Jackson Pollock, Leben und Werk des großen abstrakten Expressionisten

Die repräsentativste Figur deramerikanischen Kunst in den 1940er und 1950er Jahren war Jackson Pollock (Cody, 1912 - Long Island 1956), ein rastloser und rebellischer Mann, der dem Alkohol verfallen war, auf den er zeitlebens nicht verzichten konnte und der zu seinem frühen Tod führte. Er war einer der führenden Vertreter desAbstrakten Expressionismus, einer der bekanntesten Künstler Amerikas, dem sogar die Zeitschrift Life eine Seite widmete. Der jähzornige Pollock, der schon früh von der Sammlerin Peggy Guggenheim unterstützt wurde, verhalf der abstrakten Kunst mit seiner Dripping-Technik zum großen Durchbruch.

Der an der amerikanischen Geschichte interessierte Künstler begann, sich mit der Kultur der Ureinwohner zu befassen, was sein Werk stark beeinflusste. Er wurde auch vom Surrealismus beeinflusst, dessen führende Vertreter nach dem Zweiten Weltkrieg nach New York kamen und innovative Elemente in die amerikanische Malerei einbrachten. Pollock hielt sich auch an die Psychoanalyse von Carl Gustav Jung , für den die gesamte Menschheit auf einer unbewussten Ebene kollektive Archetypen oder Urformen teilt, die für alle die gleiche Bedeutung haben. Pollock lernte die Malerin Lee Krasner kennen und heiratete sie, mit der er nach Long Island zog, obwohl die Treue der Malerin nur von kurzer Dauer war.

Jackson Pollock

Das Leben von Jackson Pollock

Jackson Pollock wurde am 28. Januar 1912 in Cody, Wyoming, als Sohn einer Familie aus bescheidenen Verhältnissen geboren. Seine Jugend verbrachte er zwischen Arizona und Kalifornien. 1929 zog er mit seinem Bruder nach New York City, wo beide die Art Students League besuchten, wo sie von dem Maler Thomas Hart Benton , einem der führenden Vertreter des amerikanischen Realismus, unterrichtet wurden. Was den jungen Pollock beeindruckte, war weniger Bentons Vorliebe für amerikanische Landschaftsmotive als vielmehr seine Verwendung von Farbe und seine starke Unabhängigkeit, zwei Elemente, die Pollocks Kunst prägten. Von 1935 bis 1943 arbeitete er als Wandmaler für das Federal Art Project , dessen Ziel es war, Beschäftigungsmöglichkeiten für arbeitslose und benachteiligte Künstler zu schaffen, Kunstwerke zur Ausschmückung öffentlicher Gebäude zu produzieren und die amerikanische Bevölkerung über Kunst aufzuklären. In dieser Zeit interessierte sich der amerikanische Künstler für die großen mexikanischen Meister, die sich tatsächlich der Wandmalerei widmeten. Zu ihnen gehörten José Clemente Ozorco, Diego Rivera und David Alfaro Siqueiros: Letzterer übte einen starken Einfluss auf Pollock aus, da der mexikanische Künstler bei einem Seminar in New York die Verwendung reiner Farben vorstellte.

