Informelle Kunst. Geschichte, Stile, Künstler

In den 1940er und 1950er Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg war die internationale Kunst von einer neuen ästhetischen Strömung, derArt Informel, geprägt, die sich in verschiedenen, meist ungegenständlichen Tendenzen äußerte und die späteren Entwicklungen der zeitgenössischen Kunst von den 1960er Jahren bis heute beeinflussen sollte. Der Kritiker Michel Tapié (Senouillac, 1909 - Courbevoie, 1987) war der erste, der diese Strömungen unter dem Begriff “Art Informel” untersuchte und zusammenfasste. Die informelle Kunst betraf vor allem die Malerei, deren Praxis, weit entfernt von allen Schemata der Vergangenheit, sich auf die Geste, das Zeichen und das Material konzentrierte und vom Künstler expressiv umgesetzt wurde. Durch den Akt des Malens selbst wurden die Technik, die Farben und die Materialien auf der Leinwand entscheidender, Theorie und Inhalt dagegen weniger.

Als Reaktion auf die Grausamkeiten und Traumata des Krieges reagierten die Künstler von Europa über die Vereinigten Staaten bis nach Japan auf die bisherigen Bildkonventionen, sowohl auf die traditionellen naturalistischen und figurativen Werke als auch auf den geometrischen Stil, der den Abstraktionismus des frühen 20. Der Weg zu informellen Ergebnissen war auch durch die Erfahrungen des europäischen Dadaismus und Expressionismus eröffnet worden.

Wie Tapié beschreibt, handelte es sich um eine Reihe von Stilen und Künstlern, die nicht daran interessiert waren, Teil einer Bewegung zu sein, sondern “an etwas viel Seltenerem, als authentische Individuen”. Art Informel beschreibt somit das kulturelle und künstlerische Klima der internationalen Gesellschaft in der Mitte des Jahrhunderts und vereint eine interessante Vielfalt von Ausdrucksformen ohne Regeln oder festgelegte Modelle, was seine Definition breit und offen macht; sie umfasst alles vonArt Brut bis zu Material Painting, von Tachisme bis zurLyrischen Abstraktion, die im amerikanischenAbstrakten Expressionismus zusammenlief, bis zu den Experimenten der Gruppen CoBrA und Gutai.

Es gibt zahlreiche Vertreter dieser Strömung, die ihre vielfältigen Lösungen aufzeigen, darunter einige der repräsentativsten: Jean Fautrier (Paris, 1898 - Châtenay-Malabry, 1964) und Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 - Paris, 1985), Georges Mathieu (Boulogne-sur-Mer, 1921 - Boulogne-Billancourt, 2012), Hans Hartung (Leipzig, 1904 - Antibes, 1989) und Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze; Berlin, 1913 - Paris, 1951), Antoni Tàpies (Barcelona, 1923 - 2012), Asger Jorn (Vejrum, 1914 - Aarhus, 1973), Karel Appel (Amsterdam, 1921 - Zürich, 2006), Jackson Pollock (Cody, 1912 - Long Island, 1956) und Willem de Kooning (Rotterdam, 1904 - New York, 1997), die Italiener Alberto Burri (Città di Castello, 1915 - Nizza, 1995), Emilio Vedova (Venedig, 1919 - 2006), Giuseppe Capogrossi (Rom, 1900 - Rom, 1972) und andere.

Ursprünge und Entwicklung des Informellen

Die informelle Kunst, die 1951-1952 mit den beiden Ausstellungen Vehémences confrontées und Signification de l’Informel in Paris ihre offizielle Weihe erhielt, hatte bereits Jahre zuvor mit den französischen Künstlern Jean Fautrier und Jean Dubuffet sowie dem in den Vereinigten Staaten tätigen Deutschen Hans Hofmann ihre ersten Vertreter gefunden. Dubuffet, der Förderer der Art Brut, und Tapié hatten sich Mitte der 1940er Jahre kennengelernt und 1945 gemeinsam Fautriers Ausstellung Les Otages (Die Geiseln) in der Galerie René Drouin in Paris besucht, die die intellektuelle Gemeinschaft faszinierte und Tapiés Engagement für die Förderung dieser neuen Art autre oder “anderen” Kunst auslöste.

