Lucio Fontana: Leben, Werke, die Bedeutung von Schnitten

Lucio Fontana (Rosario di Santa Fé, 1899 - Comabbio, 1968) ist einer der bekanntesten Künstler der Kunstgeschichte und einer der meistdiskutierten. Seine Buchi und Tagli sind oft verwirrend und sorgen manchmal für Verwirrung bei denjenigen, die sie in einem Museum ausgestellt sehen... oder auch nur auf einem sozialen Account posten. Und doch waren nur wenige Werke so revolutionär: Ihr Wert liegt nicht so sehr in der technischen Einfachheit ihrer Entstehung (die in jedem Fall nur vermutet wird: die Schnitte entstanden nach einem ziemlich aufwendigen Prozess, über den wir in einem eigenen Artikel ausführlich berichtet haben), sondern in dem Weg, den der Künstler genommen hat, um zu dieser Intuition zu gelangen, die eine Art Zäsur in der Kunstgeschichte darstellt.

Der italienisch-argentinische Künstler (Fontana war sehr darauf bedacht, seine Herkunft zu betonen, so sehr, dass er sich in mehreren Interviews als “Argentinier” bezeichnete) war einer der großen Protagonisten des 20. Jahrhunderts, gilt als Vater des Spatialismus und kam recht spät zu seinen bekanntesten Werken, denn seine berühmten Raumkonzepte stammen aus den späten 1940er Jahren. Zuvor hatte Fontana viel mit verschiedenen Materialien experimentiert, vor allem mit Gips, Bronze und vor allem Keramik: Der Künstler verfolgte stets die Idee einer Eroberung des Raums, ausgehend von den Überlegungen von Umberto Boccioni, dem einzigen Künstler, dem es laut Fontana gelungen war, diesen neuen Weg zu beschreiten, die Entdeckung der vierten Dimension, d. h. eine Kunst, die sich sowohl von der Zweidimensionalität der Malerei als auch von der Statik der Skulptur lösen würde, um sich in den Raum auszudehnen. Das ist auch der Grund, warum Fontana nicht in der Lage war, eine genaue Definition seiner Werke zu geben: weder Malerei noch Skulptur. Aber wenn wir weitere Vorläufer der “Eroberung des Raums” finden wollen, könnten wir auch die Freiheit und die Bewegung derBarockkunst anführen, die für Fontana ihresgleichen suchte, so dass seine frühen Forschungen mit Keramik genau mit der Barockskulptur verglichen werden können, wegen ihrer Dynamik, wegen der Kühnheit ihrer Entwicklung (es genügt zu bemerken, wie in vielen seiner Skulpturen die verschiedenen Ebenen das Licht auf unterschiedliche Weise reflektieren, was zu immer wieder überraschenden Ergebnissen führt). All dies sind Erfahrungen, die ihn später zu der Intuition von Löchern, Schnitten und Umgebungen führten.

Es ist nicht schwer, Fontanas Denken zu rekonstruieren, denn er ist ein Künstler, der viel geschrieben und viele Interviews gegeben hat. Wir können ihn daher nicht nur als den ersten und wichtigsten Künstler der Spatialisten betrachten, sondern auch als deren Theoretiker: klar, offen, oft auch sehr polemisch (er kollidierte zum Beispiel mit Emilio Vedova), war Fontana ein vielseitiger Künstler, modern, kultiviert, ein Kenner der Kunstgeschichte. Und man kann sagen, dass die Haltung, die ein Teil des Publikums ihm heute entgegenbringt, indem es seine Werke mehr als fünfzig Jahre nach ihrer Entstehung weiterhin verspottet, zutiefst ungerecht ist. Eine Haltung, die auf jeden Fall weit verbreitet war, selbst als der Künstler seine Werke ausstellte: “Die Kritiker haben mich immer verleumdet”, sagte er 1963 in einem Interview mit Nerio Minuzzo für L’Europeo. “Aber ich habe mir nie Gedanken darüber gemacht, ich habe trotzdem weitergemacht und nie jemandem den Gruß entzogen. Jahrelang nannte man mich ’den mit den Löchern’, mit etwas Mitleid sogar. Aber heute sehe ich, dass meine Löcher und Schnitte einen Geschmack getroffen haben, akzeptiert werden und sogar praktische Anwendungen finden. In Bars und Theatern machen sie Decken mit Löchern. Denn heute verstehen sogar die Leute auf der Straße die neuen Formen. Nur die Künstler verstehen leider weniger”.