Bereits in den 1940er Jahren genießt Pollock dank der Unterstützung des Kritikers Clement Greenberg, einem seiner wichtigsten Förderer, sowie der Sammler und Galeristen Betty Parsons und Peggy Guggenheim eine gewisse Anerkennung. 1943 kaufte das MoMa (Museum of Modern Art) ein Werk von Pollock, The She-Wolf (1943), im Anschluss an die Ausstellung Art of This Century, die im Jahr zuvor in der Museumsgalerie von Peggy Guggenheim stattfand; Peggy Guggenheim selbst bot Pollock einen Vertrag an, der bis 1947 dauern sollte. Anfang der 1940er Jahre nimmt er auch an der AusstellungAbstract and Surrealist Art in America in der Brandt Gallery in New York teil. Die erste Einzelausstellung des amerikanischen Künstlers fand 1950 auf Initiative von Peggy Guggenheim im Museo Correr in Venedig statt, aber Jackson nahm nicht daran teil, da er nicht gerne außerhalb der Vereinigten Staaten reiste. Nach der venezianischen Einzelausstellung ging Pollock auch nach Paris ins Studio Paul Facchetti, wo er 1952 seine Drippings dem französischen Publikum vorstellte. 1945 lernte Jackson die junge Malerin Lee Krasner kennen und heiratete sie, mit der er in der Nähe von Long Island ein kleines Hausatelier eröffnete. Hier begann Pollock mit seiner berühmten Maltechnik zu experimentieren, die darin bestand, spontan zu malen, indem er Farbe direkt auf die Leinwand tropfte. Die Leinwände wurden auf dem Boden ausgelegt (und schon die Position war ausgesprochen unkonventionell), und der Künstler begann, sich der Technik zu bedienen, die Pollocks Namen begleiten sollte: dieTropftechnik. Diese neue Vorgehensweise und das innovative Verhältnis zur Leinwand begründen dieAktionsmalerei, die auch als gestische Malerei oder allgemeiner als abstrakter Expressionismus bezeichnet wird: Es handelt sich um einen Stil der “allseitigen” Malerei, der mehr auf den Bildelementen (Leinwand, Farbe und Raum) als auf den dargestellten Themen basiert. Der abstrakte Expressionismus wurde auch mit anderen Künstlern der amerikanischen Schule wie Mark Rothko, Franz Kline, Willem de Kooning und Barnett Newman in Verbindung gebracht. Die Jahre zwischen 1945 und 1950 waren Pollocks schöpferischste und intensivste Jahre, aus denen seine berühmtesten Gemälde stammen: Enchanted Forest (1947), Number One (1948), One (1950). Das Renommee des jähzornigen Malers wächst von Tag zu Tag und wird durch eine Titelgeschichte verstärkt, die ihm die amerikanische Zeitschrift Life am 8. August 1949 widmet und in der die Frage gestellt wird: “Ist er einer der größten Maler der Vereinigten Staaten?”: Diese Frage wird von Sammlern bejaht, die beginnen, die Werke des jungen Malers zu kaufen. Nach einer so erfolgreichen künstlerischen Laufbahn stirbt Pollock am 11. August 1956 im Alter von vierundvierzig Jahren bei einem Autounfall, der durch seine Trunkenheit verursacht wurde.

Jackson Pollock, Die Wölfin (1943; Öl, Gouache und Gips auf Leinwand, 106,4 x 170,2 cm; New York, MoMA)

Jackson Pollock, Die Mondfrau (1942; Öl auf Leinwand, 175,2 x 109,3 cm; Venedig, The Peggy Guggenheim Collection)

Jackson Pollock, Enchanted Forest (1947; Öl und Alkyd-Email auf Leinwand, 221,3 x 114,6 cm; Venedig, The Peggy Guggenheim Collection)

Der Stil und die Hauptwerke von Jackson Pollock

Auf den ersten Blick mögen Pollocks Leinwände wie Labyrinthe erscheinen, gewundene Formen, die sich um sich selbst drehen, eine unbändige Farbexplosion, in der sich der Blick des Betrachters in diesem Raum verliert, der kein Zentrum zu haben scheint. Doch Pollock zeigte durch den einfachen Akt, die Leinwand von der Staffelei zu nehmen und auf den Boden zu legen und dann die Farbe nur nach dem Zufallsprinzip zu tropfen, dass es möglich war, eine andere Beziehung zur Leinwand und zur Kunst im Allgemeinen zu haben. Es war eine andere Beziehung als die kalte und rationale, die die Werke eines für die amerikanische Kunst so grundlegenden Künstlers wie Piet Mondrian kennzeichnete: Pollocks Beziehung war direkter, impulsiver und fast viszeral. Pollocks frühe Jahre waren fast wie eine Übung in den Werken der großen Meister wie Michelangelo, Tintoretto und Rubens , wovon eine Reihe von Zeichnungen zeugen, die in der Pollock-Krasner Foundation in New York aufbewahrt werden: Aus diesen frühen Zeichnungen geht bereits die innewohnende Energie hervor, die in den Drehungen und Wendungen der Körper, der Anatomie und der von ihnen ausgehenden Kraft spürbar ist.

