiden Künstlern, die 1915 begann, entwickelte sich zu einer dauerhaften Beziehung, die natürliche Einflüsse auf das Werk von Man Ray hatte, das auf die Konzeption dessen ausgerichtet war, was er ab 1917 “Objekte der Zuneigung” nennen würde. Die Poetik des Duchamp’schen Readymades klingt in diesen Kreationen nach, doch in diesem Fall wird sie vom Künstler manipuliert.

1920 schuf er ein mit Seilen und Knoten gesichertes Gehäuse, das die darin enthaltenen Gegenstände geheimnisvoll verbirgt. Man Ray nannte es Isidore Ducasse ’s Enigma, ein Titel, der sich auf den Dichter Lautréamont (1846-70) bezieht, das Pseudonym von Isidore Lucien Ducasse, einer von den Dadaisten wegen der Zweideutigkeit seiner Aphorismen geliebten Figur: “So schön wie das zufällige Zusammentreffen einer Nähmaschine und eines Regenschirms auf einem Operationstisch”. Mit dem Titel fordert Man Ray den Betrachter auf, diesem Aphorismus nachzuspüren, indem er kaum einen Blick auf Formen zulässt, die sich auf einen Regenschirm und eine Nähmaschine zurückführen lassen. Cadeau, 1921, war ein “object d’affection”, das in der Librairie Six in Paris ausgestellt wurde. Es handelt sich um ein Bügeleisen, das durch eine Reihe von Nägeln, die auf die Platte geschweißt sind, rektifiziert wird. Durch diese Veränderung wird das Objekt völlig unbrauchbar, seiner Funktionalität beraubt: Man Ray spielt mit diesem Aspekt, indem er in das Objekt eingreift und seine Dysfunktionalität durch einen kleinen Eingriff erzeugt. Im Gegensatz zu seinem Freund Duchamp stellt er Objekte her, die fast immer manipuliert sind, und verzerrt ihren Sinn und ihre Natur mit einem ironischen Erfindungsreichtum. Indem er eine Kontamination zwischen Serienprodukt und Kunstwerk schafft, regt er das Publikum durch eine rätselhafte Komponente zum Nachdenken an.

Dieser Aspekt findet sich auch in seinen Rayographien wieder, Fotografien, die nicht mit einer Kamera aufgenommen wurden, sondern indem verschiedene Objekte auf lichtempfindliches Papier gelegt und für einige Augenblicke dem Licht ausgesetzt wurden. Auf den so entstandenen Fotografien bleibt nur der Umriss des Objekts, seine Spur, erhalten, wodurch mehrdeutige Kompositionen entstehen. Das Bild ohne Titel aus dem Jahr 1923 ist eine der Rayographien, die im Guggenheim in Venedig aufbewahrt werden.

Man Ray erforscht weiterhin die Welt des fotografischen Besonderen und wird als Porträtist immer beliebter. Er verliebte sich in Kiki de Montparnasse, ein berühmtes Pariser Fotomodell, und nahm Hunderte von Fotoporträts von ihr auf. Das bekannteste ist Violon d’Ingres aus dem Jahr 1924, das die surrealistische Saison eröffnete.

Er porträtierte auch andere Protagonisten desselben kulturellen Milieus: den Schriftsteller Ernst Hemingway und die Romanautorin Nancy Cunard, die Künstler Pablo Picasso, Tristan Tzara und Salvador Dali. Wunderschön ist das fotografische Porträt der Sammlerin Peggy Guggenheim.

1934 fotografierte er Meret Oppenheim, eine Künstlerin aus dem Kreis um André Breton: Man Rays berühmtes fotografisches Porträt von ihr, Meret Oppenheim mit einer Druckerpresse, gab ihr den Beinamen Muse der Surrealisten. Die Aufnahme, die im Atelier des Malers Louis Marcoussis entstand und 1934 in der fünften Ausgabe der Zeitschrift Minotaure veröffentlicht wurde, zeigt die nackte Frau, deren Unterarm mit Tinte verschmiert ist, vor dem Rad der Druckerpresse.

Man Ray wurde durch diese surrealistischen Aufnahmen berühmt, schuf aber auch während zweier kurzer Aufenthalte in Paris (der erste zwischen 1932 und 1924, der zweite zwischen 1938 und 1939) bedeutende Gemälde. Eines der bemerkenswertesten ist Das Liebespaar in der Stunde des Observatoriums, ein Gemälde, das von einer banalen Tatsache inspiriert wurde: dem perfekten Abdruck von Kikis roten Lippen auf seinem weißen Kragen.

In seiner künstlerischen Erfahrung, angeregt durch ein Umfeld, das so reich an Möglichkeiten ist, erkundet Man Ray auch den Bereich des Filmemachens. L’étoile de mer ist ein Film aus dem Jahr 1928, in dem der Künstler versucht, mit Hilfe einer Bildfolge ein poetisches Werk zu schaffen. Zu den Protagonisten des Films gehört die Muse Kiki de Montparnasse. Obwohl er zu einer Zeit entstanden ist, in der die Filmforschung in die Fußstapfen der Surrealisten Salvador Dali und LuisBuñuel tritt, erinnert Man Ray an die Dada-Zeit, indem er Wortspiele zwischen die Sequenzen einfügt(Si belle! Cybèle?), als wolle er den spielerischen Sinn vermitteln, der ihm so gut gefiel.

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Wo Sie die Werke von Man Ray finden können

In Italien, in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom, befindet sich ein fotografisches Porträt von Nush Eluard, das 1934 mit der Solarisationstechnik angefertigt wurde. In der Peggy Guggenheim Collection in Venedig findet man Untitled von 1923, eine der frühesten Rayographien, sowie ein wunderschönes Porträt der Sammlerin selbst, Peggy Guggenheim. Wandteppich von 1911 und Selbstmord von 1917 sind in Paris im Centre Pompidou zu sehen, ebenso wie das berühmte Porträt von Kiki in Violon d’Ingres (1924).

Die meisten Werke des Künstlers befinden sich in Amerika: Cadeau (1921) befindet sich in einer Privatsammlung in Chicago. Seguidilla (1919) befindet sich im Smithsonian Institute in Washington DC. Duchamps Porträt von Rrose Sélavy befindet sich im Philadelphia Museum of Art, in der White Collection; das surrealistische Bild von Meret Oppenheim befindet sich im Metropolitan Museum of Art. Das Gemälde At Observatory Time - The Lovers befindet sich im Israel Museum in Jerusalem.

Man Ray: Leben, Werk und Forschung des großen Dadaisten

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