Fautriers Werke, die in den zwei Jahren vor der Ausstellung während des Krieges entstanden, waren von einer neuen und radikalen Ausdruckskraft und beschrieben in einem sehr persönlichen Stil die Gräueltaten, die deutsche Soldaten an Gefangenen (den Geiseln) in einem Gefängnishof verübten, den der Künstler von der nahe gelegenen psychiatrischen Klinik aus beobachten konnte, in die er sich als Anti-Nazi-Partisan geflüchtet hatte. Der Politiker und Schriftsteller André Malraux nannte diese Werke “das schönste Kriegsdenkmal des Zweiten Weltkriegs”. Um seine innere Vision des Schreckens auszudrücken, hatte Fautrier begonnen, erdige, raue Impastos auf der Leinwand zu verwenden und abstrakte Formen mit offensichtlichen Gesten zu komponieren. Diese Leinwände verkörpern die Prinzipien des Informel, das auf diese Weise das Trauma und das existenzielle Unbehagen imEuropa der Nachkriegszeit interpretiert.

In den folgenden Jahren beginnt Tapié, wie im Laufe seiner Karriere, Ausstellungen und Kataloge zu kuratieren. 1947 wird er Berater der Galerie Drouin und unterstützt die Einführung der "AbstractionLyrique" (Lyrische Abstraktion) von Georges Mathieu. Mathieu wiederum ist von den Werken des Malers Wols, der seinen als“Tachisme” bezeichneten Stil vorstellt, äußerst fasziniert und lädt ihn zur Teilnahme an der ersten seiner “Kampfausstellungen” ein, mit denen er bekräftigen will, dass die neue Form der Malerei “nichts mit dem zu tun hat, was weiterhin als zeitgenössisch ausgestellt wird”. Für Mathieu waren die Werke und Leinwände “echte Schlachtfelder”, die der Maler “mit dem gleichen Elan und der gleichen Wut wie ein echter Kampf” anging.

1948 organisiert der dänische Künstler Asger Jorn zusammen mit Carl-Henning Pederson, Pierre Alechsinky, Corneille Beverloo, Karel Appel und dem Schriftsteller Christian Dotremont die Gruppe CoBrA, deren Name sich aus den Anfangsbuchstaben der Heimatstädte der Gründer - Kopenhagen - Brüssel - Amsterdam- zusammensetzt. Die Ideale der Gruppe entstanden als Reaktion auf die Wunden des Zweiten Weltkriegs, verbunden mit einer “Kunst der Unmittelbarkeit”, einem Ausdruck des Unbewussten und der kindlichen Impulse, die sich mit den globalen Zielen des Informel deckten. Viele dieser Künstler zogen nach Paris und lernten dort Tapié kennen, der ihre Werke als Beispiele für eine neue und andere Kunst ansah und begann, auch ihre Arbeiten zu fördern.

Zu Beginn der 1950er Jahre hatten sowohl Dubuffet als auch Jorn ihr persönliches Streben nach Abstraktion begonnen und waren sich der Innovationen der Amerikaner Jackson Pollock, Willem de Kooning und anderer bewusst. Dank Tapié fand 1951 die erste Einzelausstellung von Pollock selbst im Studio Paul Fachetti in Paris statt, und 1952 wurde die Gruppenausstellung “Un art autre” veranstaltet, die zusammen mit einer gleichnamigen Publikation eine Bestandsaufnahme der Kunsttendenzen der Nachkriegszeit vornahm und die Grundlage für diese neue internationale ästhetische Entwicklung bildete. Bei dieser Gelegenheit wurden u. a. die Werke französischer Künstler und von CoBrA zusammengeführt.

In den Vereinigten Staaten hatte sich, wie bereits erwähnt, Mitte der 1940er Jahre die Strömung der Abstrakten Expressionisten etabliert, eine Generation von Künstlern, die vor allem in New York lebte, gefolgt von den Kritikern Harold Rosenberg und Clement Greenberg, die die amerikanische Identität ihres neuen Phänomens der ungegenständlichen Malereipriesen. Die europäische informelle Kunst wurde in den Vereinigten Staaten bald als Abstrakter Expressionismus definiert und präsentierte sich in zwei Hauptströmungen der Malerei, dem“Action Painting” , dem unter anderem die bereits erwähnten Pollock, de Kooning und Franz Kline angehörten, und dem“Colour Field Painting”, zu dem die Werke von Mark Rothko, Clyfford Still und Barnett Newman gehörten.

Zur gleichen Zeit, stark beeinflusst vom Abstrakten Expressionismus, wurde 1954 die japanische Gruppe Gutai Art Association unter der Leitung von Jiro Yoshihara gegründet, die sich aus etwa 20 jungen Künstlern aus Osaka zusammensetzte, die mit ihren internationalen Kollegen in dem Wunsch vereint waren, in der Leere, die die Gräueltaten des Krieges und die Folgen der Atombombe hinterlassen hatten, eine neue Bildsprache zu schaffen.