In den frühen 1940er Jahren interessiert sich Pollock für die Erforschung primitiver Motive und mythologischer Themen. Das Beispiel, das seine Untersuchung am besten repräsentiert, ist The She-Wolf (1943): Das hier dargestellte Tier könnte auf die Wölfin anspielen, die Romulus und Remus säugte, wie es in der Legende von der Gründung Roms heißt. Pollock erklärte 1944: "Die Wölfin ist entstanden, weil ich sie malen musste". Obwohl Pollock zu diesem Zeitpunkt noch nicht an dem Punkt angelangt war, an dem er die Dripping-Technik anwandte, die ihn weltberühmt machte, kann man bereits Farbspritzer auf der Leinwand beobachten, die an einigen Stellen Formen ohne Linien und Farbe zeigen, in denen ein erster Schritt in Richtung Abstraktion zu erkennen ist. Die Wölfin, die sich nach links bewegt, ist aus dicken schwarzen und weißen Linien zusammengesetzt. Ihr Körper ist mit schweren Linien, Flecken und unleserlichen kalligrafischen Zeichen bedeckt. Die Protagonisten der frühen Werke sind also totemistische Motive, die die surrealistische Bildsprache, für die sich Pollock kurzzeitig interessierte, und die Wandmalerei auf der Leinwand vereinen. In dem Werk The Moon Woman (1942) wurde Pollock von dem Dichter Charles Baudelaire und dem französischen Symbolismus beeinflusst. Im Zentrum steht eine einsame Frau, die aus dem Hintergrund auftaucht, und an den Seiten befinden sich geheimnisvolle Symbole, die mit dem Archetypus der Weiblichkeit verbunden sind. Der spitz zulaufende Körper, der mit einem einfachen schwarzen Pinselstrich dargestellt ist, kontrastiert mit dem beunruhigenden Gesicht, das an die von Picasso in Demoiselles d’Avignon (1906-07) dargestellten Frauenfiguren erinnert. Es ist sogar wahrscheinlich, dass Pollock die Ausstellung gesehen hat, die ihm das Museum of Modern Art in New York 1942 widmete. Aus diesen frühen Werken gehen Themen hervor, die eng mit der Natur, der Magie und dem Symbolismus verbunden sind, Merkmale, die auch im reiferen Schaffen des Malers erhalten bleiben. In den folgenden Jahren wird die Tendenz zur Abstraktion immer deutlicher, wie in Number 1 (1948). Das Werk wird im selben Jahr in der Betty Parson Gallery in New York zum ersten Mal ausgestellt. Die Verkaufszahlen waren enttäuschend und die Kritiken negativ, doch erst im folgenden Jahr zeigte das Magazin Life Pollock mit verschränkten Armen, eine Zigarette im Mund und unter der Frage “Ist er der größte Künstler der Vereinigten Staaten?”.

Während der Künstler sich auf der Leinwand bewegte, ließ er die Farbe auf die Oberfläche tropfen, um eine starke Energie zu erzeugen: Schwarze und weiße Linien laufen zusammen und bilden ein verschlungenes Netz aus Farben. Die Art und Weise, wie die Farbe auf der Fläche liegt, deutet auf die Geschwindigkeit und die Kraft des Fortschritts des Künstlers hin, wie in Silver over black, white, yellow and red (1949). In Number 8 (1949) hingegen nimmt Pollocks Linie verschiedene Formen an, wie der Kritiker Frank O’Hara erklärte, dass der Künstler durch seine Fähigkeit, eines der einfachsten Elemente wie die Linie zu verdünnen, zu verdicken und zu verlängern, in der Lage war, Raum, Tiefe und die Hierarchie der Bildelemente aufzuheben.