Lucio Fontana auf der Biennale von Venedig 1966

Lucio Fontana, Biographie

Lucio Fontana wurde am 19. Februar 1899 in Rosario di Santa Fé, Argentinien, als Sohn italienischer Emigranten geboren, von denen er die Leidenschaft für die Kunst geerbt hatte: Sein Vater Luigi war Bildhauer und spezialisierte sich auf Grabstatuen, während seine Mutter Lucia Bottino Theaterschauspielerin war. Der Künstler ging in Italien zur Schule, er besuchte die Grundschule in Biumo, das Tasso-Internat und anschließend das technische Institut des Collegio Arcivescovile in Seregno. Gleichzeitig ging er seiner Leidenschaft für die Kunst nach und begann im Atelier seines Vaters zu arbeiten, da Luigi ebenfalls nach Italien zurückgekehrt war. Als der Erste Weltkrieg ausbricht, verlässt Lucio Fontana 1916 die Schule und meldet sich als Freiwilliger zur Infanterie, wo er Offizier im Rang eines Oberleutnants wird. Im Jahr 1918 wurde er jedoch im Karst verwundet, mit einer Silbermedaille für militärische Tapferkeit entlassen und nahm sein Studium wieder auf, das er als Bauingenieur abschloss. 1921 kehrte er nach Argentinien zurück, wo er sich der Bildhauerei widmete und in der Werkstatt seines Vaters arbeitete. Zunächst arbeitete er zusammen mit seinem Vater im Bereich der Friedhofsskulptur, dann schlug er den Weg der Forschung ein, was ihm erste Aufträge in seinem Heimatland einbrachte. 1927 kehrte er nach Italien zurück und schrieb sich an derAkademie der Schönen Künste in Brera ein, wo er Schüler von Adolfo Wildt wurde: In Interviews sagte Fontana später, dass Wildt ihn als einen seiner begabtesten Schüler und als seinen Nachfolger betrachtete, aber Lucio enttäuschte ihn, indem er einen künstlerischen Weg einschlug, der weit von dem seines Meisters entfernt war. Er schließt 1929 sein Studium an der Akademie ab: Die Werke dieser Phase sind Skulpturen, die stark von Wildt beeinflusst sind.

Der Künstler feiert erste Erfolge: 1930 nimmt er mit zwei Skulpturen an der 17. Biennale von Venedig teil (Wildt ist Kommissar der internationalen Ausstellung) und hat seine erste Einzelausstellung in der Galleria del Milione in Mailand, die von Edoardo Persico kuratiert wird. Hier präsentierte Fontana die Skulptur, die den Bruch mit Wildt herbeiführte, Uomo nero (Schwarzer Mann): “Sobald ich aus der Accademia kam”, erzählt Fontana 1963 in einem Interview mit Bruno Rossi, “nahm ich eine Gipsmasse, gab ihr die grobe figurative Struktur eines sitzenden Mannes und schüttete Teer darauf. Einfach so, für eine heftige Reaktion. Wildt war natürlich ziemlich verletzt”. Der Künstler setzte seine Forschungen auf diesem Weg fort, zunächst mit Gips und dann mit Keramik: In den 1930er Jahren war er in Albissola Marina, wo er mit dem Keramiker Giuseppe Mazzotti zusammenarbeitete. Während des Zweiten Weltkriegs verließ der Künstler Italien wieder und ging nach Argentinien, wo er an der Akademie der Schönen Künste in Buenos Aires Dekoration unterrichtete: Hier unterzeichnete er zusammen mit einigen seiner Schüler und jungen argentinischen Künstlern das Manifiesto Blanco (" Weißes Manifest"), das als Gründungstext des Spatialismus gelten kann. Im selben Jahr schuf er das erste Raumkonzept und 1947 unterzeichnete er zusammen mit Giorgio Kaisserlian, Beniamino Joppolo und Milena Milani das Manifest des Spatialismus. Bevor er nach Italien zurückkehrte, stellte er 1949 im MoMA in New York in einer Gruppenausstellung zur italienischen Kunst des 20.