Tapié unterstützte damals die Gutai, da sie ihren künstlerischen Vorschlag als “frei von konventionellem Formalismus, der nach etwas Frischem und Neuem rief” ansah, und beteiligte sie und, beginnend mit dem Werk von Jiro Yoshihara, an den Ausstellungen Sekai konnichi no bijutsuten (Ausstellung zeitgenössischer Weltkunst) im Takashimaya-Kaufhaus in Tokio 1956-1957, die die erste Ausstellung informeller Kunst in Europa sein sollte. die mit siebzehn Werken aus Tapiés persönlicher Sammlung die erste Ausstellung informeller Kunst in Japan war, und 1958 in anderen Ausstellungen, darunter die Ausstellung in der Martha Jackson Gallery in New York, die die erste der Gruppe außerhalb Japans war.

In der Zwischenzeit war der französische Kritiker 1956 in Turin, Italien, gelandet, wo er die Begeisterung zahlreicher Maler kennenlernte, unter denen Emilio Vedova, Giuseppe Capogrossi und der Revolutionär Alberto Burri, zusammen mit vielen anderen wichtigen Vertretern des italienischen Informel, in dieser Zeit von Bedeutung waren. Tapié entschied sich, in der piemontesischen Hauptstadt zu bleiben und organisierte 1959 und 1962 zwei große Ausstellungen, die erste “Arte Nuova” und die zweite “Structures and Style”, mit der er am Ende des Jahrzehnts einen Überblick über die europäische, amerikanische und japanische Malerei gab. Anfang der 1960er Jahre, als die Gesellschaft die Nachkriegszeit hinter sich gelassen hatte, war das Informel im Begriff, von den nachfolgenden künstlerischen Impulsen auch im Bereich der Malerei überholt zu werden, auch wenn viele der ihm angehörenden Künstler weiterhin einflussreiche Werke schufen.

Während Tapié in Turin dasICAR (Internationales Zentrum für Ästhetische Forschung) gründete, war die Hauptstadt der zeitgenössischen Kunst von Paris zu New York geworden. Im ICAR förderte er weiterhin Werke italienischer und turinischer Künstler neben Künstlern wie Dubuffet, Hofmann, Tàpies, Pollock und den Gutai in einem wichtigen Dialog des internationalen Austauschs. Tapié war für die internationale Bekanntheit von innovativen Künstlern wie Lucio Fontana verantwortlich.

Stile und Tendenzen der informellen Malerei

Wie bereits erwähnt, war die informelle Bewegung keine homogene künstlerische Bewegung und wies sogar gegensätzliche Tendenzen auf, da sich jeder Künstler auf die für ihn freieste, spontanste und ausdrucksstärkste Weise ausdrückte. Es war ein Weg, der in der Nachkriegszeit festlegte, dass die Kunst wieder vom Individuum ausgehen sollte, von der einzigartigen Beziehung des Autors zu seinem Werk, die von den Schriftstellern und Intellektuellen der philosophischen Strömung des europäischenExistenzialismus geteilt wurde. Trotz stilistischer Unterschiede setzten sich viele Künstler mit den Themen Krieg, Leid und Trauma, Irrationalität und Freiheit auseinander und versuchten, die historischen Ereignisse zu verarbeiten und einen neuen Weg zu finden, um eine neue Gesellschaft zu gestalten.

In der “informellen” Malerei ohne erkennbare Figuren, ohne Perspektive und Geometrie lassen sich mindestens drei Strömungen ausmachen, die den Hauptprotagonisten gemeinsam sind: das gestische, das zeichenhafte und das materielle Informel. Die erste, die Aktionsmalerei, bei der das Werk dem Akt des Malens selbst entspricht und über das ausgeführte Gemälde hinausgeht, bei der die Farbe mit instinktiven, nicht-kanonischen Gesten auf die Leinwand gebracht wird und bei der sich der Künstler in Bezug auf den Untergrund bewegt; in all ihren Ausprägungen basiert sie weitgehend auf der Abstraktion von Gesten, die oft persönliche Geschichten und unterschiedliche Absichten enthalten. Von den existenziellen Erkundungen der amerikanischen abstrakten Expressionisten bis hin zu den “Kämpfen” von Georges Mathieu oder den Zeichnungen von Asger Jorn erlaubte die gestische Malerei den Künstlern, sich der Spontaneität hinzugeben. Die gestische Gruppe hat als ihren amerikanischen Protagonisten Jackson Pollock und seine Technik des " Dripping ", d. h. des Abtropfens von Farbe auf große, unter ihm ausgebreitete Leinwände, der wie andere im Stehen arbeitete. In Europa war Wols, der Hauptpionier des Tachismus (von tache = Fleck), ein führender Künstler, dessen Malerei auf dem fleckenweisen Auftragen von Farbe mit Pigmenten direkt aus der Tube beruhte. Wols schuf seine eigene Bildsprache, indem er Farbe auf innovative und unkonventionelle Weise verwendete: “dünne Farblasuren, krustenartige Schlämme, gespritzte und gegossene Pigmente, direkte Rinnsale aus flüssiger Farbe, abgeschabte Ränder, Rückenkratzer und Pinselstriche, sogar Spuren, die mit den kreisförmigen Öffnungen von Farbtuben gemacht wurden”. Wols wurde oft mit Jackson Pollock verglichen, doch waren seine Bilder kleiner und kontrollierter als Pollocks Drip Paintings.