Pollocks Oberflächen sind physisch präsent und ziehen den Betrachter in eine direkte Konfrontation mit dem abstrakten Feld der Leinwand. Autumn Rhythm entstand 1950 und ist eines der berühmtesten Werke des Malers. Das Pigment wurde mit den unterschiedlichsten Mitteln aufgetragen: mit Messern, Stöcken und Händen. Es gibt keinen zentralen Brennpunkt, jeder Teil der Oberfläche hat die gleiche Bedeutung. Auch die Abmessungen (266 x 525 cm) sind von großer Bedeutung, denn der Betrachter fühlt sich angesichts eines so überwältigenden Gemäldes in den Bann gezogen. Folgt man den wirbelnden, üppigen Linien, kann man sich fast Pollocks “rituellen Tanz” vorstellen. In diesen Werken fehlt es an Voraussicht , was jedoch nicht mit mangelnder Kontrolle gleichzusetzen ist, da Pollock, wie er in verschiedenen Interviews sagte, den Fluss der Farbe kontrollierte. Für Pollock musste die Kunst sinnvolle und aufschlussreiche Inhalte vermitteln. 1945 fand in der Galerie Pierre Matisse eine Ausstellung mit Gemälden von Joan Miró statt, einem Künstler, den Pollock sehr bewunderte, und der wahrscheinlich den Anstoß für die Kunst des amerikanischen Künstlers gab. Bei den von Pollock bewunderten Gemälden handelte es sich um die Konstellationen, eine zwischen 1940 und 1941 entstandene Serie von Werken, die aus einer Reihe von über die Leinwand verstreuten und durch eine dünne Linie verbundenen Formen besteht, die an eine Sternenmetapher erinnern. Einige Kritiker behaupteten, Miró sei ein direkter Vorläufer der Werke, die Pollock später ausführen sollte.

Lavander mist (1950) verkörpert den künstlerischen Durchbruch des amerikanischen Künstlers in den frühen 1950er Jahren. Das Werk entstand in der Nähe von Long Island, in dem Haus-Atelier, in dem er mit seiner Frau lebte. Für den Künstler war das Heraufbeschwören solch lyrischer und ausgewogener Farbtexturen fast ein ritueller Akt. Tatsächlich lernte Pollock die Eingeborenen seiner Heimat kennen, für die das Malen ein Ritual war. Und wie ein einheimischer Künstler signierte Pollock Lavander Mist in der oberen linken Ecke der Leinwand mit seinen Handabdrücken. Die Allover-Technik (total, all-over) ermöglichte es dem Künstler, einen homogenen Raum zu schaffen, ohne Hierarchie, alles verschwimmt ineinander: Fläche und Tiefe, oben und unten. Es ist legitim, Pollocks Beziehung zur Leinwand als Vorwegnahme derPerformance-Kunst zu betrachten, die zwischen den 1960er und 1970er Jahren ihre größte Blütezeit erlebte. Wie bei den Performances wird auch bei Pollocks Leinwänden der Ausdruckswert durch den Körper, den Geist und die Gefühle bestimmt.

Jackson Pollock, Number 1 (1948; Öl und Farbe auf Leinwand, 172,7 x 264,2 cm; New York, MoMA)

Jackson Pollock, Lavendelnebel (1950; Öl, Emaille und Aluminium auf Leinwand, 221 x 299,7 cm; Washington, National Gallery of Art)

Wo sind die Werke von Jackson Pollock zu sehen?

Die meisten Werke von Jackson Pollock sind im Guggenheim Museum in New York zu sehen(The Moon woman, 1942, und einige seiner berühmtesten Drippings ), Autumn Rhythm, (1950) befindet sich im Metropolitan Museum, und Lavander Mist (1950) ist in der National Gallery in Washington zu sehen. Die National Gallery of Australia besitzt eines der berühmtesten Werke Pollocks: Blue Poles (1952), obwohl der Kauf des Werks umstritten war, da der Direktor James Mollison keine Werke über 1 Million Dollar erwerben durfte und das Gemälde nur mit Zustimmung des damaligen Premierministers Gough Whitlam erwerben konnte. Auch Italien besitzt einige von Pollocks berühmten Werken: in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rom sind Watery Paths (1947), Painting A (1950), Square Composition (mit Pferd) von 1937-38 zu sehen.

Jackson Pollock, Leben und Werk des großen abstrakten Expressionisten