Zurück in Italien stellte Fontana 1951 seine ersten Ambienti spaziali in Neon auf der Triennale in Mailand aus (im selben Jahr wie das Technische Manifest des Spatialismus) und begann, die Forschungen zu entwickeln, für die er heute allgemein bekannt ist: Die ersten “Löcher” stammen aus den 1950er Jahren. Die “Schnitte” hingegen gehen auf das Jahr 1958 zurück: Sie wurden erstmals 1959 in der Galleria del Naviglio in Mailand präsentiert, danach in Paris, auf der renommierten Documenta in Kassel, auf der 5. Biennale von São Paulo und in verschiedenen anderen wichtigen Zusammenhängen. Außerdem hört Fontana nicht auf, sich mit der Bildhauerei zu befassen, im Gegenteil: in diesen Jahren hält er sich ständig in Albissola Marina auf, wo er ein Atelier hat, in dem er weiterhin großartige Keramikarbeiten schafft. Andererseits stammen einige wichtige Zyklen aus den 1960er Jahren, wie die Olii, die Metalli und vor allem die Fine of God von 1963-1964 und die Teatrini von 1964-1966. Der Künstler zieht 1968 nach Comabbio, wo er am 7. September stirbt.

Lucio Fontana, Fischer (1933-34; farbiger Gips, 183 x 82 x 76 cm; Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana, Niederlegung Christi (1954; Gipsskizze, zweite Fassung; Mailand, Museo Diocesano “Carlo Maria Martini”)

Lucio Fontana, Die vier Tafeln des “Conte Grande” im MuDA in Albissola Marina. Ph. Kredit Finestre sull’Arte.

Lucio Fontana, Struktur für die 9. Mailänder Triennale (1951; Kristallröhre mit weißem Neon; © Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana: Spatialismus, die wichtigsten Werke

Im Gegensatz zu dem, was viele denken, wenn sie seine Löcher und Schnitte betrachten, verfügte Lucio Fontana über eine großartige Technik, die er als kleiner Junge im Kontakt mit seinem Vater entwickelte und dann durch den Besuch der Akademie Braidense verfeinerte. Seine frühen Werke ähneln denen seines Meisters Adolfo Wildt: siehe zum Beispiel die Madonna mit Kind von 1928, wo der Künstler dem klassischen, gewundenen und geschliffenen Stil von Wildt folgt, obwohl er die Grenzen seiner mangelnden Erfahrung aufzeigt. Fontana schuf jedoch auch realistisch inspirierte Werke (z. B. den Fischer von 1933-1934), denen jedoch der Grad der Abstraktion fehlte, den sie später erreichen sollten. Die innovativsten Skulpturen stammen aus dem Ende der 1940er Jahre: Es handelt sich um sehr lebendige, dynamische, vom Barock inspirierte Keramiken, die in der Lage sind, das Licht zu reflektieren und so Effekte zu erzeugen, die den Werken weitere Bewegung verleihen. In gewissem Sinne handelt es sich also bereits um Werke, die mit dem Raum interagieren: Zu den interessantesten Beispielen in diesem Sinne gehören die 1949 hergestellten Conte Grande-Keramiken, die heute im MuDA in Albissola Marina aufbewahrt werden.