Von den Kobras weist neben Jorn auch Karel Appels Umgang mit der Malerei auf das grundlegende Merkmal dieses informellen Ansatzes hin: Spontaneität wie in den Zeichnungen von Kindern, Geisteskranken und der Volkskunst, ein farbiger Ausdruck emotionaler Intensität.

Zu den zahlreichen Künstlern des gestischen Informel gehörte der Italiener Emilio Vedova, der auf großen zusammengesetzten Flächen fast gewaltsam malte.

Andere Künstler verwendeten wiederkehrende Motive und Zeichen, die im Gegensatz zu Tropfen oder Flecken als erkennbare grafische Elemente, aber ohne spezifische Bedeutungen, neue, unentzifferbare, nicht konzeptuelle visuelle Alphabete schufen, in denen die kalligrafische Komponente offensichtlich ist. Schreiben auf der Leinwand wie auf einem unkonventionellen Blatt Papier mit Farb- oder Tuschestrichen.

Zu den bedeutendsten Künstlern der Zeichenmalerei zählt Wols zusammen mit Georges Mathieu, einem der berühmtesten und erfolgreichsten Maler Frankreichs, der den Weg für die Lyrische Abstraktion ebnete, sowie mit Hans Hartung und, neben vielen anderen, dem Italiener Giuseppe Capogrossi.

Mathieuskalligrafischer Ansatz war für die Schule richtungsweisend, und seine Betonung der schnellen Ausführung stellte eine Verbindung zu einem unmittelbaren, intuitiven Ausdruck her: keine vorher existierende Form oder Referenz, eine ungeplante Bewegung des Künstlers, fast in einem Zustand der Ekstase: eine lockere Malerei mit einem “lyrischen” Effekt, oft unter Verwendung reicher Farben, die an die natürliche Welt und eine Art Gleichgewicht in den geschaffenen Bildern erinnern.

Die materielle Malerei hingegen, und das ist die in Europa am stärksten ausgeprägte Tendenz, wird aus Farbe mit heterogenen und ungewöhnlichen Materialien ausgeführt, von speziellen Mischungen bis hin zu echten dreidimensionalen Einsätzen, die dem Künstler im jeweiligen Moment der Entstehung zur Verfügung stehen.

Die wirkliche Veränderung, die die Materialmaler herbeiführten, bestand darin, über die Form hinauszugehen, indem sie, wie es vor ihnen noch nicht geschehen war, von armen Materialien wie Staub und Sand, Steinen, Zeitungen und Stoffen oder Glas zu anderen, für ihre Zeit innovativen Materialien wie Kunststoffen übergingen.

Die Matiérisme- oder Matter-Malerei hatte sich Anfang der 1940er Jahre durchgesetzt und hatte unter ihren großen Interpreten Jean Dubufett, der nach dem Vorbild der dick gemalten Oberflächen von Fautrier mit"haute pates" oder erhabenen Pasten arbeitete, da er eine dichte Mischung verwendete, in die er verschiedene Dinge mischte, darunter Erde und Zement oder Asphalt. Mit dieser Technik verwandelte sich die flache Leinwand in eine taktile, in den Raum hineinreichende Relieffläche.

In diese Richtung arbeiteten der Spanier Antoni Tàpies und in Italien vor allem Alberto Burri, der während des Zweiten Weltkriegs in einem texanischen Gefangenenlager mit behelfsmäßigen Werkzeugen zu malen begann und sich dann, den Pinsel beiseite lassend, mit Gemälden aus Hanfsäcken durchsetzte, die Risse, Nähte, Flicken, Verbrennungen und das Nebeneinanderstellen dessen zeigten, was er auch aus dem Müll gesammelt hatte. “Wenn ich ein Material nicht habe, verwende ich ein anderes”, sagt der Künstler, der verbranntes Holz, Blech und Plastik in seine Kompositionen einbaut. Denn die Werke lassen sich nicht mehr in die traditionellen Kategorien der Malerei oder der Skulptur einordnen.

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