Das Technische Manifest des Spatialismus stammt aus dem Jahr 1951: Hier definiert der Künstler seine Absichten mit äußerster Präzision. “Wir begreifen die Kunst als eine Summe von physischen Elementen, Farbe, Klang, Bewegung, Zeit, Raum, und stellen uns eine physisch-psychische Einheit vor, wobei die Farbe das Element des Raumes, der Klang das Element der Zeit und die Bewegung die Entwicklung in Zeit und Raum ist. Dies sind die grundlegenden Formen der neuen Kunst, die die vier Dimensionen des Seins beinhaltet. Dies wären die theoretischen Konzepte der Raumkunst”. Dies waren Konzepte, die der Künstler bereits im Manifiesto Blanco zum Ausdruck gebracht hatte. Was sind nun die Annahmen, die zu den Löchern und Schnitten führen? Die erste: dieEwigkeit der Kunst und ihre Unmöglichkeit, unsterblich zu sein. Das heißt, die Kunst ist dazu bestimmt, als physische Materie zu sterben (früher oder später, im Laufe der Jahrtausende, wird ein Gemälde oder eine Skulptur zerstört werden), aber als angeborenes Bedürfnis des Menschen bleibt die Kunst in ihrer Dimension als Geste ewig. Und eine Geste kann nicht zerstört werden. Die Löcher und Schnitte sind also ein Ausweg aus der Materie, eine Möglichkeit, sie zu überwinden. Zweitens ist die Eroberung des Weltraums eine Folge der Menschheitsgeschichte, die in den Jahren der “Löcher” und “Schnitte” mit den Mondexpeditionen den Weltraum eroberte (ein Thema, das Fontana immer interessiert hat). “Die Entdeckung des Kosmos”, soll Fontana in dem später in Autoritratto veröffentlichten Interview zu Carla Lonzi gesagt haben, “ist eine neue Dimension, es ist die Unendlichkeit, also durchstoße ich diese Leinwand, die die Grundlage aller Künste war, und ich habe eine unendliche Dimension geschaffen, ein X, das für mich die Grundlage aller zeitgenössischen Kunst ist. Wenn nicht, sagen Sie einfach, es ist ein Büs, und tschüss”. Drittens: Der Spatialismus steht für die Notwendigkeit, eine Kunst der Zukunft zu schaffen, eine Kunst, die “im Raum übertragbar” ist, eine Kunst, die in ihrer Zeit lebt. Eine Kunst, die uns auch die Wissenschaft verstehen lässt, wenn man so will.

Aus diesem Grund nannte der Künstler die Raumkonzepte die Löcher und Schnitte. Für letztere hat Fontana übrigens nicht einmal den Begriff “Schnitte” verwendet, sondern von Warten gesprochen. Denn der offene Schnitt projiziert uns in eine neue Dimension und wartet darauf, dass etwas Neues geschieht: Es ist, als ob sich hinter der Leinwand etwas im Raum ausbreitet und nur darauf wartet, dass wir es auffangen. Zu den Kritikern, die das Ausmaß von Fontanas Revolution am besten verstanden haben, gehört Gillo Dorfles(seine Erklärung von Fontanas Löchern und Schnitten können Sie unter diesem Link lesen).

Lucio Fontana, Räumliches Konzept. Waiting (1959; Farbe auf Wasserbasis auf Leinwand, 100 x 81 cm; Rovereto, MART - Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Leihgabe aus einer Privatsammlung; © Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana, Räumliches Konzept. 62 O 32 (1962; Öl, Schrägstriche und Graffiti auf Leinwand, 146 x 114 cm; Mailand, Fondazione Lucio Fontana; © Fondazione Lucio Fontana)

Lucio Fontana, Räumliches Konzept. Waiting (1964; Zementit auf Leinwand, 190,3 x 115,5 cm; Turin, Galleria d’Arte Moderna). © Lucio Fontana Stiftung

Die Größe und Bedeutung von Fontanas Schnitten

“Ein Wissenschaftler”, sagte Fontana 1965, “ist in seinem Labor eingeschlossen und arbeitet für die Massen, für die Menschheit. Wenn ich in meinem Beruf als Maler ein Bild mit einem Schnitt mache, will ich kein Bild machen: Ich eröffne einen Raum, eine neue Dimension in der Ausrichtung der zeitgenössischen Kunst: das Ende der Skulptur oder einer Tradition der Malerei im Sinne der Staffelei; aber es ist auch eine neue Dimension des Kosmos. Ich wollte mit meiner kleinen Entdeckung, dem Loch, keine Leinwand dekorieren: ich habe diese Dimension durchbrochen; jenseits dieses Lochs gibt es eine neue Freiheit der Kunstinterpretation, das Ende einer traditionellen Kunst, dieser Dreidimensionalität, für eine Dimension, die unendlich ist: es geht in Richtung Zukunft”. Obwohl diese Worte vom Künstler selbst stammen, kann man von hier aus die Größe und Bedeutung der Schnitte von Lucio Fontana verstehen. Der Künstler gehörte zusammen mit anderen Größen wie Alberto Burri, Afro Basaldella und Giuseppe Capogrossi zu den ersten, die eine auf der Geste basierende Kunst begründeten. Zudem legte Fontana mit seinen Löchern und Schnitten den Grundstein für die Überwindung der Dreidimensionalität. Darüber hinaus können Fontanas Werke fast als die ersten in der Kunstgeschichte angesehen werden, die die Unendlichkeit darstellen, und sie eröffnen wichtige spätere Forschungen (wie die von Enrico Castellani).

Und auch hier sind die Schnitte ein Weg, die Fiktion der Kunst zu überwinden: Es ist, als ob Fontana uns sagen wollte, dass die wirkliche Welt nicht die auf dem Gemälde oder im Inneren der Skulptur ist, sondern die, die sich jenseits des Schnittes öffnet. Eine Entdeckung, die Fontana mit großer Klarheit gemacht hat. Außerdem kann man sagen, dass Fontana die dritte Dimension endgültig überwunden hat, dank einer Kunst, die in der Lage ist, den Raum einzunehmen (am deutlichsten in seinen Ambienti spaziali). Betrachtet man die Werke als “Konzepte”, so kann Fontana außerdem als einer der Vorläufer derKonzeptkunst angesehen werden, der sich auf dem Weg von Duchamp zu der Kunst befindet, die sich ab Mitte der 1960er Jahre entwickeln sollte. Lucio Fontana ist letztlich einer der Großen der Kunstgeschichte des 20.

Wo sind die Werke von Lucio Fontana zu sehen?

Die Werke von Lucio Fontana befinden sich in verschiedenen Museen auf der ganzen Welt. In Italien befinden sich Fontanas Werke in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom, im Museo del Novecento in Mailand (wo ihm ein ganzer Saal gewidmet ist), im Museo Diocesano in Mailand, im MART in Rovereto, im MADRE in Neapel, im GAM in Turin, im Museo Novecento in Florenz, in der Sammlung Casamonti in Florenz, im Museo Revoltella in Triest und im MAGI ’900 in Pieve di Cento. Werke von Fontana werden auch in den Vatikanischen Museen aufbewahrt. Das MuDA in Albissola Marina (der Ort, in dem der Künstler sein Atelier hatte, in dem seine Keramiken hergestellt wurden) bewahrt einen guten Kern von Fontanas Keramiken auf. Gegen Ende seiner Karriere war der Künstler sehr produktiv, da er nach eigenen Angaben ständig nach “Löchern” und “Schnitten” gefragt wurde, was dazu führte, dass er viele davon herstellte, obwohl er nicht so reich wurde, wie man angesichts der Millionenpreise, die einige seiner Werke heute auf Auktionen erzielen, vermuten könnte. Mehrere kommerzielle Galerien besitzen Werke von Fontana, die regelmäßig in großen Ausstellungen in Italien und im Ausland gezeigt werden.

Lucio Fontana: Leben, Werke, die Bedeutung von Schnitten

Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.